Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang nilalaman ng artikulo

ITALIAN THEATER. Ang sining ng teatro ng Italya, kasama ang mga pinagmulan nito, ay nagsimula noong katutubong ritwal at mga laro, sa mga karnabal, mga awiting pangkulto at sayaw na nauugnay sa natural na siklo at gawain sa kanayunan. Ang May Games ay mayaman sa mga kanta at dramatikong aksyon. , hawak ng naglalagablab na apoy, na sumisimbolo sa araw. Mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo Si Lauda ay bumangon sa Umbria (lauda) , isang uri ng parisukat na panoorin, -religious laudatory chants, na unti-unting nakakuha ng dialogic form. Ang mga plot ng mga pagtatanghal na ito ay pangunahing mga eksena sa ebanghelyo - ang pagpapahayag, ang kapanganakan ni Kristo, ang mga gawa ni Kristo ... Kabilang sa mga kompositor ng lauds, ang Tuscan monghe na si Jacopone da Todi (1230-1306) ay namumukod-tango. Ang kanyang pinakatanyag na gawa Panaghoy ng Madonna. Ang Laudas ay nagsilbing batayan para sa paglitaw ng mga sagradong pagtatanghal (sacre rappresentazioni), na binuo noong ika-14-15 na siglo. (orihinal din sa gitnang Italya), isang genre na malapit sa misteryo, karaniwan sa mga bansa sa hilagang Europa. Ang nilalaman ng mga sagradong representasyon ay batay sa mga plot ng Luma at Bagong Tipan, kung saan idinagdag ang kamangha-manghang at makatotohanang mga motif. Ang mga pagtatanghal ay nilalaro sa isang podium na naka-install sa plaza ng lungsod. Ang eksena ay itinayo ayon sa tinanggap na canon - sa ibaba ay "impiyerno" (ang nakabukas na bibig ng isang dragon), sa itaas ay "paraiso", at sa pagitan nila ay ang iba pang mga eksena ng aksyon - "Bundok", "Disyerto" , "Royal Palace", atbp. Ang isa sa mga pinakatanyag na may-akda ng genre na ito ay si Feo Belcari - Kinatawan ni Abraham at Isaac (1449), San Juan sa ilang(1470) at iba pa. Ang pinuno ng Florence na si Lorenzo Medici, ay bumuo din ng mga sagradong representasyon.

Noong 1480, ang batang makata ng korte at connoisseur ng sinaunang panahon, si Angelo Poliziano (1454–1494), na kinomisyon ni Cardinal Francesco Gonzaga, ay nagsulat ng isang pastoral na drama batay sa balangkas ng isang sinaunang alamat ng Griyego. Ang alamat ng Orpheus. Ito ang unang halimbawa ng isang apela sa mga larawan ng sinaunang mundo. Sa isang dula ni Poliziano, na puno ng maliwanag, masayang pakiramdam, interes sa mga dulang mitolohiya at, sa pangkalahatan, nagsisimula ang pagkahumaling sa sinaunang panahon.

Ang dramang pampanitikan ng Italyano, kung saan nagsimula ang kasaysayan ng Renaissance Western European dramaturgy, ay batay sa estetika nito sa karanasan ng sinaunang dramaturhiya. Tinukoy ng mga komedya nina Plautus at Terence para sa mga Italian humanist na manunulat ng dula ang mga tema ng kanilang mga gawa, ang komposisyon ng mga tauhan at ang istrukturang komposisyon. Pinakamahalaga nagkaroon ng mga pagtatanghal ng mga Latin na komedya ng mga mag-aaral at mag-aaral, partikular sa Roma sa ilalim ng direksyon ni Pomponio Leto noong 1470s. Gamit ang mga tradisyunal na plot, nagpakilala sila ng mga bagong karakter, modernong kulay at mga pagtatasa sa kanilang mga komposisyon. Ginawa nilang tunay na buhay ang nilalaman ng kanilang mga dula, at ang mga karakter ng kanilang kontemporaryong tao. Ang unang komedyante sa modernong panahon ay ang dakilang makata ng huling Italian Renaissance, si Ludovico Ariosto. Ang kanyang mga dula ay puno ng makatotohanang mga larawan, matalas na satirical sketches. Siya ang naging tagapagtatag ng pambansang komedya ng Italyano. Sa kanya nagmumula ang pagbuo ng komedya sa dalawang direksyon - puro nakakaaliw ( calandria Cardinal Bibiena, 1513) at isang satirical na ipinakita ni Pietro Aretino ( asal sa hukuman, 1534, Pilosopo, 1546), Giordano Bruno ( Kandelero, 1582) at Niccolo Machiavelli, na lumikha ng pinakamahusay na komedya ng panahon - mandragora(1514). Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang mga dramatikong sinulat ng mga komedyante na Italyano ay hindi perpekto. Ito ay hindi nagkataon na ang buong direksyon ay tinawag na "Scholarly Comedy" (commedia erudita).

Kasabay ng pampanitikan na komedya dumating ang trahedya. Ang trahedya ng Italyano ay hindi nagdulot ng malaking tagumpay. Maraming mga pag-play ng genre na ito ang binubuo, naglalaman ang mga ito ng mga kakila-kilabot na kwento, mga hilig sa kriminal at hindi kapani-paniwalang kalupitan. Tinawag silang "tragedies of horror". Ang pinakamatagumpay na gawain ng genre - Sofonisba G. Trissino, nakasulat sa blangkong taludtod (1515). Ang karanasan ni Trissino ay higit na binuo nang higit pa sa mga hangganan ng Italya. Ang trahedya ng P. Aretino ay mayroon ding ilang mga pakinabang. Horace (1546).

Ang pangatlo - ang pinakamatagumpay at buhay na buhay - genre ng Italian literary drama noong ika-16 na siglo. naging isang pastoral, na mabilis na naging laganap sa mga korte ng Europa (). Ang genre ay nakakuha ng isang aristokratikong karakter. Ang kanyang lugar ng kapanganakan ay Ferrara. sikat na tula J.Sannazzaro Arcadia(1504), na niluluwalhati ang buhay sa kanayunan at kalikasan bilang "isang sulok para sa pagpapahinga", minarkahan ang simula ng direksyon. ng karamihan mga tanyag na gawa pastoral na bakal Aminta Torquato Tasso (1573), isang akda na puno ng tunay na tula at pagiging simple ng Renaissance, at tapat na pastol D.-B. Guarini (1585), na nakikilala sa pamamagitan ng pagiging kumplikado ng parehong intriga at patula na wika, samakatuwid ito ay tinutukoy bilang mannerism.

Ang paghihiwalay ng dramang pampanitikan mula sa madla ay hindi nakakatulong sa pag-unlad ng teatro. Ang sining ng entablado ay ipinanganak sa parisukat - sa mga pagtatanghal ng medieval buffoons (giullari), mga tagapagmana ng mimes sinaunang Roma, sa mga nakakatawang palabas na nakakatawa. Sa wakas ay nabuo ang Farce (farsa) noong ika-15 siglo. at nakukuha ang lahat ng mga palatandaan pagtatanghal ng bayan- pagiging epektibo, buffoonery, pang-araw-araw na konkreto, satirical na malayang pag-iisip Ang mga kaganapan sa totoong buhay, na naging tema ng isang komedya, ay naging isang biro. Sa isang matingkad, katawa-tawa na paraan, ang komedya ay kinutya ang mga bisyo ng mga tao at lipunan. Ang komedya ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng teatro sa Europa, at sa Italya ay nag-ambag ito sa paglikha ng isang espesyal na uri ng sining sa entablado - improvised na komedya.

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. walang propesyonal na teatro sa Italya. Sa Venice, na nauna sa paglikha ng lahat ng uri ng mga salamin sa mata, na sa pagliko ng ika-15-16 na siglo. mayroong ilang mga amateur theatrical na komunidad. Sila ay dinaluhan ng mga artisan at mga taong mula sa mga edukadong saray ng lipunan. Unti-unti, nagsimulang lumitaw ang mga grupo ng mga semi-propesyonal mula sa gayong kapaligiran. Ang pinakamahalagang yugto sa pagsilang ng propesyonal na teatro ay nauugnay sa aktor at manunulat ng dulang si Angelo Beolco, na binansagan na Ruzzante (1500–1542), na ang gawain ay nagbigay daan para sa paglitaw ng commedia dell'arte. kanyang mga dula, Anconitanka, Mosqueta, Mga diyalogo ay kasama sa repertoire ng Italian theater at sa kasalukuyang panahon.

Sa pamamagitan ng 1570, ang mga pangunahing artistikong bahagi ng bagong teatro ay natukoy: mga maskara, diyalekto, improvisasyon, buffooner. Ang pangalang commedia dell'arte, na nangangahulugang "propesyonal na teatro", ay itinatag din. Ang pangalang "comedy of masks" ay nagmula sa ibang pagkakataon. Ang mga karakter ng teatro na ito, ang tinatawag na. pare-parehong uri (tipi fissi) o maskara. Ang pinakasikat na maskara ay si Pantalone, isang Venetian na mangangalakal, Doctor, isang Bolognese na abogado, na gumanap sa papel ng mga zanni servants na sina Brigella, Harlequin at Pulcinella, pati na rin ang Captain, Tartaglia, katulong ni Servette at dalawang pares ng Lovers. Ang bawat maskara ay may sariling tradisyonal na kasuotan at nagsasalita ng sarili nitong diyalekto, tanging ang mga Lovers ay hindi nagsusuot ng maskara at nagsasalita sa tamang Italyano. Ang mga aktor ay nilalaro ang kanilang mga dula ayon sa script, improvising ang teksto sa kurso ng dula. Ang mga pagtatanghal ay palaging may maraming lazzi at buffoonery. Kadalasan ang aktor ng commedia dell'arte ay gumaganap lamang ng kanyang maskara sa buong buhay niya. Ang pinakatanyag na tropa ay Gelosi (1568), Confidenti (1574) at Fedeli (1601). Maraming magagaling na aktor sa mga performer - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli at iba pa. Ang sining ng mask theater ay napakapopular hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa, sila ay hinangaan gaya ng nasa itaas na saray ng lipunan, at ang mga karaniwang tao. Ang komedya ng mga maskara ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng mga pambansang sinehan sa Europa. Ang pagbaba ng commedia dell'arte ay nagsimula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, at sa pagtatapos ng ika-18 siglo. hindi na siya umiral.

Ang pag-unlad ng trahedya, komedya, pastoral ay humingi ng isang espesyal na gusali para sa kanilang pagganap. Isang bagong uri ng saradong gusali ng teatro na may box stage, isang auditorium at mga tier ay nilikha sa Italya batay sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura. Kasabay nito sa teatro ng Italyano noong ika-17 siglo. matagumpay na mga paghahanap ang ginawa sa larangan ng disenyo ng entablado (sa partikular, ang mga magagandang tanawin ay nilikha), ang makinarya sa teatro ay binuo at pinahusay. Parehong noong ika-12 at ika-13 siglo. ang mga sinehan ay itinayo sa buong bansa, ang tinatawag na. Italyano (lahat ng "italiana), na pagkatapos ay kumalat sa buong Europa ().

Sa kabila ng pagkaatrasado sa ekonomiya at pulitika, ang Italya ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan at pagkakaiba-iba ng buhay teatro. Pagsapit ng ika-18 siglo Ang Italya ay may pinakamahusay na musikal na teatro sa mundo, kung saan dalawang uri ang nakikilala - seryosong opera at comic opera (opera buff). Nagkaroon ng papet na teatro, ang mga pagtatanghal ng commedia dell'arte ay ibinigay sa lahat ng dako. Gayunpaman, ang reporma ng drama theater ay namumuo sa mahabang panahon. Sa Panahon ng Enlightenment, hindi na natutugunan ng impromptu comedy ang mga kinakailangan ng panahon. Isang bago, seryoso, pampanitikan na teatro ang kailangan. Ang komedya ng mga maskara ay hindi maaaring umiral sa dating anyo nito, ngunit ang mga nagawa nito ay kailangang mapanatili at maingat na ilipat sa bagong teatro. Ito ay ginawa ni Carlo Goldoni. Maingat niyang isinagawa ang reporma. Sinimulan niyang ipakilala ang ganap na nakasulat at mga tekstong pampanitikan ng mga indibidwal na tungkulin at diyalogo sa kanyang mga dula, at tinanggap ng publiko ng Venetian ang kanyang pagbabago nang may sigasig. Una niyang inilapat ang pamamaraang ito sa komedya Momolo, kaluluwa ng lipunan(1738). Gumawa si Goldoni ng isang teatro ng mga karakter, iniwan ang mga maskara, ang script, at, sa pangkalahatan, improvisasyon. Ang mga karakter ng kanyang teatro ay nawala ang kanilang kondisyonal na nilalaman at naging mga buhay na tao - mga tao sa kanilang panahon at kanilang bansa, Italya noong ika-18 siglo. Isinagawa ni Goldoni ang kanyang reporma sa isang matinding pakikibaka sa mga kalaban. Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang panahon ng mga digmaang pandulaan. Siya ay tinutulan ng abbe Chiari, isang katamtaman na manunulat ng dula at samakatuwid ay hindi mapanganib, ngunit ang kanyang pangunahing kalaban, na katumbas sa kanya sa talento, ay si Carlo Gozzi. Dumating si Gozzi sa pagtatanggol sa teatro ng mga maskara, na nagtatakda ng gawain ng muling pagbuhay sa tradisyon ng impromptu comedy. At sa ilang yugto ay tila nagtagumpay siya. At bagama't nag-iwan ng puwang si Goldoni para sa improvisasyon sa kanyang mga komedya, at si Gozzi mismo sa kalaunan ay naitala ang halos lahat ng kanyang mga dramatikong gawa, ang kanilang pagtatalo ay malupit at walang kompromiso. Dahil ang pangunahing ugat paghaharap sa pagitan ng dalawang dakilang Venetian - sa hindi pagkakatugma ng kanilang mga posisyon sa lipunan, sa magkaibang pananaw sa mundo at tao.

Si Goldoni sa kanyang mga gawa ay isang tagapagsalita para sa mga ideya ng ikatlong estate, isang tagapagtanggol ng mga mithiin at moralidad nito. Ang buong dramaturhiya ng Goldoni ay minamaliit ng diwa ng makatwirang egoismo at pagiging praktikal - mga pagpapahalagang moral bourgeoisie. Laban sa propaganda mula sa pinangyarihan ng naturang mga pananaw sa unang lugar at nagsalita Gozzi. Sumulat siya ng sampung tula na kuwento para sa teatro, ang tinatawag na. fiaba (fiaba / fairy tale). Tagumpay mga kwentong pandulaan Napakaganda ni Gozzi. At sa kanilang kamakailang paboritong Goldoni, ang publikong Venetian ay hindi inaasahang mabilis na lumamig. Dahil sa pagod sa pakikibaka, tinanggap ni Goldoni ang pagkatalo at iniwan ang Venice. Ngunit hindi ito nagbago ng anuman sa kapalaran ng eksenang Italyano - ang reporma pambansang teatro tapos na noon. At ang teatro ng Italya ay sumunod sa landas na ito.

Mula sa katapusan ng ika-18 siglo sa Italya, nagsisimula ang panahon ng Risorgimento - ang pakikibaka para sa pambansang kalayaan, para sa pagkakaisa sa pulitika ng bansa at mga pagbabagong burges - na tumagal ng halos isang siglo. Nagiging pinakamahalagang genre sa teatro ang trahedya. Ang pinakadakilang may-akda ng mga trahedya ay si Vittorio Alfieri. Ang kapanganakan ng trahedya ng repertoryong Italyano ay konektado sa kanyang pangalan. Lumikha siya ng isang trahedya ng sibilyan na nilalaman na halos nag-iisa. Isang madamdaming makabayan na nangarap ng pagpapalaya ng kanyang tinubuang-bayan, sinalungat ni Alfieri ang paniniil. Ang lahat ng kanyang mga trahedya ay puno ng kabayanihan ng pakikibaka para sa kalayaan.

Ang panahon ng Risorgimento ay nagbigay-buhay sa isang bagong artistikong direksyon - romanticism. Pormal, ang hitsura nito ay kasabay ng pagpapanumbalik ng dominasyon ng Austrian. Ang pinuno at ideologo ng Romantisismo ay ang manunulat na si Alessandro Manzoni. Ang originality ng theatrical romanticism sa Italy sa political at national-patriotic orientation nito. Ang klasisismo ay itinuring na isang pagpapahayag ng oryentasyong Austrian, isang direksyon na nangangahulugang hindi lamang konserbatismo, kundi pati na rin isang dayuhang pamatok, at ang romantikismo ay pinag-isa ang oposisyon. Halos lahat ng mga tagalikha ng teatro ng Italyano sa buhay ay sumunod sa mga mithiin na kanilang ipinahayag: sila ay tunay na martir ng ideya - nakipaglaban sila sa mga barikada, nasa mga bilangguan, nagtiis ng kahirapan, nabuhay sa pagkatapon sa mahabang panahon. Kabilang sa mga ito ay sina G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari at iba pa.

Ang bayani ng romantikismo ay isang malakas na personalidad, isang manlalaban para sa katarungan at kalayaan, at hindi gaanong personal na kalayaan bilang pangkalahatang kalayaan - ang kalayaan ng Inang-bayan. Ang gawain ng oras na iyon ay pagsama-samahin ang lahat ng mga Italyano sa pakikibaka para sa isang karaniwang layunin. Samakatuwid, ang mga problema sa lipunan ay kumukupas sa background at hindi napapansin. Ang mga tanong tungkol sa aktwal na anyo ng mga romantikong Italyano ay hindi gaanong interesado. Sa isang banda, tinanggihan nila ang mahigpit na mga alituntunin ng klasisismo, na ipinapahayag ang kanilang pagsunod sa mga libreng anyo, sa kabilang banda, sa kanilang trabaho, ang mga romantiko ay nakadepende pa rin sa klasiko na aesthetics. Ang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon para sa mga romantikong manunulat ng dula ay kasaysayan at mitolohiya; ang mga balangkas ay binibigyang-kahulugan mula sa punto de bista ng ngayon, kaya ang mga pagtatanghal ay kadalasang may matalim na pampulitikang mga paksa. Ang pinakamagandang trahedya ay Kai Gracchus V.Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), ajax W. Foscolo (1811), Bilang ng Carmagnoll(1820) at Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) at Arnold Brescian(1843) D. B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Ang mga dula ay higit na nakabatay sa mga klasikong modelo, ngunit puno ng mga pampulitikang alusyon at malupit na kalunos-lunos. Ang pinakamalaking tagumpay ay nahulog sa kapalaran ng trahedya ni Silvio Pellico Francesca da Rimini (1815).

Ang kabayanihan na trahedya sa ikalawang kalahati ng siglo ay nagbibigay daan sa melodrama. Kasama ng komedya, ang melodrama ay nagtamasa ng mahusay na tagumpay sa madla. Ang unang manunulat ng dula ay si Paolo Giacometti (1816–1882), na sumulat ng mga 80 gawa para sa teatro. Ang kanyang pinakamahusay na mga paglalaro: Elizabeth, Reyna ng Inglatera (1853), Judith(1858) at isa sa mga pinaka-repertoryong melodrama noong ika-19 na siglo. Civil death(1861). Ang dramaturhiya ng Giacometti ay ganap na napalaya mula sa klasisismo, ang kanyang mga dula ay malayang pinagsama ang mga tampok ng komedya at trahedya, sila ay may realistikong nakabalangkas na mga karakter, mayroon silang mga tungkulin, kaya ang mga sinehan ay kusang-loob na dinala sila sa entablado. Namumukod-tangi rin sa mga komedyante si Paolo Ferrari (1822–1889), isang mahusay na manunulat ng dula at kahalili sa mga tradisyon ni Carlo Goldoni. Ang kanyang mga dula ay hindi umalis sa entablado hanggang sa katapusan ng siglo. Ang kanyang pinakamahusay na komedya Goldoni at ang kanyang labing anim na bagong komedya(1853) ay patuloy na isinagawa sa Italya.

Noong 1870s, sa isang matagumpay at nagkakaisang Italya, isang bagong kilusang masining ang lumitaw, ang verismo. Ang mga theorists ng verismo, Luigi Capuana at Giovanni Verga, ay nagtalo na ang artist ay dapat ilarawan lamang ang mga katotohanan, ipakita ang buhay nang walang pagpapaganda, dapat siyang maging walang kinikilingan at pigilin ang kanyang mga pagtatasa at komento. Karamihan sa mga manunulat ng dula ay mahigpit na sumunod sa mga tuntuning ito, at marahil ito ang nag-alis sa kanilang mga nilikha ng tunay na buhay. Ang pinakamahusay na mga gawa nabibilang sa panulat ni D. Verga (1840–1922), mas madalas siyang lumabag sa mga reseta ng teorya kaysa sa iba. Dalawa sa kanyang mga dula karangalan sa kanayunan(1884) at Siya-lobo(1896) ay kasama sa repertoire ng mga teatro ng Italyano sa kasalukuyang panahon. Ang mga dula ay mahusay na ginawa. Ang genre ay trahedya. buhay bayan. Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na dramatikong nerbiyos, mahigpit at pagpigil ng mga nagpapahayag na paraan. Noong 1889 nagsulat si P. Mascagni ng isang opera karangalan sa kanayunan.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo lumilitaw ang isang playwright, na ang katanyagan ay tumatawid sa mga hangganan ng Italya. Gabriele D "Nagsulat si Annunzio ng isang dosenang at kalahating dula, na tinawag niyang mga trahedya. Lahat ng mga ito ay isinalin sa mga wikang Europeo. Sa pagpasok ng siglo, si D'Annunzio ay isang napaka-tanyag na manunulat ng dula. Ang kanyang playwriting ay karaniwang nauuri bilang simbolismo at neo-romantisismo, bagama't mayroon din itong mga tampok ng neoclassicism. Ang mga motif ng Verist ay pinagsama sa aestheticism.

Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang mga nagawa ng dramaturhiya ay higit pa sa katamtaman; Italyano ika-19 na siglo nanatili sa kasaysayan ng teatro bilang isang siglo ng pag-arte. Ang mataas na trahedya ay hindi nagbunga ng mga dakilang gawa sa dramaturhiya. Ngunit ang trahedya na tema sa teatro gayunpaman ay tumunog, narinig at natanggap pagkilala sa mundo. Nangyari ito sa opera (Giuseppe Verdi) at sa sining ng mga dakilang trahedya ng Italyano. Ang kanilang hitsura ay nauna sa reporma sa teatro.

Ang uri ng aktor na malapit sa klasisismo ay nanatili sa teatro ng Italyano sa loob ng mahabang panahon: sining ng pagganap nanatili sa pagkabihag ng declamation, retorika, canonical postures at gestures. Ang reporma sa sining sa entablado, na katumbas ng kahalagahan ng kay Carlo Goldoni, ay isinagawa noong kalagitnaan ng siglo ng makikinang na aktor at tagapamahala ng teatro na si Gustavo Modena (1803–1861). Sa maraming paraan, nauna siya sa kanyang panahon. Dinala ni Modena ang isang lalaki sa entablado kasama ang lahat ng kanyang mga tampok, natural na pananalita, "walang barnisan, walang cothurns." Lumikha siya ng isang bagong istilo ng pag-arte, na ang mga pangunahing tampok ay ang pagiging simple at katotohanan. Sa kanyang teatro, ang digmaan ay idineklara sa premiership, may posibilidad na lumayo mula sa isang matibay na papel, sa unang pagkakataon ay lumitaw ang tanong ng isang kumikilos na grupo. Ang impluwensya ni Gustavo Modena sa kanyang mga kontemporaryo ay napakalaki.

Si Adelaide Ristori (1822-1906) ay hindi isang estudyante ng Modena, ngunit itinuturing ang kanyang sarili na malapit sa kanyang paaralan. Ang unang mahusay na trahedya na artista na ang sining ay kinilala sa labas ng Italya, siya ay isang tunay na pangunahing tauhang babae sa kanyang panahon, na nagpapahayag ng kanyang makabayang rebolusyonaryong kalunos-lunos. Sa kasaysayan ng teatro, nanatili siyang tagapalabas ng maraming trahedya na tungkulin: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Myrrh Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Mary Stuart Schiller). Naakit si Ristori ng mga character na malakas, solid, heroic, puno ng mga dakilang hilig. Tinawag ng aktres ang kanyang istilo na makatotohanan, na nagmumungkahi ng terminong "makulay na realismo", na tumutukoy sa "Italian ardor", "nagniningas na pagpapahayag ng mga hilig".

Ang kabaligtaran ng Ristori ay si Clementina Cazzola (1832-1868), isang romantikong artista na lumikha ng mga larawan ng pinakamahusay na liriko at sikolohikal na lalim, kaya niya ang mga kumplikadong karakter. Hinarap niya si Ristori, na palaging inilalabas ang pangunahing katangian ng karakter. Sa teatro ng Italyano, si Cazzola ay itinuturing na tagapagpauna ng E. Duse. Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga tungkulin si Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier ( babae na may camellias Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvrere Scribe), gayundin ang papel ni Desdemona ( Othello Shakespeare), na nilalaro niya kasama ng kanyang asawang si T. Salvini, ang dakilang trahedya.

Tommaso Salvini, isang mag-aaral ni G. Modena at L. Domeniconi, isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng klasisismo sa entablado. Hindi interesado ang aktor isang karaniwang tao, ngunit isang bayani na ang buhay ay ibinibigay sa isang mataas na layunin. Inilagay niya ang maganda kaysa sa makamundong katotohanan. Itinaas niya ang imahe ng tao nang mataas. Ang kanyang sining ay organikong pinagsama ang dakila at karaniwan, ang kabayanihan at ang pang-araw-araw. Mahusay niyang alam kung paano kontrolin ang atensyon ng publiko. Siya ay isang aktor ng malakas na ugali, na balanse ng isang malakas na kalooban. Ang imahe ni Othello ( Othello Shakespeare) - ang pinakamataas na paglikha ng Salvini, "isang monumento, isang monumento, isang batas para sa lahat ng oras" (Stanislavsky). Si Othello ay nilalaro niya sa buong buhay niya. Kasama rin sa pinakamahusay na mga gawa ng aktor ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula. Hamlet, Haring Lear, Macbeth Shakespeare, pati na rin ang papel ni Corrado sa dula Civil death Giacometti.

Ang gawa ng isa pang makikinang na trahedya na makata, si Ernesto Rossi (1827–1896), ay kumakatawan na sa ibang yugto sa pag-unlad ng sining sa pagtatanghal sa Italya. Siya ang pinakamamahal at pinaka-consistent na estudyante ni G. Modena. Sa bawat karakter, sinubukan ni Rossi na hindi makita ang isang perpektong bayani, ngunit isang tao lamang. Ang subtlest sikolohikal na aktor, siya skillfully maaaring ipakita ang panloob na mundo, ihatid ang slightest nuances ng karakter ng character. Ang mga trahedya ni Shakespeare ang batayan ng repertoire ni Rossi, binigyan niya sila ng 40 taon ng kanyang buhay at naglaro sa mga ito hanggang sa huling araw. Ito ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula Hamlet, Romeo at Juliet, Macbeth, Haring Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Caesar, Ang Merchant ng Venice. Naglaro din siya sa mga dula ng Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, naglaro sa maliliit na trahedya ng Pushkin, at Ivan the Terrible sa drama ni A.K. Tolstoy. Ang isang realist artist, isang master ng reincarnation, hindi niya tinanggap ang verism, kahit na siya mismo ang naghanda ng hitsura nito sa lahat ng kanyang sining.

Ang Verismo, bilang isang masining na kababalaghan, ay lubos na ipinahayag sa entablado ni Ermette Zacconi (1857–1948). Ang repertoire ni Zacconi ay, higit sa lahat, isang kontemporaryong dula. Sa malaking tagumpay ay naglaro siya sa mga gawa ni Ibsen, A.K. Ang kanyang malikhaing istilo ay naglalaman ng lahat mula sa comedy dell'arte hanggang sa mataas na trahedya at naturalismo.

Ang pinakamahalagang trahedya na artista ng pagliko ng siglo ay ang maalamat na Eleonora Duse. Ang pinakapayat na sikolohikal na aktres, na ang sining ay tila higit pa sa sining ng reinkarnasyon.

ika-19 na siglo - ang kasagsagan ng dialectal na kultura. Natatanggap nito ang pinakamalaking pag-unlad sa Sicily, Naples, Piedmont, Venice, Milan. Ang dialectal theater ay ang brainchild ng commedia dell'arte, ito ay kinuha ng maraming mula dito: ang improvisational na katangian ng laro ayon sa isang pre-compiled na senaryo, pag-ibig para sa buffooner, mga maskara. Ang mga pagtatanghal ay ginanap sa lokal na diyalekto. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ang dialectal dramaturgy ay nagsisimula pa lamang na makakuha nito batayan ng panitikan. Ang dialectal na teatro noong panahong iyon ay pangunahin nang isang acting theater. Ang Sicilian Giovanni Grasso (1873-1930), isang "primitive tragedian", isang aktor ng kusang pag-uugali, isang napakatalino na tagapalabas ng madugong melodramas, ay kilala hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang taga-Northern na si Edoardo Ferravilla (1846-1916), isang makikinang na artista sa komiks, may-akda at tagapalabas ng kanyang mga teksto, ay nagtamasa ng malaking tagumpay. Si Antonio Petito (1822-1876) ay ang pinaka-maalamat na pigura ng Neapolitan theatre, isang napakatalino na improviser na nagtrabaho sa commedia dell'arte technique, isang hindi maunahang performer ng Pulcinella mask. Ang kanyang estudyante at tagasunod na si Eduardo Scarpetta (1853-1925), isang makikinang na aktor, "ang hari ng mga komedyante", ang lumikha ng kanyang maskara na si Felice Xoshamocchi, isang sikat na manunulat ng dula. Ang kanyang pinakamahusay na komedya Ang mahihirap at ang maharlika (1888).

ika-20 siglo.

Maagang ika-20 siglo pumasok sa kasaysayan ng sining ng pagtatanghal bilang panahon ng rebolusyon sa teatro. Sa Italya, ang papel ng mga innovator ng eksena ay kinuha ng mga Futurista. Ang kanilang layunin ay lumikha ng sining ng hinaharap. Itinanggi ng mga futurist ang akademikong teatro na umiiral mga genre ng teatro, sinubukang talikuran ang aktor o bawasan ang kanyang tungkulin bilang isang papet, pati na rin iwanan ang salita, palitan ito ng mga plastik na komposisyon at scenography. Itinuring nila na ang tradisyonal na teatro ay static, na naniniwala na sa edad ng sibilisasyon ng makina, ang pangunahing bagay ay paggalaw. Ang pinakakilalang mga pigura ng Futurism ay sina F.T. Marinetti (1876–1944) at A.J. Bragaglia (1890–1961). Ang kanilang mga theatrical manifesto: Variety Theater Manifesto(1913) at Futuristic Synthetic Theater Manifesto(1915) ay hindi pa rin nawawala ang kanilang kahalagahan. Ang dramaturgy ng Futurists ay higit sa lahat ay ang mga gawa ng Marinetti, na tinatawag na syntheses (maiikling eksena, madalas na gumanap nang walang salita). Ang scenography ay ang pinaka-interesado: ang pinakamahusay na mga artista ng panahong iyon ay nagtrabaho sa futuristic na teatro: J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Ang teatro ng Futurists ay hindi matagumpay sa madla: ang mga pagtatanghal ay madalas na pumukaw ng galit at madalas na naganap sa mga iskandalo. Ang papel ng mga futurista ay naging malinaw sa ibang pagkakataon - sa ikalawang kalahati ng siglo: ito ay pagkatapos na ang kanilang mga ideya ay higit pang binuo. Kasama ang tinatawag na. Sa pamamagitan ng mga "playwrights of the grotesque" at playwrights ng "twilight" inihanda ng mga Futurista ang hitsura ng pinakadakilang pigura sa teatro ng ika-20 siglo. L.Pirandello. Napakahalaga noong 1920–1930 ang aktibidad ng mga dayuhang direktor: ito ang mga produksyon ni M. Reinhardt, V.I. (1896–1975), na nagpakilala sa mga Italyano sa Russian. paaralan ng teatro at ang mga turo ni Stanislavsky.

Si Luigi Pirandello ay nagsimulang magsulat para sa teatro noong 1910. Sa mga unang dula na nakatuon sa buhay sa Sicily at nakasulat sa diyalektong Sicilian, malinaw na nadarama ang impluwensya ng verismo. Ang mga pangunahing tema ng kanyang trabaho ay ilusyon at katotohanan, mukha at maskara. Siya ay nagpapatuloy mula sa katotohanan na ang lahat ng bagay sa mundo ay kamag-anak, at walang layunin na katotohanan.

Kabilang sa iba pang makabuluhang aktor ng panahon sina Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) at ang magkapatid na Gramatika: Irma (1870–1962) at Emma (1875–1965). Sa mga manunulat ng dula, si Sem Benelli (1877–1949), may-akda ng repertoire play Hapunan ng mga biro(1909), at Hugo Betti (1892–1953), na ang pinakamahusay na laro Korapsyon sa Palasyo ng Katarungan(1949).

Sa pagitan ng dalawang digmaang pandaigdig, ang teatro ng diyalekto ay sumakop sa isang makabuluhang lugar sa kultura ng Italya (bagaman ang patakaran ng pasistang estado ay naglalayong sugpuin ang mga diyalekto). Nasiyahan sa partikular na tagumpay Neapolitan na teatro. Mula noong 1932, nagsimulang gumana ang Humorous Theater ng De Filippo Brothers. Gayunpaman, ang pinakamahalagang pigura ng panahong iyon ay si Raffaele Viviani (1888-1950), isang lalaking may "naghihirap na mukha at kumikinang na mga mata ng isang palaboy", ang lumikha ng kanyang sariling teatro, aktor at manunulat ng dula. Ang mga dula ni Viviani ay nagsasabi tungkol sa buhay ng mga ordinaryong Neapolitan, naglalaman ito ng maraming musika at kanta. Ang ilan sa kanyang pinakamahusay na komedya ay Toledo street sa gabi(1918), Neapolitan na nayon (1919), mga mangingisda (1924), Ang huling tramp sa kalye (1932).

Ang panahon ng Paglaban at ang mga unang taon pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang ang pangalawang Risorgimento - kaya mapagpasyahan at hindi maibabalik ang mga pagbabagong naganap sa lahat ng larangan ng buhay at sining. Matapos ang mga taon ng panlipunang pagwawalang-kilos, ang lahat ay gumagalaw at humihingi ng pagbabago. At kung sa mga taon ng pasistang diktadura ang teatro ay literal na sinakal ng kasinungalingan, retorika at kapurihan (ganyan ang linya ng opisyal na sining), ngayon ay nagsimula na itong magsalita ng wika ng tao at naging isang buhay na tao. Ang sining ng post-war Italy ay namangha sa mundo sa katapatan nito. Ang buhay, kasama ang lahat ng kahirapan, pakikibaka, tagumpay at pagkatalo, at simpleng damdamin ng tao, ay dumating sa screen at entablado. Pagkatapos ng digmaan, ang teatro ay umunlad alinsunod sa neo-realism, isa sa pinaka-demokratikong at humanistic na paggalaw ng sining noong ikadalawampu siglo. Ang dialectal theater ay may bagong hininga. Ang Neapolitan na si Eduardo De Filippo ay tumatanggap ng pambansang pagkilala, at ang kanyang dramaturhiya ay mabilis na nasakop ang mga yugto ng mundo. Tinawag niya ang kanyang mga dula na "tinanghal na totoong buhay." Ang kanyang malungkot na mga komedya ay tungkol sa buhay, tungkol sa mga relasyon sa pamilya, tungkol sa moralidad at layunin ng isang tao, tungkol sa mga problema ng digmaan at kapayapaan.

Ang propesyon ng direktor, na lumitaw sa teatro ng Europa sa pagliko ng siglo, ay itinatag sa Italya lamang sa ikalawang kalahati ng siglo. Ang unang direktor sa European na kahulugan ng salita ay si Luchino Visconti (1906–1976), isang realist artist na may matalas na pakiramdam ng kagandahan, isang matibay na anti-pasista at humanist na nagtrabaho kapwa sa teatro at sinehan. Sa Visconti theater, ang pagganap ay nauunawaan sa kabuuan, napapailalim sa isang solong plano, ang digmaan ay ipinahayag sa premiership, ang mga aktor ay natutong magtrabaho sa isang grupo. Ang pinakamahalagang gawain ni Visconti teatro ng drama: Krimen at parusa Dostoevsky (1946), salamin menagerie (1946), Pagnanais ng Streetcar T. Williams (1949), Rosalind, o As You Like It (1948), Troilus at Cressida Shakespeare Orestes Alfieri (1949) tagapangasiwa ng bahay-tuluyan Goldoni (1952) Tatlong magkakapatid na babae (1952), Kuya Ivan (1956), Ang Cherry Orchard(1965) Chekhov.

Una mga taon pagkatapos ng digmaan sa Europa, nagsimula ang isang kilusan para sa naa-access at naiintindihan na mga katutubong sinehan. Sa Italya, sumanib ito sa pakikibaka para sa mga nakatigil na teatro, na tinatawag na Stabile (stabile / permanente). Ang unang Stabile ay ang Piccolo Teatro sa Milan, na itinatag noong 1947 nina P. Grassi at J. Strehler. Masining na teatro sa paglilingkod sa lipunan - ito ang gawain na itinakda mismo ng Piccolo Teatro. Sa gawain ni Strehler, maraming linya ng kulturang teatro sa Europa ang nagtagpo: pambansang tradisyon commedia dell'arte, ang sining ng sikolohikal na realismo at epikong teatro.

Noong dekada 1960 at 1970, ang teatro sa Europa ay tumaas. Isang bagong henerasyon ng mga direktor at aktor ang pumasok sa teatro ng Italyano. Mga kabataan, karamihan ay nakakaramdam ng pagod tradisyonal na wika ang mga eksena ay nagsimulang galugarin ang isang bagong espasyo, upang gumana nang naiiba sa liwanag, tunog, upang maghanap ng mga bagong anyo ng relasyon sa madla. Sa mga taong iyon, aktibong nagtrabaho sina Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko, Leo De Berardinis. Gayunpaman, ang pinaka makabuluhang mga numero ng henerasyon ng mga ikaanimnapung taon: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Lahat sila ay marami nang nagawa upang pagyamanin ang theatrical language, ang kanilang mga natuklasan ay malawakang ginagamit sa theatrical practice.

Si Dario Fo ang pinaka kilalang kinatawan teatro sa politika. Si Fo ay interesado sa isang tao bilang isang uri ng lipunan, na may maliwanag, matulis, pinalaking mga tampok, na inilagay sa isang talamak, nakakatawa, kabalintunaan na sitwasyon. Malawak niyang ginagamit ang mga pamamaraan ng katutubong teatro tulad ng improvisasyon at buffooner.

Si Carmelo Bene (b. 1937) ay ang kinikilalang pinuno ng Italian avant-garde ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Mahusay na artista ang tawag kay Bene. Siya mismo ang nagsusulat, nagdidirekta at gumaganap ng mga pangunahing tungkulin sa kanyang mga gawa. Ang kanyang akda ay umiiral sa hindi mapaghihiwalay na pagkakaisa ng may-akda, aktor at direktor. Si Bene ang may-akda ng maraming pagtatanghal, pangunahin batay sa mga gawa ng panitikan at teatro sa daigdig: Pinocchio Kallodi (1961) Faust at Marguerite (1966), Salome Wilde (1972) Turkish Ina ng Diyos Bene (1973) Romeo at Juliet (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979) Macbeth (1983), Hamlet(itakda nang paulit-ulit), atbp. Ang lahat ng ito ay orihinal na komposisyon ni Bene, batay sa mga kilalang gawa at malabo na nakapagpapaalaala sa kanila. Iniwan ni Benet ang tradisyunal na dramatikong anyo: sa kanyang mga pagtatanghal ay walang mga kaganapan na binuo sa prinsipyo ng sanhi at epekto, walang balangkas at diyalogo sa karaniwang kahulugan, ang salita ay minsan ay pinapalitan ng tunog, at ang imahe ay literal na nahuhulog, nagiging isang bagay na walang buhay o tuluyang mawala. Requiem for a Man - ito ay kung paano matukoy ang pangunahing nilalaman ng kanyang sining.

Kabilang sa mga nakababata na kasalukuyang matagumpay na nagtatrabaho sa teatro ng Italyano, maaaring pangalanan ng isa ang direktor na si Federico Tiezzi (1951), ang direktor at aktor na si Giorgio Barberio Corsetti (1951), ang direktor na si Mario Martone (1962), na sa loob ng maraming taon ay namuno sa teatro ng Roma " Stabile", na nagtanghal ng ilang napaka-kagiliw-giliw na mga pagtatanghal, kabilang dito ang pagtatanghal Sampung Utos R. Viviani (2001).

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ang teatro ng Italyano, na naging teatro ng direktor, ay hindi tumigil sa pagiging isang teatro ng mga mahuhusay na aktor. Ang pinakamahusay na aktor ng bansa ay palaging nagtatrabaho sa mga pagtatanghal ng pinakamalaking direktor. Nalalapat ito kay Eduardo de Filippo, at kay Giorgio Strehler, at Luchino Visconti, gayundin sa mga direktor ng dekada ikaanimnapung taon na dumating sa teatro sa alon ng paligsahan. Ang pangunahing bahagi ng Visconti troupe ay ang mag-asawang Rina Morelli at Paolo Stoppa, mga banayad na sikolohikal na aktor na naglaro sa lahat ng kanyang mga pagtatanghal sa teatro ng drama. Si Vittorio Gassman ay nagkaroon din ng malaking tagumpay sa mga pagtatanghal ng Visconti (lalo na sa mga pagtatanghal Orestes Alfieri at Troilus at Cressida Shakespeare). Pagkatapos umalis sa Visconti, maraming naglaro si Gassman sa klasikal na repertoire; pinaka-kapansin-pansin ang kanyang mga pagtatanghal Othello at Macbeth Shakespeare.

Sa mahabang tradisyon ng teatro ng Italyano, ang tropa ay karaniwang pinagsama-sama sa isang mahusay na aktor (o artista), at ang mga pagtatanghal ay karaniwang itinanghal batay sa ibinigay na premiere. Sa naturang theatrical group, ang unang aktor, ang bida na aktor (tinatawag na divo o mattatore sa Italy) ay madalas na napapaligiran ng mga mahinang performer.

Sa loob ng ilang dekada (hanggang sa kasalukuyan), ang mga sikat na aktor na sina Giorgio Albertazzi at Anna Proklemer ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Italyano, na ginagampanan ang pangunahing mga tungkulin sa mga dula ng klasikal na repertoire ng mundo. Maraming sikat at minamahal ng mga aktor ng publikong Italyano ang nagtrabaho nang husto sa teatro iba't ibang henerasyon, kasama sina Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, na ang pangalan ay pinangalanang isa sa mga sinehan sa Milan. Nagtrabaho din si Parenti sa Piccolo Teatro kasama si Giorgio Strehler. Ang mga kahanga-hangang aktor ay palaging naglalaro sa Strehler Theater. Ito si Tino Buazelli, ang sikat na performer ng role ni Galileo sa dula Buhay ni Galileo B. Brecht. Tino Carraro, na sa loob ng maraming taon ay gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga dula ni Shakespeare ( Haring Lear, Bagyo), Brecht, Strindberg at iba pa. Ang isang namumukod-tanging tagapalabas ng mga babaeng papel sa teatro ng direktor ay si Valentina Cortese, kabilang sa mga taluktok, na ang gawain ay ang papel ni Ranevskaya sa halamanan ng cherry(produksyon 1974). Sa mga nakababata, namumukod-tangi si Pamela Villoresi, isang kahanga-hangang performer ng mga babaeng imahe sa mga komedya ni Carlo Goldoni, sa mga dula ng Lessing, Marivaux, at iba pa. huling period Naging muse niya ang aktres na si Andrea Jonasson, na gumanap ng mga dramatikong papel sa mga produksyon ng Brecht, Lessing, Pirandello at iba pa. Dalawang mahusay na performer ng Harlequin mask - sina Marcello Moretti at Ferruccio Soleri sa maalamat na pagganap Harlequin hango sa komedya na Goldoni Lingkod ng dalawang panginoon.

Pinagsasama-sama rin ni Luca Ronconi ang isang grupo ng kanyang mga aktor. Ito ay, una sa lahat, dalawang mas matandang artista na sina Franka Nuti at Marisa Fabbri, na gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga pagtatanghal ng direktor bilang bacchantes Euripides (1978) mga multo Ibsen, Mga huling araw ng sangkatauhan Kraus at iba pa, si Mariangela Melato, na naglaro ang pinakamahusay na mga gawa direktor tulad ng Galit na galit si Roland at orestea. Marami siyang nagtrabaho kasama sina Ronconi at Massimo de Francovich, kasama sa kung saan ang mga pangunahing tagumpay ay ang papel ni Lear sa dula. Haring Lear, pati na rin ang batang si Massimo Popolicio, isang malawak na aktor na may access sa mga ritmo, parehong drama at komedya (malaking tagumpay ang nagdala sa kanya ng papel ng dalawang magkapatid sa komedya na Goldoni Venetian twins).

Lalo na kinakailangan na iisa ang mga aktor ng paaralang Neapolitan. Kabilang sa mga pinakatanyag ay ang mga matatandang aktor na sina Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo at Pupella Maggio, na maraming nagtrabaho sa teatro ng Eduardo de Filippo. Kabilang sa mga nakababata ay ang mga aktor na sina Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone at iba pa.

Ikalawang kalahati ng ika-20 siglo pumasok sa kasaysayan ng teatro ng Italyano bilang panahon ng muling pagsilang ng sining ng scenography. Ang pinakamahusay na mga artista ay palaging nagtatrabaho kasama ang pinakamahusay na mga direktor sa bansa. Ang pinakamaliwanag na pigura ay sina Luciano Damiani at Ezio Frigerio; ang mga pangalan nila ay nasa poster ng lahat ang pinakamahusay na mga pagtatanghal Streler. At ito rin ay sina Enrico Job, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornyakova

Ang Italya, na nagbigay sa mundo ng mga mahuhusay na kompositor gaya ng Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, ay isang bansa ng klasikal na musika. Naging inspirasyon din ang Italy sa maraming dayuhan: halimbawa, nilikha ni Richard Wagner ang kanyang Parsifal sa kanyang pananatili sa Ravello, na nagdala sa lungsod na ito, kung saan ginaganap ngayon ang sikat na music festival, internasyonal na katanyagan. Ang mga musical season ay bukas, depende sa teatro, mula Nobyembre hanggang Disyembre at mahalagang okasyon Italyano at internasyonal na buhay musikal. Ang TIO.BY at ang Italian National Tourism Agency ay naghanda ng seleksyon kung alin sa maraming mga sinehan sa Italy ang pipiliin. Nag-attach kami ng link sa programa para sa bawat teatro.

Teatro ng La Scala sa Milan

Isa sa pinaka mga sikat na sinehan, walang duda - La Scala Theatre ng Milan. Bawat taon, ang pagbubukas ng season nito ay nagiging isang high-profile na kaganapan na kinasasangkutan mga sikat na tao mula sa mundo ng pulitika, kultura at palabas na negosyo.

Ang teatro ay nilikha sa utos ng Austrian Queen na si Maria Teresa pagkatapos ng sunog na sumira sa Royal Theatre ng Reggio Ducale ng lungsod noong 1776. Ang mga panahon ng La Scala ay isa sa mga pinakamahalagang kaganapan sa buhay kultural ng Milan. Ang programa ay kahalili ng opera at ballet, pati na rin ang mga pangalan ng Italyano at dayuhang kompositor.

Ang programa ng panahon ay magagamit dito.

Teatro La Fenice sa Venice

Hindi kalayuan sa likod ng La Scala at ng Venetian opera house na La Fenice, na itinayo sa Campo San Fantin square sa quarter ng San Marco. Isinalin mula sa Italyano, ang teatro ay tinatawag na "Phoenix" - tiyak na dahil ito ay muling isinilang nang dalawang beses pagkatapos ng apoy, tulad ng isang kamangha-manghang ibong phoenix, mula sa abo. Huling pagpapanumbalik natapos noong 2003.

Royal Theatre sa Turin

Ang Royal Theatre ng Teatro Regio sa Turin ay itinayo sa utos ni Victor Amadeus ng Savoy. Facade ng gusali siglo XVIII, kasama ang iba pang mga tirahan ng Savoy dynasty, ay kinikilala bilang isang UNESCO monument.

Ang panahon ng opera at ballet ay nagsisimula sa Oktubre at nagtatapos sa Hunyo, at bawat taon ay makikita mo ang lahat ng uri ng musikal na kaganapan sa poster: mga konsyerto ng koro at symphonic music, chamber music evening, mga pagtatanghal sa Teatro Piccolo Regio, na nilayon para sa mga bagong manonood at para sa panonood ng pamilya, pati na rin ang festival na "MITO - Musical September".

Nag-aalok din ang Roma ng mga mahilig sa opera at ballet ng maraming magagandang pagtatagpo. Ang pinakamahalagang sentro ng klasikal na musika ay ang Rome Opera, na kilala rin bilang Costanzi Theatre, pagkatapos ng lumikha nito, si Domenico Costanzi. Ang isang madalas na panauhin ng teatro na ito, pati na rin direktor ng sining season 1909-1910 ay si Pietro Mascagni. Ang mga mahilig sa ballet ay magiging interesado na malaman na noong Abril 9, 1917, ang Italian premiere ng ballet na The Firebird ni Igor Stravinsky, na ginanap ng mga artista ng Russian Ballet troupe na si Sergei Diaghilev, ay naganap dito.

Maraming mga pagtatanghal sa opera sa playbill ng teatro na ito, ngunit binibigyang pansin din ang ballet.
Kung ang mga panahon ng taglamig ng Rome Opera ay gaganapin sa lumang gusali sa Piazza Beniamino Gigli, kung gayon mula noong 1937 ang lugar para sa mga panahon ng tag-init nito ay bukas na langit naging isang nakamamanghang archaeological complex ng Baths of Caracalla . Ang mga pagtatanghal ng opera na itinanghal sa yugtong ito ay isang malaking tagumpay sa publiko, lalo na sa mga turista na natutuwa sa kumbinasyon ng kahanga-hangang lugar na ito sa mga paggawa ng opera.

Teatro San Carlo sa Naples

Ang pinakamahalagang teatro sa rehiyon ng Campania ay, siyempre, ang San Carlo Theater sa Naples. Itinayo ito noong 1737 sa utos ni Haring Charles ng dinastiyang Bourbon, na nagnanais na lumikha ng bagong teatro na kumakatawan sa maharlikang kapangyarihan. Pinalitan ni San Carlo ang maliit na teatro ng San Bartolomeo, at ang proyekto ay ipinagkatiwala sa arkitekto, Koronel ng Royal Army na si Giovanni Antonio Medrano at dating direktor Teatro ng San Bartolomeo Angelo Carazale. Sampung taon pagkatapos maitayo ang teatro, noong gabi ng Pebrero 13, 1816, ang gusali ay nawasak ng apoy, na nag-iwan lamang ng mga panlabas na pader at isang maliit na extension na buo. Ang nakikita natin ngayon ay isang muling pagtatayo na sinusundan ng muling pagpapaunlad.

Ang kahanga-hangang teatro na ito ay palaging tinatanggap ang mga mahilig sa opera na may napakayamang programa, na kadalasan ay isang paglalakbay sa Neapolitan tradisyon ng opera at ang pagbabalik ng mga mahusay na classics ng symphonic repertoire, kabilang ang mga nabasa sa pamamagitan ng prisma ng isang bagong pang-unawa at sa pakikilahok ng mga kilalang tao sa mundo. Bawat season sa entablado ng pinakamatandang opera house sa Europa ay may mga maliliwanag na debut at magagandang pagbabalik.

Siyempre, imposibleng ilarawan ang lahat ng ningning ng theatrical Italy. Ngunit nais naming payuhan ka ng ilan pang mga sinehan na may mga programang nararapat pansin.

Philharmonic Theater sa Verona; season's program sa link.

Teatro Comunale sa Bologna; mga programa ng opera, musika at ballet season.

Teatro Carlo Felice sa Genoa; mga programa ng musical, opera at ballet season.

Royal Theatre sa Parma; link ng season program

Teatro Comunale sa Treviso; link ng season program

Giuseppe Verdi Opera House sa Trieste; link ng season program

Concert Hall Auditorium sa Music Park sa Rome; programa ng season

Ano ang dahilan kung bakit ang mga mahilig sa klasikal na musika ay nag-book ng mga flight papuntang Europe para dumalo sa mga palabas sa opera? Sa mga lungsod sa Europa, ang antas ng opera ay nasa mataas na lebel, kamangha-mangha ang arkitektura ng mga sinehan. Para sa lahat na mahilig sa ganitong uri ng sining, nag-aalok kami ng pangkalahatang-ideya ng pinakamahalagang mga opera house sa Europa.

La Scala, Milan
Binuksan ng La Scala Opera House ang mga pinto nito sa mga bisita noong 1778. Ngayon, sa pag-book ng mga air ticket sa Milan, at pagpunta sa pinakasikat na opera house, maaari kang makinig sa mga obra maestra ng mundo ng Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini. Sa pamamagitan ng paraan, ang kapasidad ng auditorium ay 2,030 na manonood, at ang halaga ng mga tiket ay nag-iiba mula 35 hanggang 300 euro. Ang La Scala ay kakaiba dahil ang season ay magbubukas sa Disyembre 7 (ito ang araw ni St. Ambrose, ang patron saint ng Milan) at tumatagal hanggang Nobyembre. Ang La Scala ay may mahigpit na dress code, isang itim na damit o tuxedo lamang ang pinapayagang pumasok sa sinehan.

San Carlo, Naples
Ang San Carlo ay ang pinakamalaking opera house hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa Europa. Tanging ang mga sinehan sa New York at Chicago ay higit pa sa laki nito. Ang teatro ay nagsimulang gumana noong 1737. Ito ay muling itinayo noong 1817 pagkatapos ng sunog. Ang hindi kapani-paniwalang marangyang mga upuan sa teatro ay may 3,283 na manonood, ang mga presyo ng tiket ay nagsisimula mula sa 25 euro. Kung magpasya kang mag-book ng mga flight papunta at bisitahin ang kahanga-hangang lungsod na ito, siguraduhing makinig sa Otello ni Giuseppe Verdi sa San Carlo - makakakuha ka ng malaking kasiyahan.

Covent Garden, London
Kung magbu-book ka ng ticket sa, makikita mo hindi lamang ang Tower Bridge at ang royal guard, kundi pati na rin ang royal theater. Binuksan noong 1732 sa ilalim ng pamumuno ni Handel, ang teatro ay nakaligtas ng higit sa 3 sunog, at sa bawat oras na ito ay naibalik, na pinapanatili ang katangi-tanging arkitektura. Ang pagiging eksklusibo ng teatro ay nakasalalay sa katotohanan na maraming mga produksyon ang ipinapakita sa Ingles. Ang mga tiket ay nagkakahalaga ng 10 hanggang 200 pounds. Sa Covent Garden, inirerekomenda naming makinig sa opera Norma ni Vincenzo Bellini.

Grand Opera, Paris
Upang pahalagahan ang kadakilaan ng teatro, sapat na upang ilista ang mga magagaling na kompositor na gumanap ng kanilang mga gawa dito: Deelib, Rossini, Meyerbeer. Sa pinakabinibisitang teatro sa mundo, ang mga tiket ay nagkakahalaga ng hanggang 350 euro, at ang kapasidad ng bulwagan ay 1900 na manonood. Facade na may 7 arko, eskultura ng Drama, Musika, Tula at Sayaw at interior na may mga hagdanang marmol, mga fresco ng Pils, mga painting nina Chagall at Baudry. Sulit ang pag-book ng mga flight para mabisita ang Grand Opera kahit isang beses

Royal Opera, Versailles
Ang Royal Opera ng Versailles ay matatagpuan sa isang malaking marangyang palasyo at ito ang pinakamalaking teatro ng palasyo sa mundo. Ang kakaibang arkitektura nito ay nakasalalay sa katotohanan na ito ay ganap na gawa sa kahoy, at ang lahat ng mga ibabaw ng marmol ay mga imitasyon lamang. Ang teatro ay nagho-host ng mga premiere ng makikinang na opera, kabilang ang Iphigenia ni Gluck sa Tauris. Ngayon ang teatro na ito ay isang obligadong bahagi ng programang pangkultura para sa mga nag-book ng mga flight papuntang Paris. Ang pinakamababang presyo ng tiket ay 20 euro.

Vienna State Opera House, Vienna
Ang Vienna Opera House ay isang tunay na istilo at sukat ng hari. Sa pagbubukas ng teatro ay ginampanan nila ang Don Giovanni ni Mozart. Lahat ng bagay sa opera house ay puno ng espiritu ng dakila Austrian kompositor: ang harapan ng teatro, na ginawa sa istilong neo-Renaissance, ay pininturahan ng mga fresco batay sa opera na The Magic Flute. At ang pinakasikat na artistikong direktor ay ang konduktor na si Gustav Mahler. Bawat taon sa Pebrero, ang Viennese ball ay ginaganap sa teatro. Ang pagkakaroon ng pag-book ng tiket sa Vienna, siguraduhing bisitahin ang opera house!

Teatro Carlo Felice, Genoa
Ang Carlo Felice Theater sa Genoa ay isang simbolo ng lungsod, kung saan walang pera o pagsisikap ang naligtas. Halimbawa, ang disenyo ng entablado ay nilikha ni Luigi Canonica, na nagtayo ng La Scala. Ang teatro ay hindi maiiwasang nauugnay sa pangalan ni Giuseppe Verdi, na nagsagawa ng mga premiere ng kanyang mga opera sa maraming magkakasunod na season. At hanggang ngayon, sa playbill ng teatro ay makikita ang mga likha ng makikinang na kompositor. Kung nag-book ka ng mga flight papuntang Genoa, pinapayuhan ka naming makinig sa opera na "Mary Stuart" ni Gaetano Donizetti. Sa pamamagitan ng paraan, ang mga presyo ng tiket ay medyo demokratiko at nagsisimula sa 7 euro.

Gran Teatro Liceu, Barcelona
, mahilig sa opera at dumaan sa "Grand Teatro Liceo" ay imposible lang! Ang teatro ay sikat para sa parehong klasikal na repertoire at ang modernong diskarte ng mga gawa. Ang teatro ay nakaligtas sa isang pagsabog, isang malaking sunog, at naibalik nang eksakto ayon sa orihinal na mga guhit. Ang mga upuan sa auditorium ay gawa sa cast iron na may red velvet upholstery, habang ang mga chandelier ay gawa sa hugis dragon na tanso na may mga crystal shade.

Estates Theatre, Prague
Ang teatro ng Prague ay ang tanging isa sa Europa na nakaligtas na halos hindi nagbabago. Sa Estates Theater unang ipinakita ni Mozart sa mundo ang kanyang mga opera na Don Giovanni at Mercy of Titus. Hanggang ngayon, ang mga gawa ng Austrian classic ay bumubuo ng batayan ng repertoire ng teatro. Kabilang sa mga birtuoso na gumanap sa yugtong ito ay sina Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. Bilang karagdagan sa opera, ballet at mga dramatikong pagtatanghal ay ibinibigay dito. At kinunan ng direktor ng Czech na si Milos Forman ang kanyang pelikulang Amadeus dito, na nagdala ng maraming Oscars.

Bavarian State Opera, Munich
Ang State Opera sa Bavaria ay itinuturing na isa sa mga pinakalumang sinehan sa mundo, ito ay binuksan noong 1653! Ang teatro ay may 2,100 na manonood, at ang mga presyo ng tiket ay nagsisimula sa 11 euro at nagtatapos sa 380 euro. Dito ipinakita ang mga premiere ng Wagner - "Tristan at Isolde", "Rheingold", "Valkyrie". Nagbibigay ng 350 na pagtatanghal taun-taon (kabilang ang ballet). Para sa mga nag-book ng flight papuntang Munich, dapat makita ang Bavarian Opera.