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O ícone mais antigo do acervo do museu. Provavelmente foi escrito no século XII. Seu autor é desconhecido, acredita-se que tenha sido escrito em Novgorod. Recebeu esse nome devido ao fato de todos os fios de cabelo da imagem estarem impregnados de folha de ouro. Apareceu no Museu Russo em 1934, antes do qual vagou por Museu Rumyantsev- para o Histórico, de lá - para a Galeria Tretyakov.

A maioria foto famosa artista Karl Bryullov, com quem nosso escola nacional pintura. As escavações em Pompéia começaram justamente na época em que Bryullov estudava na Itália. Então ele desenhou muitos de seus esboços da vida.

Como Baratynsky escreveu mais tarde, “o último dia de Pompeia tornou-se o primeiro dia para o pincel russo”. A enorme tela épica, pintada por Bryullov ao longo de três anos, tornou-se um símbolo da emergente escola russa de pintura. No país, o artista foi literalmente carregado nos braços. E Nicolau I pendurou a pintura na Academia de Artes, para que os pintores novatos soubessem no que focar.

Ivan Aivazovsky pintou centenas de pinturas com o mar, esta é a mais famosa. Majestoso elemento mar, tempestade, mar e tendo como pano de fundo tudo isso - vítimas indefesas de um naufrágio tentando escapar no mastro de um navio.

O talento de Aivazovsky ainda é famoso em todo o mundo, suas pinturas aparecerão em leilões internacionais, e o famoso pintor marinho inglês Turner, admirando nosso artista, escreveu um poema elogioso em sua homenagem.

Um dos mais pinturas famosas artista Vasnetsov (junto com “Alyonushka” ou “Ivan Tsarevich”). O artista pintou seu cavaleiro várias vezes. A princípio, toda a inscrição ficou visível - ele a removeu. A princípio o cavaleiro ficou de frente para o espectador - ele o virou, ficou mais monumental. Além disso, havia uma estrada na foto - Vasnetsov também a removeu, para torná-la mais desesperadora.

Até hoje, “Vityaz” é considerado um dos melhores Pinturas russas sobre temas de contos de fadas e a imagem canônica de nossa segunda pintura metade do século XIX século junto com pinturas de Repin e Surikov.

“Foi assim que os cossacos responderam a você, seu bastardo. Você nem mesmo pastoreará porcos para os cristãos. É aqui que terminamos, já que não sabemos a data e não temos calendário, o mês está no céu, o ano está no livro, e o nosso dia é igual ao seu, por isso, um beijo para nós!" - foi exatamente assim que, segundo a lenda, foi o final da carta dos cossacos Zaporozhye ao sultão turco. O seu texto chegou até nós em forma de listas (cópias escritas) e acredita-se que tenha sido escrito no século XVII, quando mais uma vez o sultão turco exigiu que os cossacos parassem de atacar a Sublime Porta e se rendessem.

Uma cópia foi encontrada pelo historiador Ekaterinoslav Novitsky, que a repassou a seu colega Yavornitsky, que, por sua vez, a leu para seus amigos, entre os quais estava o artista Ilya Repin. Ele ficou tão interessado no enredo que logo decidiu pintar um quadro baseado nele. O próprio Yavornitsky posou para Repin como modelo para o balconista. O artista pintou Ataman Sirko do governador-geral de Kiev, Dragomirov. E o cossaco gordo e risonho, de cafetã vermelho e chapéu branco, é o escritor Gilyarovsky.

A pintura foi posteriormente reconhecida como historicamente não confiável (e houve muitas reclamações sobre a própria carta), mas no final seu sucesso em exposições (inclusive no exterior) foi tão grande que a pintura acabou sendo comprada pelo próprio imperador Alexandre III para ser colocada em o Museu Russo.

A principal pintura histórica monumental do artista de Krasnoyarsk, Vasily Surikov, para a qual viajou para a Suíça. O próprio artista copiou o próprio comandante de um professor de um ginásio local ou de um oficial cossaco aposentado.

Acabou sendo uma ordem do governo por acaso: o artista pintou um quadro para o 100º aniversário da campanha alpina de Suvorov em 1899 e, como resultado, o imperador Nicolau II gostou tanto que o comprou para o Museu Russo.

Uma das pinturas-chave da obra do artista Vereshchagin, uma das poucas expostas no Museu Russo (a maior parte da coleção está guardada na Galeria Tretyakov). O artista - como sempre, com uma precisão fotográfica inimaginável na época - criou uma história real digna dos melhores fotojornalistas do nosso tempo. As luxuosas portas de uma mesquita da Ásia Central, e diante delas estão os pobres, para quem este mundo rico está fechado para sempre.

Esta, aliás, é uma das poucas pinturas não militares de Vereshchagin: ele ficou famoso principalmente como pintor de batalhas, revelando os horrores da guerra com a compostura de um repórter: e em Ásia Central, e nos Balcãs. Vereshchagin também morreu na guerra: no encouraçado Petropavlovsk em Port Arthur.

Estilização incrível enredo antigo artista da era Art Nouveau. Valentin Serov, inspirado nas escavações na ilha de Creta (onde, segundo a lenda, Zeus em forma de touro tomou a Europa), pintou não apenas uma pintura, mas um grande painel decorativo.

O Museu Russo abriga uma das seis cópias da pintura. Uma versão grande está na Galeria Estatal Tretyakov.

Uma das pinturas mais poderosas dedicadas a Guerra civil. Para Petrov-Vodkin, a morte é desprovida de qualquer pathos, de qualquer pathos. O comissário moribundo e o soldado que o segura não têm nenhuma expressão de dor e raiva em seus rostos: apenas cansaço, indiferença, falta de vontade de continuar se movendo, enquanto o resto dos soldados avança para a batalha ao som de tambores.

Alexander Deineka pintou este quadro em 1942, literalmente imediatamente após a queda de Sebastopol. Foram-lhe mostradas fotografias da cidade destruída e Deineka decidiu criar uma grande tela heróica sobre aqueles que defenderam Sebastopol. O resultado foi um quadro um pouco pretensioso, mas emocionalmente muito forte sobre a coragem e a desesperança da situação de quem decidiu não desistir a qualquer custo.

Foto: Pavel Karavashkin, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru

O Museu Estatal Russo em São Petersburgo é a maior coleção de pinturas de artistas russos, totalizando mais de 400 mil obras. Não existe tal coleção de arte russa no mundo.

Criação do Museu Russo

O decreto que cria o museu foi publicado em 1895. Para o efeito, foram adquiridos o Castelo Mikhailovsky e o jardim que o rodeia, os serviços e os anexos. Segundo o decreto, todas as obras já adquiridas pelo museu não poderão ser vendidas ou repassadas a ninguém. Eles devem estar sempre na coleção. Em 1898, o Estado Russo foi aberto à visitação.Durante três anos, esperei ansiosamente por este evento. Recebeu obras da Academia de Artes, do Hermitage, Palácio de inverno e coleções particulares. A exposição inicial não foi extensa.

Depois da revolução

O acervo foi constantemente reabastecido e a área do museu foi ampliada com a adição de novas instalações. Nos anos Guerra Patriótica todas as obras mais valiosas foram evacuadas e não foram danificadas. Os que permaneceram na cidade sitiada foram cuidadosamente embalados e armazenados em porões. Eles também permaneceram completamente intactos. O Museu Estatal Russo deu conta de uma tarefa tão difícil - proteger toda a exposição, que já incluía mais de sete mil peças.

Crescimento do Museu

Novidades foram adicionadas ativamente na década de 50. O Museu Estatal Russo abrigou obras tanto no Palácio Mikhailovsky quanto em Edifício Benois, bem como outros edifícios. Eles contêm uma seção com obras inestimáveis ​​de Rublev, Dionísio e vários outros pintores de ícones dos primeiros e final da Idade Média. O Museu Estatal Russo abriga obras do século XVIII a meados do século XIX.

A foto mostra o trabalho de D.G. Levitsky “Retrato de E.I. Nelidova”. O museu orgulha-se da integridade das pinturas apresentadas aos visitantes. Listando os nomes e sobrenomes de nossos destacados e artistas brilhantes ocupará muito espaço. O Museu Estatal Russo apresenta amplamente obras de meados e finais do século XIX, bem como obras de pintores e artistas futuristas do “Mundo da Arte”, que também são o orgulho do museu. Um salão inteiro é dedicado às obras de um artista, historiador de arte e decorador.

Na foto A.N. Benoit "Desfile durante o reinado de Paulo I". A coleção do museu inclui pinturas de artistas soviéticos de todos os períodos de existência. União Soviética. Atualmente, o Museu Estatal Russo coleta e exibe obras novas e não tradicionais. Este departamento, que se ocupa das últimas tendências, foi criado há cerca de trinta anos.

Pintura famosa

A exposição inclui “Quadrado Negro”. O Museu Estatal Russo adquiriu-o com fama escandalosa e colocou-o no edifício Benois.

Criar escândalo alto era tarefa dos artistas futuristas e depois dos supermatistas atrair a atenção. Seu antecessor foi Herostratus, que, para permanecer por séculos, queimou o templo. O principal desejo de Malevich e seus associados é destruir tudo: nos libertamos de tudo o que veio antes e agora faremos arte em um lugar limpo, plano e chamuscado. Malevich originalmente fez o quadrado preto como cenário para uma ópera. Dois anos depois, ele criou uma teoria provando que está acima de tudo (supermatismo), e negando tudo: tanto a forma quanto a natureza. A arte simplesmente existe do nada.

Exposição impressionante de 1915

Na exposição “0.10” havia pinturas compostas por quadrados, cruzes, círculos, e nesta sala no canto superior direito, onde estão pendurados ícones, Malevich pendurou seu quadrado.

O que é importante aqui? A praça ou o local onde está pendurado? Claro, a localização era mais importante do que o que estava desenhado, principalmente considerando que estava escrito “nada”. Imagine “nada” no lugar de Deus. Foi um evento muito significativo. Foi uma jogada de relações públicas fenomenalmente talentosa, pensada até o fim, porque estamos falando sobre não sobre o que está retratado lá. A afirmação era esta: nada, escuridão, vazio, escuridão em vez de Deus. “Em vez de um ícone que leva à luz, há um caminho para a escuridão, para uma escotilha, para um porão, para o submundo” (Tatyana Tolstaya). A arte está morta, aqui está uma bobagem. Você está pronto para pagar por isso. O "Quadrado Negro" de Malevich não é arte, mas um ato brilhante de um vendedor muito talentoso. Muito provavelmente, “Quadrado Preto” é apenas rei nu, e vale a pena falar sobre isso, e não sobre a profundidade da compreensão do mundo. “Quadrado Negro” não é arte porque:

Onde está o talento do sentimento?

Onde está a habilidade aí? Qualquer um pode desenhar um quadrado.

Onde está a beleza? O espectador tem que descobrir o que isso significa há muito tempo e ainda não entende.

Onde está a violação das tradições? Não há tradições lá.

Assim, se olharmos deste ponto de vista, vemos o que aconteceu e está acontecendo com a arte que rompe com a sinceridade, que começa a apelar ao intelecto, ou seja, “penso há muito tempo o que fazer para que um acontece um escândalo e eu sou notado.” . Uma pessoa normal se pergunta: “Por que ele fez isso? Você queria ganhar dinheiro ou queria expressar alguns de seus sentimentos?” A questão da sinceridade surgiu porque o artista está pensando em como se vender. A busca pela novidade leva a arte à completa inutilidade, e esse esforço intelectual vem da cabeça, não do coração. Malevich e outros como ele procuravam formas de criar escândalos e vendas, que agora foram elevadas a um nível profissional. É muito importante colocar uma teoria por trás da sua criação e adicionar um nome incompreensível, longo e inteligente que mais importante que a imagem. Por alguma razão, em nossa sociedade, algo incompreensível para uma pessoa é considerado talentoso. A falta de espiritualidade na “Praça Negra” é inegável para muitos. Um sinal do tempo e da autonegociação habilidosa é o “Quadrado Preto”. O Museu Estatal Russo não poderia perder um trabalho tão “falante”.

Drama no mar

Em 1850, Aivazovsky criou uma pintura em grande escala “A Nona Onda”. O Museu Estatal Russo agora exibe este trabalho.

Uma onda poderosa paira sobre os destroços do navio. A humanidade é representada nesta imagem na forma de infelizes marinheiros que, sobre os restos de um mastro, pouco adequado para nadar, agarram-se a ele desesperadamente, enquanto a onda quer engoli-lo impiedosamente. Nossos sentimentos estão divididos. Eles estão absorvidos na ascensão deste onda gigante. Entramos com o seu movimento ascendente e experimentamos a tensão entre a crista e a força da gravidade, principalmente no momento em que o topo da onda quebra e vira espuma. O poço é voltado para quem invadiu esse elemento água sem autorização. Os marinheiros são uma força ativa que penetra nas ondas. Você pode tentar considerar esta composição como uma imagem da harmonia da natureza, como uma imagem de uma combinação harmoniosa de água e terra, que não é visível, mas está presente em nossa consciência. A água é um elemento fluido, mutável e impermanente, e a terra como principal objeto de esperança nem sequer é mencionada. Isso parece encorajar o papel ativo do espectador. Esta é uma imagem do Universo, que se mostra através da paisagem. As ondas no horizonte parecem montanhas cobertas de neblina e, mais suaves, se repetem mais perto do observador. Isto leva a uma ordenação rítmica da composição. A cor é incrível, rica em tons de rosa e roxo no céu, e verde, azul, roxo no mar, permeada de raios sol Nascente, trazendo alegria e otimismo. Uma das pérolas da coleção é trabalho romântico"A Nona Onda" O Museu Estatal Russo possui uma obra-prima pintada pelo jovem Aivazovsky.

Tragédia na terra

Se na pintura anterior estavam envolvidos dois elementos, água e vento, então na próxima tela a terra e o fogo aparecem ameaçadoramente - este é “O Último Dia de Pompéia”. O Museu Estatal Russo recebeu-o da coleção da Academia de Artes.

Pintada em 1834 e exibida em Roma, a pintura causou sensação entre os italianos e, mais tarde, entre os espectadores russos. Pushkin, Gogol, Baratynsky dedicaram-lhe versos sinceros. Por que este trabalho ainda é relevante hoje? Com a plasticidade dos movimentos, giros de corpos e cabeças e a dinâmica da paleta colorida, o artista reviveu acontecimentos de milênios passados. Estamos envolvidos nas terríveis experiências de pessoas que estão prestes a morrer na lava ardente causada por uma erupção vulcânica e um poderoso terremoto. Não existem tais tragédias hoje em dia? A forma clássica da obra é perfeita, o acabamento é soberbo, fazendo você lembrar os nomes dos artistas Alta Renascença. A obra-prima de Karl Bryullov cativa por sua beleza, apesar de retratar a morte de uma civilização antiga.

Museu nos tempos modernos

Se o museu originalmente consistia em Palácios imperiais, então agora é um conjunto completo, extraordinariamente belo, que é Centro Cultural, pois resolve problemas científicos e educacionais. O legado de grandes pintores chegou até nós desde séculos. Obras de gênero clássico, romântico e cotidiano são mantidas pelo Museu Estatal Russo. A foto mostra-nos o edifício principal - o Palácio Mikhailovsky.

Este espaço habitacional foi reconstruído para abrigar as obras dos artistas do pincel.

O conjunto adjacente ao palácio

O Museu Estatal Russo está alojado em seis monumentos arquitetônicos dos séculos XVIII e XIX, que é complementado pelo Verão e Jardins Mikhailovsky, onde os visitantes podem admirar não apenas plantações rigorosamente regulares de arbustos e árvores, mas também belas esculturas. As excursões são realizadas nos edifícios do museu e são prestados serviços adicionais: sala de conferências, sala de cinema, aula de Internet e cafetaria, equipada para acolher pessoas com deficiência.

“O Último Dia de Pompéia”, Karl Bryullov

“O Último Dia de Pompéia”, de Karl Bryullov, é a pintura mais famosa do mundo sobre o tema da erupção do Vesúvio.

Depois de apresentar a pintura em Milão em 1833, Bryullov tornou-se na Itália objeto de culto fanático, que nenhum artista havia recebido neste país desde o Renascimento. Quando ele descia a rua, os transeuntes tiravam o chapéu na sua frente; quando ele entrava no teatro, o público se levantava. Multidões de pessoas se reuniram perto de sua casa, querendo cumprimentar seu ídolo.

É interessante que Bryullov se retratou em um dos personagens da pintura, e sua amiga condessa Yulia Samoilova aparece três vezes na tela.

“A Nona Onda”, I.K. Aivazovsky

O verdadeiro nome de Ivan Konstantinovich Aivazovsky é Hovhannes Gevorgovich Ayvazyan.

Para criar a pintura “A Nona Onda” Aivazovsky usou apenas 4 cores - vermelho, amarelo, verde e marrom. Os efeitos de cores mais ricos da tela são criados pela mistura de cores primárias.

Aivazovsky tinha memória visual absoluta e criou a maioria de suas pinturas sem vida, usando apenas esboços convencionais. Ele trabalhou tão rápido que conseguiu pintar uma paisagem marinha de tamanho médio em 2 horas. Durante sua vida, o artista pintou mais de 6 mil quadros.

“Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco”, I. E. Repin

Poucas pessoas sabem que a pintura “Cossacos escrevendo uma carta ao sultão turco” não está sozinha. Existem três versões que diferem ligeiramente em composição e personagens. A versão de 1887 está exposta na Galeria Tretyakov, a versão de 1891 (principal) no Museu Estatal Russo em São Petersburgo. A terceira, que o artista chamou de “a mais historicamente precisa”, está localizada na terra natal de I.E. Repin, no Museu de Arte de Kharkov.

Como modelos para os seis personagens de “Cossacos”, Repin usou seus conhecidos e amigos que se enquadravam no tipo. Em particular, um cossaco corpulento de chapéu branco, que muitos comparam a Taras Bulba, é Vladimir Gilyarovsky (“Tio Gilyai”), viajante famoso e escritor.

“Sadko”, I. E. Repin

“Sadko” é a única pintura de Repin em enredo de conto de fadas, e um dos poucos em que utilizou técnicas impressionistas. O artista conheceu o impressionismo na França, para onde viajou como aposentado da Academia de Artes. Repin até pintou várias pinturas usando suas técnicas (“Sadko”, “O Último Raio”, etc.), mas o resultado não satisfez o mestre novato. E embora se previsse que teria enorme sucesso nos círculos impressionistas, ele abandonou decisivamente o estilo, que considerava “interessante do ponto de vista técnico, mas decididamente vazio em significado”.

O modelo para a criação da imagem de Sadko foi o amigo de I. E. Repin, o artista V. M. Vasnetsov (autor de “Bogatyrs”, “Alyonushka”, etc.)

“O Cavaleiro na Encruzilhada”, V.M. Vasnetsov

Foram pintadas três pinturas “O Cavaleiro na Encruzilhada”. Nas duas primeiras versões, o herói fica posicionado de frente para o público. A versão de 1878 está guardada no Museu Histórico e de Arte de Serpukhov. A versão de 1879 foi exibida na primeira exposição da União dos Artistas Russos em 1903-1904. e foi adquirido por um colecionador americano. 110 anos depois, em 2013, a pintura voltou à Rússia e foi apresentada em Moscou na vernissage “Rússia: Tentação pela História”. A versão de 1882, em que o cavaleiro está de costas para o público, pode ser vista no Museu Estatal Russo.

« Noite de luar no Dnieper", A. I. Kuindzhi

Em 1880, foi realizada uma exposição em São Petersburgo, na qual foi exibida uma única pintura. Mesmo assim, causou sensação: filas se formaram para a exposição e muitos visitantes vieram ver a pintura mais de uma vez. Era “Noite de luar no Dnieper”, de Arkhip Ivanovich Kuindzhi. A incomum iluminação lunar apresentada na tela foi enfatizada pelo fato de a pintura ter sido exposta em sala escura. Muitos visitantes não acreditaram que fosse possível pintar a luz da lua de forma tão realista e olharam por trás da moldura em busca de uma lâmpada escondida.

“A Travessia dos Alpes de Suvorov”, V. I. Surikov

Tendo concebido a pintura “A Travessia dos Alpes de Suvorov”, V. I. Surikov foi à Suíça e visitou todas as passagens por onde passou o exército do famoso generalíssimo em 1799. Ele não apenas escreveu esboços de paisagens para uma futura pintura nesses lugares, mas também deslizou ele mesmo pela neve e pelo gelo, determinando a velocidade dos personagens em diferentes estágios da descida.

A pintura foi pintada e exibida em 1899 - no 100º aniversário do feito militar sem precedentes de A. Suvorov.

Os famosos diretores Andrei Konchalovsky e Nikita Mikhalkov são descendentes diretos de V.I. Surikov.

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2. O próprio palácio foi construído em 1819-1826 para o príncipe Mikhail Pavlovich, o irmão mais novo dos imperadores Alexandre I e Nicolau I.

3. O arquiteto foi o famoso Carl Rossi.

4. A coleção inicial baseou-se em obras recebidas até 1898 da Academia de Artes (122 pinturas), do Hermitage (80 pinturas), do Palácio de Inverno, dos palácios suburbanos de Gatchina e Alexandre (95 pinturas), bem como adquiridas de coleções particulares.

5. Na inauguração do Museu Russo, a coleção incluía 445 pinturas, 111 esculturas, 981 desenhos, gravuras e aquarelas, além de cerca de 5 mil monumentos antigos: ícones e produtos da antiga arte decorativa e aplicada russa.

6. Em 1941, a maior parte do acervo foi evacuada para Perm, o restante foi retirado da exposição, embalado e escondido nos porões do prédio. Durante a Grande Guerra Patriótica, nem uma única exposição do museu foi danificada.

7. No final do século 20 - início do século 21, o Palácio de Mármore, o Palácio Stroganov e 92 esculturas de mármore foram incluídos no Museu Russo.

8. Os interiores do palácio não são menos impressionantes do que as coleções nele contidas.

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11. As paredes são decoradas com magníficas tapeçarias europeias.

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14. Há algumas esculturas expostas nas escadas. Aqui fragmento de estátua do telhado do Palácio de Inverno, por J. Beumchen.

15. Escultor M.A. Kolo, modelo da cabeça do monumento a Pedro I.

16. Os ícones dos séculos XII a XV estão amplamente representados na seção de arte russa antiga.

17. São obras de Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e outros mestres.

18. O ícone mais antigo da coleção é o “Anjo de Cabelos Dourados”, datado da segunda metade do século XII. A maioria dos especialistas atribui isso à escola de pintura de ícones de Novgorod.

19. A mais completa coleção de obras de arte arte XVIII- primeira metade do século XIX.

20. Três esboços e numerosos estudos para a pintura “A Aparição de Cristo ao Povo”, de Alexander Ivanov.

21. A tela épica medindo 5,4 por 7,5 metros foi criada por Ivanov ao longo de 20 anos, de 1837 a 1857. Agora está exposto na Galeria Tretyakov, estudos e esboços estão no Museu Russo.

22. Também no corredor há uma escultura em estilo antigo. V. Demut-Malinovsky, “Scaevola Russo”.

23. N. Pimenov, “Um jovem jogando knucklebones.”

24. Karl Bryullov, retrato do arquiteto Konstantin Ton, autor da Catedral de Cristo Salvador.

25. “Cristo e o Pecador”, Vasily Polenov, 1888.

26. Foi escrito sob a influência do já mencionado “A Aparição de Cristo ao Povo”.

27. Na pintura, o autor procurou contar a parábola bíblica “aquele que dentre vós está sem pecado seja o primeiro a atirar-lhe uma pedra” como um acontecimento histórico real.

28. A pintura foi exibida na XV Exposição Itinerante de São Petersburgo e Moscou, onde foi adquirida por Alexandre III para sua coleção.

29. Fragmento da pintura “Friné no festival de Poseidon em Elêusis”, G.I. Semiradsky, 1889.

30. A série histórica russa inclui obras baseadas em contos de fadas. MA Vrubel, “Bogatyr”, 1898-1899.

31. Também Vrubel, prato “Sadko”, 1899-1900.

32. A mesma pedra com a inscrição da pintura de V.M. Vasnetsov “O Cavaleiro na Encruzilhada”, 1882.

33. Lareira de majólica “Volga e Mikula” da casa de Bazhanov. Feito de acordo com esboços do mesmo Vrubel.

34. Navios positivos da pintura “Eslavos no Dnieper”, de Nicholas Roerich.

35. Leonid Pozen, “Cita”, 1889-1890.

36. AL. Ober, "Tigre e Sipaio".

37. Muitas pinturas retratam a natureza. "Onda" de Ivan Aivazovsky.

38. Lindo em seu minimalismo, “Lake” de Isaac Levitan.

39. Gênio paisagista Arkhip Kuindzhi, “Arco-íris”, 1900-1905.

40. “Carvalhos Mordvin” de Ivan Shishkin.

41. Seu “Riacho em uma floresta de bétulas”.

42. E aqui está o próprio Ivan Ivanovich, um retrato de Ivan Kramskoy, 1880.

43. Ilya Repin, “Belorus”, 1892.

44. Coleção de pinturas em russo sabor nacional Boris Kustodiev abre. “A Mulher do Mercador no Chá”, escrita pela última vez, apenas em 1918.

45. No fundo está a Rússia patriarcal.

46. ​​​​F. Malyavin, “Duas Meninas”, 1910.

47. “Spring Sunny Day” de Konstantin Yuon - a imagem é leve, é bom escrever ensaios sobre ela.

48. Uma pintura semelhante de Boris Kustodiev - “Maslenitsa”.

49. Um retrato de Fyodor Chaliapin em estilo semelhante foi pintado por Kustodiev em 1921.

50. Antecedentes de um grande artista.

51. Outro retrato de Chaliapin, feito em 1911 por K.A. Korovin, cheio da luz e da tranquilidade da vida pré-guerra.

52. A pintura “Caçadores em Repouso” de Vasily Perov, replicada em milhões de cozinhas soviéticas, foi pintada em 1871. Em termos de reconhecimento, pode ser comparado com “The Unknown” de Ivan Kramskoy.

53. Parte de outra pintura famosa - “A Captura de uma Cidade Nevada”, Vasily Surikov, 1891.

54. E esta é outra imagem familiar a todos desde a infância.

55. “Barge Haulers on the Volga” foi escrito por Ilya Repin em 1870-1873.

56. Perto você pode ver um dos esboços da pintura com uma composição completamente diferente.

57. Outra foto dele mostra um aluno brincalhão. “Preparação para o exame”, 1864.

58. A pintura “Refeição do Mosteiro” de Vasily Petrov pode ser contemplada por muito tempo.

59. Foi escrito em 1865 e é uma sátira cruel ao clero.

60. Um importante dignitário com uma senhora arrogante e um padre obsequioso curvando-se diante deles, contando com doações para o mosteiro. Uma mendiga com filhos famintos procura desesperadamente esmolas. E abaixo, um padre está subindo em algum lugar.

61. Tela com várias figuras de K.A. Savitsky “To the War”, criado em 1880-1888, é dedicado a despedir soldados da guerra russo-turca.

62. Agora diriam: “o filho patriota não encontrou apoio do pai liberal”?

63. Um dos episódios dessa guerra foi retratado pelo pintor de batalhas V.V. Vereshchagin - “Skobelev perto de Shipka”.

64. Todo mundo se lembra de “Girl with Peaches”, o estilo de Valentin Serov é difícil de confundir. Esta pintura chama-se “Crianças”, na qual o artista retratou seus filhos Sasha e Yura.

65. A fama de Serov como pintor de retratos tornou-se uma verdadeira escravidão e maldição para ele. Depois de 1895, pintou muitos retratos encomendados pela nobreza burguesa e aristocrática. Este é um retrato de Alexandre III com um relatório nas mãos, 1900.

66. “O Imperador Pedro II e a Czarevna Elizaveta Petrovna vão caçar”, 1900.

67. No retrato do Conde F.F. Sumarokov-Elston com um cachorro (1903) O próprio Serov insistiu em retratar o cachorro favorito do jovem conde, e no retrato ele parece quase mais significativo que seu dono.

68. O mesmo acontece com o cavalo no retrato do Príncipe F.F. Yusupov, mas aqui o animal é apresentado completamente enfurecido.

69. A obra oficial de Ilya Repin, “A reunião cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901 em homenagem ao centenário”, com esboços, ocupa um salão inteiro com uma clarabóia no teto.

70. No início do século XX, a era mudou, o realismo foi substituído pela modernidade. Retrato da poetisa Anna Akhmatova em estilo cubista, de Nathan Altman, 1914.

71. Também no início do século os teatros floresceram. UM. Benoit, " Comédia italiana", 1906.

72. Auto-retrato de V.I. Shukhaev como Pierrô, 1914.

73. Boris Grigoriev, retrato de Meyerhold, 1916. A pose foi inventada pelo próprio artista. O diretor foi obrigado a posar na ponta dos pés por muito tempo, por isso parece tão abatido.

74. K.A. Somov, “Beijo Zombado”, 1908.

75. Kuzma Petrov-Vodkin, autorretrato, 1918.

76. Somos transportados para a arte do período soviético.

Pintura da segunda metade do século XIX - início do século XXI século

Entre pinturas, transferido para o Museu Russo na época da sua fundação, uma parte notável e artisticamente significativa consistia em obras de grandes mestres da segunda metade do século XIX. (I.K. Aivazovsky, V.M. Vasnetsov, K.E. Makovsky, I.E. Repin, V.D. Polenov, V.I. Surikov). Apesar de a selecção de pinturas para o museu nas primeiras duas décadas da sua existência ter sido algo limitada pelos gostos conservadores do Conselho da Academia das Artes, o leque de pinturas representadas na colecção estava em constante expansão. Este é um grande mérito da equipe do museu, como Albert Benois e Alexander Benois, I.E. Grabar, P.I. Neradovsky e outros. Passos importantes foram dados para completar a coleção de pinturas artistas contemporâneos. Pinturas individuais e grupos inteiros de obras vieram das exposições de II Levitan (em 1901 - póstumo), VV Vereshchagin (em 1905 - póstumo), Ya.F. Tsionglinsky (em 1914 - póstumo), associações móveis exibições de arte(S.Yu. Zhukovsky, N.A. Kasatkin, I.I. Levitan, V.E. Makovsky), Nova Sociedade de Artistas (B.M. Kustodiev, N.M. Fokina), dos autores (A.Ya. Golovin, V.A. Serov, M.V. Nesterov), de proprietários aleatórios ( “Refeição” de V. G. Perov, “Retrato de O. K. Orlova” de V. A. Serov, etc.).

Uma contribuição notável para a coleção de pinturas foram os esboços de MA Vrubel e pinturas de KA Somov da extensa coleção de VN Argutinsky-Dolgorukov, que foram transferidos para o museu em 1918. Logo o museu recebeu a coleção de N.I. para armazenamento. e E.M. Tereshchenko, consistindo principalmente de obras de artistas final do século XIX- início do século 20 (incluindo “O Herói” e “O Serafim de Seis Asas” de M.A. Vrubel), a coleção de A.A. Korovin, que incluía pinturas de V.A. Serov, F.A. Malyavin, M.V. Nesterov, K. A. Korovin, bem como representantes do associações artísticas “World of Art”, “Blue Rose” e “Jack of Diamonds”.

Reabastecimento do acervo de pinturas da segunda metade do século XIX - início do século XX. não parou na década de 1930. Nessa época, do Museu da Revolução, entre outras obras, foi transferida “A Reunião Cerimonial do Conselho de Estado” de I.E. Repin. Do Estado Galeria Tretyakov O Museu Russo recebeu pinturas de mestres mal representados na coleção deste último (“Guitarrista” e “Retrato de Ivan Sergeevich Turgenev” de V.G. Perov, “Autorretrato” de N.V. Nevrev, “Estudante” de N.A. Yaroshenko, “Demônio Voador” " por M.A. Vrubel e "Baba" por F.A. Malyavin).

Nos últimos vinte anos, o museu recebeu cerca de duzentas obras de pintura da segunda metade do século XIX - início do século XX. A maioria dessas obras foi doada em 1998 pelos irmãos I.A. e Y.A.Rzhevsky. Uma extensa coleção de pinturas de artistas russos, incluindo pinturas de I.K. Aivazovsky, I.I. Shishkin, N.N. Dubovsky, BN Kustodiev, K.Ya. Kryzhitsky e muitos outros mestres, está agora em exibição permanente no museu do Palácio do Edifício de Mármore Também é necessário observar vários esboços e pinturas artistas nacionais final do século XIX - séculos XX (S.Yu. Zhukovsky, E.I. Stolitsa, A.B. Lakhovsky e outros), doado em 2009 por N.P. Aquisição notável anos recentes tornou-se a pintura “Retrato de um Militar” de I.E. Repin, que anteriormente pertencia a uma das empresas norte-americanas.

Em 1926, além do Departamento de Arte do Museu Russo, foi criado um Departamento as últimas tendências. Seus recursos começaram a ser reabastecidos propositalmente com obras de vanguarda direções artísticas E associações criativas o primeiro quartel do século XX, incluindo as obras de NS Goncharova, VV Kandinsky, PP Konchalovsky, PV Kuznetsov, MF Larionov, AV Lentulov, KS Malevich, LS Popova, VE Tatlin, RR Falk, PN Filonov, MZ Chagall e muitos outros .

Em 1927, a exposição do Museu Russo apresentava consistentemente inúmeras novas tendências, do pós-impressionismo à arte não objetiva. O departamento de tendências modernas durou apenas três anos, mas essencialmente lançou as bases para o Departamento de Pintura Soviética do Museu Estatal Russo (1932-1991), que este momento(no âmbito do Departamento de Pintura da 2ª metade dos séculos XIX-XXI) tem reabastecido constantemente os fundos. Esses fundos, superiores a 6.000 unidades de armazenamento, cobrem quase todas as áreas, escolas, tendências, principais tipos e gêneros de desenvolvimento da arte russa do século XX - início do século XXI.

O Museu Russo possui uma das maiores coleções de obras da vanguarda russa e de seus principais mestres. A coleção de pinturas apresenta os principais movimentos inovadores de meados da década de 1910: abstracionismo (V.V. Kandinsky) e seu ramo puramente russo - raionismo (M.F. Larionov, N.S. Goncharova), neoprimitivismo (M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Shevchenko, K.S. Malevich ), cubo-futurismo (D.D. Burlyuk, K.S. Malevich, I.A. Puni, L.S. Popova, N.A. Udaltsova, A.A. Exter e outros), Suprematismo (K.S. Malevich, I.A. Puni, O.V. Rozanova, I.V. Klyun), construtivismo (V.E. Tatlin, A.M. .Rodchenko , A.A.Exter, L.V.Popova), arte analítica (P.N. Filonov). Únicas em sua completude são as coleções de obras de mestres que criaram inovações sistemas de arte(K.S. Malevich, P.N. Filonov, K.S. Petrov-Vodkin), bem como indivíduos grandes pintores, incluindo aqueles cujos caminho criativo já começou em Hora soviética(S.V. Gerasimov, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, B.M. Kustodiev, V.V. Lebedev, A.A. Rylov, A.V. Shevchenko, N.M. Romadin). Também na coleção do museu estão obras de artistas - representantes de escolas importantes que existiram na época soviética (por exemplo, Escola de Leningrado pintura de paisagem 1930 - 1950).

Arte realismo socialista, mostrando alta mérito artistico, clareza do enredo, inclinação programática para o “grande estilo”, reflete-se nas pinturas de A. A. Deineka, A. N. Samokhvalov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov e muitos outros artistas soviéticos que continuaram a trabalhar durante a Grande Guerra Patriótica, e na segunda metade do século XX. Para o fundo de ouro Arte soviética também incluiu trabalhos de representantes de “ estilo severo"e direções de pesquisa relacionadas pintura soviética Décadas de 1960-1970 A coleção do museu contém obras de mestres da arte do pós-guerra como NI Andronov, VV Vatenin, DD Zhilinsky, VI Ivanov, GM Korzhev, EE Moiseenko, PF .Nikonov, P.P.Ossovsky, V.E.Popkov, V.M.Sidorov, V.F.Stozharov, irmãos A.P. e S.P. Tkachevs, B.S. Ugarov, P.T. Fomin e outros, criados em uma ampla gama de gêneros - de pintura histórica para a natureza morta.

Ocorreu nas décadas de 1970-1980. a atualização de uma experiência artística anteriormente rejeitada deu origem nas profundezas da arte oficial a uma galáxia de mestres que trabalharam em consonância com a “imagem das ideias” associada a uma compreensão metafórica e multifacetada do mundo circundante e vida humana(O.V. Bulgakova, T.G. Nazarenko, N.I. Nesterova, I.V. Pravdin, A.A. Sundukov, etc.). Durante o período da “perestroika” (1985-1991), a coleção do Museu Russo foi reabastecida com vários nomes de artistas que trabalhavam no underground. Hoje em dia a coleção pintura moderna- uma parte muito móvel e de rápido crescimento dos fundos do século XX - início do século XXI, mas a formação abrangente de todo o acervo pictórico continua.

Yaroshenko N.A. Retrato do artista Nikolai Ge.

1890. Óleo sobre tela.

Roerich N.K. Convidados estrangeiros.

1902. Óleo sobre papelão.