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O ícone mais antigo da coleção do museu. Provavelmente foi escrito no século XII. Seu autor é desconhecido, acredita-se que eles o escreveram em Novgorod. Recebeu o nome do fato de que cada cabelo na imagem estava saturado com folha de ouro. Apareceu no Museu Russo em 1934, antes disso vagou de Museu Rumyantsev- para o Histórico, de lá - para a Galeria Tretyakov.

A maioria foto famosa artista Karl Bryullov, de quem, acredita-se, nosso escola nacional quadro. As escavações em Pompéia começaram exatamente na época em que Bryullov estudava na Itália. Então ele desenhou muitos esboços da natureza.

Como Baratynsky escreveu mais tarde, “o último dia de Pompeia tornou-se o primeiro dia para o pincel russo”. Uma enorme tela épica, escrita por Bryullov em três anos, tornou-se um símbolo da emergente escola russa de pintura. No país, o artista foi literalmente carregado nos braços. E Nicolau I pendurou a pintura na Academia de Artes, para que os pintores iniciantes saibam no que se concentrar.

Ivan Aivazovsky pintou centenas de quadros do mar, este é o mais famoso. Majestoso elemento do mar, tempestade, mar e contra o pano de fundo de tudo isso - vítimas indefesas de um naufrágio tentando escapar no mastro de um navio.

O talento de Aivazovsky ainda é famoso em todo o mundo, suas pinturas aparecerão em leilões internacionais e o famoso pintor marinho inglês Turner, que admirava nosso artista, escreveu um poema laudatório em sua homenagem.

Um dos mais pinturas famosas artista Vasnetsov (junto com "Alyonushka" ou "Ivan Tsarevich"). O artista pintou seu cavaleiro várias vezes. A princípio, toda a inscrição era visível - ele a removeu. A princípio, o cavaleiro ficou de frente para o espectador - ele o virou, ficou mais monumental. Além disso, havia uma estrada na foto - Vasnetsov a removeu também, para maior desesperança.

E até hoje, "Vityaz" é considerado um dos melhores pinturas russas sobre enredos de contos de fadas e a imagem canônica de nossa segunda pintura metade do século XIX século, juntamente com pinturas de Repin e Surikov.

“Foi assim que os cossacos responderam a você, pobre. Você nem vai alimentar os porcos dos cristãos. Terminamos com isso, porque não sabemos a data e não temos um calendário, um mês no céu, um ano em um livro, e nosso dia é igual ao seu, para isso um beijo em ** ** nós! - este foi, segundo a lenda, o fim da carta dos cossacos Zaporizhzhya ao sultão turco. Seu texto chegou até nós na forma de listas (cópias escritas) e acredita-se que tenha sido escrito no século XVII, quando mais uma vez o sultão turco exigiu que os cossacos parassem de atacar o Porto Brilhante e se rendessem.

Uma cópia foi encontrada pelo historiador iekaterinoslavo Novitsky, que a deu a seu colega Yavornitsky, que, por sua vez, a leu para seus amigos, entre os quais o artista Ilya Repin. Ele ficou tão interessado no enredo que logo decidiu pintar um quadro baseado nele. O próprio Yavornitsky posou para Repin como modelo para o balconista. Ataman Sirko, o artista escreveu do governador-geral de Kyiv, Dragomirov. E um cossaco gordo e risonho de túnica vermelha e chapéu branco é o escritor Gilyarovsky.

A pintura foi mais tarde reconhecida como historicamente não confiável (e houve muitas reclamações sobre a carta em si), mas no final seu sucesso em exposições (inclusive no exterior) foi tão grande que a pintura acabou sendo comprada pelo próprio imperador Alexandre III para colocação no museu. Museu Russo.

A principal tela histórica monumental do artista de Krasnoyarsk Vasily Surikov, por causa da qual ele viajou para a Suíça. O artista dispensou o próprio comandante de um professor de um ginásio local ou de um oficial cossaco aposentado.

O resultado foi uma ordem do estado por acaso: o artista pintou um quadro para o 100º aniversário da campanha alpina de Suvorov em 1899, como resultado, o imperador Nicolau II gostou tanto que o comprou para o Museu Russo.

Uma das principais pinturas da obra do artista Vereshchagin, uma das poucas expostas no Museu Russo (a maior parte da coleção é mantida na Galeria Tretyakov). O artista - como sempre, com precisão fotográfica inimaginável na época - criou uma história real digna dos melhores fotojornalistas do nosso tempo. Luxuosas portas da mesquita da Ásia Central e na frente delas - os pobres, para quem este mundo rico está fechado para sempre.

Esta, aliás, é uma das poucas pinturas não militares de Vereshchagin: ele se tornou famoso principalmente como um pintor de batalha, com a compostura do repórter revelando os horrores da guerra: e em Ásia Central, e nos Balcãs. Vereshchagin também morreu na guerra: no encouraçado Petropavlovsk em Port Arthur.

Estilo incrível enredo antigo artista modernista. Valentin Serov, inspirado pelas escavações na ilha de Creta (onde, segundo a lenda, Zeus na forma de um touro levou a Europa), pintou não apenas um quadro, mas um grande painel decorativo.

O Museu Russo detém uma das seis cópias da pintura. Uma versão grande está na Galeria Estatal Tretyakov.

Uma das pinturas mais poderosas dedicadas a guerra civil. Em Petrov-Vodkin, a morte é desprovida de qualquer pathos, qualquer pathos. O comissário moribundo e o soldado que o segura não têm expressão de dor e raiva em seus rostos: apenas fadiga, indiferença, falta de vontade de avançar, enquanto o resto dos combatentes corre para a batalha ao som dos tambores.

Alexander Deineka pintou este quadro em 1942, literalmente imediatamente após a queda de Sebastopol. Ele viu fotos da cidade destruída, e Deineka decidiu criar uma grande tela heróica sobre aqueles que defenderam Sebastopol. Acabou sendo uma imagem um pouco pretensiosa, mas emocionalmente muito forte sobre a coragem e a desesperança da posição daqueles que decidiram não desistir a todo custo.

Uma foto: Pavel Karavashkin, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru

O Museu Estatal Russo em São Petersburgo é a maior coleção de pinturas de artistas russos, com mais de 400.000 obras. Não há outra coleção de arte russa no mundo.

Criação do Museu Russo

O decreto que institui o museu foi publicado em 1895. Para isso, foram adquiridos o Castelo Mikhailovsky e o jardim ao redor, além de serviços e dependências. De acordo com o decreto, todas as obras já adquiridas pelo museu não podem ser vendidas ou transferidas para ninguém. Eles devem estar sempre na coleção. Em 1898, o Estado Russo abriu para visitantes por três anos, ansioso por este evento. Recebeu obras da Academia das Artes, do Hermitage, Palácio de inverno e coleções particulares. A exposição inicial não foi extensa.

Depois da revolução

A coleção foi constantemente reabastecida e a área do museu foi ampliada com a adição de novas instalações. Nos anos Guerra Patriótica todas as obras mais valiosas foram evacuadas e não sofreram nada. Os que permaneceram na cidade sitiada foram cuidadosamente embalados e armazenados em porões. Eles também permaneceram intactos. O Museu Estatal Russo lidou totalmente com uma tarefa tão difícil - salvar toda a exposição, que já tinha mais de sete mil exposições.

Crescimento do Museu

Novas chegadas foram adicionadas ativamente nos anos 50. Ele colocou o Museu Estatal Russo da obra tanto no Palácio Mikhailovsky quanto no Corpo de Benois assim como outras construções. Eles têm uma seção com obras de valor inestimável de Rublev, Dionísio e vários outros pintores de ícones dos primeiros e final da Idade Média. O Museu Estatal Russo guarda obras dos séculos XVIII e XIX.

A foto mostra o trabalho de D. G. Levitsky "Retrato de E. I. Nelidova". O museu se orgulha da integridade das pinturas apresentadas aos visitantes. Enumeração dos nomes e sobrenomes de nossos proeminentes e artistas brilhantes vai ocupar muito espaço. O Museu Estatal Russo apresenta amplamente obras de meados e final do século XIX, bem como obras de pintores do "Mundo da Arte" e artistas futuristas, que também são o orgulho do museu. Um salão inteiro é dedicado às obras do artista, crítico de arte e decorador.

Na foto A. N. Benois "Desfile no reinado de Paulo I". A coleção do museu contém pinturas de artistas soviéticos de todos os períodos de existência. União Soviética. Atualmente, o Museu Estatal Russo coleciona e exibe obras novas e não tradicionais. Este departamento, dedicado às últimas tendências, foi criado há cerca de trinta anos.

pintura famosa

A exposição é "Quadrado Preto". O Museu Estatal Russo já o adquiriu com fama escandalosa e o colocou no edifício Benois.

Crio escândalo alto era tarefa dos artistas futuristas, e depois dos supermatistas, chamar a atenção para si mesmos. Seu antecessor foi Heróstrato, que, para permanecer por séculos, incendiou o templo. O principal desejo de Malevich e seus associados é destruir tudo: nos libertamos de tudo que o precedeu e agora faremos arte em um lugar limpo, uniforme e queimado. Inicialmente, Malevich fez um quadrado preto como cenário para a ópera. Dois anos depois, ele criou uma teoria que prova que está acima de tudo (supermatismo), e nega tudo: tanto a forma quanto a natureza. Há simplesmente arte do nada.

Impressionante exposição de 1915

Na exposição "0.10" havia pinturas compostas por quadrados, cruzes, círculos, e nesta sala no canto superior direito, onde estão pendurados ícones, Malevich pendurou seu quadrado.

O que é importante aqui? A praça ou o lugar onde está pendurada? Claro, o lugar era mais importante do que o que estava desenhado, especialmente considerando que estava escrito "nada". Imagine "nada" no lugar de Deus. Foi um evento muito significativo. Foi um golpe de relações públicas fenomenalmente talentoso, pensado até o fim, porque nós estamos falando não sobre o que é mostrado lá. A declaração foi assim - nada, escuridão, vazio, escuridão em vez de Deus. “Em vez de um ícone que leva à luz, há um caminho para a escuridão, para um bueiro, para um porão, para o inferno” (Tatyana Tolstaya). A arte está morta, aqui está uma bobagem. Você está disposto a pagar por isso. O "Quadrado Negro" de Malevich não é arte, mas um ato brilhante de um vendedor muito talentoso. Muito provavelmente, "Quadrado Preto" - apenas rei nu, e isso vale a pena falar, e não sobre as profundezas da compreensão do mundo. "Quadrado Preto" não é arte, porque:

Onde está o talento de sentir?

Onde está a habilidade? Qualquer um pode desenhar um quadrado.

Onde está a beleza? O espectador deve pensar por muito tempo o que isso significa, e nunca entender.

Onde está a violação da tradição? Não há tradições lá.

Assim, se olharmos desse ponto de vista, vemos o que aconteceu e está acontecendo com a arte, que rompe com a sinceridade, que passa a apelar ao intelecto, ou seja, “penso por muito tempo o que fazer para tornar acontece um escândalo, e eles me notam”. Uma pessoa normal se pergunta: “Por que ele fez isso? Você queria ganhar dinheiro ou queria expressar alguns de seus sentimentos? A questão da sinceridade surgiu porque o artista está pensando em como se vender. A busca da novidade leva a arte à completa não-objetividade, e esse esforço intelectual vem da cabeça, não do coração. Malevich e outros como ele estavam procurando maneiras de escândalos e vendas, que agora é elevado a uma altura profissional. É muito importante trazer uma teoria para sua criação e acrescentar um nome longo e inteligente incompreensível, que mais importante que a imagem. Por alguma razão, o que é incompreensível para uma pessoa é considerado talentoso em nossa sociedade. A ausência de um princípio espiritual no “Quadrado Negro” é inegável para muitos. Um sinal de tempo e auto-negociação hábil é o "Quadrado Preto". O Museu Estatal Russo não poderia perder um trabalho tão "falado".

drama no mar

Em 1850, Aivazovsky criou a pintura em grande escala A Nona Onda. O Museu Estatal Russo agora exibe este trabalho.

Uma onda poderosa paira sobre os destroços do navio. A humanidade é representada neste quadro como marinheiros infelizes, que, no resto de um mastro, impróprio para velejar, agarram-se desesperadamente a ele, enquanto a onda quer implacavelmente engoli-lo. Nossos sentimentos estão divididos. Eles são consumidos pela ascensão deste onda gigante. Entramos com seu movimento ascendente e experimentamos a tensão entre o pente e a força da gravidade, principalmente no momento em que o topo da onda quebra e se transforma em espuma. O poço é destinado a quem invadiu esse elemento da água sem pedir. Os marinheiros são uma força ativa que penetra nas ondas. Pode-se tentar considerar esta composição como uma imagem de harmonia na natureza, como uma imagem de uma combinação harmoniosa de água e terra, que não é visível, mas está presente em nossas mentes. A água é um elemento fluido, mutável, instável, e a terra como principal objeto de esperança nem é mencionada. Isso é, por assim dizer, um incentivo ao papel ativo do espectador. Esta é uma imagem do universo, que é mostrada através da paisagem. As ondas no horizonte parecem montanhas cobertas de neblina, são mais suaves e se repetem mais perto do observador. Isso leva à ordenação rítmica da composição. A cor é marcante, rica em tons de rosa e roxo no céu, e verde, azul, roxo no mar, penetrado por raios sol Nascente trazendo alegria e otimismo. Uma das joias da coleção é trabalho romântico"A Nona Onda". O Museu Estatal Russo tem uma obra-prima pintada pelo jovem Aivazovsky.

Tragédia na terra

Se na imagem anterior dois elementos estavam envolvidos, água e vento, então terra e fogo aparecem ameaçadoramente na próxima tela - este é "O Último Dia de Pompéia". O Museu Estatal Russo recebeu da coleção da Academia de Artes.

Escrito em 1834 e exibido em Roma, o quadro causou furor entre os italianos e, posteriormente, entre os espectadores russos. Pushkin, Gogol, Baratynsky dedicaram linhas sinceras a ela. Por que esse trabalho é relevante hoje? Com a plasticidade dos movimentos, os giros de corpos e cabeças, a dinâmica da paleta colorida, o artista reviveu os acontecimentos de milênios passados. Estamos envolvidos nas terríveis experiências de pessoas que estão prestes a morrer na lava ardente causada por uma erupção vulcânica e um poderoso terremoto. Não existem tais tragédias hoje? A forma clássica do trabalho é perfeita, o artesanato é soberbo, faz você lembrar os nomes dos artistas Alta Renascença. A obra-prima de Karl Bryullov captura com sua beleza, apesar de retratar a morte da civilização antiga.

Museu nos tempos modernos

Se o museu original consistisse em Palácios imperiais, agora é todo um conjunto, extraordinariamente belo, que é Centro Cultural porque resolve problemas científicos e educacionais. Das profundezas dos séculos, o legado de grandes pintores chegou até nós. Obras clássicas, românticas, cotidianas e de gênero são mantidas pelo Museu Estatal Russo. A foto mostra-nos o edifício principal - o Palácio Mikhailovsky.

Este espaço de vida foi reconstruído para guardar o trabalho dos mestres do pincel.

Conjunto contíguo ao palácio

O Museu Estatal Russo está alojado em seis monumentos arquitetônicos dos séculos XVIII-XIX, que é complementado pelo Verão e Jardins Mikhailovsky, onde os visitantes podem admirar não só o rigoroso plantio regular de arbustos e árvores, mas também belas esculturas. Excursões são realizadas nos prédios do museu, bem como serviços adicionais são fornecidos por uma sala de palestras, uma sala de cinema, uma aula de Internet, uma cafeteria equipada para receber pessoas com deficiência.

"O Último Dia de Pompéia", Karl Bryullov

"O Último Dia de Pompéia", de Karl Bryullov, é a pintura mais famosa do mundo sobre o tema da erupção do Vesúvio.

Após a apresentação da pintura em Milão em 1833, Bryullov tornou-se objeto de culto fanático na Itália, que nenhum artista foi homenageado neste país desde o Renascimento. Quando ele descia a rua - os transeuntes tiravam o chapéu na frente dele, quando ele entrava no teatro - a platéia se levantava. Multidões de pessoas se reuniram perto de sua casa, desejando cumprimentar seu ídolo.

É interessante que Bryullov tenha se retratado em um dos personagens da pintura, e sua amiga condessa Yulia Samoilova aparece na tela três vezes.

"A Nona Onda", I.K. Aivazovsky

O verdadeiro nome de Ivan Konstantinovich Aivazovsky é Hovhannes Gevorgovich Ayvazyan.

Para criar a pintura "A Nona Onda" Aivazovsky usou apenas 4 cores - vermelho, amarelo, verde e marrom. Os efeitos colorísticos mais ricos da tela são criados pela mistura de cores primárias.

Aivazovsky tinha uma memória visual absoluta e criou a maioria de suas pinturas sem natureza, usando apenas esboços condicionais. Ele trabalhou tão rápido que conseguiu pintar uma vista marinha de tamanho médio em 2 horas. Durante sua vida, o artista pintou mais de 6 mil quadros.

"Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco", I. E. Repin

Poucas pessoas sabem que a pintura "Cossacos escrevem uma carta ao sultão turco" não está sozinha. Existem três versões que diferem ligeiramente na composição e nos personagens. A versão de 1887 está exposta na Galeria Tretyakov, a versão de 1891 (principal) no Museu Estatal Russo em São Petersburgo. O terceiro, que o artista chamou de "o mais confiável historicamente", está localizado na terra natal de I.E. Repin, no Museu de Arte de Kharkov.

Como modelos para os seis personagens dos Zaporozhians, Repin usou seus conhecidos e amigos, adequados para o tipo. Em particular, um cossaco corpulento de chapéu branco, que muitos comparam com Taras Bulba, é Vladimir Gilyarovsky (“Tio Gilyai”), viajante famoso e escritor.

"Sadko", I. E. Repin

"Sadko" - a única pintura de Repin em história de fadas, e um dos poucos em que usou a técnica dos impressionistas. O artista conheceu o impressionismo na França, para onde viajou como pensionista da Academia de Artes. Repin chegou a pintar várias pinturas usando suas técnicas (“Sadko”, “Last Ray”, etc.), mas o resultado do mestre iniciante não foi satisfeito. E, embora fosse previsto um enorme sucesso nos círculos impressionistas, ele abandonou resolutamente o estilo, que considerava "tecnicamente interessante, mas decididamente vazio em significado".

O modelo para criar a imagem de Sadko era um amigo de I. E. Repin, artista V. M. Vasnetsov (autor de Bogatyrs, Alyonushka, etc.)

"O Cavaleiro na Encruzilhada", V.M. Vasnetsov

Três pinturas "O Cavaleiro na Encruzilhada" foram pintadas. Nas duas primeiras versões, o herói está de frente para o público. A versão de 1878 é mantida no Museu Histórico e de Arte de Serpukhov. A versão de 1879 foi exibida na primeira exposição da "União dos Artistas Russos" em 1903-1904. e foi comprado por um colecionador americano. 110 anos depois, em 2013, a pintura retornou à Rússia e foi apresentada em Moscou na vernissage "Rússia: a tentação da história". A versão de 1882, na qual o cavaleiro está de costas para o público, pode ser vista no Museu Estatal Russo.

« Noite de luar no Dnieper”, A. I. Kuindzhi

Em 1880, foi realizada uma exposição em São Petersburgo, na qual uma única pintura foi exibida. Mesmo assim, ela fez barulho, filas se formaram na exposição e muitos visitantes vieram ver a foto mais de uma vez. Era "Moonlight Night on the Dnieper" de Arkhip Ivanovich Kuindzhi. O inusitado luar apresentado na tela foi enfatizado pelo fato de a pintura ter sido exposta em sala escura. Muitos visitantes não acreditavam que fosse possível pintar a luz da lua de forma tão realista e olhavam para trás do quadro em busca de uma lâmpada escondida.

"Suvorov Atravessando os Alpes", V. I. Surikov

Tendo concebido a pintura “Suvorov Atravessando os Alpes”, V. I. Surikov foi à Suíça e visitou todas as passagens por onde passou o exército do famoso Generalíssimo em 1799. Ele não apenas pintou esboços de paisagens para a imagem futura nesses lugares, mas também rolou a neve e o gelo, determinando a velocidade dos personagens em diferentes estágios da descida.

O quadro foi pintado e exibido em 1899 - por ocasião do 100º aniversário da façanha militar incomparável de A. Suvorov.

Os diretores famosos Andrei Konchalovsky e Nikita Mikhalkov são descendentes diretos de V.I. Surikov.

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2. O próprio palácio foi construído em 1819-1826 para o príncipe Mikhail Pavlovich, o irmão mais novo dos imperadores Alexandre I e Nicolau I.

3. O arquiteto foi o famoso Carl Rossi.

4. A coleção inicial baseava-se em obras recebidas em 1898 da Academia das Artes (122 pinturas), do Hermitage (80 pinturas), do Palácio de Inverno, palácios suburbanos - Gatchina e Alexander (95 pinturas), bem como adquiridas em coleções.

5. Até a inauguração do Museu Russo, o acervo contava com 445 pinturas, 111 esculturas, 981 desenhos, gravuras e aquarelas, além de cerca de 5 mil monumentos antigos: ícones e produtos da antiga arte e artesanato russo.

6. Em 1941, a maior parte da coleção foi evacuada para Perm, o restante foi retirado da exposição, empacotado e escondido nos porões do prédio. Durante a Grande Guerra Patriótica, nem uma única exposição do museu foi danificada.

7. No final do século 20 - início do século 21, edifícios com 92 esculturas de mármore, o Palácio de Mármore, o Palácio Stroganov, foram incluídos no Museu Russo.

8. Os interiores do palácio não são menos impressionantes do que as coleções nele contidas.

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11. As paredes estão decoradas com magníficas tapeçarias europeias.

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14. Há algumas esculturas nas escadas. Aqui fragmento de uma estátua do telhado do Palácio de Inverno, autor J. Boumchen.

15. Escultor M. A. Kolo, modelo principal do monumento a Pedro I.

16. Na seção de arte russa antiga, os ícones dos séculos XII-XV estão amplamente representados.

17. Estas são as obras de Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e outros mestres.

18. O mais antigo dos ícones da coleção é o Anjo do Cabelo Dourado, datado da segunda metade do século XII. A maioria dos especialistas atribui isso à escola de pintura de ícones de Novgorod.

19. A mais completa é a coleção de obras de arte Arte XVIII- a primeira metade do século XIX.

20. Três esboços e vários esboços para a pintura de Alexander Ivanov "A Aparição de Cristo ao Povo".

21. A tela épica medindo 5,4 por 7,5 metros foi criada por Ivanov durante 20 anos, de 1837 a 1857. Agora é exibido na Galeria Tretyakov, esboços e esboços - no Museu Russo.

22. Também no salão há uma escultura em estilo antigo. V. Demut-Malinovsky, "Russian Scaevola".

23. N. Pimenov, "Um jovem jogando dinheiro".

24. Karl Bryullov, retrato do arquiteto Konstantin Ton, autor da Catedral de Cristo Salvador.

25. "Cristo e o Pecador", Vasily Polenov, 1888.

26. Foi escrito sob a influência do já mencionado "A Aparição de Cristo ao Povo".

27. Na pintura, o autor procurou contar a parábola bíblica “aquele que dentre vós está sem pecado, o primeiro que lhe atirar uma pedra” como um acontecimento histórico real.

28. A pintura foi exposta na XV Exposição Itinerante em São Petersburgo e em Moscou, onde foi comprada por Alexandre III para sua coleção.

29. Fragmento da pintura “Fryne at the Feast of Poseidon in Elêusis”, G.I. Semiradsky, 1889.

30. A série histórica russa inclui obras baseadas em contos de fadas. M.A. Vrubel, "Bogatyr", 1898-1899.

31. Também Vrubel, prato Sadko, 1899-1900.

32. A mesma pedra com a inscrição da pintura de V.M. Vasnetsov "O Cavaleiro na Encruzilhada", 1882.

33. Lareira majólica "Volga e Mikula" da casa de Bazhanov. Feito de acordo com os esboços do mesmo Vrubel.

34. Navios positivos da pintura de Nicholas Roerich "Slavs on the Dnieper".

35. Leonid Posen, "Scythian", 1889-1890.

36. A. L. Ober, "Tigre e Sipaio".

37. Muitas pinturas retratam a natureza. "Onda" de Ivan Aivazovsky.

38. Linda em seu minimalismo "Lake" de Isaac Levitan.

39. O gênio da paisagem Arkhip Kuindzhi, "Arco-íris", 1900-1905.

40. Mordvin Oaks por Ivan Shishkin.

41. Seu próprio "Córrego em uma floresta de bétulas".

42. E aqui está o próprio Ivan Ivanovich, um retrato de Ivan Kramskoy, 1880.

43. Ilya Repin, Bielorrússia, 1892

44. Coleção de pinturas com russo sabor nacional abre Boris Kustodiev. "O Mercador do Chá", escrito no final, apenas em 1918.

45. No fundo - a Rússia patriarcal.

46. ​​F. Malyavin, "Duas Garotas", 1910.

47. "Spring Sunny Day" de Konstantin Yuon - uma imagem de luz no humor, é bom escrever ensaios sobre ela.

48. Uma pintura semelhante de Boris Kustodiev - "Entrudo".

49. Um retrato de Fyodor Chaliapin em estilo semelhante foi pintado por Kustodiev em 1921.

50. Antecedentes de um grande artista.

51. Outro retrato de Chaliapin, feito em 1911 por K.A. Korovin, é preenchido com a luz e a facilidade da vida pré-guerra.

52. Distribuído em milhões de cozinhas soviéticas, a pintura de Vasily Perov “Hunters at Rest” foi escrita em 1871. Em termos de reconhecimento, pode ser comparado com o "Desconhecido" de Ivan Kramskoy.

53. Parte de outra tela famosa - "A Captura da Cidade da Neve", Vasily Surikov, 1891.

54. E esta é outra imagem familiar a todos desde a infância.

55. "Barcaças no Volga" foi escrito por Ilya Repin em 1870-1873.

56. Perto você pode ver um dos esboços para a pintura com uma composição completamente diferente.

57. Em sua outra foto - um estudante brincalhão. "Preparação para o exame", 1864.

58. A imagem de Vasily Petrov "refeição do mosteiro" pode ser considerada por um longo tempo.

59. Foi escrito em 1865 e é uma sátira maligna ao clero.

60. Um dignitário importante com uma amante arrogante e curvando-se obsequiosamente diante deles, o padre, contando com doações para o mosteiro. Uma mendiga com crianças famintas tenta desesperadamente pedir esmolas. E abaixo, um pop está subindo em algum lugar.

61. Tela multifigurada por K.A. Savitsky "Para a Guerra", criado em 1880-1888, é dedicado a despedir os soldados da guerra russo-turca.

62. Agora você diria, “um filho patriota não encontrou apoio de um pai liberal”?

63. Um dos episódios dessa guerra foi retratado pelo pintor de batalha V.V. Vereshchagin - "Skobelev perto de Shipka".

64. Todo mundo se lembra de "The Girl with Peaches", o estilo de Valentin Serov é difícil de confundir. Esta imagem é chamada de "Crianças", na qual o artista retratou seus filhos Sasha e Yura.

65. A glória de Serov como retratista tornou-se para ele uma verdadeira escravidão e uma maldição. Depois de 1895, pintou muitos retratos encomendados pela nobreza burguesa e aristocrática. Este é um retrato de Alexandre III com um relatório nas mãos, 1900.

66. Partida do imperador Pedro II e Tsesarevna Elizaveta Petrovna para caçar, 1900.

67. No retrato do Conde F.F. Sumarokova-Elston com um cachorro (1903) O próprio Serov insistiu na imagem do cão amado do jovem conde, e ele parece no retrato quase mais significativo que seu mestre.

68. O mesmo com o cavalo no retrato do Príncipe F.F. Yusupov, mas aqui o animal é apresentado completamente enfurecido.

69. O trabalho oficial de Ilya Repin "A reunião cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901 em homenagem ao centenário" com esboços ocupa um salão inteiro com uma clarabóia no teto.

70. No início do século XX, a era mudou, o realismo foi substituído pela modernidade. Retrato cubista da poetisa Anna Akhmatova por Natan Altman, 1914.

71. Também no início do século houve um florescimento dos teatros. UM. Benois, comédia italiana", 1906.

72. Auto-retrato de V.I. Shukhaev como Pierrot, 1914.

73. Boris Grigoriev, retrato de Meyerhold, 1916. A pose foi criada pelo próprio artista. O diretor foi forçado a posar na ponta dos pés por um longo tempo, e é por isso que ele parece tão abatido.

74. K.A. Somov, "O beijo ridículo", 1908.

75. Kuzma Petrov-Vodkin, auto-retrato, 1918

76. Somos transportados para a arte do período soviético.

Pintura da segunda metade do século XIX - início do XXI século

Dentre pinturas transferido para o Museu Russo na época de sua fundação, uma parte notável e artisticamente significativa foram as obras dos principais mestres da segunda metade do século XIX. (I.K. Aivazovsky, V.M. Vasnetsov, K.E. Makovsky, I.E. Repin, V.D. Polenov, V.I. Surikov). Apesar de a seleção de pinturas para o museu nas duas primeiras décadas de sua existência ter sido um pouco limitada pelos gostos conservadores do Conselho da Academia de Artes, o leque de pinturas apresentadas na coleção estava em constante expansão. Este é um grande mérito da equipe do museu, como Albert Benois e Alexander Benois, I.E. Grabar, P.I. Neradovsky e outros. Passos importantes foram dados para completar a coleção de pinturas artistas contemporâneos. Telas individuais e grupos inteiros de obras vieram das exposições de I.I. Levitan (em 1901 - póstuma), V.V. Vereshchagin (em 1905 - póstuma), Ya.F. Zionglinsky (em 1914 - póstuma), Associações de Viajantes exibições de arte(S.Yu. Zhukovsky, N.A. Kasatkin, I.I. Levitan, V.E. Makovsky), a Nova Sociedade de Artistas (B.M. Kustodieva, N.M. Fokina), dos autores (A.Ya. Golovin, V.A. Serov, M.V. Nesterov), de proprietários aleatórios (“Refeição” de V.G. Perov, “Retrato de O.K. Orlova” de V.A. Serov, etc.).

Esboços de M.A. Vrubel e pinturas de K.A. Somov da extensa coleção de V.N. Em breve a coleção de N.I. e E.M. Tereshchenko, que consistia principalmente em obras de artistas final do XIX- início do século XX. (incluindo o “Bogatyr” e “Serafim de seis asas” de M.A. Vrubel), a coleção de A.A. Korovin, onde havia telas de V.A. Serov, F.A. Malyavin, M.V. Nesterov, K.A. Korovin, bem como representantes do associações de arte "World of Art", "Blue Rose" e "Jack of Diamonds".

Reabastecimento da coleção de pinturas da segunda metade do século XIX - início do XX. continuou na década de 1930. Naquela época, entre outras obras, a “Grande Reunião do Conselho de Estado” de I.E. Repin foi transferida do Museu da Revolução. Do Estado Galeria Tretyakov o Museu Russo recebeu telas de mestres mal representados na coleção deste último (“Guitarrista-bobyl” e “Retrato de Ivan Sergeevich Turgenev” de V.G. Perov, “Auto-retrato” de N.V. Nevrev, “Cursista” de N.A. Yaroshenko, “ Flying Demon" de M.A. Vrubel e "Women" de F.A. Malyavin).

Nos últimos vinte anos, o museu recebeu cerca de duzentas pinturas da segunda metade do século XIX - início do século XX. A maioria dessas obras foi doada em 1998 pelos irmãos I.A. e Ya. A. Rzhevsky. Uma extensa coleção de pinturas de artistas russos, incluindo pinturas de I.K. Aivazovsky, I.I. Shishkin, N.N. Dubovsky, B.N. Kustodiev, K.Ya. palace. Também é necessário observar vários esboços e pinturas. artistas domésticos final do século 19 - século 20 (S.Yu. Zhukovsky, E.I. Stolitsa, A.B. Lakhovsky e outros), doado em 2009 por N.P. Ivashkevich. Aquisição notável anos recentes tornou-se a imagem de I.E. Repin "Retrato de um militar", anteriormente propriedade de uma das empresas norte-americanas.

Em 1926, além do Departamento de Arte do Museu Russo, o Departamento as últimas tendências. Seus fundos começaram a reabastecer propositalmente as obras de vanguarda direções artísticas e associações criativas o primeiro quartel do século XX, incluindo as obras de N.S. Goncharova, V.V. Kandinsky, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, M.F. Larionov, A.V. Lentulov, K.S. Malevich, L.S. Popova, V.E. Tatlin, R.R. Falk, P.N. Filonov, M.Z. Shagal e muitos outros .

Em 1927, a exposição do Museu Russo apresentou consistentemente inúmeras novas tendências, do pós-impressionismo à não objetividade. O departamento das últimas tendências durou apenas três anos, mas essencialmente lançou as bases para o Departamento de Pintura Soviética do Museu Estatal Russo (1932-1991), que este momento(no âmbito do Departamento de Pintura da 2ª metade dos séculos XIX-XI) tem reabastecido constantemente os fundos. Esses fundos, superiores a 6.000 itens, cobrem quase todas as áreas, escolas, tendências, principais tipos e gêneros de desenvolvimento da arte russa do século XX ao início do século XXI.

O Museu Russo possui uma das maiores coleções de obras da vanguarda russa e de seus principais mestres. A coleção pictórica apresenta as principais tendências inovadoras de meados da década de 1910: o abstracionismo (V.V. Kandinsky) e seu ramo puramente russo - o raionismo (M.F. Larionov, N.S. Goncharova), o neoprimitivismo (M.F. Larionov , N.S. Goncharova, A.V. Shevchenko, K.S. Malevich) , cubofuturismo (D.D. Burlyuk, K.S. Malevich, I.A. Puni, L.S. Popova, N.A. Udaltsova, A.A. Exter e outros), Suprematismo (K.S. Malevich, I.A. Puni, O.V. Rozanova, I.V. Klyun), construtivismo (V.E. Tatlin, A.M. .Rodchenko, A.A. Exter) , L.V. Popova), arte analítica (P.N. Filonov). Únicas em sua completude são as coleções de obras de mestres que criaram sistemas de arte(K.S.Malevich, P.N.Filonov, K.S.Petrov-Vodkin), bem como grandes pintores, incluindo aqueles cujos maneira criativa já começou em hora soviética(S.V. Gerasimov, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, B.M. Kustodiev, V.V. Lebedev, A.A. Rylov, A.V. Shevchenko, N.M. Romadin). Além disso, o acervo do museu apresenta obras de artistas - representantes de importantes escolas que existiram na era soviética (por exemplo, escola de Leningrado pintura de paisagem 1930-1950).

Arte realismo socialista mostrando alto mérito artistico, clareza do enredo, inclinação programática para "grande estilo" se reflete nas telas de A.A. Deineka, A.N. Samokhvalov, A.A. Plastov, guerras de Yu.I. e na segunda metade do século XX. Para o fundo de ouro arte soviética também estão incluídos os trabalhos de representantes de " estilo severo» e direções adjacentes de pesquisas pintura soviética 1960-1970 A coleção do museu contém obras de mestres da arte pós-guerra como N.I. Andronov, V.V. Vatenin, D.D. Zhilinsky, V.I. Ivanov, G.M. Korzhev, E.E. Moiseenko, P.F.Nikonov, P.P.Ossovsky, V.E.Popkov, V.M.Sidorov, V.F.Stozharov, irmãos A.P. e S.P. Tkachev, B.S. Ugarov, P.T. Fomin e outros, criados em uma ampla gama de gêneros - de imagem históricaà natureza morta.

que ocorreu nas décadas de 1970 e 1980. a atualização de experiências artísticas anteriormente rejeitadas deu origem nas profundezas da arte oficial a uma galáxia de mestres que trabalharam em sintonia com a “imagem das ideias” associada a uma compreensão metafórica e multifacetada do mundo ao redor e vida humana(O.V. Bulgakova, T.G. Nazarenko, N.I. Nesterova, I.V. Pravdin, A.A. Sundukov e outros). Durante o período da "perestroika" (1985-1991), a coleção do Museu Russo foi reabastecida com vários nomes de artistas que trabalharam no âmbito do underground. Agora a coleção pintura moderna- uma parte muito móvel e em rápido crescimento dos fundos do século XX - início do século XXI, mas a formação abrangente de toda a coleção pictórica continua.

Yaroshenko N.A. Retrato do artista Nikolai Ge.

1890. Óleo sobre tela.

Roerich N. K. Convidados estrangeiros.

1902. Óleo sobre papelão.