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Estágio- um tipo de arte cênica que implica um gênero separado e uma síntese de gêneros: canto, dança, performance original, arte circense, ilusões.

Música pop- tipo de entretenimento arte musical, dirigido ao maior público ouvinte.

Este tipo de música teve seu maior desenvolvimento no século XX. Geralmente inclui música dançante, canções diversas, obras para orquestras sinfônicas pop e conjuntos vocais-instrumentais.

Muitas vezes, a música pop é identificada com o conceito existente de “música leve”, ou seja, fácil de entender, acessível ao público. Em termos históricos, a música leve inclui música de conteúdo simples e que ganhou popularidade universal. obras clássicas, por exemplo, peças de F. Schubert e J. Brahms, F. Lehár e J. Offenbach, valsas de J. Strauss e A. K. Glazunov, “Little Night Serenade” de W. A. ​​​​Mozart.

Neste vasto, e também extremamente diversificado em carácter e nível estético, campo da criatividade musical, por um lado, são utilizados os mesmos meios expressivos da música séria e, por outro, meios próprios e específicos.

O termo “orquestra pop” foi proposto por L. O. Utesov no final dos anos 40, o que permitiu separar dois conceitos:
a própria música pop e jazz.

A música pop moderna e o jazz têm uma série de características comuns: a presença de uma pulsação rítmica constante realizada pela seção rítmica; personagem predominantemente de dança interpretada por pop e bandas de jazz funciona. Mas se a música jazz é caracterizada pela improvisação, o swing tem uma propriedade rítmica especial e as formas jazz modernoàs vezes bastante difícil de entender, então música pop difere em acessibilidade linguagem musical, melodia e extrema simplicidade rítmica.

Um dos tipos mais comuns de composições instrumentais pop é a orquestra sinfônica pop (ESO), ou jazz sinfônico. Em nosso país, a formação e o desenvolvimento do ESO estão associados aos nomes de V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. O repertório das orquestras sinfônicas pop é extremamente extenso: desde peças orquestrais originais e fantasias até tópicos famosos ao acompanhamento de canções e operetas.

Além da indispensável seção rítmica e da composição completa de metais da big band (grupo de saxofones e grupo de metais), o ESO inclui grupos tradicionais de instrumentos de orquestra sinfônica - sopros, trompas e cordas (violinos, violas, violoncelos). A proporção de grupos no ESO aproxima-se da de uma orquestra sinfónica: grupo de strings domina, o que se deve à natureza predominantemente melódica da música do ESO; os de madeira desempenham um grande papel instrumentos de vento; O princípio da orquestração em si é muito próximo daquele adotado em uma orquestra sinfônica, embora a presença de uma seção rítmica constantemente pulsante e o papel mais ativo do grupo de metais (e às vezes dos saxofones) às vezes se assemelhem ao som de uma orquestra de jazz. Um importante papel colorístico no ESO é desempenhado pela harpa, vibrafone e tímpanos.

ESOs são muito populares em nosso país. Suas apresentações são transmitidas pelo rádio e pela televisão; eles costumam apresentar músicas para filmes e participar de grandes concertos e festivais pop. Muitos compositores soviéticos escrevem músicas especificamente para o ESO. Estes são A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu.

O gênero da música pop inclui vários tipos de canções pop: romance tradicional, canção lírica moderna, canção em ritmos dançantes com acompanhamento instrumental desenvolvido. A principal coisa que une vários tipos de canções pop é o desejo de seus autores pela máxima acessibilidade e memorização da melodia. As raízes dessa democracia estão em romance antigo e no folclore urbano moderno.

Uma música pop não se limita ao puro entretenimento. Assim, as canções pop soviéticas contêm temas de cidadania, patriotismo, luta pela paz, etc. Não é sem razão que as canções de I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov e outros soviéticos os compositores são amados não só em nosso país, mas também muito além de suas fronteiras. Canção de Solovyov-Sedoy “ Noites de Moscou" No século 20 Vários tipos de música dançante se substituíram. Assim, o tango, a rumba, o foxtrot foram substituídos pelo rock and roll, foram substituídos pelo twist and shake, os ritmos do samba e da bossa nova eram muito populares. Por vários anos, o estilo disco foi difundido na música pop e dance. Surgiu de uma fusão da música instrumental negra com elementos de canto e plasticidade, característicos dos cantores pop de América latina, em particular da ilha da Jamaica. Intimamente relacionado com Europa Ocidental e os Estados Unidos com a indústria fonográfica e a prática das discotecas, a música disco acabou por ser uma das tendências em rápida evolução na música pop e dance da 2ª metade do século XX.

Entre os compositores soviéticos que estabeleceram tradições nacionais no gênero de dance music estão A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky e outros.

O rock moderno pode ser classificado como música pop. Na cultura musical da Europa Ocidental e dos EUA, este é um movimento muito variado no seu nível ideológico e artístico e nos princípios estéticos. É representado tanto por obras que expressam protesto contra a injustiça social, o militarismo, a guerra, como por obras que pregam o anarquismo, a imoralidade e a violência. O estilo musical dos conjuntos representativos deste movimento é igualmente heterogéneo. No entanto, eles têm base geral, algumas características distintivas.

Uma dessas características é a utilização do canto, solo e conjunto e, conseqüentemente, do texto, que carrega conteúdo independente, e da voz humana como coloração timbre especial. Os membros de conjuntos ou grupos muitas vezes combinam as funções de instrumentistas e vocalistas. Os principais instrumentos são guitarras, bem como vários teclados e, menos frequentemente, instrumentos de sopro. O som dos instrumentos é amplificado por vários conversores de som e amplificadores eletrônicos. A música rock difere da música jazz em sua estrutura metro-rítmica mais subdividida.

Em nosso país, elementos do rock se refletem no trabalho dos conjuntos vocais e instrumentais (VIA).

Devido ao seu apelo de massa e grande popularidade, a música pop soviética desempenhou um papel significativo na educação estética da geração mais jovem.

Variedade é um tipo de arte de entretenimento em que pequenos concertos de um ou mais artistas (contadores de histórias, cantores, dísticos, dançarinos, acrobatas, mágicos, etc.) compõem um programa completo, geralmente projetado para a percepção de massa. O palco é multifacetado e variado. A percepção do público sobre esta arte também é variada. Para alguns, o palco é uma apresentação de músicas e grupos musicais e performers, para outros - uma atuação de comediantes, para outros - palhaços ou artistas de dança moderna. As formas de existência desta arte também são diferentes: um concerto num clube, um cinema e sala de concertos, uma peça estudantil em salão de montagem Instituto, um programa teatral num estádio ou no Palácio dos Desportos, uma actuação no Teatro de Miniaturas, uma actuação no Teatro de Variedades, um concerto a solo, etc. características do programa de variedades ao vivo.

As raízes do palco remontam a um passado distante, podem ser encontradas na arte da antiguidade - Egito, Grécia, Roma, seus elementos estão nas performances de comediantes viajantes - bufões, shpilmans, malabaristas, dândis, etc. formas modernas A arte variada desenvolveu-se na Europa Ocidental ao longo do século XIX. Assim, os visitantes dos cafés parisienses eram entretidos por músicos, cantores, cantores, cujo repertório incluía coisas agudas e atuais. O sucesso de tais cafés deu origem ao surgimento de grandes empresas de entretenimento - cafés-concertos (“Ambassador”, “Eldorado”, etc.). Na Inglaterra, nas pousadas (hotéis) surgiram salas de música- salas de música, onde eram apresentadas danças, canções cômicas e apresentações circenses; O primeiro é considerado o Star Music Hall, fundado em 1832.

Inspirado no music hall londrino Alhambra, o Folies Bergère foi inaugurado em Paris em 1869, e duas décadas depois o Moulin Rouge, que recebeu o nome de “variedade hall” (do francês variété - variedade). Gradualmente, a palavra “show de variedades” começou a ser aplicada não apenas a teatros específicos, mas também a toda uma forma de arte, composta por vários gêneros, a partir dos quais, em última análise, é criada uma performance holística.

Em 1881, um cabaré artístico (do cabaré francês - abobrinha) “Cha Noir” (“Gato Preto”) foi inaugurado em Paris, onde se reuniam jovens artistas, atores e escritores. Problemas sociais e políticos agudos foram frequentemente abordados aqui. Os cabarés eram muito famosos na Alemanha, Áustria e outros países. No nosso tempo, esta forma, separada do café, passou a existir como um teatro político e satírico de pequenas formas (Alemanha) com um nome ligeiramente alterado - cabarette.

Os programas de variedades chegaram à Rússia na virada dos séculos XIX e XX. Após o show de variedades, o cabaré também atraiu a atenção do público. Eles tiveram seus próprios antecessores na Rússia, que determinaram em grande parte a singularidade do cenário russo. São estandes que divertiam a diversificada composição social do público nos feriados, e pequenas diversões programas de concertos, que foram apresentadas nos cinemas antes e depois do final da peça principal. Os programas de diversão incluíam canções e árias russas de óperas, danças clássicas e folclóricas, dísticos de vaudeville, poemas e histórias interpretadas por atores dramáticos. Em geral, o teatro teve uma influência significativa no palco russo, o que determinou a sua originalidade.

Depois Revolução de outubro os artistas saíam dos pequenos e apertados salões de cabarés, shows de variedades e teatros em miniatura para as ruas e praças, para o povo. Eles substituíram os alto-falantes em vários concertos e comícios e foram para a frente em concertos. guerra civil, realizado em postos de recrutamento, quartéis e clubes de trabalhadores. Foi então que o conceito de “variedade” (do francês estrade - stage) se espalhou por todo o campo da arte.

A base arte pop- um número, uma performance completa de curta duração (de um ou mais artistas) com dramaturgia própria, na qual, como em grande desempenho, deve haver uma exposição, um clímax e um desfecho. A produção de curtas-metragens requer extrema concentração meios expressivos. Portanto, hipérbole, grotesco, bufonaria e excentricidade são amplamente utilizados no palco; daí o brilho, o exagero dos detalhes e a instantaneidade da transformação do ator. O número mantém seu significado em uma performance variada (show, revista, etc.) criada com base em uma peça (crítica). Nessa performance, os números são unidos pela figura de um observador ou por um simples enredo.

Artistas que atuam no palco usam amplamente a chamada máscara, uma determinada imagem, que se distingue pela constância não só da aparência externa, mas também dos traços de caráter e da biografia. Esta imagem, nascida da imaginação artística, pode nada ter a ver com a personalidade do próprio artista.

Muitas vezes, porém, a máscara de um artista pop torna-se, por assim dizer, uma expressão concentrada de sua própria personalidade. Mas seja qual for a máscara que o artista esconde, ele dirige-se diretamente ao público, esforça-se por incluí-lo na ação, por torná-lo seu “interlocutor”.

No seu caminho, a música pop russa resolveu vários problemas: agitou, convocou, inspirou, educou, iluminou e, claro, entreteve. O entretenimento é característico do palco, como nenhuma outra arte. Mas não é equivalente ao vazio. Por trás da leveza e da alegria externas, muitas vezes se esconde um conteúdo sério, e quanto mais talentoso o artista, maior sua habilidade, melhor ele consegue concluir um pensamento sério em forma leve. Exemplo de cidadania, acuidade de conteúdo social e excelência forma artística serve a arte satírica de A.I.

Tradicionalmente ótimo lugar em nosso palco pertence a gêneros associados a palavras. Esta é uma história, um monólogo, uma pequena esquete, um folhetim, um dístico, uma paródia, um espetáculo. A tarefa de apresentar a cultura às grandes massas nos anos 20-30. Século XX trouxe à vida a forma leitura artística das obras teatrais da literatura moderna e clássica. Os leitores-artistas se esforçam para revelar o mundo do autor da forma mais completa possível ao público, originalidade artística Suas obras.

Os gêneros musicais e vocais ocuparam o lugar de destaque no palco: romance, canções de bardo e folk, música pop e rock, jazz, etc. Grandes públicos são atraídos por concertos solo de cantores pop famosos. No processo de desenvolvimento, surgem novas formas e direções de estilo, que enriquecem palco musical novas ideias artísticas, refletem os ritmos do tempo. Os números coreográficos, tanto em conjunto como a solo, estão amplamente representados em palco: danças folclóricas, duetos plásticos, miniaturas de peças, danças em ritmos modernos.

O espetáculo de atos circenses atrai visitantes: malabaristas, ilusionistas, manipuladores, acrobatas, equilibristas, mímicos. Muitas coisas interessantes nascem na intersecção de gêneros: pantomima e acrobacia, pantomima e malabarismo, etc. Muitos artistas usam a excentricidade inerente à própria natureza da pop art.

A arte variada desenvolveu-se amplamente na URSS. Olimpíada da União de Teatros e Artes dos Povos da URSS 1930, Festival de Dança Folclórica da União 1936, décadas arte nacional Nas repúblicas sindicais, a reportagem de concertos contribuiu para o desenvolvimento deste tipo de criatividade entre povos que antes não a conheciam, exceto nas formas folclóricas. Competições de toda a Rússia e de toda a União para jovens criativos eram realizadas regularmente. De natureza sintética, a música pop sempre esteve associada ao teatro, ao cinema, à literatura e à música. Formas diferentes A interação entre a pop art e outras artes pode ser percebida ao longo de sua história. Jazz e rock estão incluídos na música sinfônica; dança pop, influência da acrobacia coreografia clássica; volta-se constantemente para o palco do cinema; os críticos escrevem sobre a variedade do teatro. Por sua vez, o palco é capturado pelo processo de teatralização, afeta todos os seus gêneros, a tendência geral para a programação teatral, para a criação de espetáculos e teatros de variedades.

Todo mundo conhece a notável habilidade de K.I. Shulzhenko, que executou canções líricas com alma.



Performance de Tarapunka (Yuri Timoshenko) e Shtepsel (Efim Berezin, à esquerda)./



O ilusionista Harutyun Hakobyan está no palco.



Famoso Grupo inglês"Os Beatles".

As raízes da pop art remontam a um passado distante, traçadas na arte do Egito, Grécia, Roma; seus elementos estão presentes nas performances de comediantes-bufões viajantes (Rússia), shpilmanov (Alemanha), malabaristas (França), dândis (Polônia), mascarados ( Ásia Central) etc

Sátira à vida e à moral urbana, piadas afiadas sobre temas políticos, atitude crítica em relação ao poder, dísticos, cenas cômicas, piadas, jogos, pantomima de palhaço, malabarismo e excentricidades musicais foram os primórdios dos futuros gêneros pop, nascidos no barulho do carnaval e diversões quadradas.

Barkers, que, com a ajuda de piadas, piadas e dísticos engraçados, vendiam qualquer produto em praças e mercados, mais tarde se tornaram os antecessores do artista. Tudo isso era de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas do carnaval medieval não realizaram apresentações.

Na Rússia, as origens dos gêneros pop se manifestaram na diversão bufônica, na diversão e na criatividade em massa, nos festivais folclóricos. Seus representantes são os curingas da Raus com barba obrigatória, que divertiram e convidaram o público da plataforma superior do estande da Raus, tocadores de salsa, raeshniks, líderes dos ursos “científicos”, atores bufões realizando “esboços” e “reprises” entre a multidão, tocando flauta, harpa, fungando e divertindo o povo.

A arte variada é caracterizada por qualidades como abertura, laconicismo, improvisação, festividade, originalidade e entretenimento.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. A própria sensação de festa foi criada devido à animação externa, jogo de luzes, mudança de cenário pitoresco, mudança no formato da área do palco, etc. Apesar de o palco ser caracterizado por uma variedade de formas e gêneros, ele pode ser dividido em três grupos:

• - palco de concertos (anteriormente denominado “divertissement”) reúne todos os tipos de apresentações em concertos de variedades;
• - palco teatral (apresentações de câmara de teatros em miniatura, teatros de cabaré, teatros-café ou grandes revistas de concertos, salas de música, com grande elenco e equipamento de palco de primeira classe);
• - palco festivo (celebrações folclóricas, feriados em estádios, repletos de esportes e concertos, além de bailes, carnavais, bailes de máscaras, festivais, etc.).

Existem também estes:

• 1. Teatros de variedades
• 2. Salas de música

Se a base de um programa de variedades é um número completo, então uma crítica, como qualquer outro ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco à trama. Isso, via de regra, não se combinava organicamente e levava ao enfraquecimento de um dos componentes da performance: ou o número, ou os personagens, ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de “Milagres do Século 20” - a peça se dividiu em uma série de episódios independentes e vagamente conectados. Apenas o conjunto de balé e vários shows de variedades de primeira classe tiveram sucesso com o público. atos de circo. O conjunto de balé, encenado por Goleizovsky, executou três números: “Ei, vamos gritar!”, “Moscou na chuva” e “30 garotas inglesas”. O desempenho de "Snake" foi especialmente impressionante. Entre os artistas circenses, os melhores foram: Tea Alba e “Australian Lumberjacks” Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente palavras diferentes com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda. Os lenhadores no fundo da sala corriam para cortar dois troncos grossos. O alemão Strodi mostrou um excelente equilíbrio na corda bamba. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os atos circenses, destacou-se o ato de Zoe e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a inauguração do Leningrad Music Hall.

• 3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, óperas, operetas junto com números variados (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, a sátira, a ironia e o lirismo não está excluído. A trupe é pequena, é possível um teatro de um ou dois atores. De design lacônico, as performances são pensadas para um público relativamente pequeno e apresentam uma espécie de tela em mosaico.
• 4. Gêneros conversacionais no palco - um símbolo para gêneros associados principalmente a palavras: artista, interlúdio, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (piada encenada), burime.

Artista - o artista pode ser emparelhado, solteiro ou em massa. Um gênero conversacional construído segundo as leis da “unidade e luta dos opostos”, ou seja, a transição da quantidade para a qualidade segundo o princípio satírico.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico ou humorístico.

Interlúdio é uma cena cômica ou peça musical de conteúdo humorístico, apresentada como número independente.

Uma esquete é uma pequena cena onde a intriga se desenvolve rapidamente, onde o enredo mais simples se constrói sobre situações inesperadas, engraçadas, comoventes, reviravoltas, permitindo que toda uma série de absurdos surjam durante a ação, mas onde tudo, via de regra, termina em um feliz desfecho. 1-2 caracteres (mas não mais que três).

A miniatura é o gênero falado mais popular no palco. No palco hoje, uma piada popular (não publicada, não impressa - do grego) é uma curta história oral com um final inesperado e espirituoso.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para simular a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero de conversação curta mais comum.

Os dísticos são uma das variedades mais inteligíveis e populares do gênero conversacional. O dístico procura ridicularizar este ou aquele fenômeno e expressar sua atitude em relação a ele. Deve ter senso de humor

Os gêneros musicais e de conversação incluem dístico, cantiga, canção e folhetim musical.

Uma paródia comum no palco pode ser “conversacional”, vocal, musical ou dançante. Ao mesmo tempo, os gêneros do discurso incluíam recitações, recitações melódicas, montagens literárias e “leitura artística”.

É impossível fornecer uma lista de gêneros de fala registrada com precisão: sínteses inesperadas de palavras com música, dança, gêneros originais (transformação, ventrologia, etc.) dão origem a novos formações de gênero. A prática viva fornece continuamente todos os tipos de variedades; não é por acaso que em cartazes antigos era costume acrescentar “em seu gênero” ao nome do ator.

Cada um dos gêneros de discurso acima tem suas próprias características, sua própria história e estrutura. O desenvolvimento da sociedade e das condições sociais ditou o surgimento de um ou outro gênero. Na verdade, apenas o artista nascido no cabaré pode ser considerado um gênero “variedade”. O restante veio de barracas, teatros e páginas de revistas humorísticas e satíricas. Os géneros discursivos, ao contrário de outros que tendem a abraçar inovações estrangeiras, desenvolveram-se em consonância com a tradição nacional, em estreita ligação com o teatro e a literatura humorística.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que “morre” no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que determina em grande parte o sucesso do ato. Os próprios artistas muitas vezes se tornaram os autores. As tradições de I. Gorbunov foram retomadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não possuíam talento literário recorreram à ajuda de autores que escreviam com expectativa de performance oral, levando em consideração. conta a máscara do performer. Esses autores, via de regra, permaneceram “anônimos”. Durante muitos anos, a imprensa discutiu a questão de saber se uma obra escrita para apresentação no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 80, foram criadas as Associações All-Union e depois as Associações Pan-Russas de Autores Pop, o que ajudou a legitimar este tipo atividade literária. O “anonimato” do autor é coisa do passado, aliás, os próprios autores subiram ao palco. No final da década de 70 foi lançado o programa “Nos Bastidores do Riso”, composto como um concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) apresentavam os seus próprios programas, agora este fenómeno generalizou-se. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado na década de 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Inteligência Criativa, que, como as canções de Vysotsky, se espalharam por todo o país.

5. Jazz no palco

O termo “jazz” é comumente entendido como: 1) um tipo de arte musical baseada na improvisação e intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam esta música. Os termos “banda de jazz”, “conjunto de jazz” (por vezes indicando o número de intérpretes - trio de jazz, quarteto de jazz, “orquestra de jazz”, “big band”) também são utilizados para designar grupos.

6. Música no palco

Miniatura vocal (vocal-instrumental), amplamente utilizada na prática de concerto. No palco, muitas vezes é resolvido como uma miniatura de “jogo” de palco com a ajuda de plásticos, figurinos, luz, mise-en-scène (“teatro da canção”); grande importância adquire a personalidade, características de talento e habilidade do intérprete, que em alguns casos se torna “coautor” do compositor.

Os gêneros e formas da canção são variados: romance, balada, canção folclórica, dístico, cantiga, canção, etc .; Os métodos de execução também são variados: solo, conjunto (duetos, coros, conjuntos vocal-instrumentais).

Há também um grupo de composição entre músicos pop. Estes são Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk, etc. A canção anterior era principalmente uma canção de compositor, a atual é de "intérprete".

Muitos estilos, costumes e tendências coexistem - do kitsch sentimental e romance urbano ao punk rock e rap. Assim, a canção de hoje é um painel multicolorido e multiestilo, incluindo dezenas de direções, desde imitações do folclore doméstico até infusões de culturas afro-americanas, europeias e asiáticas.

7. Dance no palco

É um pequeno número de dança, solo ou grupo, apresentado em concertos pop nacionais, shows de variedades, music halls e teatros em miniatura; acompanha e complementa a programação de vocalistas, números de gêneros originais e até discursos. Foi formado com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica, acrobacia, na intersecção de todos os tipos de influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos e se forma sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

As danças folclóricas originalmente faziam parte das apresentações das trupes da capital. O repertório incluía apresentações teatrais divertidas da vida rural, urbana e militar, suítes vocais e de dança da língua russa músicas folk e dançando.

Nos anos 90, a dança no palco se polarizou fortemente, como se voltasse à situação dos anos 20. Grupos de dança Os envolvidos no show business, como “Dança Erótica” e outros, contam com o erotismo - as apresentações em boates ditam suas próprias leis.

8. Fantoches no palco

Desde os tempos antigos, o artesanato é valorizado na Rússia, os brinquedos são apreciados e jogo divertido com uma boneca. Petrushka lidou com um soldado, um policial, um padre e até com a própria morte, brandiu bravamente uma clava, condenou à morte aqueles de quem o povo não gostava, derrubou o mal e afirmou a moralidade do povo.

Os tocadores de salsa vagavam sozinhos, às vezes juntos: um titereiro e um músico, eles próprios compunham peças, eles próprios eram atores, eles próprios eram diretores - procuravam preservar os movimentos dos bonecos, da mise-en-scène e do boneco truques. Os titereiros foram perseguidos.

Houve outros espetáculos em que atuavam bonecos. Nas estradas da Rússia podiam-se ver vans carregadas de bonecos amarrados em cordões - fantoches. E às vezes com caixas com fendas dentro, por onde os bonecos eram movidos por baixo. Essas caixas eram chamadas de presépios. Os fantoches dominaram a arte da imitação. Eles adoravam se passar por cantores, copiavam acrobatas, ginastas e palhaços.

9. Paródia no palco

Este é um número ou performance baseada na imitação irônica (imitação) de uma maneira, estilo, características características ambos os estereótipos dos movimentos e gêneros artísticos originais e inteiros. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (depreciativo) ao humorístico (desenho animado amigável) é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes arte antiga, na Rússia está presente há muito tempo em jogos de bufões e apresentações de farsa.

10. Pequenos teatros

Criação de teatros de cabaré na Rússia “The Bat”, “Curved Mirror”, etc.

Tanto “Curves Mirror” quanto “The Bat” eram equipes de atuação profissionalmente fortes, o nível cultura teatral que, sem dúvida, foi maior do que em numerosos teatros de miniaturas (de Moscou, Petrovsky, cujo diretor era D.G. Gutman, destacou-se mais que outros, Mamonovsky, cultivando a arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estreia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky Entre os de São Petersburgo - Troitsky A.M. Fokina - diretor V.R.

Dentre o conjunto de características específicas da pop art, as mais significativas para o espectador são a simplicidade e acessibilidade e a clareza artística. Um visitante frequente de programas de variedades está sempre inclinado a esperar que o intérprete estabeleça com ele um contacto forte e natural desde os primeiros minutos.

Um pianista, violinista ou vocalista pode contar com o fato de que aos poucos, de passagem em passagem, à medida que executa suas obras, conseguirá conquistar o público. “O animador estabelece um contato imediato, sincero e aberto. A observação educada do espectador sobre o que está acontecendo no palco equivale ao fracasso.”34

Na história do desenvolvimento da pop art, há muitos exemplos de perda de simplicidade de percepção, levando a uma ruptura no contato aberto e sincero com o público, que custou caro a gêneros inteiros. Isso se aplica principalmente a esse tipo de arte pop, que é a música jazz. Nas décadas anteriores à guerra, o jazz no nosso país (e não só aqui - processos semelhantes podem ser observados no estrangeiro, na sua terra natal, os EUA) estava intimamente ligado à música ligeira, ao canto de massa. Nossos cantores populares, incluindo Leonid Utesov, cantaram suas canções famosas acompanhados por conjuntos de jazz. A música instrumental jazz (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) também foi construída sobre melodias e ritmos acessíveis ao ouvinte médio.

Gradualmente, a música jazz tornou-se mais complexa, emprestando as conquistas do sinfonismo moderno em harmonia e estruturas rítmicas e melódicas. Partindo do estilo “be-bop” dos anos do pós-guerra e até ao “fusion” moderno, o jazz desenvolve-se na verdade em sintonia com a música “séria”, apostando num ouvinte preparado, desfrutando da compreensão e do amor de nem todos, como era antes. Hoje, uma característica específica da arte jazzística é que a estreita ligação entre o jazz e a canção e a música “light” enfraqueceu, se não quebrou.

As características específicas da arte pop – acessibilidade e simplicidade – estão estreitamente relacionadas com outra característica específica – o seu apelo de massa 35 . Hoje já não é possível ignorar o facto de a grande maioria dos telespectadores conhecer a obra dos seus melhores mestres apenas através de reuniões “ausentes”. “Mesmo sem dados sociológicos precisos, podemos afirmar com segurança que pelo menos 90 por cento do público, que ama e conhece o repertório de Alla Pugacheva ou Valery Leontyev, nunca assistiu às suas apresentações numa sala de concertos. Para eles, o auditório, de tamanho ilimitado, é a tela da TV” 36.

Variedade de televisão arte- um tema especial de estudo digno de atenção especial. O processo de regulação social das audiências modernas não pode ser totalmente compreendido sem ter em conta os processos que ocorrem na transmissão de entretenimento televisivo 37 .

Muitos autores que escrevem sobre os problemas dos programas de entretenimento televisivo reclamam do número insuficiente de tais programas. A Literaturnaya Gazeta, que realizou uma pesquisa entre os jovens sobre as atitudes em relação à televisão, observou que “as sugestões dos telespectadores (“Que programas para jovens, na sua opinião, poderiam aparecer na TV?”) estão claramente subordinadas a dois espíritos - o espírito do entretenimento e o espírito de conhecimento " Ao mesmo tempo, 91 por cento (!!) do público exige o palco! E mesmo aqueles que gostam dos actuais programas de variedades: simplesmente não têm o suficiente – precisam de mais” 38 .

Deve-se dizer que as estimativas quantitativas da arte de variedades televisivas não são inteiramente corretas. Os pesquisadores levam em consideração apenas programas especiais de variedades, enquanto em muitos outros programas todas as “inserções” artísticas (e há muitas delas) são na verdade números de variedades musicais. Hoje, duas tendências podem ser notadas na pop art: o surgimento de programas especiais de entretenimento - como “The Last Hero”, onde, junto com um estreito círculo de “estrelas” pop, também participam artistas desconhecidos da “Star Factory” os programas. Dentre as especificidades da pop art, a moda merece destaque. A moda pode ser para um determinado gênero, para um performer, até mesmo para técnicas externas de apresentação de uma performance, para a aparição de um artista em programa de variedades. É muito difícil estabelecer os padrões de desenvolvimento da moda; é ainda mais difícil preparar uma peça “personalizada” que ganhe popularidade universal e comece a “dar o tom”.

Danos consideráveis ​​​​são causados ​​​​à educação estética da população (especialmente dos jovens) pela exploração impensada da popularidade de alguns programas de variedades por administradores de organizações de concertos. Numerosos factos têm sido citados na imprensa sobre a forma como os dirigentes individuais das sociedades filarmónicas “promovem” programas de espectáculos em detrimento dos concertos sinfónicos ou de câmara. Como resultado, em muitas cidades anteriormente famosas pelas suas tradições de concertos, todos os locais acabaram por estar completamente entregues ao poder do show business 39 .

Embora seja fácil perceber que este círculo foi ampliado para incluir jovens músicos e cantores talentosos que satisfazem os mais diversos gostos de um amplo público.

A título de exemplo, podemos recordar o trabalho do excelente conjunto de jazz “Arsenal” sob a direcção de A. Kozlov: em busca de um contacto mais forte com o público, estes artistas apostaram numa teatralização ousada e inesperada das suas actuações, criando um novo estrutura de gênero na pop art que excita a imaginação do espectador-ouvinte. Ao iniciar o experimento, os músicos, é claro, correram o risco de que os fãs da improvisação jazzística rejeitassem sua apresentação. Tudo era determinado pela categoria estética da medida e pelo gosto artístico - conceitos aparentemente efêmeros e difíceis de medir.

Tudo isso sugere que a pop art, apesar de sua ampla distribuição, possui características próprias. A compreensão teórica desta arte mostra que em qualquer criatividade existe uma lacuna inevitável entre ideal e realidade, desejo e fato, intenção e implementação, e a análise desta circunstância é de fundamental importância para a compreensão das perspectivas de desenvolvimento artístico da realidade. Conforme observado por I.G. Sharoev, “a interação dos vários tipos de artes em nosso tempo está adquirindo um caráter multivalorado e a dinâmica de violação de seus limites está aumentando. Hoje, a classificação de tipos e géneros está a tornar-se uma questão extremamente complexa, porque os tipos e géneros estão tão ligados uns aos outros, intrinsecamente entrelaçados, que a designação dos seus limites é muitas vezes bastante arbitrária” 40.

Um processo semelhante leva ao surgimento e aprovação de novos gêneros em Vários tipos artes, é especialmente perceptível no palco, que sempre respondeu com muita sensibilidade às novas tendências. Assim, novos gêneros e formas foram estabelecidos, extraordinariamente diversos e flexíveis: ópera rock, ópera zong, rock mass, suíte rock e outros, onde estão presentes elementos de ópera e balé, artes dramáticas e pop.

Uma das especificidades do tipo de arte que analisamos é a unificação de vários géneros, a sua versatilidade.

“A arte variada, pela sua natureza, combina diversas características de gênero de outros tipos de arte, cujo ponto comum reside na fácil adaptabilidade às diversas condições de manifestação pública, na curta duração da ação, na concentração dos seus meios artísticos de expressão, o que contribui para a identificação vívida da individualidade criativa do intérprete, e no campo dos gêneros associados a palavra viva, – na atualidade, aguda relevância sociopolítica dos temas levantados, na predominância de elementos de humor, sátira e jornalismo” 41.

A próxima característica específica da arte pop é que a variedade de gêneros e origens dita a incorporação temporal e espacial da ideia e do significado em um número separado, que forma a base da performance pop.

Apresenta performances individuais completadas por um ou mais artistas e dura apenas 3-5 minutos.

Ao criar uma performance, os artistas podem ou não procurar a ajuda de um diretor, dramaturgo, artista, compositor, coreógrafo, enquanto eles próprios decidem o seu conteúdo. Os meios expressivos do ato estão subordinados à sua ideia e, nesse sentido, tudo deve estar em plena harmonia: figurino, maquiagem, cenário, presença de palco.

A combinação de vários números compõe um programa de variedades, onde todos os tipos de Artes performáticas: intérpretes: cantores, malabaristas, folhetins, encenadores, treinadores de animais, mágicos, cantores, acrobatas, dançarinos, músicos, demonstradores de experiências psicológicas, trapezistas e cavaleiros. Essa amplitude de possibilidades torna a pop art diversa, vibrante, original, com características próprias.

Normalmente os números de um concerto pop são unidos pelo compere ou pela base do enredo. Em seguida, no palco há uma revisão variada, diversa tanto em temas quanto em estrutura.

Outra especificidade da pop art é que seus artistas quase sempre se comunicam diretamente com o público. K. S. Stanislávski formulou a lei do palco, segundo a qual o ator atua em condições de “solidão pública”. “Ao atuar em uma peça, percebendo que centenas de espectadores estão olhando para ele, o ator ao mesmo tempo deve ser capaz de esquecê-los. Um ator não deve imitar a pessoa que interpreta, mas tornar-se uma, vivendo a vida quase real de uma pessoa de palco nas circunstâncias oferecidas pela peça e pela performance” 42.

Assim, o artista, cantor de versos ou cantor dirige-se diretamente ao público. O público acaba por ser o parceiro dos artistas, e estes reagem vividamente ao que se passa no palco, dando dicas e passando notas aos intérpretes. Mesmo durante o diálogo, os artistas dirigem-se não só uns aos outros, mas também ao público.

Conforme observado por A.V. Lunacharsky: “...na sua vivacidade, na sua capacidade de responder imediatamente aos acontecimentos actuais, na sua agudeza política, o palco tem grandes vantagens sobre o teatro, o cinema, a literatura séria”, uma vez que “...esta última exige muito de tempo para preparar seus produtos, em sua forma básica significativamente mais pesada do que uma vespa, uma canção pop ou uma crônica dística" 43 .

As características qualitativas da pop art listadas acima serviram de critério para a seleção de diversos fenômenos que caracterizam sua experiência criativa.

Durante o seu desenvolvimento, os estilos pop mudaram muitas vezes. Compreender o estilo significa penetrar nos mecanismos ocultos da tecnologia. Afinal, não apenas qualquer gênero pop é importante aqui, mas até mesmo uma entonação separada, um gesto aleatório. São metáforas que amarram em um nó complexo de arte os fios da vida tecidos na vida cotidiana. Só que, ao contrário de outras artes, as metáforas pop não são modelos de longos períodos de tempo; aqui a contagem não é em anos, mas em meses, dias e até minutos. Estrada é uma crônica de acontecimentos contemporâneos.

É claro que um período histórico de um quarto de século é um período enorme para qualquer arte. Mas nem na literatura, nem mesmo no teatro e no cinema, o tempo produziu mudanças tão dramáticas como na arte pop. E a questão não é que os novos ídolos tenham expulsado os antigos tanto do palco quanto da memória do público, mas em outra coisa, mais importante. As mudanças afetaram a própria essência desse tipo, a estrutura interna de suas formas e gêneros.

Ainda nos anos 60, a pop art não conhecia, por exemplo, apresentações de gala de uma espécie de “teatro da canção” centrado em torno de uma “estrela” com um corpo de balé e uma magnífica comitiva espetacular, que agora era criada por A. Pugacheva, V. Leontyev, S. Rotaru, L. Vaikule, nem conjuntos vocais e instrumentais dos anos 70 ou bandas de rock dos anos 80.

Do palco palco moderno Os programas das orquestras de jazz desapareceram não porque os fundadores e ídolos faleceram - L. Utesov, B. Rensky, E. Rosner. Seus sucessores não conseguiram prolongar a vida do jazz. O próprio gênero morreu - o divertissement teatral, que foi recriado com o acompanhamento e participação de músicos de jazz.

Numerosas variedades de teatros em miniatura - desde o “teatro de dois atores” - M. Mironova e A. Menaker, L. Mirov e M. Novitsky ou o teatro de A. Raikin até um grande número de grupos pop estudantis do final dos anos 50 - início dos anos 60 - um após o outro, por motivos diversos, desapareceram ou foram transformados de forma irreconhecível, como o Teatro Hermitage - ideia de Vl. Poliakova. O último teatro de miniaturas extinguiu-se com o falecimento de A. Raikin. Seu lugar foi ocupado por R. Kartsev e V. Ilchenko, M. Zhvanetsky, bem como “One-Man Theatres” - G. Khazanov, E. Petrosyan, E. Shifrin, V. Vinokur...

Os programas de variedades teatrais sobreviveram de alguma forma até hoje, mas tornaram-se muito diferentes dos anteriores.

O número como unidade de medida em alguns programas cresceu até o tamanho de um episódio, o que é bastante natural, já que a pop art dominou novos espaços - as arenas dos palácios e estádios esportivos. Grandes espaços exigiam a consolidação de todos os elementos da arte pop e da tecnologia para criar e reproduzir novas formas de programas pop.

Nos últimos anos, programas de variedades em grande escala substituíram cada vez mais as apresentações de câmara. O concerto de variedades, que até recentemente era a principal forma de arte pop, como uma peça de teatro ou um filme de cinema, foi empurrado para a periferia da prática do entretenimento. E o próprio show pop mudou irreconhecível.

Numa retrospectiva histórica, a base do concerto foi determinada pelo princípio da diversidade, segundo o qual a atuação de um gênero foi substituída por outro: um leitor - um malabarista, um ilusionista - um acordeonista, um violonista, etc.

Ao longo do último quarto de século, intérpretes de folhetins musicais, dísticos, esquetes, interlúdios, miniaturas, leitores, contadores de histórias, instrumentistas, etc., de alguma forma saíram imperceptivelmente da cena de concertos pop nacional.

O desempenho individual no palco requer alto autocontrole. Para garantir um alto nível de atividade para um roteirista, diretor ou ator, um sistema detalhado de controle criativo diário é importante, porque você só pode se envolver em entretenimento quando dominar a categoria filosófica de “medida”.

Stanislávski escreveu: “Não digamos que o teatro seja uma escola. Não, teatro é entretenimento. Não nos é lucrativo perder este importante elemento das nossas mãos. Deixe as pessoas sempre irem ao teatro para se divertir. Mas aí vêm eles, fechamos as portas atrás deles (...) e podemos derramar em suas almas o que quisermos” 44. Isso está inteiramente relacionado ao funcionamento da pop art. Em um show pop, quando há um cenário maravilhoso, performers incríveis, iluminação brilhante e cintilante, tudo ativa e surpreende o espectador.

Deve-se notar aqui que uma característica específica da pop art é a abertura da performance. O artista de palco não está separado do público nem por uma cortina nem por um palco; ele é, por assim dizer, “um nativo do povo” e está intimamente ligado ao público. Ele faz tudo abertamente diante do público, tudo perto do público, onde os performers podem ver e ouvir o público e entrar em contato direto com ele.

O resultado das especificidades da pop art discutidas acima é o processo perceptivo-comunicativo que lhe é inerente, em que a estreita aproximação entre o intérprete e o público dá origem a um sistema de comunicação completamente especial, ou mais precisamente, comunicação. Durante uma apresentação, um artista pop transforma espectadores e ouvintes atentos em parceiros ativos, permitindo-lhes muito em termos de respostas. O próprio artista pop pode fazer muito mais do que um concerto clássico ou uma apresentação teatral. Este performer assume uma posição de máxima confiança e abertura para com o público.

Em suma, a principal diferença entre a pop art é a especificidade do processo perceptivo-comunicativo, que é facilmente percebido pelo público e ajuda a criar obras únicas.

O processo perceptivo-comunicativo na pop art, apesar da amplitude de sua paleta de gêneros e da influência de muitos fatores sociais e culturais, distingue-se pela dinâmica interna da criatividade.

Os gêneros de arte incluem muitas obras musicais e poéticas das chamadas letras de amor, que trazem uma visão comovente ao palco: são caracterizadas pelo entretenimento e pelo humor.

A resposta deve ser procurada aí, ou seja, no sistema de relações entre as duas partes – performer e espectador, bem como na própria posição de vida do performer, no processo perceptivo-comunicativo. Letras de amor, incorporadas em um programa de variedades, sugerem uma maior grau a confiança do intérprete no público, que permite que surja uma espécie de confissão quando uma pessoa precisa contar a alguém sobre algo bastante íntimo - sobre sua felicidade ou suas tristezas.

Uma característica específica da pop art é a eficiência, a capacidade de responder aos temas “quentes” do dia, de formar e fortalecer o tom emocional positivo do espectador de acordo com o princípio: de manhã - no jornal, à noite - em um verso.

Não é por acaso que todas as situações socialmente agudas estimularam o surgimento, em primeiro lugar, de novas obras de pequenos formatos, que, por sua vez, serviram de fonte de força e inspiração para o público.

Portanto, a característica mais importante da pop art é a sua orientação social. Paralelamente, a música pop desenvolveu-se como a arte do lazer festivo, o que deu origem a uma variedade de géneros pop, à invulgaridade da sua percepção, e respondeu aos desejos das pessoas de preencher o seu lazer de férias, o seu descanso com novas impressões, descobertas artísticas. e emoções positivas. São essas qualidades que distinguem as férias da vida cotidiana. O brilho e a originalidade serviram e servem para atrair a atenção do público para cada número, pois um programa de variedades, mesmo que de curta duração, contém necessariamente um momento de competição nos números, pois cada um deles tem que defender o seu direito a um atitude amigável do público.

O público de um show ou peça pop espera de cada número, de cada episódio, algum tipo de novidade, uma reviravolta inesperada na trama, nas técnicas performáticas. “O espectador que vem a um show de variedades costuma pensar que sabe tudo com antecedência - agora vai tocar o prólogo, depois vai aparecer o apresentador no palco, mas devemos nos esforçar para “decepcioná-los” no bom sentido, para agradá-los ( mais de uma vez) com uma surpresa alegre, para “explodir” o fluxo medido do programa” 45.

Subindo em palco perante um público sintonizado com um espectáculo festivo, o intérprete deve, ao mesmo tempo que satisfaz os seus desejos, revelar todas as suas capacidades individuais, provar que é um “pau para toda obra”. Para isso, você deve atualizar constantemente seu repertório, encontrar uma nova reviravolta na solução do ato, levando em consideração as especificidades do processo perceptivo-comunicativo da pop art, inventando um início, um clímax e um final espirituosos para a performance. Portanto, a renovação dos gêneros conhecidos ocorre pela criação de uma imagem artística inesperada e pela natureza de sua execução.

As tentativas mais produtivas e artisticamente convincentes sempre foram complicar o gênero variado em que o intérprete costuma atuar. Certa vez, uma orquestra teatral de jazz apareceu no palco, liderada por Leonid Utesov. As apresentações dos leitores começaram a se transformar em “teatros de um homem só”, cantores solo começaram a dançar e observou-se o nascimento de gêneros completamente novos e até então desconhecidos.

Uma característica específica da pop art é a atmosfera festiva, que corresponde à natureza do próprio processo criativo. O canto e a arte dramática deram origem ao canto teatral, que se somou à arte dos dançarinos de apoio (dançando com pequenas amplitudes de movimentos), e o canto pop moderno tornou-se uma arte ainda mais complexa em estrutura.

Hoje é muito comum encontrar apresentações variadas onde um artista canta, dança, faz um monólogo e atua como parodista. Os instrumentistas pop são capazes de tocar vários instrumentos diferentes, despertando assim um interesse adicional na sua execução.

Conseqüentemente, um artista pop, ao contrário de um artista acadêmico, pode dominar perfeitamente muitas habilidades profissionais que estão “na intersecção” de vários tipos de arte, mas não se esquecer desse estado. Neste caso, o performer entretém e cativa o público, evocando nele emoções positivas não só com o conteúdo da obra, mas também com a sua “festividade”, tendo em conta as especificidades do processo perceptivo-comunicativo da pop art.

Uma sensação de festividade também pode ser criada através de entretenimento puramente externo. Mais frequentemente encontrados em apresentações de revista de music hall, o jogo de luz, a mudança de cenários pitorescos, a mudança na forma da área do palco diante dos olhos do público causam um surto de alegria e bom humor no público.

Sim, muitos gêneros da pop art atraem com facilidade e brevidade de percepção devido a uma certa simplificação da estrutura da obra, iluminando seu conteúdo e forma. Mas isto não pode ser considerado um recuo para temas mesquinhos. O tópico escolhido (abordado) pode ser muito amplo e significativo. Mas por aparecer na obra livre do complexo entrelaçamento de outros temas, a obra será mais fácil de ser percebida. Outra forma de assimilar o conteúdo é selecionar temas que não pretendam ser de grande escala e profundidade, mas que sejam pessoais, corporativos e possam ser de interesse de um determinado círculo de pessoas.

Daí o conceito de “variedade” ser interpretado como uma linguagem específica de meios expressivos que pertence apenas a este tipo de arte.

Variedade é uma característica da técnica e talento artístico de um artista que se apresenta em um palco pop.

Um artista pop é antes de tudo um mestre em um dos gêneros, e só então pode demonstrar seu talento nos diversos gêneros da arte pop.

Consequentemente, uma característica específica da pop art é a sua natureza multigênero, que combina música, dança, canto, conversação, circo, etc. Apesar do multigênero, cada intérprete tem seu próprio características artísticas e meios expressivos, o palco aberto (palco) em que o ator aparece dita suas próprias condições: contato direto com o público, “abertura” de habilidade, capacidade de transformação instantânea, etc. , ou concerto, é um número - uma apresentação curta e cronometrada (de um ou mais intérpretes), estruturada de acordo com as leis da dramaturgia. O curta-metragem pressupõe extrema concentração de meios expressivos, “atração”, uso do grotesco, da bufonaria e da excentricidade. De particular importância são a presença de uma individualidade brilhante, uma imagem encontrada com sucesso pelo ator (às vezes uma máscara) e energia interna.

Estas são, em nossa opinião, as principais especificidades da pop art moderna.

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Palavra "variedade" (

do latim estratos

significa – piso, plataforma, colina, plataforma.

A definição mais precisa de pop art como uma arte que combina vários gêneros é dada no dicionário de D.N. Ushakov: " Estágio

Esta é a arte das pequenas formas, a área das performances espetaculares e musicais em palco aberto. A sua especificidade reside na fácil adaptabilidade às diversas condições de manifestação pública e curta duração de ação, nos meios artísticos e expressivos, arte que contribui para a identificação viva da individualidade criativa do intérprete, na atualidade, aguda relevância sociopolítica de os temas abordados, na predominância de elementos de humor, sátira e jornalismo." .

A enciclopédia soviética define a música pop como originária do francês estrada

uma forma de arte que inclui pequenas formas de drama e arte vocal, música, coreografia, circo, pantomima, etc. Nos concertos existem números completos separados, unidos pela animação e pelo enredo. Como a arte independente foi formada em final do século XIX século.

Existe também a seguinte definição de estágio:

Uma área de palco, permanente ou temporária, para apresentações de concertos de um artista.

A pop art tem suas raízes no passado distante, pode ser rastreada na arte Antigo Egito E Grécia antiga. Embora a arte variedade interaja estreitamente com outras artes, como a música, o teatro dramático, a coreografia, a literatura, o cinema, o circo, a pantomima, é um tipo de arte independente e específico. A base da pop art é “o número de Sua Majestade” - como disse N. Smirnov-Sokolsky1.

Número

Uma pequena performance de um ou vários artistas, com enredo, clímax e desfecho próprios. A especificidade da performance é a comunicação direta do artista com o público, em nome próprio ou de um personagem.

EM arte medieval artistas itinerantes, teatros de farsas na Alemanha, bufões na Rússia, teatro de máscaras na Itália, etc. já existia um endereço direto do artista ao público, o que permitia ao artista subsequente tornar-se participante direto da ação. A curta duração da performance (não mais que 15-20 minutos) requer extrema concentração de meios expressivos, laconicismo e dinâmica. Os números das variedades são classificados de acordo com as características em quatro grupos. O primeiro grupo de tipos inclui números de conversação (ou fala). Depois, há números musicais, plástico-coreográficos, mistos, “originais”.

A arte da commedia del-arte (teatro de máscaras) dos séculos XVI-XVII foi construída no contacto aberto com o público.

As performances geralmente eram improvisadas com base em cenas padrão da trama. O som musical como interlúdios (inserções): canções, danças, números instrumentais ou vocais - foi a fonte direta do ato de variedades.

No século 18 eles apareceram ópera cômica e vaudeville. Os vaudevilles eram apresentações emocionantes com música e piadas. Seus personagens principais são pessoas simples- sempre derrotou aristocratas estúpidos e cruéis.

E para meados do século XIX século, nasceu o gênero da opereta (ópera literalmente pequena): um tipo artes teatrais, que combinou vocal e música instrumental, dança, balé, elementos da pop art, diálogos. Como gênero independente a opereta apareceu na França em 1850. O “pai” da opereta francesa, e da opereta em geral, foi Jacques Offenbach(1819-1880). Mais tarde, o gênero se desenvolve na “comédia de máscaras” italiana.

O palco está intimamente ligado ao quotidiano, ao folclore, às tradições. Além disso, estão sendo repensados, modernizados, “extraditados”. Várias formas de criatividade pop são usadas como passatempo divertido.