Os principais representantes do Renascimento francês. Renascimento na França

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Introdução

Cultura renascentista

Cultura renascentista na França

Pintura renascentista francesa:

A vida e obra de François Clouet

A vida e obra de François Clouet, o Jovem

A vida e obra de Jean Fouquet

Lista de literatura usada

Introdução

O Renascimento é uma época na história da cultura europeia dos séculos XIII a XVI, que marcou o advento da Nova Era.

O Renascimento é uma época na história da cultura e da arte, refletindo o início da transição do feudalismo para o capitalismo. Nas formas clássicas, o Renascimento tomou forma em Europa Ocidental, principalmente na Itália, mas processos semelhantes ocorreram em Europa Oriental e na Ásia. Em cada país, esse tipo de cultura tinha características próprias associadas às suas características étnicas, às tradições específicas e à influência de outras culturas nacionais. O renascimento está associado ao processo de formação da cultura secular e da consciência humanística. Sob condições semelhantes, processos semelhantes desenvolveram-se na arte, na filosofia, na ciência, na moralidade, na psicologia social e na ideologia. Os humanistas italianos do século XV concentraram-se no renascimento da cultura antiga, ideológica e princípios estéticos que foram reconhecidos como um ideal digno de imitação. Noutros países, tal orientação para a herança antiga pode não ter existido, mas a essência do processo de libertação humana e a afirmação da força, da inteligência, da beleza, da liberdade pessoal, da unidade do homem e da natureza são características de todas as culturas de o tipo renascentista.

No desenvolvimento da cultura renascentista distinguem-se as seguintes etapas: Primeira Renascença, cujos representantes foram Petrarca, Boccaccio, Donatello, Botticelli, Giotto, etc.; A Alta Renascença, representada por Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael, François Rabelais, e a Renascença Tardia, quando se revela uma crise do humanismo (Shakespeare, Cervantes). A principal característica do Renascimento é a integridade e versatilidade na compreensão do homem, da vida e da cultura. O forte aumento da autoridade da arte não levou à sua oposição à ciência e ao artesanato, mas foi percebido como a equivalência e igualdade de várias formas atividade humana. Durante esta época, as artes aplicadas e a arquitetura atingiram um nível elevado, combinando a criatividade artística com o design técnico e artesanal. A peculiaridade da arte renascentista é que ela tem um caráter democrático e realista pronunciado, tendo o homem e a natureza em seu centro. Os artistas alcançam uma ampla cobertura da realidade e são capazes de refletir com veracidade as principais tendências de seu tempo. Procuram os meios e métodos mais eficazes para reproduzir a riqueza e a diversidade das manifestações do mundo real. Beleza, harmonia, graça são consideradas propriedades do mundo real.

Cultura renascentista

Em diferentes países, a cultura renascentista desenvolve-se em ritmos diferentes. Na Itália, o Renascimento remonta aos séculos XIV-XVI, em outros países - aos séculos XV-XVI. O ponto mais alto no desenvolvimento da cultura renascentista ocorreu no século 16 - a Alta Renascença, ou Clássica, quando a Renascença se espalhou para outros países europeus.

As culturas de vários povos europeus estão unidas pelas ideias do humanismo. O princípio do humanismo, ou seja, o mais elevado desenvolvimento cultural e moral das capacidades humanas, expressa mais plenamente a orientação principal da Europa culturas XIV-XVI séculos As ideias do humanismo abrangem todas as camadas da sociedade - os círculos mercantis, as esferas religiosas, as massas. Está a emergir uma nova intelectualidade secular. O humanismo afirma a crença nas possibilidades ilimitadas do homem. Graças aos humanistas, a liberdade de julgamento, a independência em relação às autoridades e um espírito crítico ousado chegam à cultura espiritual. A personalidade, poderosa e bela, torna-se o centro da esfera ideológica. Uma característica importante da cultura renascentista foi o apelo à herança antiga. O antigo ideal do homem, a compreensão da beleza como harmonia e proporção, a linguagem realista das artes plásticas, em contraste com o simbolismo medieval, foram revividos. Artistas, escultores e poetas da Renascença foram atraídos por temas mitologia antiga e história, línguas antigas - latim e grego. A invenção da impressão desempenhou um papel importante na divulgação do património antigo.

A cultura renascentista foi influenciada por cultura medieval com a sua longa história e fortes tradições, mas os humanistas criticaram a cultura da Idade Média, considerando-a bárbara; Durante o Renascimento, apareceu um grande número de obras dirigidas contra a igreja e seus ministros. Ao mesmo tempo, a Renascença não foi uma cultura completamente secular. Algumas figuras queriam reconciliar o Cristianismo com a antiguidade ou criar uma religião nova e unificada, repensá-la. A arte da Renascença foi uma síntese única da antiga beleza física e da espiritualidade cristã. No final do século XV. na França, tendências estáveis do Renascimento são estabelecidas na literatura, pintura, escultura, etc. A maioria dos pesquisadores franceses data a conclusão do Renascimento na França entre os anos 70 e 80. Século XVI, considerando o final do século XVI. como uma transição do Renascimento através do maneirismo para o barroco e posteriormente o classicismo.

Cultura renascentista emFrança

O início do Renascimento francês caracterizou-se pelo desenvolvimento da herança antiga, que se aprofundou com os contactos culturais com a Itália.

Do final do século XV. Escritores, artistas, historiógrafos, filólogos italianos vêm para a França: o poeta Fausto Andrenini, o cientista grego John Lascaris, o filólogo Júlio César Slapiger, os artistas Benvenutto Cellini, Leonardo da Vinci. Graças à elegância do seu estilo, a obra “10 livros sobre os feitos dos francos” de Pavel Emin serviu de exemplo para as gerações mais jovens de humanistas franceses.

Jovens de famílias nobres e ricas migraram para a Itália para adquirir riqueza Cultura italiana. Isto afetou o caráter do Renascimento francês, especialmente na sua fase inicial, conferindo-lhe uma notável marca aristocrática-nobre, que se refletiu na assimilação pelas famílias nobres, em primeiro lugar, dos elementos externos da cultura do Renascimento italiano e o amplo patrocínio da corte real francesa. O patrocínio da emergente intelectualidade francesa foi fornecido por Ana de Breton, Francisco I; as tradições do círculo literário de Ana da Bretanha foram posteriormente continuadas por Margarida de Navarra, que atraiu Rabelais, Lefebvre d'Etal, o jovem Calvino, Clemmann, Marot, Bonavaventure, etc.

E, no entanto, não há razão para reduzir as especificidades do Renascimento francês apenas à aristocracia, nem para deduzir a sua génese apenas a partir das influências italianas. A cultura do Renascimento francês cresceu, antes de tudo, apenas em seu próprio solo. A base da sua origem foi a concretização da unificação política do país, a formação do mercado interno e a transformação gradual de Paris num centro económico, político e cultural, para onde gravitaram as regiões mais remotas. O fim da Guerra dos Cem Anos, que provocou o crescimento da autoconsciência nacional, também serviu como um poderoso estímulo para o desenvolvimento da cultura francesa.

O desenvolvimento de uma cultura humanística seria impossível sem aumentar o nível geral de educação. A alfabetização da população, especialmente urbana, é evidenciada pelo enorme número livros manuscritos. Um lugar de destaque entre eles (exceto a Bíblia e coleções de fabliaux medievais) é ocupado por manuscritos de tipo semelhante ao conto humanístico italiano (“A Grande Amostra de Novos Romances” de Nicola de Troyes, “100 Novas Novelas”, que combinou a influência do “Decameron” de Boccaccio com tradições cultura popular Idade Média), que abrem um novo rumo na literatura popular Renascença Francesa. O desenvolvimento da cultura na França também foi facilitado pela difusão da impressão.

Pintura renascentista francesa

O Renascimento foi uma etapa significativa no desenvolvimento da cultura francesa. Nesta altura, as relações burguesas desenvolviam-se rapidamente no país e o poder monárquico estava a fortalecer-se. A ideologia religiosa da Idade Média está gradualmente sendo empurrada para segundo plano pela visão de mundo humanista. Começando a desempenhar um papel importante na vida cultural da França arte secular. Realismo da arte francesa, conexão com conhecimento científico, o apelo às ideias e imagens da antiguidade aproxima-o do italiano. Ao mesmo tempo, o Renascimento na França tem um aspecto único, em que o humanismo renascentista se combina com elementos de tragédia nascidos das contradições da situação atual do país.

Como resultado de muitas derrotas da França durante a Guerra dos Cem Anos com a Inglaterra, que durou de 1337 a 1453, a anarquia feudal reinou no país. O campesinato, esmagado por impostos insuportáveis e pelas atrocidades dos ocupantes, levantou-se para lutar contra os seus opressores. O movimento de libertação irrompeu com particular força no momento em que as tropas britânicas, que haviam capturado o norte da França, se dirigiam para Orleans. Os sentimentos patrióticos resultaram na atuação de camponeses e cavaleiros franceses sob a liderança de Joana D'Arc contra as tropas inglesas. Os rebeldes obtiveram várias vitórias brilhantes. O movimento não parou mesmo quando Joana D'Arc foi capturada e, com o consentimento tácito dos. O rei francês Carlos VII foi queimado na fogueira pelo clero.

Como resultado da longa luta do povo contra os invasores estrangeiros, a França foi libertada. A monarquia usou esta vitória para seus próprios fins, mas a posição do povo vitorioso permaneceu difícil.

Na segunda metade do século XV. Graças aos esforços de Luís XI, a França tornou-se politicamente unificada. A economia do país desenvolveu-se, a ciência e a educação melhoraram, estabeleceram-se relações comerciais com outros estados e especialmente com a Itália, de onde a cultura penetrou na França. Em 1470, foi inaugurada uma gráfica em Paris, onde, junto com outros livros, começaram a imprimir obras de humanistas italianos.

Está se desenvolvendo a arte das miniaturas de livros, nas quais imagens místicas e religiosas foram substituídas por ideias realistas sobre o mundo que nos rodeia. Os talentosos artistas já mencionados acima, os irmãos Limburg, trabalham na corte do Duque de Borgonha. Famosos mestres holandeses trabalharam na Borgonha (pintores van Eyck irmãos, escultor Sluter), portanto nesta província a influência do Renascimento holandês é perceptível na arte dos mestres franceses, enquanto em outras províncias, por exemplo na Provença, a influência do italiano O Renascimento aumentou.

Um de maiores representantes do Renascimento francês foi o artista Enguerrand Charonton, que trabalhou na Provença, que pintou obras monumentais e complexas construção composicional telas em que, apesar da temática religiosa, manifestava claramente o interesse pelo homem e pela realidade que o rodeava (“Madona da Misericórdia”, “Coroação de Maria”, 1453). Embora as pinturas de Sharonton se distinguissem pela sua decoratividade (linhas refinadas conectadas em um ornamento fantasioso, simetria da composição), um lugar importante nelas era ocupado por cenas cotidianas detalhadas, paisagens, figuras humanas. Nos rostos dos santos e de Maria, o espectador pode ler os sentimentos e pensamentos que os possuem, e aprender muito sobre o caráter dos heróis.

O mesmo interesse pela paisagem, pela cuidadosa representação de todos os detalhes da composição, distingue as obras de altar de outro artista provençal - Nicolas Froment (“A Ressurreição de Lázaro”, “A Sarça Ardente”, 1476).

As características do novo na arte francesa manifestaram-se de forma especialmente clara no trabalho de artistas da escola do Loire, que trabalharam na parte central da França (no vale do rio Loire). Muitos representantes desta escola viveram na cidade de Tours, onde no século XV. foi a residência do rei francês. Um residente de Tours foi um dos pintores mais importantes desta época, Jean Fouquet.

Um dos artistas mais famosos do final do século XV. foi Jean Clouet, o Velho, também conhecido como o Mestre de Moulins. Até 1475 trabalhou em Bruxelas e depois mudou-se para Moulins. Por volta de 1498-1499 Jean Clouet, o Velho, realizou a sua obra mais significativa - um tríptico para a Catedral de Moulins, em cuja porta central é apresentada a cena “Nossa Senhora na Glória”, e nas portas laterais há retratos de clientes com santos padroeiros.

A parte central representa a Madona com o Menino, acima de cuja cabeça os anjos seguram uma coroa. Provavelmente, Clouet usou uma garota francesa, frágil e bonita, como modelo para a imagem artística de Maria. Ao mesmo tempo, a abstração do conceito do autor e os efeitos decorativos (círculos concêntricos em torno de Maria, anjos formando uma guirlanda nas bordas da tela) conferem à obra alguma semelhança com a arte gótica.

De grande interesse são as belas paisagens que Jean Clouet, o Velho, coloca em composições com temas religiosos. Ao lado das figuras de santos nessas obras estão imagens de retrato clientes. Por exemplo, na tela “A Natividade” (1480), à direita de Maria você pode ver o Chanceler Rolin cruzando as mãos em oração.

Na segunda metade do século XV. Simon Marmion também trabalhou na França, realizando diversas composições de altares e miniaturas, entre as quais sua obra mais famosa são as ilustrações para as “Grandes Crônicas Francesas”, e Jean Bourdichon, retratista e miniaturista que criou maravilhosas miniaturas para o Livro de Horas de Ana da Bretanha.

O maior artista desta época foi Jean Perreal, que dirigiu a escola de pintura de Lyon. Ele não era apenas um artista, mas também um escritor, arquiteto e matemático. Sua fama foi além da França e se espalhou pela Inglaterra, Alemanha e Itália. Perreal serviu sob o rei Carlos VIII e Francisco I, e em Lyon atuou como especialista em construção. Vários de seus retratos foram preservados, incluindo o retrato de Maria Tudor (1514), Luís XII e Carlos VIII. Uma das melhores obras de Perreal é a charmosa e poética “Menina com Flor”. Também interessantes são as suas pinturas da Catedral de Puy, nas quais, juntamente com obras religiosas e imagens antigas o artista colocou retratos de humanistas franceses, entre eles destaca-se a imagem de Erasmo de Rotterdam.

No início do século XVI. A França era o maior estado (em área e população) da Europa Ocidental. Por esta altura, a situação dos camponeses tinha sido um pouco facilitada e as primeiras formas capitalistas de produção tinham surgido. Mas a burguesia francesa ainda não tinha atingido o nível para ocupar posições de poder no país, como foi o caso das cidades italianas nos séculos XIV-XV.

Esta época foi marcada não apenas por transformações na economia e na política da França, mas também pela ampla disseminação das ideias humanísticas da Renascença, que foram mais plenamente representadas na literatura, nas obras de Ronsard, Rabelais, Montaigne e Du Bellay. Montaigne, por exemplo, considerava a arte o principal meio de educação humana.

Tal como na Alemanha, o desenvolvimento da arte esteve intimamente ligado ao movimento reformista dirigido contra a Igreja Católica. Os camponeses insatisfeitos com a sua situação, bem como as classes populares urbanas e a burguesia participaram neste movimento. Depois de uma longa luta foi suprimido, o catolicismo manteve a sua posição. Embora a Reforma tenha tido apenas um impacto limitado na arte, as suas ideias penetraram entre os artistas humanistas. Muitos pintores e escultores franceses eram protestantes.

Os centros da cultura renascentista foram cidades como Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges e Lyon. O rei Francisco I desempenhou um papel importante na divulgação das ideias renascentistas, convidando artistas, poetas e cientistas franceses para a sua corte. Leonardo da Vinci e Andrea del Sarto trabalharam na corte real durante vários anos. Em torno da irmã de Francisco, Margarida de Navarra, que estava empenhada em atividade literária, poetas e escritores humanistas unidos, promovendo novas visões sobre a arte e a ordem mundial. Na década de 1530. Os maneiristas italianos fundaram uma escola de pintura secular em Fontainebleau, que teve uma influência significativa no desenvolvimento das belas-artes francesas.

Lugar importante na pintura francesa da primeira metade do século XVI. ocupada pela arte dos artistas Giovanni Battista Rosso, Niccolo del Abbate e Francesco Primaticcio convidados da Itália para pintar o palácio real de Fontainebleau. O lugar central em seus afrescos era ocupado por temas mitológicos, alegóricos e históricos, que incluíam imagens de figuras femininas nuas, que não eram encontradas nas pinturas dos mestres franceses da época. A arte refinada e graciosa, embora um tanto educada, dos italianos teve grande influência em muitos artistas franceses, que deram origem a um movimento denominado escola de Fontainebleau.

De grande interesse arte de retrato este período. Os retratistas franceses deram continuidade às melhores tradições dos mestres do século XV e, sobretudo, de Jean Fouquet e Jean Clouet, o Velho.

Os retratos eram difundidos não apenas na corte; as imagens a lápis serviam como fotografias modernas em muitas famílias francesas. Esses desenhos eram frequentemente distinguidos pelo virtuosismo de execução e pela autenticidade na transmissão de traços de caráter humano.

Os retratos a lápis eram populares em outros países europeus, por exemplo, na Alemanha e na Holanda, mas lá desempenhavam o papel de um esboço que precedeu um retrato pintado, e na França tais obras tornaram-se um gênero independente.

O maior pintor de retratos francês desta época foi Jean Clouet, o Jovem.

Um excelente retratista foi Corneille de Lyon, que trabalhou em Lyon, que pintou imagens femininas sutis e espirituais (“Retrato de Beatrice Pacheco”, 1545; “Retrato da Rainha Claude”), distinguidas por um desenho quase em miniatura e esmaltes sutis e sonoros cores.

Crianças simples e sinceras e retratos masculinos Corneille de Lyon caracteriza-se pela capacidade de revelar a profundidade do mundo interior do modelo, a veracidade e naturalidade das poses e gestos (“Retrato de um Menino”, “Retrato de um Homem Desconhecido com Barba Negra”).

De meados do século XVI. Talentosos retratistas a lápis trabalharam na França: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, que deram continuidade às tradições do famoso François Clouet. Excelentes retratistas que trabalharam com técnicas gráficas foram os irmãos Etienne e Pierre Dumoustier.

A vida e obra de François Clouet

pintura de arte renascentista francês

François Clouet nasceu por volta de 1516 em Tours. Estudou com o pai, Jean Clouet, o Jovem, e ajudou-o no cumprimento de encomendas. Após a morte de seu pai, ele herdou do rei sua posição como pintor da corte.

Embora a influência de Jean Clouet, o Jovem, seja perceptível na obra de François Clouet, bem como Mestres italianos, dele Estilo de arte distingue-se pela sua originalidade e personalidade forte.

Uma das melhores obras de François Clouet é a pintura “Mulher que toma banho” (c. 1571), que na sua forma de execução lembra um pouco a pintura da escola de Fontainebleau. Ao mesmo tempo, ao contrário das composições mitológicas desta escola, gravita em torno do gênero retrato. Alguns historiadores da arte acreditam que a pintura retrata Diane de Poitiers, enquanto outros acreditam que esta seja a amada de Carlos IX, Marie Touchet. A composição contém elementos de gênero: a pintura retrata uma mulher em uma banheira, ao lado da qual está uma criança e uma enfermeira com um bebê nos braços; ao fundo, uma empregada aquecendo água para banho. Ao mesmo tempo, graças à estrutura composicional especial e ao retrato óbvio na interpretação da imagem de uma jovem olhando para o espectador com o sorriso frio de uma brilhante dama da sociedade, a tela não dá a impressão de uma cena cotidiana comum. .

A notável habilidade de François Clouet é evidente em seus retratos. Seus primeiros retratos lembram em muitos aspectos as obras de seu pai, Jean Clouet, o Jovem. Em obras mais maduras pode-se sentir o estilo original do mestre francês. Embora na sua maioria estes retratos se caracterizem pela pompa e solenidade, o brilho dos acessórios e o luxo dos trajes e cortinas não impedem o artista de apresentar ao espectador as características vividamente individuais dos seus modelos.

Vários retratos de Carlos IX pintados por François Clouet sobreviveram. Em um dos primeiros retratos a lápis de 1559, o artista retratou um adolescente presunçoso, olhando importante para o observador. Um desenho de 1561 mostra um jovem retraído e ligeiramente constrangido, vestido com roupa formal. O pitoresco retrato, executado em 1566, mostra ao espectador Carlos IX em pleno crescimento. Em sua figura frágil e rosto pálido, o artista percebeu os principais traços de seu personagem: indecisão, falta de vontade, irritabilidade, teimosia egoísta.

Uma das obras mais notáveis da arte francesa do século XVI. tornou-se um retrato pitoresco de Isabel da Áustria, pintado por François Clouet por volta de 1571. A pintura retrata uma jovem com um vestido magnífico, decorado com joias brilhantes. Seu lindo rosto está voltado para o observador e seus expressivos olhos escuros parecem cautelosos e desconfiados. A riqueza e a harmonia das cores fazem da tela uma verdadeira obra-prima da pintura francesa.

De forma diferente foi pintado um retrato íntimo, no qual François Clouet retratou seu amigo, o farmacêutico Pierre Cute (1562). O artista colocou o herói em seu ambiente habitual de escritório, próximo à mesa onde fica o herbário. Em comparação com o trabalho anterior, a pintura distingue-se por um esquema de cores mais contido, construído numa combinação de tons dourados, verdes e pretos.

De grande interesse são os retratos a lápis de François Clouet, entre os quais se destaca o retrato de Jeanne d'Albret, representando uma jovem elegante, em cujo olhar o espectador pode assumir um carácter forte e decisivo.

No período de 1550 a 1560, François Clouet criou muitos retratos gráficos, incluindo belos desenhos representando o pequeno Francisco II, uma menina alegre e encantadora Margarita Valois, Maria Stuart, Gaspard Coligny, Henrique II. Embora algumas imagens sejam um tanto idealizadas, Característica principal os retratos permanecem com seu realismo e veracidade. A artista utiliza diversas técnicas: sanguíneo, aquarela, traços pequenos e leves.

François Clouet morreu em 1572 em Paris. Sua arte teve grande influência sobre artistas contemporâneos e artistas gráficos, bem como sobre mestres franceses das gerações subsequentes.

A vida e obra de François Clouet, o Jovem

Jean Clouet, o Jovem, filho de Jean Clouet, o Velho, nasceu por volta de 1485. Seu pai se tornou seu primeiro professor de pintura. Poucas informações sobre a vida do artista foram preservadas; só se sabe que é de 1516; Jean Clouet, o Jovem, trabalhou em Tours, e a partir de 1529 - em Paris, onde ocupou o cargo de artista da corte.

Os retratos de Jean Clouet, o Jovem, são surpreendentemente autênticos e verdadeiros. Estas são as imagens a lápis dos cortesãos: Diane de Poitiers, Guillaume Gouffier, Anne Montmorency. O artista pintou mais de uma vez alguns associados do rei: três retratos de Guyot de Genouillac, participante da Batalha de Marignano, pintados em 1516, 1525 e 1526, e dois retratos do marechal Brissac, datados de 1531 e 1537, têm sobreviveu até hoje. Um de seus melhores retratos a lápis é a imagem do Conde d'Etan (c. 1519), em que é perceptível o desejo do mestre de penetrar nas profundezas do mundo interior de uma pessoa. O retrato de Erasmo de Rotterdam (1520), surpreendentemente vital. e espiritual, também é notável.

Jean Clouet, o Jovem, tinha excelente domínio não só do lápis, mas também do pincel. Isto é comprovado pelas poucas pinturas que sobreviveram até hoje. Entre eles está um retrato do Delfim Francisco (c. 1519), Duque Claude de Guise (c. 1525), Louis de Cleves (1530).

As imagens dos solenes retratos cerimoniais da pequena Carlota de França (c. 1520) e de Francisco I a cavalo (1540) são um tanto idealizadas. De grande interesse é o retrato íntimo de Madame Canapelle (c. 1523), representando sensualmente. linda mulher com um sorriso malicioso nos lábios ternos e um retrato simples e severo de um homem desconhecido com um volume de Petrarca na mão.

Alguns pesquisadores acreditam que o retrato de Francisco I, atualmente guardado no Louvre, foi pintado por Jean Clouet, o Jovem. Esta versão é confirmada por um desenho feito pelo artista, embora seja possível que tenha servido de modelo para um dos alunos de Jean Clouet, o Jovem (por exemplo, seu filho François Clouet) criar um retrato pitoresco do rei.

O retrato de Francisco I do Louvre combinava solenidade, decoratividade e o desejo de refletir as características individuais do modelo - o rei cavaleiro, como Francisco era chamado por seus contemporâneos. O esplendor do cenário e o rico traje do rei, o brilho dos acessórios - tudo isso dá esplendor ao quadro, mas não ofusca a diversidade de sentimentos humanos e traços de caráter que podem ser lidos no olhar de Francisco: traição , vaidade, ambição, coragem. O retrato mostrou a habilidade de observação do artista, sua capacidade de perceber com precisão e verdade aquilo que distingue uma pessoa da outra.

Jean Clouet, o Jovem, morreu em 1541. Seu trabalho (especialmente seus desenhos) teve grande influência sobre numerosos estudantes e seguidores, entre os quais talvez o mais talentoso foi seu filho François Clouet, a quem Ronsard em sua “Elegia a Jean” (os contemporâneos de Jean chamavam todos eles representantes da família Clouet) chamada “a honra da nossa França”.

A vida e obra de Jean Fouquet

Jean Fouquet nasceu por volta de 1420 em Tours, na família de um padre. Estudou pintura em Paris e, possivelmente, em Nantes. Ele trabalhou em Tours como artista da corte do rei Carlos VII e depois de Luís XI. Ele tinha uma grande oficina onde eram executadas as ordens da corte real.

Fouquet viveu vários anos na Itália, em Roma, onde conheceu a obra de mestres italianos. Mas, apesar de em suas obras, especialmente nas primeiras, ser perceptível a influência da arte italiana e holandesa, o artista rapidamente desenvolveu um estilo próprio e único.

A arte de Fouquet manifestou-se mais claramente no gênero retrato. Os retratos criados pelo artista Carlos VII e seus ministros são realistas e verdadeiros, não há neles lisonja nem idealização. Embora a forma de execução destas obras lembre em muitos aspectos as pinturas de pintores holandeses, os retratos de Fouquet são mais monumentais e significativos.

Na maioria das vezes, Fouquet retratou seus modelos em momentos de oração, de modo que os heróis de suas obras parecem imersos em seus próprios pensamentos, parecem não perceber nem o que está acontecendo ao seu redor nem o público. Seus retratos não se distinguem pela pompa cerimonial e pelo luxo dos acessórios; as imagens neles são comuns, prosaicas e góticas estáticas.

O retrato de Carlos VII (c. 1445) traz a inscrição: “Rei Mais Vitorioso da França”. Mas Fouquet retratou o rei de forma tão confiável e verdadeira que não há absolutamente nenhuma indicação de sua vitória: a imagem mostra um homem frágil e Pessoa feia, em cuja aparência não há nada de heróico. O espectador vê diante de si um egoísta, farto da vida e cansado do entretenimento, com olhos pequenos, nariz grande e lábios carnudos.

O retrato de um dos cortesãos mais influentes do rei, Juvenel des Urzens (c. 1460), também é verdadeiro e até impiedoso. A pintura retrata um homem obeso com o rosto inchado e uma aparência presunçosa. O retrato de Luís XI também é realista. O artista não tentou embelezar seus modelos de forma alguma; ele os retratou exatamente como eram em vida. Isto é confirmado pelos numerosos desenhos a lápis que precederam os retratos pintados.

A obra-prima de Fouquet foi um díptico escrito por volta de 1450, uma parte do qual retrata Etienne Chevalier com São Pedro. Stephen, e por outro - Madonna e Menino Jesus. Maria surpreende com sua graça e beleza serena. Os corpos pálidos da Madona com o Menino, o vestido cinza-azulado e o manto de arminho de Maria contrastam fortemente com as figuras vermelhas brilhantes dos anjinhos que cercam o trono. As linhas claras, o colorido lacônico e rigoroso da pintura conferem solenidade e expressividade à imagem.

As imagens da segunda parte do díptico distinguem-se pela mesma clareza estrita e profundidade interior. Seus personagens são atenciosos e calmos, suas aparências refletem traços de caráter brilhantes. Estêvão permanece livre e simples, retratado como uma pessoa real, e não como um santo. Sua mão repousa protetoramente sobre o ombro de Etienne Chevalier, um tanto constrangido, que é representado pelo artista no momento da oração. O Cavaleiro é um homem idoso com rosto cheio de rugas, nariz adunco e olhar severo em olhos pequenos. Provavelmente era exatamente assim que ele era em vida. Tal como a pintura com a Madonna, esta parte do díptico distingue-se pela integridade da composição, pela riqueza e sonoridade da cor, baseada em tons vermelhos, dourados e lilases.

As miniaturas ocupam um lugar de destaque na obra de Fouquet. Estas obras do artista são muito semelhantes às obras dos irmãos Limburg, mas são mais realistas na representação do mundo circundante.

Fouquet criou ilustrações maravilhosas para as “Grandes Crônicas Francesas” (final da década de 1450), o Livro das Horas de Etienne Chevalier (1452-1460), as “Novelas” de Boccaccio (c. 1460), as “Antiguidades dos Judeus” de Josefo (c. 1470). Nas miniaturas que representam cenas religiosas, antigas ou da vida italiana, pode-se discernir artista contemporâneo Cidades francesas com ruas tranquilas e Grandes áreas, prados, colinas, margens de rios da bela terra natal do pintor, maravilhosos monumentos arquitetônicos da França, incluindo a Catedral de Notre Dame, Sainte-Chapelle.

As miniaturas quase sempre contêm figuras humanas. Fouquet adorava retratar cenas da vida camponesa, urbana e da corte, e episódios de batalhas da guerra recentemente encerrada. Em algumas miniaturas é possível ver retratos de contemporâneos do artista (“Representação de Nossa Senhora de Etienne Chevalier”).

Fouquet é um cronista talentoso; suas obras descrevem eventos históricos com incrível precisão, detalhes e verdade. Trata-se da miniatura “O Julgamento do Duque de Alençon em 1458”, representando mais de duzentos caracteres numa só folha. Apesar do grande número de figuras, a imagem não se funde e a composição permanece clara e nítida. Os personagens em primeiro plano parecem especialmente vivos e naturais - os habitantes da cidade que vieram assistir ao julgamento, os guardas que reprimem a pressão da multidão. O esquema de cores faz muito sucesso: a parte central da composição é destacada pelo fundo azul do tapete que cobre a sede do julgamento. Outros tapetes com belos padrões, tapeçarias e plantas enfatizam a expressividade da miniatura e conferem-lhe uma beleza especial.

As obras de Fouquet atestam a capacidade de seu autor de transmitir o espaço com maestria. Por exemplo, sua miniatura “St. Martin" (Livro de Horas de Etienne Chevalier) retrata a ponte, o aterro, as casas e as pontes com tanta precisão e autenticidade que é fácil reconstruir a aparência de Paris durante o reinado de Carlos VII.

Muitas das miniaturas de Fouquet distinguem-se pelo seu lirismo sutil, criado graças à paisagem poética e calma (folha “David fica sabendo da morte de Saulo” de “Antiguidades dos Judeus”).

Fouquet morreu entre 1477-1481. Muito popular em vida, o artista foi rapidamente esquecido pelos compatriotas. Sua arte só recebeu avaliação digna muitos anos depois, no final do século XIX.

Zconclusão

A arte durante o Renascimento foi o principal tipo de atividade espiritual. Quase não havia pessoas indiferentes à arte. Trabalhos de arte expressam mais plenamente o ideal de um mundo harmonioso e o lugar do homem nele. Todos os tipos de arte estão subordinados a esta tarefa em vários graus.

Os ideais da Renascença foram expressos de forma mais plena pela arquitetura, escultura e pintura, e a pintura durante esse período ganhou destaque, deixando de lado a arquitetura. Isso se explica pelo fato de a pintura ter tido mais oportunidades de exposição mundo real, sua beleza, riqueza e diversidade.

Uma característica da cultura renascentista é a estreita ligação entre ciência e arte. Os artistas, tentando refletir da forma mais completa todas as formas naturais, recorrem ao conhecimento científico. Um novo sistema está sendo desenvolvido visão artística paz. Os artistas da Renascença desenvolveram os princípios da perspectiva linear. Esta descoberta ajudou a ampliar o leque de fenómenos retratados, a incluir a paisagem e a arquitectura no espaço pictórico, fazendo da fotografia uma espécie de janela para o mundo. A combinação de cientista e artista em um personalidade criativa só foi possível durante o Renascimento. Durante o Renascimento, novos estilos e tendências surgiram e se desenvolveram, o que determinou em grande parte tanto o florescimento da cultura moderna quanto o seu desenvolvimento.

COMlista de literatura usada

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8) Livshits N.A. Arte francesa dos séculos XV-XVIII. L., 1967.

9) Petrusevich N.B. Arte da França séculos XV-XVI. M., 1973.

10) Kamenskaya T.D. Novoselskaya I.N. Desenho francês dos séculos XV-XVI. L., 1969.

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O início do Renascimento francês remonta a meados do século XV. Foi precedido pelo processo de formação da nação francesa e pela formação de um Estado nacional. No trono real está o representante da nova dinastia - Valois. Sob Luís XI, a unificação política do país foi concluída. As campanhas dos reis franceses na Itália apresentaram aos artistas as conquistas da arte italiana. As tradições góticas e as tendências holandesas na arte estão sendo suplantadas Renascença italiana. O Renascimento francês teve o caráter de uma cultura da corte, cujas bases foram lançadas por reis patronos, começando com Carlos V.

O maior criador Início da Renascença Jean Fouquet (1420-1481) é considerado o pintor da corte de Carlos VII e Luís XI. Ele também é chamado de grande mestre da Renascença Francesa.

Ele foi o primeiro na França a incorporar de forma consistente os princípios estéticos do Quattrocento italiano, que pressupunham, antes de tudo, uma visão clara e racional do mundo real e uma compreensão da natureza das coisas através do conhecimento de suas leis internas.

Em 1475 tornou-se "o pintor do rei". Nesta qualidade, ele cria muitos retratos cerimoniais, incluindo Carlos VII. A maior parte do património criativo de Fouquet consiste em miniaturas de livros de horas, em cuja execução por vezes participou a sua oficina. Fouquet pintou paisagens, retratos e pinturas de temas históricos. Fouquet foi o único artista de seu tempo que possuía uma visão épica da história, cuja grandeza era proporcional à Bíblia e à antiguidade. Suas miniaturas são feitas de forma realista e ilustrações de livros, em particular à edição de “O Decameron” de G. Boccaccio.

No início do século XVI, a França tornou-se o maior estado absolutista da Europa Ocidental. A corte real tornou-se o centro da vida cultural, e os primeiros conhecedores e conhecedores da beleza foram pessoas próximas a ele e a comitiva real. Sob Francisco I, admirador do grande Leonardo da Vinci, a arte italiana tornou-se moda oficial. Os maneiristas italianos Rosso e Primaticcio, convidados por Margarida de Navarra, irmã de Francisco I, fundaram a escola de Fontainebleau em 1530. Este termo é normalmente usado para descrever um movimento da pintura francesa que surgiu no século XVI no castelo de Fontainebleau. Além disso, é aplicado em obras em histórias mitológicas, às vezes voluptuoso, e às intrincadas alegorias criadas artistas desconhecidos e também voltando ao maneirismo. A Escola de Fontainebleau tornou-se famosa por criar majestosas pinturas decorativas dos conjuntos do castelo. A arte da escola de Fontainebleau, juntamente com a arte parisiense do início do século XVII, desempenhou um papel de transição na história da pintura francesa: nela se detectam os primeiros sintomas do classicismo e do barroco.

No século 16, as bases do francês foram lançadas linguagem literária e alto estilo. O poeta francês Joachin Du Bellay (c. 1522-1560) publicou um manifesto programático em 1549, “A Defesa e Glorificação da Língua Francesa”. Ele e o poeta Pierre de Ronsard (1524-1585) foram os representantes mais proeminentes da escola poética francesa do Renascimento - ". Plêiades", que tinha como objetivo elevar Francês no mesmo nível das línguas clássicas - grego e latim. Os poetas das Plêiades foram guiados por literatura antiga. Abandonaram as tradições da literatura medieval e procuraram enriquecer a língua francesa. A formação da língua literária francesa esteve intimamente relacionada com a centralização do país e com o desejo de utilizar uma única língua nacional para esse fim.

Tendências semelhantes no desenvolvimento de línguas e literaturas nacionais apareceram em outros países europeus.

Entre os representantes proeminentes do Renascimento francês estava também o escritor humanista francês François Rabelais (1494-1553). Seu romance satírico “Gargântua e Pantagruel” é um monumento cultural enciclopédico do Renascimento francês. A obra é baseada em livros folclóricos sobre gigantes que foram muito difundidos no século XVI (os gigantes Gargântua, Pantagruel, o buscador da verdade Panurge). Rejeitando o ascetismo medieval, as restrições à liberdade espiritual, a hipocrisia e o preconceito, Rabelais revela os ideais humanistas de sua época nas imagens grotescas de seus heróis.

Apontar para desenvolvimento cultural A França do século XVI foi encenada pelo grande filósofo humanista Michel de Montaigne (1533-1592). Vindo de uma rica família de comerciantes, Montaigne recebeu uma excelente educação humanística e, por insistência do pai, ingressou na jurisprudência. A fama de Montaigne foi trazida a ele por suas “Experiências” (1580-1588), escritas na solidão do castelo de sua família, Montaigne, perto de Bordeaux, que deu nome a toda uma direção da literatura europeia - o ensaísmo (ensaio francês - experiência). O livro de ensaios, marcado pelo pensamento livre e por uma espécie de humanismo cético, apresenta um conjunto de julgamentos sobre os costumes cotidianos e os princípios do comportamento humano em diversas circunstâncias. Compartilhando a ideia do prazer como objetivo da existência humana, Montaigne o interpreta no espírito epicurista - aceitando tudo o que a natureza deu ao homem.

Ao longo do século XV, num ambiente histórico complexo caracterizado pela fragmentação feudal e pelas condições da Guerra dos Cem Anos (1337-1453), ocorreram mudanças no campo das belas-artes francesas, que gradualmente adquiriram um carácter secular.

O espírito do gótico, no entanto, penetrou profundamente na consciência das pessoas, e os gostos, baseados na tradição gótica profundamente enraizada, foram transformados muito lentamente. Até finais do século XVI. na arquitetura o medieval-

Formas altas e renascentistas e até elementos góticos foram preservados na escultura e na pintura.

Talvez a primeira forma de arte onde as tendências realistas se manifestaram mais plenamente tenham sido as miniaturas de livros. É nas ilustrações de salmos, evangelhos, livros de horas e crônicas históricas que vemos uma nova atitude em relação ao mundo que nos rodeia e uma transição de uma imagem convencional para uma imagem realista. A atenção especial à natureza, o desejo de estudá-la e imitá-la levaram a novas técnicas de transmissão da realidade: objetos e figuras humanas lançam sombras, vastos espaços recuam na distância, os objetos tornam-se menores à medida que se afastam e adquirem contornos borrados. Pela primeira vez, os artistas começaram a transmitir o ambiente leve-ar e a mecânica do movimento do corpo humano. Aspirações totalmente novas na arte francesa do século XV. manifestaram-se na obra de artistas que trabalharam em Tours, residência do rei, principal Centro Cultural França naquela época. Touraine foi chamada de Toscana Francesa, e aqui nasceu um novo estilo de arte da Renascença Francesa.

Um dos mais importantes artistas franceses do século XV viveu e trabalhou em Tours. -Jean Fouquet(1420-1477/81).

Fouquet foi o primeiro artista francês cujo trabalho mostrou claramente um interesse pela individualidade humana e pela transmissão da semelhança do retrato. No quadro do retábulo gótico, a obra-prima indiscutível é o “díptico de Melensky”, em cuja ala esquerda estão representados o doador (cliente da imagem do altar) Etienne Chevalier e o padroeiro Santo Estêvão, à direita - a Madonna e Criança. As expressivas figuras do doador e do santo em três quartos ocupam quase todo o plano do quadro e, apesar de algum ascetismo das imagens, não parecem desapegadas e sobrenaturais. O espaço atrás de suas figuras é marcado pela profundidade e seus rostos por cravos naturais. A brancura de mármore do rosto exangue da Madonna e do corpo do bebê, ao contrário, destacam-se nitidamente contra o fundo absolutamente plano de um luxuoso trono sustentado por estatuetas de serafins e querubins em vermelho ardente e azul brilhante. Ao mesmo tempo, testa alta raspada, boca pequena, pele branca, cintura bem puxada, pose e vestido azul-acinzentado com túnica de arminho são traços característicos da aparência de uma dama da corte da época, especialmente porque a imagem de Nossa Senhora não deixa de ter uma semelhança com o retrato da amada Agnes Sorel de Carlos VII. Este contraste entre o momento cerimonial e sagrado e as realidades cotidianas é semelhante às técnicas usadas por Jan van Eyck em suas pinturas de altar (ver cor incl.).

Os crescentes laços comerciais com a Itália e, em seguida, as campanhas italianas dos reis franceses Carlos VIII e Francisco I abriram caminho para a penetração generalizada da cultura renascentista italiana na França. A peculiaridade do humanismo francês foi determinada pela sua ligação com o ambiente da corte. Esta não era uma cultura burguesa, como na Holanda, mas uma cultura de corte, e o patrocínio da arte por Francisco I deu-lhe um tom aristocrático. Na França, o maior desenvolvimento esteve associado à visão de mundo secular. sensacionalismo - percepção através da sensação. Na arte ele foi mais plenamente representado escola de Fontainebleau e poetas "Plêiades", Francisco I atraiu para sua corte as pessoas mais esclarecidas da França, poetas, artistas e cientistas. Fã da arte italiana, convidou artistas famosos da Itália, que, embora não tenham tido impacto significativo na arte francesa, certamente contribuíram para a superação das tradições medievais nela. O grande Leonardo da Vinci passou os últimos três anos de sua vida na corte de Francisco I.

As ideias mais completa e vividamente avançadas da Renascença francesa foram incorporadas na literatura. Havia um círculo literário na corte real. A irmã do rei, Margarida de Navarra, ela própria uma escritora notável (sua caneta é a famosa "Heptameron", escrita em imitação do "Decameron" de Boccaccio), reuniu em torno de seus escritores e poetas humanistas, em cujas obras novas ideias e aspirações soavam especialmente claras. Foram Rabelais, Ronsard, Montaigne, cujas obras, sem dúvida, contribuíram para a transformação da sociedade em nova maneira.

François Rabelais(1494-1553) foi maior representante Renascença Francesa, seu romance “Gargantua e Pantagruel” desempenhou o mesmo papel na cultura da França que “ A Divina Comédia» Dante na Itália, ou seja, contribuiu grandemente para o rápido desenvolvimento de ideias humanísticas características da Renascença.

O enredo foi tirado por Rabelais de literatura popular, nomeadamente do livro “Grandes e Inestimáveis Crónicas do Grande e Enorme Gigante Gargântua”. Rabelais transformou os heróis em gigantes, dotando-os da amplitude de alma e da amplitude inerentes, como se costuma acreditar, às pessoas grandes; O humor folclórico grotesco e grosseiro formou a base do estilo de escrita de Rabelais. O próprio romance foi um genuíno manifesto da Renascença francesa.

Este é um hino entusiástico às novas ideias no campo da educação, às quais as pessoas que criaram nova cultura, deu muito grande importância, pois se pretendia preparar desde a primeira infância a pessoa para perceber essa cultura. Rabelais, baseado em prática docente Os humanistas italianos lançaram as bases da educação pública em dois princípios: em primeiro lugar, uma pessoa deve receber não só conhecimentos, mas também educação física e, em segundo lugar, no sistema educativo devem alternar-se várias disciplinas - humanidades e ciências naturais, intercaladas com recreação . Ao declarar este programa, Rabelais atacou simultaneamente os escolásticos e os teólogos com toda a força da sua sátira desenfreada como reduto ideológico do velho mundo.

A imagem de Pantagruel, personificando o monarca ideal e o homem ideal, refletia em certa medida as virtudes que os monarcas esclarecidos Francisco I e Henrique II sem dúvida possuíam. A vida na corte obrigava o escritor a seguir os gostos do monarca, lisonjear o seu orgulho, mas ao mesmo tempo deu a oportunidade de influenciar esses gostos. Até o poeta Ronsard criou obras nas quais, glorificando a casa de Valois, exortava o rei a ser guiado na vida e nos atos por elevados princípios e virtudes.

Na criatividade Pedro de Ronsard(1524-1585) e escritores humanistas que se uniram no círculo literário “Plêiades” (“Sete Estrelas”), a poesia renascentista francesa atingiu o seu apogeu. As “Plêiades” eram compostas por sete escritores que romperam decisivamente com as tradições da literatura medieval, viram a fonte da beleza perfeita na poesia italiana antiga e moderna e defenderam os direitos dos franceses Língua nacional. O legado criativo mais significativo das Plêiades foi a poesia lírica, na qual os poetas, o primeiro dos quais foi Ronsard, descobriram o seu talento com notável brilho. No "Hino da França" ele declarou:

Cativado aos vinte anos por uma beleza despreocupada, resolvi expressar meu calor sincero na poesia, mas, concordando com os sentimentos da língua francesa, vi como ela era rude, obscura e feia. Depois, para a França, para a minha língua nativa, comecei a trabalhar com coragem e severidade:

Multipliquei, ressuscitei, inventei palavras,

E o que foi criado foi glorificado pelos boatos.

Tendo estudado os antigos, descobri meu caminho,

Ele deu ordem às frases, variedade às sílabas,

Encontrei a estrutura da poesia - e pela vontade das musas,

Tal como o romano e o grego, o francês tornou-se grande.

Nas odes de Ronsard há um sentido sereno e pagão da natureza:

Eu envio estas linhas para você, Pastagens livres, campos,

Você, cavernas, riachos, bosques, rios preguiçosos,

Você, caindo do penhasco, eu mando um riacho para o vagabundo

Chave da montanha. Minha música.

Nos Sonetos 1, Ronsard enriqueceu a poesia francesa com uma nova métrica conhecida como linha de Ronsard:

Enxuga, meu pajem, com mão impiedosa o esmalte primaveril que decorou o jardim, os seixos de toda a casa, despeja nele o aroma das flores e das ervas que floresceram sobre o rio.

Dê-me a lira! Afinarei as cordas para enfraquecer aquele veneno invisível, com o qual um único olhar me queimou, governando-me inseparavelmente.

Tinta, papel - dê-nos todos os suprimentos! Em cem folhas de papel, imperecíveis como um diamante, quero capturar meus anseios,

E o que eu derreto silenciosamente em meu coração - Minha melancolia, minha tristeza silenciosa - As gerações futuras dividirão.

Sob Francisco I, a construção começou em toda a França. Arquitetos franceses do século XVI. criou uma versão original da arquitetura renascentista nacional. Tendo se voltado para as formas arquitetônicas antigas e para a experiência da Itália, eles não abandonaram a invenção de seus ancestrais. A combinação de telhados íngremes tradicionais com janelas lucarne (uma janela que se abre no telhado do sótão) e altas chaminés, pináculos, torres com processamento ordenado das paredes tornou-se característica. A base foi retirada de um antigo castelo, construído em pedra calcária lapidada em combinação com tijolo, e reconstruído de uma nova forma nas formas arquitetônicas dos altos clássicos. O castelo manteve a mesma planta poligonal, as muralhas da fortaleza foram desmanteladas e as fachadas dos edifícios passaram a ficar voltadas para a envolvente, mas era possível entrar no castelo através de pesadas portas com torres. A direção vertical do edifício foi suavizada pelo uso generalizado de um entablamento, grande quantia janelas estendidas; a habitual decoração gótica foi substituída por medalhões, pilastras, folhas de acanto, salamandras coroadas - emblema de Francisco I.

Muitos castelos semelhantes foram criados na primeira metade do século XVI. no Vale do Loire, em residências reais. Estes são os castelos de Blois, Chambord, Cheverny, Amboise, Chenonceau. A etapa mais importante da cultura francesa está associada à construção do castelo de Fontainebleau.

Soneto - uma forma rígida de versificação, composta por duas quadras e dois tercetos.

Castelo de Fontainebleau. Arco. J. Lebreton. França

Na segunda metade do seu reinado, Francisco I transferiu o centro da atividade construtiva para mais perto de Paris, para a região histórica da Ile de France. O castelo, que vinha crescendo há séculos, era um edifício bastante caótico, o arquitecto comprometeu-se a remodelá-lo em 1528 Júlio Lebreton. Posteriormente, o castelo foi reconstruído várias vezes, mas as suas partes principais, erguidas sob Francisco I, foram preservadas. Esta é a chamada Corte Oval, rodeada pelos aposentos do rei, entre os quais se encontra o famoso salão de baile (galeria de Henrique II).

A eles foi acrescentada uma galeria, chamada galeria de Francisco I, formando de um lado o pátio da Fonte, que se abria para um vasto lago, e do outro - o pátio de Diana com canteiros de flores e uma escultura de Diana no Centro. O edifício principal, perpendicular à galeria, fechava ambos os pátios e ficava de frente para o pátio do Cavalo Branco - local de celebrações e torneios. Refletia características comuns à arquitetura renascentista francesa que se tornaram definidoras de edifícios de todas as ordens: alvenaria quadrada e revestimento rústico, substituição de torres redondas por projeções de parede retangulares - riscos 1 com centro destacado ao longo da fachada, divisão do piso por cornijas horizontais.

A mais rica biblioteca real, uma coleção de antiguidades, obras-primas de Rafael e Leonardo da Vinci foram transportadas para Fontainebleau. Para decorar o interior, Francisco I convidou os artistas maneiristas italianos Rosso, Primaticcio e Cellini. Eles encontraram seguidores entre os artistas franceses que formaram o chamado Escola de Fontainebleau.

O maior representante do Maneirismo que trabalhou em Fontainebleau foi o artista florentino Giovanni Baggista di Jacopo, apelidado por sua cor de cabelo Rosso Fiorentino(1493-1541) - florentino ruivo. Seguidor de Andrea del

1 Rizalit(do italiano risalita - saliência) - parte do edifício que se projeta além da linha principal da fachada.

Rosso Fiorenpsno. Galeria de Francisco I. Castelo de Fontainebleau

Sarto e Michelangelo, Rosso criou um estilo próprio, que se distingue pela expressão extrema, construído sobre uma combinação de figuras alongadas, contrastes nítidos, ângulos nítidos. Este estilo correspondia sobretudo ao espírito aristocrático do humanismo francês, às ideias prevalecentes sobre a beleza, que preservavam a “curva gótica” e a natureza alegórica.

A principal obra de Rosso em Fontainebleau, e a única que sobreviveu, foi o projeto da galeria de Francisco I. O parquet de carvalho, a luminária de teto e os painéis que chegam ao meio da parede à “maneira francesa” foram feitos de acordo com Desenhos de Rosso feitos por marceneiros. A parte superior das paredes foi pintada com afrescos emoldurados por esculturas decorativas. As figuras estranhamente alongadas parecem achatadas devido às cores muito claras e às linhas sinuosas e entrelaçadas da composição. A sensação de etéreo destas figuras é reforçada pela proximidade com uma volumosa escultura em gesso, quase redonda, com muitos detalhes: cartelas 1, guirlandas, figuras humanas. Uma combinação tão harmoniosa do “modo francês” na arquitetura, pintura espacial e escultura volumétrica realista, que até então não tinha sido usada em nenhum lugar, foi uma invenção criativa do próprio Rosso. A galeria impressionou os seus contemporâneos, causou inúmeras imitações e tornou-se a “progenitora” das famosas galerias do Louvre e de Versalhes, já decoradas em estilo barroco.

O artista bolonhês Francesco Primaticcio (1504-1570), convidado para ajudar Rosso, tornou-se o ditador dos gostos artísticos da escola de Fontainebleau após a morte do mestre. Primaticcio substituiu a expressividade enfatizada de Rosso por um maneirismo lento e lânguido, estabelecendo novo cânone beleza, combinando feminilidade e características masculinas. Minha personagem favorita era Diana, a jovem deusa virgem, alta e esbelta. A melhor imagem dela é considerada do Louvre

1 Cartela - decoração em forma de escudo ou pergaminho meio desdobrado.

“Diana, a Caçadora”, que foi associada à personalidade da famosa beldade e favorita todo-poderosa de Henrique II, Diana de Poitiers.

Bastante característica da cultura da corte francesa era a fusão de poesia e pintura, variando o mesmo tema.

Um exemplo é o conto “A Carruagem”, de Margarita de Navarra, que descreve como ela cavalga pelos prados, apreciando a paisagem rural, e conversa com pessoas comuns que trabalham no campo. Três nobres damas emergindo da floresta reclamam do sofrimento amoroso. A sua história é tão eloquente, as suas efusões são tão retóricas e acompanhadas de tantas lágrimas que o céu fica nublado e uma forte chuva cai no chão, interrompendo esta caminhada elegíaca.

A mesma cena foi retratada em uma bela gravura Bernardo Salomão, e foi usado por Primaticcio na decoração do salão de baile de Henrique II. Aqui a magnífica decoratividade de Primaticcio atingiu o seu auge. Ele se voltou não apenas para cenas das Metamorfoses de Ovídio, que ecoavam nas graciosas figuras femininas, mas também para cenas bucólicas em que graciosos paisagistas e camponesas representavam o idílio do trabalho camponês.

Ao decorar o salão de baile, o artista abandonou a escultura, substituindo-a por baguetes douradas; isso fortaleceu o papel da pintura e introduziu maior geometria e rigor no desenho do salão.

Na pintura dos interiores do palácio e nas esculturas que enquadram as pinturas, os traços estilísticos da escola de Fontainebleau são claramente visíveis. Em primeiro lugar, foi dada preferência a temas históricos, mitológicos e alegóricos. Mas também entraram na moda cenas sazonais de trabalho camponês, tão comuns nas antigas miniaturas francesas. Em segundo lugar, passaram a retratar figuras femininas nuas, que até então não haviam sido encontradas nas obras de artistas franceses. Ao mesmo tempo, as imagens pitorescas adquiriram um caráter refinado, deliberadamente secular, completamente desprovido de calor humano, devido às “figuras de cobra” desproporcionalmente alongadas. Em terceiro lugar, as cores favoritas tornaram-se tons claros, quase transparentes de rosa pálido, azul-azulado, verde suave, correspondendo a ideias maneiristas sobre beleza refinada, refinada, etérea, frágil.

Um representante proeminente do estilo Fontainebleau na escultura francesa foi Zhian Goujon(1510-1568). Seu trabalho mais espiritual é aquele que ele criou em formas antigas junto com Pierre Lescaut(1515-1578) "Fonte dos Inocentes". Para a fonte, Goujon fez relevos de ninfas, cujas figuras alongadas e flexíveis estão inscritas em lajes estreitas e alongadas. Seu movimento leve e gracioso é ecoado por túnicas leves e drapeadas que lembram água corrente. Essas figuras - uma espécie de símbolo do gosto da época - estão associadas às imagens da poesia de Ron Sarov:

Conheci uma dríade em um campo na primavera. Ela está com uma roupa simples, entre as flores, Segurando um buquê com dedos descuidados, Ela caminhava na minha frente como uma flor grande...

O nome de Goujon está associado ao desenho escultórico da fachada ocidental do Louvre, erguido por Pierre Lescaut e considerado a coroa da arquitetura renascentista na França. A escultura concentra-se na moldura das janelas do terceiro andar e nos risalits. Figuras alegóricas da guerra e da paz emolduram as janelas redondas acima das entradas, imagens em relevo de divindades, escravos acorrentados e gênios alados segurando um escudo decoram parte do topo riscos.

J. Goujon. Ninfas. Fonte dos Inocentes. Paris

Goujon também projetou os interiores do palácio: a deusa Diana, faunos e favnesses, veados e cães passaram a fazer parte da luxuosa decoração da Escadaria de Henrique II; no Salão Sueco, Goujon fez uma tribuna sustentada por cariátides, semelhante às estátuas do Erecteion ateniense.

Os ideais estéticos de Goujon determinaram a peculiaridade da sua obra, que consiste no facto de não ter esculpido um único retrato, direcionando todo o seu talento para a criação de uma imagem generalizada e idealmente bela.

Simultaneamente ao desenvolvimento da arquitetura, pintura e escultura nos séculos XV-XVI. As artes decorativas e aplicadas estão alcançando um sucesso significativo.

A arte de fazer esmaltes, que surgiu no sul da França, em Limoges, atingiu a perfeição já no século XII. Mas se antes a produção de esmaltes pintados atendia às necessidades da igreja, agora trata-se principalmente de produtos para fins seculares.

Os criados no século XVI caracterizam-se por uma originalidade excepcional. itens de barro. O lugar mais importante no campo da produção de faiança da época é ocupado por Bernard Palissy(1510-1590), que criou a faiança, que chamou de “argila campestre”. A partir desta faiança fez grandes pratos, pratos, xícaras, maciços e pesados, cobrindo-os completamente com imagens em relevo de lagartos, cobras, lagostins, caracóis, borboletas, folhas, conchas, localizadas sobre fundo azul ou marrom. Os produtos Palissy, desenhados em ricos tons de marrom, verde, acinzentado, azul e branco, são extraordinariamente decorativos.

No entanto, francês cultura artística Século XVI não se limitou ao renascimento festivo e alegre da antiguidade. Paralelamente, houve um renascimento da tradição medieval, que nunca foi completamente interrompida. Na segunda metade do século XVI. A tendência gótica na arte do Renascimento francês ganhava força e refletia-se de forma muito singular na obra do escultor. Germaine Pilon(1535-1605), que se dirigiu ao túmulo da igreja

sem cirurgia plástica. Sua visão de mundo estava em sintonia com o anseio medieval pela vida após a morte, que se reflete nas “Danças da Morte” góticas - afrescos nas paredes Cemitérios franceses. A morte apareceu ali no terrível realismo de um esqueleto vivo e dirigiu-se ao homem no sombrio poema de Clément Moreau:

O espírito é como fogo, e o corpo é como marca,

Mas o espírito luta pelo céu e o corpo luta pelo pó.

É uma masmorra sombria e odiosa,

Onde o espírito cativo fica triste com as alturas brilhantes.

As obras de Pilon foram distinguidas pela pompa real, mas as ideias medievais sobre a virtude subjugaram cada vez mais o ideal de grandeza renascentista, de modo que o naturalismo e os ideais antigos coexistiram em seu estilo criativo. Assim, na lápide de Valentina Balbiani, ela é retratada na tampa do sarcófago com uma túnica magnífica, com um cachorrinho, e o baixo-relevo do sarcófago com realismo repulsivo a mostrava deitada em um caixão, nua e em decomposição, quase como um esqueleto. No túmulo de Henrique II e Catarina de Médicis na Igreja da Abadia de Saint-Denis, no topo da capela funerária estão representados em vestes reais, ajoelhados, e abaixo, sob a sua abóbada, nus, privados do antigo esplendor, como os restos mortais de algum mendigo. Estas imagens realistas e sem adornos reflectiam o clima sombrio inerente a todo o mundo ocidental durante o período da Contra-Reforma.

O Renascimento foi uma etapa significativa no desenvolvimento da cultura francesa. Nesta altura, as relações burguesas desenvolviam-se rapidamente no país e o poder monárquico estava a fortalecer-se. A ideologia religiosa da Idade Média está gradualmente sendo empurrada para segundo plano pela visão de mundo humanista. A arte secular começa a desempenhar um papel importante na vida cultural da França. O realismo da arte francesa, a ligação com o conhecimento científico e o apelo às ideias e imagens da antiguidade aproximam-na do italiano. Ao mesmo tempo, o Renascimento na França tem um aspecto único, em que o humanismo renascentista se combina com elementos de tragédia nascidos das contradições da situação atual do país.

Um dos maiores representantes do Renascimento francês foi o artista Enguerrand Charonton, que trabalhou na Provença, que pintou telas monumentais e composicionalmente complexas nas quais, apesar da temática religiosa, expressava claramente interesse pelo homem e pela realidade que o rodeia (“Madona da Misericórdia ”, “Coroação de Maria” , 1453). Embora as pinturas de Sharonton se distinguissem pela sua decoratividade (linhas refinadas conectadas em um ornamento fantasioso, composição simétrica), cenas cotidianas detalhadas, paisagens e figuras humanas ocupavam nelas um lugar importante. Nos rostos dos santos e de Maria, o espectador pode ler os sentimentos e pensamentos que os possuem, e aprender muito sobre o caráter dos heróis.

De grande interesse são as belas paisagens que Jean Clouet, o Velho, coloca em composições com temas religiosos. Ao lado das figuras de santos nessas obras estão retratos de clientes. Por exemplo, na tela “A Natividade” (1480), à direita de Maria você pode ver o Chanceler Rolin cruzando as mãos em oração.

O maior artista desta época foi Jean Perreal, que dirigiu a escola de pintura de Lyon. Ele não era apenas um artista, mas também um escritor, arquiteto e matemático. Sua fama foi além da França e se espalhou pela Inglaterra, Alemanha e Itália. Perreal serviu sob o rei Carlos VIII e Francisco I, e em Lyon atuou como especialista em construção. Vários de seus retratos foram preservados, incluindo o retrato de Maria Tudor (1514), Luís XII e Carlos VIII. Uma das melhores obras de Perreal é a charmosa e poética “Menina com Flor”. Também interessantes são as suas pinturas da catedral de Puy, nas quais, juntamente com imagens religiosas e antigas, o artista colocou retratos de humanistas franceses, entre eles destaca-se a imagem de Erasmo de Roterdão.

Os centros da cultura renascentista foram cidades como Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges e Lyon. O rei Francisco I desempenhou um papel importante na divulgação das ideias renascentistas, convidando artistas, poetas e cientistas franceses para a sua corte. Leonardo da Vinci e Andrea del Sarto trabalharam na corte real durante vários anos. Poetas e escritores humanistas uniram-se em torno da irmã de Francisco, Margarita de Navarra, que se dedicava a atividades literárias, promovendo novas visões sobre a arte e a ordem mundial. Na década de 1530. Os maneiristas italianos fundaram uma escola de pintura secular em Fontainebleau, que teve uma influência significativa no desenvolvimento das belas-artes francesas.

A arte do retrato deste período é de grande interesse. Os retratistas franceses deram continuidade às melhores tradições dos mestres do século XV e, sobretudo, de Jean Fouquet e Jean Clouet, o Velho.

O maior pintor de retratos francês desta época foi Jean Clouet, o Jovem.

Os retratos simples e sinceros de crianças e homens de Corneille de Lyon caracterizam-se pela capacidade de revelar a profundidade do mundo interior do modelo, a veracidade e naturalidade das poses e gestos (“Retrato de um Menino”, “Retrato de um Homem Desconhecido com um Barba Negra").

O renascimento da arte teatral na França ocorreu nos séculos XV e XVI. Antes da Renascença, o teatro francês existia em três formas: mistério, drama milagroso e drama litúrgico. Mas, em essência, essas ações teatrais tinham pouca semelhança com a arte teatral. As performances foram realizadas de forma pouco profissional e não revelaram mundo interior Heróis. Cada tipo de teatro francês do século XV tinha características e finalidades próprias.

O mistério era produção teatral, em que as tramas religiosas eram apenas ligeiramente diluídas com cenas cômicas do cotidiano.

O drama litúrgico, pelo contrário, dramatizou episódios individuais exclusivamente do Evangelho. Essas apresentações foram organizadas durante os cultos de Páscoa e Natal.

Milagre é um drama com conteúdo religioso e edificante. A base do milagre foi um “milagre” realizado por um dos santos, na maioria das vezes a Virgem Maria.

Milagres e Mistérios eram muito populares entre as pessoas e atraíam um grande público. Essas apresentações foram organizadas por artistas amadores nas ruas, praças e mercados. Os atores se deslocavam constantemente de cidade em cidade, pois não possuíam trupe ou instalações especiais.

Caminhando em direção à excelência

As artes cênicas francesas não são profissionais há muito tempo. Mas, apesar disso, surgiram verdadeiras “castas” entre os atores e iniciou-se a formação de uma certa “camada” de artistas profissionais.

Já na segunda metade do século XVI, a arte teatral na França se profissionalizou. Posteriormente, houve necessidade de um projeto adequado, ou seja, de instalações permanentes para apresentações. Além de construções especiais, o teatro precisava de atualização de repertório e novos equipamentos cénicos.

O primeiro teatro nacional foi construído em 1548 em Paris e foi denominado “Hotel Borgonha”. No seu palco, como antes, foram encenadas diversas peças de espírito italiano e performances baseadas em temas religiosos e cômicos. Mas tais apresentações não satisfaziam mais o público e exigiam algo novo e fresco. Como resultado, surgiu a dramaturgia e o repertório foi atualizado. As obras teatrais foram escritas para uma trupe específica, levando em consideração a habilidade do diretor e dos atores.

Em meados do século XVI, as apresentações francesas começaram a misturar diversos gêneros teatrais: tragédia, farsa, tragicomédia, pastoral e outros. O desenvolvimento das artes cênicas ocorreu em um ritmo muito acelerado e se transformou em uma forma mais estética e perfeita.