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O início do século XV viu grandes mudanças na vida e na cultura da Itália. Os habitantes da cidade, comerciantes e artesãos da Itália travaram uma luta heróica contra a dependência feudal desde o século XII. Ao desenvolver o comércio e a produção, os habitantes da cidade tornaram-se gradualmente mais ricos, derrubaram o poder dos senhores feudais e organizaram cidades-estado livres. Estes são gratuitos Cidades italianas tornou-se muito poderoso. Os seus cidadãos estavam orgulhosos das suas conquistas. A enorme riqueza das cidades italianas independentes foi a razão da sua vibrante prosperidade. A burguesia italiana olhava o mundo com outros olhos, acreditava firmemente em si mesma, na sua força. Eles eram alheios ao desejo de sofrimento, de humildade e de renúncia a todas as alegrias terrenas que lhes haviam sido pregadas até então. Cresceu o respeito pelo homem terreno que desfruta das alegrias da vida. As pessoas começaram a ter uma abordagem ativa da vida, a estudar o mundo com avidez e a admirar sua beleza. Durante este período, várias ciências nasceram e a arte se desenvolveu.

A Itália preservou muitos monumentos de arte Roma antiga, portanto, a era antiga voltou a ser reverenciada como modelo, a arte antiga tornou-se objeto de culto. A imitação da antiguidade deu origem à denominação deste período na arte - Renascimento, o que significa em francês "Renascimento". Claro, esta não foi uma repetição cega e exata da arte antiga, já era uma arte nova, mas baseada em exemplos antigos. Renascença italiana dividido em 3 etapas: séculos VIII - XIV - Pré-Renascença (Proto-Renascença ou Trecento)-sentar.); Século XV - início da Renascença (Quattrocento); final do século XV - início do século XVI - Alta Renascença.

Em toda a Itália havia escavações arqueológicas, procurou monumentos antigos. Estátuas, moedas, pratos e armas recém-descobertos foram cuidadosamente preservados e coletados em museus especialmente criados para esse fim. Os artistas aprenderam com esses exemplos da antiguidade e os pintaram da vida.

Trecento (pré-renascimento)

O verdadeiro início do Renascimento está associado ao nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). Ele é considerado o fundador da pintura renascentista. O Florentino Giotto presta grandes serviços à história da arte. Foi um renovador, o antepassado de toda a pintura europeia após a Idade Média. Giotto deu vida às cenas do Evangelho, criou imagens pessoas reais, espiritual, mas terreno.

Giotto primeiro cria volumes usando claro-escuro. Ele adora os limpos cores claras tons frios: rosa, cinza pérola, roxo claro e lilás claro. As pessoas nos afrescos de Giotto são atarracadas e andam pesadamente. Eles têm traços faciais grandes, maçãs do rosto largas e olhos estreitos. Sua pessoa é gentil, atenciosa e séria.

Das obras de Giotto, os afrescos dos templos de Pádua são os mais bem preservados. Ele apresentou as histórias do Evangelho aqui como existentes, terrenas, reais. Nessas obras, ele fala sobre problemas que preocupam as pessoas em todos os momentos: sobre bondade e compreensão mútua, engano e traição, sobre profundidade, tristeza, mansidão, humildade e o eterno amor materno que tudo consome.

Em vez de figuras individuais desconexas, como em pintura medieval, Giotto conseguiu criar uma história coerente, toda uma narrativa sobre a complexa vida interior dos heróis. Em vez do fundo dourado convencional Mosaicos bizantinos, Giotto apresenta um fundo paisagístico. E se na pintura bizantina as figuras pareciam flutuar e ficar suspensas no espaço, então os heróis dos afrescos de Giotto encontraram terreno sólido sob seus pés. A busca de Giotto pela transferência do espaço, pela plasticidade das figuras e pela expressividade do movimento fez de sua arte uma etapa completa do Renascimento.

Um de mestres famosos Pré-Renascimento -

Simone Martini (1284 - 1344).

Suas pinturas mantiveram as características do gótico nortenho: as figuras de Martini são alongadas e, via de regra, sobre fundo dourado. Mas Martini cria imagens usando claro-escuro, dá-lhes movimento natural e tenta transmitir um certo estado psicológico.

Quattrocento (início da Renascença)

A antiguidade desempenhou um papel importante na formação da cultura secular do início da Renascença. A Academia Platônica é inaugurada em Florença, a Biblioteca Laurentiana contém uma rica coleção de manuscritos antigos. Os primeiros aparecem Museus de arte, repleto de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas, cerâmicas. Durante o Renascimento, surgiram os principais centros vida artística Itália - Florença, Roma, Veneza.

Um dos maiores centros, o berço da arte nova e realista, foi Florença. No século XV, muitos mestres famosos da Renascença viveram, estudaram e trabalharam lá.

Arquitetura do início da Renascença

Os habitantes de Florença tinham uma elevada cultura artística, participaram ativamente na criação de monumentos urbanos e discutiram opções para a construção de belos edifícios. Os arquitetos abandonaram tudo que lembrasse o gótico. Sob a influência da antiguidade, os edifícios encimados por uma cúpula passaram a ser considerados os mais perfeitos. O modelo aqui foi o Panteão Romano.

Florença é uma das cidades mais bonitas do mundo, uma cidade-museu. Preservou quase intacta a sua arquitectura da antiguidade, sendo os seus mais belos edifícios construídos principalmente durante o Renascimento. Erguendo-se acima dos telhados de tijolos vermelhos dos edifícios antigos de Florença está o enorme edifício da catedral da cidade. Santa Maria del Fiore, que muitas vezes é chamada simplesmente de Catedral de Florença. Sua altura chega a 107 metros. Uma magnífica cúpula, cuja esbeltez é enfatizada por nervuras de pedra branca, coroa a catedral. A cúpula tem um tamanho incrível (seu diâmetro é de 43 m), coroando todo o panorama da cidade. A catedral é visível de quase todas as ruas de Florença, claramente recortada contra o céu. Esta magnífica estrutura foi construída por um arquiteto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

O edifício abobadado mais magnífico e famoso da Renascença foi Basílica de São Pedro em Roma. Demorou mais de 100 anos para ser construído. Os idealizadores do projeto original foram arquitetos Bramante e Michelangelo.

Os edifícios renascentistas são decorados com colunas, pilastras, cabeças de leões e "putti"(bebês nus), guirlandas de gesso de flores e frutos, folhas e muitos detalhes, exemplos dos quais foram encontrados em ruínas de antigas construções romanas. Entrou na moda novamente arco semicircular. Pessoas ricas começaram a construir casas mais bonitas e confortáveis. Em vez de casas próximas umas das outras, surgiram casas luxuosas palácios - palácios.

Escultura do início da Renascença

No século XV, em Florença, havia dois escultor famoso -Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- um dos primeiros escultores da Itália que utilizou a experiência da arte antiga. Ele criou um dos lindos trabalhos início da Renascença - estátua de David.

De acordo com lenda bíblica, um simples pastor, o jovem Davi derrotou o gigante Golias e, assim, salvou os habitantes da Judéia da escravidão e mais tarde tornou-se rei. David foi uma das imagens favoritas do Renascimento. Ele é retratado pelo escultor não como um humilde santo da Bíblia, mas como jovem herói, vencedor, defensor de sua cidade natal. Em sua escultura, Donatello glorifica o homem como o ideal de uma bela personalidade heróica que surgiu durante o Renascimento. David é coroado com a coroa de louros do vencedor. Donatello não teve medo de introduzir um detalhe como o chapéu de pastor - sinal de sua origem simples. Na Idade Média, a igreja proibia retratar o corpo nu, considerando-o um vaso do mal. Donatello foi o primeiro mestre a violar corajosamente esta proibição. Ele afirma com isso que o corpo humano é belo. A estátua de David é a primeira escultura redonda daquela época.

Também é conhecida outra bela escultura de Donatello - a estátua de um guerreiro , general de Gattamelata. Foi o primeiro monumento equestre do Renascimento. Criado há 500 anos, este monumento ainda se ergue sobre um alto pedestal, decorando uma praça da cidade de Pádua. Pela primeira vez, não um deus, nem um santo, nem uma pessoa nobre e rica foi imortalizado na escultura, mas um nobre, valente e formidável guerreiro de grande alma, que ganhou fama por grandes feitos. Vestido com uma armadura antiga, Gattemelata (este é seu apelido, que significa “gato malhado”) monta em um cavalo poderoso em uma pose calma e majestosa. Os traços faciais do guerreiro enfatizam um caráter decidido e firme.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

O aluno mais famoso de Donatello, que criou o famoso monumento equestre ao condottiere Colleoni, que foi erguido em Veneza, na praça próxima à Igreja de San Giovanni. O que mais chama a atenção no monumento é o movimento energético conjunto do cavalo e do cavaleiro. O cavalo parece correr para além do pedestal de mármore onde está instalado o monumento. Colleoni, de pé nos estribos, esticado, com a cabeça erguida, espia ao longe. Uma careta de raiva e tensão congelou em seu rosto. Pode-se sentir uma enorme vontade em sua pose, seu rosto lembra Ave de rapina. A imagem está repleta de força indestrutível, energia e autoridade severa.

Pintura do início da Renascença

O Renascimento também renovou a arte da pintura. Os pintores aprenderam a transmitir com precisão o espaço, a luz e a sombra, as poses naturais e vários sentimentos humanos. Foi o início da Renascença que foi a época de acumulação desses conhecimentos e habilidades. As pinturas da época estão imbuídas de um clima alegre e otimista. O fundo é muitas vezes pintado em cores claras, e os edifícios e motivos naturais são contornados com linhas nítidas, predominando as cores puras. Todos os detalhes do evento são retratados com diligência ingênua; os personagens são geralmente alinhados e separados do fundo por contornos claros.

A pintura do início do Renascimento buscava apenas a perfeição, porém, graças à sua sinceridade, toca a alma do espectador.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conhecido como Masaccio (1401 - 1428)

É considerado um seguidor de Giotto e o primeiro mestre da pintura do início do Renascimento. Masaccio viveu apenas 28 anos, mas durante sua vida vida curta deixou uma marca na arte que é difícil superestimar. Conseguiu completar as transformações revolucionárias iniciadas por Giotto na pintura. Suas pinturas se distinguem pelas cores escuras e profundas. As pessoas nos afrescos de Masaccio são muito mais densas e poderosas do que nas pinturas da era gótica.

Masaccio foi o primeiro a organizar corretamente os objetos no espaço, levando em consideração a perspectiva; Ele começou a representar pessoas de acordo com as leis da anatomia.

Ele soube conectar figuras e paisagem em uma única ação, transmitindo de forma dramática e ao mesmo tempo com bastante naturalidade a vida da natureza e das pessoas - e esse é o grande mérito do pintor.

Esta é uma das poucas obras de cavalete de Masaccio, encomendada a ele em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa.

A Madonna está sentada em um trono construído estritamente de acordo com as leis de perspectiva de Giotto. Sua figura é pintada com pinceladas claras e confiantes, o que cria a impressão de volume escultural. Seu rosto está calmo e triste, seu olhar desapegado está direcionado para lugar nenhum. Envolta num manto azul escuro, a Virgem Maria segura nos braços o Menino, cuja figura dourada se destaca nitidamente sobre um fundo escuro. As dobras profundas da capa permitem ao artista brincar com o claro-escuro, o que também cria um efeito visual especial. O bebê come uvas pretas - símbolo de comunhão. Anjos perfeitamente desenhados (o artista conhecia muito bem a anatomia humana) ao redor da Madonna dão à imagem uma ressonância emocional adicional.

Único painel pintado por Masaccio para um tríptico dupla face. Depois morte prematura o pintor, o resto da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a Igreja de Santa Maria em Roma, foi concluída pelo artista Masolino. Aqui estão representadas duas figuras de santos austeras e monumentalmente executadas, todas vestidas de vermelho. Jerônimo segura um livro aberto e uma maquete da basílica, com um leão caído a seus pés. João Batista é retratado em sua forma usual: está descalço e segura uma cruz na mão. Ambas as figuras surpreendem pela precisão anatômica e pela sensação de volume quase escultural.

O interesse pelo homem e a admiração pela sua beleza foram tão grandes durante o Renascimento que levou ao surgimento de um novo gênero na pintura - o gênero do retrato.

Pinturicchio (versão de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Nativo de Perugia na Itália. Por algum tempo pintou miniaturas e ajudou Pietro Perugino a decorar a Capela Sistina de Roma com afrescos. Adquiriu experiência nas mais complexas formas de pintura mural decorativa e monumental. Em poucos anos, Pinturicchio tornou-se um muralista independente. Ele trabalhou em afrescos nos apartamentos Borgia, no Vaticano. Ele fez pinturas murais na biblioteca da Catedral de Siena.

O artista não apenas transmite a semelhança do retrato, mas se esforça para revelar o estado interior de uma pessoa. Diante de nós está um adolescente, vestido com um vestido formal rosa de morador da cidade, com um pequeno boné azul na cabeça. Os cabelos castanhos descem até os ombros, emoldurando um rosto meigo, o olhar atento dos olhos castanhos é pensativo, um pouco ansioso. Atrás do menino está uma paisagem da Úmbria com árvores finas, um rio prateado e um céu rosado no horizonte. A ternura primaveril da natureza, como eco do caráter do herói, está em harmonia com a poesia e o encanto do herói.

A imagem do menino é dada em primeiro plano, grande e ocupa quase todo o plano do quadro, e a paisagem é pintada ao fundo e bem pequena. Isto cria a impressão da importância do homem, do seu domínio sobre a natureza circundante, e afirma que o homem é a criação mais bela da terra.

Eis a partida solene do Cardeal Capranica para o Concílio de Basileia, que durou quase 18 anos, de 1431 a 1449, primeiro em Basileia e depois em Lausanne. O jovem Piccolomini também fazia parte da comitiva do cardeal. Um grupo de cavaleiros acompanhados de pajens e criados apresenta-se numa elegante moldura de arco semicircular. O evento não é tão real e confiável, mas sim cavalheirescamente refinado, quase fantástico. Em primeiro plano, um belo cavaleiro montado em um cavalo branco, usando vestido e chapéu luxuosos, vira a cabeça e olha para o espectador - este é Enéias Silvio. O artista tem prazer em pintar roupas ricas e lindos cavalos em mantas de veludo. As proporções alongadas das figuras, os movimentos levemente educados, as leves inclinações da cabeça aproximam-se do ideal da corte. A vida do Papa Pio II foi repleta de acontecimentos luminosos, e Pinturicchio falou sobre os encontros do Papa com o Rei da Escócia, com o Imperador Frederico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Surgiram lendas sobre a vida de Lippi. Ele próprio era monge, mas deixou o mosteiro, tornou-se um artista errante, raptou uma freira do mosteiro e morreu envenenado pelos familiares de uma jovem por quem se apaixonou na velhice.

Ele pintou imagens da Madona com o Menino, repletas de sentimentos e experiências humanas vivas. Em suas pinturas ele retratava muitos detalhes: objetos do cotidiano, ambientes, de modo que seus temas religiosos eram semelhantes às pinturas seculares.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ele pintou não apenas temas religiosos, mas também cenas da vida da nobreza florentina, sua riqueza e luxo, e retratos de pessoas nobres.

Diante de nós está a esposa de um rico florentino, amigo do artista. Nesta jovem não muito bonita e luxuosamente vestida, a artista expressou calma, um momento de quietude e silêncio. A expressão no rosto da mulher é fria, indiferente a tudo, parece que ela antevê a sua morte iminente: logo após pintar o retrato ela morrerá. A mulher é retratada de perfil, o que é típico de muitos retratos da época.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Um dos nomes mais significativos da pintura italiana do século XV. Ele completou inúmeras transformações nos métodos de construção da perspectiva do espaço pictórico.

A pintura foi pintada sobre placa de álamo com têmpera de ovo - obviamente, a essa altura o artista ainda não havia dominado os segredos da pintura a óleo, técnica com a qual seriam pintadas suas obras posteriores.

O artista captou o aparecimento do mistério da Santíssima Trindade no momento do Batismo de Cristo. pomba branca, abrindo as asas sobre a cabeça de Cristo, simboliza a descida do Espírito Santo sobre o Salvador. As figuras de Cristo, João Batista e os anjos próximos a eles são pintadas em cores contidas.
Seus afrescos são solenes, sublimes e majestosos. Francesca acreditava no destino elevado do homem e nas suas obras as pessoas sempre fazem coisas maravilhosas. Ele usou transições de cores sutis e suaves. Francesca foi a primeira a pintar en plein air (ao ar livre).

A pintura renascentista constitui o fundo dourado não só da arte europeia, mas também mundial. O período da Renascença substituiu a sombria Idade Média, subjugada até o âmago cânones da igreja, e precedeu o Iluminismo subsequente e a Nova Era.

A duração do período deve ser calculada dependendo do país. A era do florescimento cultural, como é comumente chamada, começou na Itália no século XIV, e depois se espalhou por toda a Europa e atingiu o seu apogeu no final do século XV. Os historiadores dividem este período da arte em quatro fases: Proto-Renascença, inicial, alta e posterior Renascimento. De particular valor e interesse é, obviamente, pintura italiana No Renascimento, porém, não se deve perder de vista os mestres franceses, alemães e holandeses. É sobre eles no contexto dos períodos da Renascença que será discutido mais adiante neste artigo.

Proto-Renascença

O período Proto-Renascentista durou a partir da segunda metade do século XIII. ao século XIV Está intimamente ligado à Idade Média, em cuja fase tardia se originou. O Proto-Renascimento é o antecessor do Renascimento e combina as tradições bizantina, românica e gótica. Antes de todas as tendências nova era apareceu na escultura e só depois na pintura. Esta última foi representada por duas escolas de Siena e Florença.

A principal figura do período foi o artista e arquiteto Giotto di Bondone. O representante da escola florentina de pintura tornou-se um reformador. Ele delineou o caminho ao longo do qual ela se desenvolveu. As características da pintura renascentista originam-se precisamente neste período. É geralmente aceito que Giotto conseguiu superar em suas obras o estilo de pintura de ícones comum a Bizâncio e à Itália. Ele tornou o espaço não bidimensional, mas tridimensional, usando o claro-escuro para criar a ilusão de profundidade. A foto mostra a pintura “O Beijo de Judas”.

Representantes da escola florentina estiveram nas origens do Renascimento e fizeram de tudo para tirar a pintura da longa estagnação medieval.

O período Proto-Renascentista foi dividido em duas partes: antes e depois de sua morte. Até 1337 trabalharam os mestres mais brilhantes e ocorreram as descobertas mais importantes. Depois, a Itália é atingida por uma epidemia de peste.

Pintura Renascentista: Brevemente sobre o Período Inicial

O início do Renascimento cobre um período de 80 anos: de 1420 a 1500. Nesta época, ainda não se afastou completamente das tradições passadas e ainda está associado à arte da Idade Média. No entanto, o sopro das novas tendências já é sentido; os mestres começam a recorrer com mais frequência aos elementos da antiguidade clássica. Artistas acabam desistindo completamente estilo medieval e comece a usar com ousadia os melhores exemplos da cultura antiga. Observe que o processo foi bastante lento, passo a passo.

Representantes brilhantes do início da Renascença

A obra do artista italiano Piero della Francesca pertence inteiramente ao início do período renascentista. Suas obras se distinguem pela nobreza, beleza e harmonia majestosas, perspectiva precisa, cores suaves e cheias de luz. Nos últimos anos de sua vida, além da pintura, estudou aprofundadamente matemática e até escreveu dois de seus próprios tratados. Seu aluno foi outro pintor famoso, Luca Signorelli, e o estilo se refletiu nas obras de muitos mestres da Úmbria. Na foto acima está um fragmento de um afresco na Igreja de San Francesco em Arezzo, “A História da Rainha de Sabá”.

Domenico Ghirlandaio é outro representante proeminente da escola florentina de pintura renascentista Período inicial. Ele foi o fundador de uma famosa dinastia artística e chefe da oficina onde o jovem Michelangelo começou. Ghirlandaio foi um mestre famoso e bem-sucedido que se dedicou não apenas à pintura de afrescos (Capela Tornabuoni, Sistina), mas também à pintura de cavalete (“Adoração dos Magos”, “Natividade”, “Velho com Neto”, “Retrato de Giovanna Tornabuoni” - foto abaixo).

Alta Renascença

Este período, em que o estilo se desenvolveu magnificamente, cai entre 1500-1527. Nesta época, o centro da arte italiana mudou-se de Florença para Roma. Isto está relacionado com a ascensão ao trono papal do ambicioso e empreendedor Júlio II, que atraiu para sua corte os melhores artistas da Itália. Roma tornou-se algo como Atenas durante a época de Péricles e experimentou um incrível crescimento e um boom de construção. Ao mesmo tempo, existe harmonia entre os ramos da arte: escultura, arquitetura e pintura. A Renascença os uniu. Eles parecem andar de mãos dadas, complementando-se e interagindo.

A Antiguidade é estudada mais aprofundadamente durante a Alta Renascença e reproduzida com a máxima precisão, rigor e consistência. A dignidade e a tranquilidade substituem a beleza sedutora e as tradições medievais são completamente esquecidas. O auge do Renascimento é marcado pela obra de três dos maiores mestres italianos: Raphael Santi (o quadro “Donna Velata” na imagem acima), Michelangelo e Leonardo da Vinci (“Mona Lisa” na primeira foto).

Renascença tardia

A Renascença Tardia cobre o período de 1530 a 1590 e 1620 na Itália. Críticos de arte e historiadores reduzem as obras desta época a um denominador comum com alto grau de convenção. O Sul da Europa estava sob a influência da Contra-Reforma que nele triunfou, que percebia com grande cautela qualquer pensamento livre, incluindo a ressurreição dos ideais da antiguidade.

Em Florença, predominava o Maneirismo, caracterizado por cores artificiais e linhas quebradas. Porém, chegou a Parma, onde Correggio trabalhava, somente após a morte do mestre. A pintura veneziana da Renascença teve seu próprio caminho de desenvolvimento período tardio. Palladio e Ticiano, que ali trabalharam até a década de 1570, são seus representantes mais destacados. O seu trabalho nada tinha em comum com as novas tendências de Roma e Florença.

Renascença do Norte

Este termo é usado para descrever o Renascimento em toda a Europa, fora da Itália em geral e nos países de língua alemã em particular. Possui vários recursos. O Renascimento do Norte não foi homogêneo e caracterizou-se por características específicas de cada país. Os historiadores da arte dividem-no em várias direções: francês, alemão, holandês, espanhol, polonês, inglês, etc.

O despertar da Europa tomou dois caminhos: o desenvolvimento e difusão de uma visão de mundo secular humanista e o desenvolvimento de ideias de renovação tradições religiosas. Ambos se tocavam, às vezes se fundiam, mas ao mesmo tempo eram antagonistas. A Itália escolheu o primeiro caminho e Norte da Europa- segundo.

O Renascimento praticamente não teve influência na arte do norte, incluindo a pintura, até 1450. A partir de 1500 espalhou-se por todo o continente, mas em alguns locais a influência do gótico tardio permaneceu até ao advento do Barroco.

A Renascença do Norte é caracterizada por uma influência significativa do estilo gótico, menos atenção ao estudo da antiguidade e da anatomia humana e uma técnica de escrita detalhada e cuidadosa. A Reforma teve uma importante influência ideológica sobre ele.

Renascença do Norte Francês

O que mais se aproxima do italiano é a pintura francesa. O Renascimento foi uma etapa importante para a cultura francesa. Nesta altura, a monarquia e as relações burguesas foram-se fortalecendo ativamente, as ideias religiosas da Idade Média ficaram em segundo plano, dando lugar a tendências humanísticas. Representantes: François Quesnel, Jean Fouquet (na foto um fragmento do "Díptico Melen" do mestre), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, François Clouet.

Renascença do Norte Alemã e Holandesa

Obras notáveis ​​​​da Renascença do Norte foram criadas por mestres alemães e flamengo-holandeses. Papel importante A religião ainda desempenhou um papel nesses países e influenciou muito a pintura. O Renascimento seguiu um caminho diferente na Holanda e na Alemanha. Ao contrário das obras dos mestres italianos, os artistas destes países não colocaram o homem no centro do universo. Ao longo de quase todo o século XV. eles o retrataram em estilo gótico: leve e etéreo. Maioria representantes proeminentes Os renascentistas holandeses são Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, os alemães são Albert Durer, Lucas Cranach, o Velho, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

A foto mostra um autorretrato de A. Durer de 1498.

Apesar de as obras dos mestres do norte diferirem significativamente das obras dos pintores italianos, são, de qualquer forma, reconhecidas como exposições de arte de valor inestimável.

A pintura renascentista, como toda cultura como um todo, é caracterizada por um caráter secular, pelo humanismo e pelo chamado antropocentrismo, ou, em outras palavras, por um interesse primário pelo homem e suas atividades. Durante este período, houve um verdadeiro florescimento do interesse pela arte antiga e ocorreu o seu renascimento. A época deu ao mundo uma galáxia de escultores, arquitetos, escritores, poetas e artistas brilhantes. Nunca antes ou depois o florescimento cultural foi tão difundido.

A pintura do início da Renascença passa pela mesma evolução da escultura. Superando a abstração gótica das imagens, desenvolvendo Melhores características Nas pinturas de Giotto, artistas do século XV embarcaram no amplo caminho do realismo. A pintura monumental de afrescos está experimentando um florescimento sem precedentes.

Masaccio. Expulsão do Paraíso, 1426-1427
Igreja de Santa Maria del Carmine
Capela Brancacci, Florença

Ucelo. Retrato de uma senhora, 1450
Museu Metropolitano de Arte, Nova York

Castaño. Retrato de um Seigneur, 1446
Galeria Nacional, Washington

Masaccio. Um reformador da pintura, que desempenhou o mesmo papel no desenvolvimento da arquitetura de Brunelleschi e de Donatello na escultura, foi o florentino Masaccio (1401-1428), que viveu uma vida curta e deixou obras notáveis ​​​​em que a busca por uma imagem heróica generalizada do homem e uma representação verdadeira do entorno foi continuada em seu mundo. Essas buscas foram manifestadas mais claramente nos afrescos da Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, “O Milagre do Stater” e “A Expulsão do Paraíso” (ambos entre 1427-1428).

Masaccio rompe com a decoratividade e a narrativa mesquinha que dominaram a pintura da segunda metade do século XIV. Seguindo a tradição de Giotto, o artista Masaccio aposta na imagem de uma pessoa, realçando a sua dura energia e atividade, o humanismo cívico. Masaccio dá um passo decisivo na combinação de figura e paisagem, introduzindo pela primeira vez a perspectiva aérea. Nos afrescos de Masaccio, a plataforma rasa - cenário de ação nas pinturas de Giotto - é substituída por uma imagem do espaço profundo real; o plástico se torna mais convincente e mais rico modelagem de corte figuras, a sua construção é mais forte, as suas características são mais variadas. Além disso, Masaccio guarda o enorme poder moral das imagens, que cativa Giotto na arte.

Angélico. Madonna Fiesole, 1430
Mosteiro de São Domingos, Fiesole

Lippi. Mulher e homem, década de 1460
Museu Metropolitano de Arte, Nova York

Domênico. Madonna e criança
1437, Galeria Berenson, Florença

O mais significativo dos afrescos de Masaccio é “O Milagre do Statir”, uma composição multifigurada que, segundo a tradição, inclui vários episódios da lenda sobre como, ao entrar na cidade, Cristo e seus discípulos foram solicitados a pagar uma taxa - um statir (moeda); como, por ordem de Cristo, Pedro pegou um peixe no lago e encontrou um statir em sua boca, que entregou ao guarda. Ambos os episódios adicionais - a pesca e a apresentação do stater - não desviam a atenção da cena central - um grupo de apóstolos entrando na cidade. Suas figuras são rostos majestosos, maciços e corajosos que carregam os traços individualizados de pessoas do povo no homem da extrema direita, alguns pesquisadores veem um retrato do próprio Masaccio; A importância do que está acontecendo é enfatizada pelo estado geral de excitação contida. A naturalidade dos gestos e movimentos, a introdução de um motivo de género na cena da procura da moeda por Pedro e a paisagem cuidadosamente pintada conferem à pintura um carácter secular e profundamente verdadeiro.

Não menos realista é a interpretação da cena “Expulsão do Paraíso”, onde, pela primeira vez na pintura renascentista, são representadas figuras nuas, poderosamente modeladas pela luz lateral. Seus movimentos e expressões faciais expressam confusão, vergonha e remorso. A grande autenticidade e persuasão das imagens de Masaccio conferem força especial à ideia humanista de dignidade e significado. personalidade humana. Com suas buscas inovadoras, o artista abriu caminhos para o desenvolvimento da pintura realista.

Ucelo. Um experimentador no estudo e uso da perspectiva foi Paolo Uccello (1397–1475), o primeiro pintor de batalha italiano. Uccello variou composições com episódios da Batalha de San Romano três vezes (meados da década de 1450, Londres, Galeria Nacional; Florença, Uffizi; Paris, Louvre), retratando com entusiasmo cavalos e cavaleiros multicoloridos em uma ampla variedade de cortes e extensões de perspectiva.

Castaño. Entre os seguidores de Masaccio destacou-se Andrea del Castagno (cerca de 1421 - 1457), que demonstrou interesse não só pela forma plástica e pelas estruturas perspectivas características da pintura florentina da época, mas também pelo problema da cor. As melhores imagens criadas deste artista rude, corajoso e desigual por natureza distinguem-se pela força heróica e pela energia irreprimível. Estes são os heróis das pinturas da Villa Pandolfini (cerca de 1450, Florença, Igreja de Santa Apolônia) - um exemplo de solução para um tema secular. As figuras se destacam contra fundos verdes e vermelhos escuros Figuras proeminentes Renascença, entre eles os condottieri de Florença: Farinata degli Uberti e Pippo Spano. Este último fica firme no chão, com as pernas bem abertas, vestido com uma armadura, com a cabeça descoberta, com uma espada desembainhada nas mãos; ele é uma pessoa viva, cheia de energia frenética e confiança em suas habilidades. A poderosa modelagem de luz e sombra confere à imagem força plástica, expressividade, enfatiza a nitidez das características individuais e um retrato brilhante nunca antes visto na pintura italiana.

Entre os afrescos da igreja de Santa Apolônia, a “Última Ceia” (1445–1450) destaca-se pela abrangência de sua imagem e pela nitidez de suas características. Esta cena religiosa - a ceia de Cristo rodeada de discípulos - foi pintada por muitos artistas que sempre seguiram um certo tipo composições. Castagno não se desviou deste tipo de construção. De um lado da mesa encostada na parede, o artista colocou os apóstolos. Entre eles, no centro está Cristo. Do outro lado da mesa está a figura solitária do traidor Judas. Mesmo assim, Castaño consegue grande impacto e som inovador em sua composição; Isso é facilitado pelo caráter brilhante das imagens, pela nacionalidade dos tipos dos apóstolos e de Cristo, pela profunda expressão dramática de sentimentos e pelo esquema de cores enfaticamente rico e contrastante.

Angélico. A requintada beleza e pureza das delicadas harmonias de cores brilhantes, que adquirem uma qualidade decorativa especial em combinação com o ouro, cativam a arte de Fra Beato Angelico (1387-1455), cheia de poesia e fabulosidade. De espírito místico, associado ao mundo ingênuo das ideias religiosas, é coberto de poesia conto popular. As imagens comoventes da “Coroação de Maria” (por volta de 1435, Paris, Louvre), afrescos do Mosteiro de São Marcos em Florença, criados por este artista único - um monge dominicano, são iluminadas.

Domenico Veneziano. Os problemas de cor também atraíram Domenico Veneziano (c. 1410 – 1461), natural de Veneza que trabalhou principalmente em Florença. Suas composições religiosas ("Adoração dos Magos", 1430–1440, Berlim-Dahlem, Galeria de Arte), interpretação ingênua do tema em contos de fadas, ainda traz a marca da tradição gótica. As características renascentistas apareceram mais claramente nos retratos que ele criou. No século XV, o gênero retrato ganhou significado próprio. A composição de perfis, inspirada em medalhas antigas e que permite generalizar e glorificar a imagem do retratado, generalizou-se. Uma linha precisa delineia um perfil nítido no “Retrato de uma Mulher” (meados do século XV, Berlim-Dahlem, Galeria de Imagens). O artista alcança uma semelhança viva e direta e ao mesmo tempo uma sutil unidade colorística na harmonia de cores claras e brilhantes, transparentes, arejadas, suavizando os contornos. O pintor foi o primeiro a apresentar aos mestres florentinos a técnica da pintura a óleo. Ao introduzir vernizes e óleos, Domenico Veneziano realçou a pureza e a riqueza das cores das suas telas.

Renascença (Renascença). Itália. Séculos XV-XVI. Capitalismo primitivo. O país é governado por banqueiros ricos. Eles estão interessados ​​em arte e ciência.

Os ricos e poderosos reúnem ao seu redor os talentosos e sábios. Poetas, filósofos, artistas e escultores conversam diariamente com seus patronos. Em algum momento, parecia que as pessoas eram governadas por homens sábios, como queria Platão.

Lembramos dos antigos romanos e gregos. Eles também construíram uma sociedade de cidadãos livres, onde o principal valor são as pessoas (sem contar os escravos, é claro).

A Renascença não é apenas copiar a arte das civilizações antigas. Isto é uma mistura. Mitologia e Cristianismo. Realismo da natureza e sinceridade das imagens. Beleza física e espiritual.

Foi apenas um flash. O período da Alta Renascença dura aproximadamente 30 anos! Da década de 1490 a 1527 Desde o início do apogeu da criatividade de Leonardo. Antes do saque de Roma.

A miragem de um mundo ideal desapareceu rapidamente. A Itália revelou-se demasiado frágil. Ela logo foi escravizada por outro ditador.

No entanto, estes 30 anos determinaram as principais características da pintura europeia nos próximos 500 anos! Até .

Realismo da imagem. Antropocentrismo (quando o centro do mundo é o Homem). Perspectiva linear. Pinturas à óleo. Retrato. Cenário…

Incrivelmente, durante estes 30 anos vários mestres brilhantes trabalharam ao mesmo tempo. Outras vezes, nascem uma vez a cada 1000 anos.

Leonardo, Michelangelo, Rafael e Ticiano são os titãs do Renascimento. Mas não podemos deixar de mencionar os seus dois antecessores: Giotto e Masaccio. Sem o qual não haveria Renascimento.

1. Giotto (1267-1337)

Paulo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragmento da pintura “Cinco Mestres da Renascença Florentina”. Início XVI século. .

Século XIV. Proto-Renascimento. Seu personagem principal é Giotto. Este é um mestre que revolucionou sozinho a arte. 200 anos antes da Alta Renascença. Se não fosse por ele, dificilmente teria chegado a era da qual a humanidade tanto se orgulha.

Antes de Giotto existiam ícones e afrescos. Eles foram criados de acordo com os cânones bizantinos. Rostos em vez de rostos. Figuras planas. Não cumprimento das proporções. Em vez de uma paisagem há um fundo dourado. Como, por exemplo, neste ícone.

Guido da Siena. Adoração dos Magos. 1275-1280 Altenburg, Museu Lindenau, Alemanha.

E de repente aparecem afrescos de Giotto. Eles têm figuras volumosas. Pessoas pessoas nobres. Velho e jovem. Triste. Triste. Surpreso. Diferente.

Afrescos de Giotto na Igreja de Scrovegni em Pádua (1302-1305). Esquerda: Lamentação de Cristo. Meio: Beijo de Judas (fragmento). À direita: Anunciação de Santa Ana (Mãe Maria), fragmento.

A principal obra de Giotto é o ciclo de seus afrescos na Capela Scrovegni, em Pádua. Quando esta igreja foi aberta aos paroquianos, multidões afluíram a ela. Eles nunca tinham visto nada assim.

Afinal, Giotto fez algo inédito. Ele traduziu histórias bíblicas em palavras simples, linguagem clara. E tornaram-se muito mais acessíveis às pessoas comuns.

Gioto. Adoração dos Magos. 1303-1305 Afresco na Capela Scrovegni em Pádua, Itália.

Isto é precisamente o que será característico de muitos mestres do Renascimento. Imagens lacônicas. Emoções vivas dos personagens. Realismo.

Leia mais sobre os afrescos do mestre no artigo.

Giotto ficou admirado. Mas sua inovação não foi mais desenvolvida. A moda do gótico internacional chegou à Itália.

Somente depois de 100 anos aparecerá um sucessor digno de Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autorretrato (fragmento do afresco “São Pedro no púlpito”). 1425-1427 Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.

Início do século XV. O chamado Primeiro Renascimento. Outro inovador está entrando em cena.

Masaccio foi o primeiro artista a usar perspectiva linear. Foi projetado por seu amigo, o arquiteto Brunelleschi. Agora o mundo representado tornou-se semelhante ao real. A arquitetura de brinquedo é coisa do passado.

Masaccio. São Pedro cura com sua sombra. 1425-1427 Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.

Ele adotou o realismo de Giotto. Porém, ao contrário de seu antecessor, ele já conhecia bem a anatomia.

Em vez de personagens em blocos, Giotto construiu pessoas lindamente. Assim como os antigos gregos.

Masaccio. Batismo de neófitos. 1426-1427 Capela Brancacci, Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, Itália.
Masaccio. Expulsão do Paraíso. 1426-1427 Afresco na Capela Brancacci, Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.

Masaccio viveu uma vida curta. Ele morreu, como seu pai, inesperadamente. Aos 27 anos.

No entanto, ele tinha muitos seguidores. Mestres das gerações subsequentes foram à Capela Brancacci para estudar seus afrescos.

Assim, a inovação de Masaccio foi retomada por todos os grandes artistas da Alta Renascença.

3.Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Auto-retrato. 1512 Biblioteca Real em Torino, Itália.

Leonardo da Vinci é um dos titãs da Renascença. Ele teve uma influência tremenda no desenvolvimento da pintura.

Foi da Vinci quem elevou o status do próprio artista. Graças a ele, os representantes desta profissão deixaram de ser apenas artesãos. Estes são criadores e aristocratas do espírito.

Leonardo fez um grande avanço principalmente em pintura de retrato.

Ele acreditava que nada deveria desviar a atenção da imagem principal. O olhar não deve desviar-se de um detalhe para outro. Foi assim que surgiram seus famosos retratos. Lacônico. Harmonioso.

Leonardo da Vinci. Senhora com um arminho. 1489-1490 Museu Czertoryski, Cracóvia.

A principal inovação de Leonardo é que ele encontrou uma maneira de tornar as imagens... vivas.

Antes dele, os personagens dos retratos pareciam manequins. As linhas eram claras. Todos os detalhes são cuidadosamente desenhados. O desenho pintado não poderia estar vivo.

Leonardo inventou o método sfumato. Ele sombreou as linhas. Fez a transição da luz para a sombra muito suave. Seus personagens parecem estar cobertos por uma névoa quase imperceptível. Os personagens ganharam vida.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato fará parte do vocabulário ativo de todos os grandes artistas do futuro.

Muitas vezes existe a opinião de que Leonardo, claro, é um gênio, mas não sabia fazer nada. E muitas vezes não terminei as pinturas. E muitos de seus projetos ficaram no papel (em 24 volumes, aliás). E, em geral, ele foi lançado na medicina ou na música. Houve uma época em que me interessei até pela arte de servir.

No entanto, pense por si mesmo. 19 pinturas - e ele é o maior artista de todos os tempos. E alguém nem chega perto em termos de grandeza, mas pintou 6.000 telas em sua vida. É óbvio quem tem maior eficiência.

Leia sobre a pintura mais famosa do mestre no artigo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragmento). 1544 Museu Metropolitano de Arte, Nova York.

Michelangelo se considerava um escultor. Mas havia mestre universal. Como seus outros colegas da Renascença. Portanto, o seu património pictórico não é menos grandioso.

Ele é reconhecível principalmente por seus personagens fisicamente desenvolvidos. Ele retratou um homem perfeito em quem a beleza física significa beleza espiritual.

É por isso que todos os seus heróis são tão musculosos e resistentes. Até mulheres e idosos.

Miguel Ângelo. Fragmentos do afresco “O Juízo Final” na Capela Sistina, Vaticano.

Michelangelo frequentemente pintava o personagem nu. E então ele adicionou roupas por cima. Para que o corpo fique o mais esculpido possível.

Ele pintou sozinho o teto da Capela Sistina. Embora sejam várias centenas de números! Ele nem permitiu que ninguém esfregasse tinta. Sim, ele era insociável. Ele tinha um caráter duro e briguento. Mas acima de tudo ele estava insatisfeito consigo mesmo.

Miguel Ângelo. Fragmento do afresco “A Criação de Adão”. 1511 Capela Sistina, Vaticano.

Michelangelo viveu uma vida longa. Sobreviveu ao declínio do Renascimento. Para ele foi uma tragédia pessoal. Suas obras posteriores estão cheias de tristeza e tristeza.

De qualquer forma caminho criativo Michelangelo é único. Seus primeiros trabalhos são uma celebração do herói humano. Livre e corajoso. Nas melhores tradições Grécia antiga. Qual é o nome dele, Davi?

Nos últimos anos de vida são imagens trágicas. Pedra intencionalmente talhada em bruto. É como se estivéssemos olhando para monumentos às vítimas do fascismo do século XX. Veja sua Pietà.

Esculturas de Michelangelo na Academia de Belas Artes de Florença. Esquerda: Davi. 1504 À direita: Pietà de Palestrina. 1555

Como isso é possível? Um artista em uma vida passou por todas as fases da arte, desde a Renascença até o século XX. O que fazer gerações futuras? Siga seu próprio caminho. Perceber que a fasquia está muito alta.

5. Rafael (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florença, Itália.

Rafael nunca foi esquecido. Sua genialidade sempre foi reconhecida: tanto durante a vida quanto após a morte.

Seus personagens são dotados de uma beleza sensual e lírica. É ele quem é considerado o mais bonito imagens femininas já criado. A beleza externa também reflete a beleza espiritual das heroínas. Sua mansidão. Seu sacrifício.

Rafael. . 1513 Galeria dos Velhos Mestres, Dresden, Alemanha.

Fyodor Dostoiévski disse as famosas palavras “A beleza salvará o mundo”. Esta era sua pintura favorita.

Contudo, as imagens sensoriais não são as únicas ponto forte Rafael. Ele pensou nas composições de suas pinturas com muito cuidado. Ele foi um arquiteto insuperável na pintura. Além disso, sempre encontrou a solução mais simples e harmoniosa na organização do espaço. Parece que não pode ser de outra forma.

Rafael. Escola de Atenas. 1509-1511 Afresco nas Estâncias do Palácio Apostólico, Vaticano.

Rafael viveu apenas 37 anos. Ele morreu de repente. De resfriados e erros médicos. Mas é difícil superestimar seu legado. Muitos artistas idolatravam este mestre. E multiplicaram suas imagens sensuais em milhares de suas telas.

Ticiano era um colorista insuperável. Ele também experimentou muito com composição. Em geral, ele foi um inovador ousado.

Todos o amavam pelo brilho de seu talento. Chamado de “o rei dos pintores e o pintor dos reis”.

Falando de Ticiano, quero colocar um ponto de exclamação após cada frase. Afinal, foi ele quem dinamizou a pintura. Pathos. Entusiasmo. Cor brilhante. O brilho das cores.

Ticiano. Ascensão de Maria. 1515-1518 Igreja de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Veneza.

No final de sua vida ele desenvolveu técnica incomum cartas. Os traços são rápidos e grossos. Apliquei a tinta com pincel ou com os dedos. Isso torna as imagens ainda mais vivas e vibrantes. E as tramas são ainda mais dinâmicas e dramáticas.

Ticiano. Tarquínio e Lucrécia. 1571 Museu Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra.

Isso te lembra alguma coisa? Claro, isso é tecnologia. E Tecnologia artistas do século XIX séculos: Barbizonianos e. Ticiano, como Michelangelo, passaria por 500 anos de pintura numa só vida. É por isso que ele é um gênio.

SOBRE obra-prima famosa Leia o mestre no artigo.

Os artistas renascentistas são donos de um grande conhecimento. Para deixar tal legado, havia muito que aprender. No campo da história, astrologia, física e assim por diante.

Portanto, cada imagem deles nos faz pensar. Por que isso está retratado? Qual é a mensagem criptografada aqui?

Eles quase nunca estavam errados. Porque eles pensaram cuidadosamente em seu trabalho futuro. Usamos todo o nosso conhecimento.

Eles eram mais que artistas. Eles eram filósofos. Eles nos explicaram o mundo através da pintura.

É por isso que eles sempre serão profundamente interessantes para nós.

Renascimento, ou Renascimento - uma era na história da cultura europeia que substituiu a cultura da Idade Média e precedeu a cultura dos tempos modernos. Uma característica distintiva do Renascimento é a natureza secular da cultura e seu antropocentrismo (isto é, o interesse, antes de tudo, pelo homem e suas atividades).

Estilo renascentista

Os cidadãos ricos da Europa já não precisavam de se esconder atrás das muralhas dos castelos. Foram substituídos por palácios urbanos (palazzos) e vilas de campo, deliciando os proprietários com beleza e conforto. Um palácio típico geralmente tem de 3 a 4 andares. No piso inferior existiam vestíbulos, salas de serviço, cavalariças e arrecadações. No próximo nível - Piano Nobile - há salas de aparato espaçosas e ricamente decoradas. Às vezes, neste andar ficavam os quartos dos familiares do dono da casa. Os aposentos privados são o quarto e o “estúdio”, uma sala usada como escritório, oficina ou sala para conversas privadas. Havia uma lavanderia ali perto; a água era retirada de uma fonte ou poço. O terceiro andar costumava ter o mesmo layout do piano nobile, com salas de estar com tetos mais baixos. No último andar o pé-direito era ainda mais baixo; As escadas medievais eram em espiral ou pareciam fendas estreitas cortadas na espessura das paredes; agora tornaram-se largas e retas e dominam o interior; As escadas adicionais eram frequentemente mal iluminadas. A villa de campo não foi construída em condições tão restritas e, portanto, poderia ser maior. Ao mesmo tempo, manteve-se a mesma disposição: as salas de serviço ficavam no térreo, as salas de aparato no segundo andar e os quartos dos empregados no último andar ou no sótão.

Os interiores renascentistas falam de uma paixão pelos clássicos. A simetria é fundamental e os detalhes são emprestados de designs romanos antigos. As paredes costumam ter tons neutros ou padrões. Nas casas ricas, as paredes são frequentemente decoradas com afrescos. Os tetos são com vigas ou caixotões. As vigas e caixotões do teto são pintados em cores vivas. Os pisos são decorados com padrões geométricos complexos. As lareiras, que serviam como única fonte de calor, são revestidas de talha. A julgar pelas pinturas dos artistas da época, as cortinas e outros acessórios eram multicoloridos.

Durante a Renascença, o mobiliário era mais difundido do que na Idade Média, mas pelos padrões modernos ainda era escasso. A talha, a incrustação e a intársia estiveram presentes no interior, dependendo da capacidade financeira e do gosto do proprietário.

Os interiores das igrejas renascentistas foram pintados em cores suaves e ricamente decorados com detalhes arquitetônicos emprestados de antigos monumentos romanos. Os vitrais deram lugar ao vidro transparente. A pintura foi amplamente utilizada - afrescos, pinturas de altar. Os altares eram geralmente encomendados e doados às igrejas por cidadãos abastados, cujos retratos podem ser vistos em primeiro plano. Nos interiores do Renascimento, percebe-se uma transição da simplicidade ao esplendor.

Início da Renascença

O Palazzo Davanzati em Florença (final do século XIV) é uma casa urbana excelentemente preservada, construída na virada de duas épocas. O edifício ocupa um terreno estreito e irregular, típico de uma cidade medieval. No piso inferior existe uma loggia voltada para a rua, que poderá servir de banco. Do pátio, as escadas conduzem aos pisos onde se situam os alojamentos - amplos e ricamente decorados, mas de localização caótica, como num castelo medieval. Do lado de fora o edifício é simétrico. Os frisos e consoles que sustentam as vigas do teto são emprestados da arquitetura clássica; mas as molduras das janelas de chumbo e as pinturas murais semelhantes a tapeçarias remontam à Idade Média. Mesmo com móveis, os quartos parecem vazios e o ascetismo medieval ainda é perceptível.

Aproximado quadro cronológico eras: início do XIV - Ultimo quarto Século XVI e em alguns casos - as primeiras décadas do século XVII (por exemplo, na Inglaterra e, especialmente, na Espanha). Há um interesse em cultura antiga, é como se estivesse acontecendo o seu “renascimento” – foi assim que surgiu o termo. Os historiadores dividiram o Renascimento em três períodos:cedo, alto, historiadores posteriores moda antiga destacar o período triunfante da “Alta Renascença”, que termina em declínio. Os cientistas modernos consideram cada período digno de estudo e admiração: desde uma experiência ousada, passando por um período de floração, até uma fase final caracterizada por grande liberdade e complexidade.

Renascimento na França

Em 1515, Francisco I (1515-1547), a convite do papa, passou quatro dias no Vaticano, onde pôde admirar a arte da Alta Renascença. Francisco convidou Leonardo da Vinci para vir para França, o que se concretizou em 1516. Leonardo estabeleceu-se nas proximidades de Amboise, onde viveu até à sua morte em 1519. A ala Francisco no castelo de Blois (1515-1519) com o seu famoso A escadaria tem três andares, decorados com pilastras e elementos decorativos emprestados dos pátios dos palácios florentinos. O telhado com tubos e águas-furtadas é feito em estilo típico da França.

O mais espetacular dos castelos do início da Renascença é o enorme palácio real de Chambord (1519). Torres medievais redondas, fossos e telhados altos são combinados com um layout simétrico e elementos ordenados. Uma variedade de chaminés, torres, cúpulas e águas-furtadas lembram Renascença italiana. No Chateau de Chambord, o lobby tem a forma de uma cruz grega. A escada em espiral de dois lances no centro do lobby é o núcleo de toda a composição. Como Leonardo da Vinci morava perto de Amboise, acredita-se que a escada foi criada a partir de esboços encontrados em seu cadernos. Os alojamentos estão concentrados nos cantos da praça, quartos adicionais, escadas e corredores estão localizados nas torres de canto, o que faz com que o edifício pareça um enorme labirinto. Os quartos parecem vazios. Naquela época, os móveis eram transferidos com a corte real para Paris e vice-versa. Acredita-se que a planta do castelo foi desenhada por Domenico da Cortona (falecido em 1549), aluno de Giuliano da Sangallo, que visitou a França em 1495 (Sangallo retornou à Itália, enquanto Domenico permaneceu na França). O arquiteto francês Pierre Iepvo também desempenhou um papel importante, mas não está claro se ele foi o autor do projeto ou um simples pedreiro trabalhando sob a supervisão de outros artesãos.

O pequeno castelo de Azay-le-Rideau no Vale do Loire (1518-1527) é criação de arquitetos desconhecidos. O edifício em forma da letra latina B, um fosso com água e um lago formam um conjunto encantador. As torres de esquina e o fosso lembram a Idade Média, mas a fachada posterior, voltada para o fosso, é totalmente simétrica, e as pilastras e frisos são de estilo renascentista. A escadaria principal está localizada no centro do volume principal. Uma entrada pitoresca marca sua localização externa. A fachada do edifício é assimétrica. Felizmente, os interiores de Azay-Rideau estão bem preservados. Um conjunto de quartos começa na escadaria principal. As vigas de madeira do teto estão expostas, as paredes são forradas com tecido, as grandes lareiras são provavelmente obra de um mestre italiano. As janelas estão embutidas na espessura das paredes de pedra. Como os quartos não tinham nenhuma finalidade especial, por exemplo, qualquer um deles poderia acomodar uma cama. Além disso, cada quarto foi decorado com um determinado esquema de cores.

Brunelleschi

O início da Renascença na Itália é o período de aproximadamente 1400 até o final do século XV. A primeira figura significativa é Filippo Brunelleschi (1377-1446), ourives florentino que mais tarde se tornou escultor, geômetra e arquiteto. Ele é um exemplo de “homem da Renascença”. Tendo participado num concurso de projetos para a cúpula da Catedral de Florença, Brunelleschi propôs construir uma enorme cúpula sem contrafortes e sem círculos de madeira (neste último caso, teria sido necessário erguer andaimes caros, o que por si só é um enorme estrutura de engenharia). Em 1420, Brunelleschi iniciou a construção da grandiosa cúpula, que ainda se eleva sobre Florença.

A cúpula de Brunelleschi difere das cúpulas romanas pela sua forma pontiaguda, que se adapta perfeitamente à catedral gótica. A construção de uma cúpula sem contrafortes externos exigiu soluções tecnológicas fundamentalmente novas. Costelas de pedra estão localizadas nos cantos do octógono, além de duas costelas adicionais em cada lado da cúpula. Todo o espaço da catedral foi utilizado no processo de construção. Não são visíveis as enormes ligações de pedra, ferro e madeira, que ligam a cúpula aos “anéis de tensão” e amortecem o impulso, suficiente para destruir toda a estrutura. Há uma janela redonda no topo da cúpula. A lanterna da cúpula, na verdade uma pequena construção no telhado, foi construída após a morte de Brunelleschi, mas está em seu estilo e é a única parte da cúpula de estilo estritamente clássico.

Embora a enorme cúpula seja a estrutura mais espetacular de Brunelleschi, outros projetos refletem mais plenamente seu conceito de design de interiores. Nas igrejas florentinas de San Lorenzo (iniciada por volta de 1420) e Santo Spirito (iniciada em 1435), Brunelleschi tentou transformar a basílica com transepto, coro e naves laterais em algo novo. A planta de cada igreja é dividida em quadrados, sendo que um desses quadrados é um módulo para toda a estrutura como um todo. A nave central é separada das naves laterais por arcos romanos sustentados por colunas coríntias. As naves laterais são cobertas por abóbadas. Nas construções romanas, o arco não assenta diretamente na coluna, mas sim no entablamento. Em Brunelleschi vemos a mesma coisa: as colunas sempre terminam com um fragmento de entablamento, uma laje quadrada, às vezes chamada de imposta.

A primeira obra de Brunelleschi na Igreja de San Lorenzo foi a pequena Sacristia (conhecida como Sacristia Antiga, há também a Sacristia Nova de Michelangelo, geralmente chamada de Capela dos Médici). Esta é uma sala quadrada, encimada por uma cúpula sobre velas. Ele se conecta a uma sala menor onde está localizado o altar (a chamada escalla).

A pequena Capela Pazzi no pátio da Igreja de Santa Croce em Florença (1429-1461) é geralmente considerada obra de Brunelleschi, embora não esteja precisamente estabelecido qual foi a sua contribuição para a construção da capela, que foi concluída após a morte do arquiteto, mas lembra em muitos aspectos a sacristia da Igreja de São Lourenço. É frequentemente considerada a primeira estrutura do início da Renascença, caracterizada por simetria e elementos clássicos, juntamente com sofisticação e inovação. O espaço quadrado é coberto por uma cúpula sobre velas no sentido norte-sul, os braços da cruz com abóbadas de berço estendem-se da praça da cúpula, transformando a planta quadrada em retangular. A escalla quadrada com sua cúpula equilibra o plano. A capela foi construída como sala capitular monástica; no seu interior ainda existem bancos em todo o perímetro da sala, destinados aos monges que participam nas reuniões. As paredes são decoradas com pilastras de mármore verde-acinzentado; na parte superior das paredes existem nichos redondos com relevos de Luca della Robbia (1400-1482). A sala parece pequena, mas na verdade é de um tamanho impressionante. Isto pode ser devido ao uso não totalmente correto de elementos clássicos.

Michelozzo

O Palazzo Medici-Riccardi em Florença (iniciado em 1444), projetado por Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), com paredes rústicas e pequenas janelas, lembra um castelo medieval, mas a planta simétrica e os elementos de ordem indicam um estilo do início da Renascença. A entrada central dá acesso a um pequeno pátio quadrado com acesso ao jardim. Doze colunas da ordem coríntia sustentam os arcos, formando uma galeria aberta. Os arcos repousam diretamente sobre os capitéis das colunas, conectando-se de forma pouco atraente nos cantos, o que indica que o arquiteto não possui conhecimento suficiente das leis da arquitetura clássica. Os interiores são simples e sem decoração, com excepção dos magníficos tectos em caixotões, caixilhos das portas e cornijas de estilo clássico. É possível que tapeçarias estivessem penduradas nas salas principais e ao mesmo tempo servissem de decoração. A capela contém afrescos de Benozzo Gozzoli (1420-1497), que retratam a “Adoração dos Magos” - uma fila de pessoas magnificamente vestidas movendo-se pelo terreno montanhoso. O afresco lembra uma tapeçaria. Durante a reconstrução subsequente (1680), a simetria foi preservada, embora a simetria original permaneça agora apenas no lado esquerdo. O pátio do palácio é um exemplo da arquitetura do início da Renascença: arcos semicirculares repousam sobre finas colunas da ordem coríntia, a planta é estritamente simétrica.

Alberti

Leon Battista Alberti (1404-1472) foi um cientista, músico, artista, teórico da arte e escritor. Seu livro De Re Aedificatoria (Sobre a Construção), publicado em 1485, foi a primeira grande obra sobre arquitetura desde Vitrúvio. O livro tinha grande influênciaà arquitetura italiana. O texto descreve as regras das ordens clássicas. Tal como na música, as proporções principais de 2:3, 3:4 e 3:5 (a frequência de vibração correspondente aos acordes musicais) podem ser aplicadas com sucesso na arquitectura.

A Igreja de Sant'Andrea em Mântua (iniciada em 1471) é a obra mais importante de Alberti, tendo grande influência na arquitetura do século XVI. A planta da igreja é cruciforme, sobre a cruz central ergue-se uma cúpula, a nave central, o transepto e o altar são cobertos por abóbadas de berço com caixotões. Não existem naves laterais; em vez deles, foram construídas capelas grandes e pequenas. Separadamente colunas em pé substituído por poderosos postes com pilastras. A luxuosa decoração do interior surgiu após a morte de Alberti; a arquitectura geralmente simples e majestosa testemunha a influência que a arquitectura romana, em particular os banhos imperiais, tiveram sobre o arquitecto.