Sua terra natal era Itália, que no final da Idade Média deu origem à cultura mais desenvolvida da Europa.

Pela sua localização, a Itália foi herdeira direta da antiga cultura romana, cujo impacto se fez sentir ao longo da sua história. Desde a Antiguidade, sua vida espiritual também foi influenciada por Cultura grega, especialmente após a queda de Constantinopla em 1453, quando as pessoas se mudaram para a Itália um grande número de Cientistas bizantinos.

Contudo, o Renascimento não se reduziu à simples cópia de tradições antigas; foi um fenômeno mais complexo e profundo da história mundial, novo em sua escala e visão de mundo. A cultura refinada e complexa da Idade Média não desempenhou um papel menor em sua origem do que a cultura da era antiga, portanto, em muitos aspectos, o Renascimento foi uma continuação direta da Idade Média.

A Itália permaneceu politicamente fragmentada em vários Estados concorrentes, mas economicamente muitos deles eram os mais países desenvolvidos Europa. Durante muito tempo, os estados italianos ocuparam posições de liderança no comércio entre o Oriente e o Ocidente. Está nas cidades Norte da Itália Novas formas de produção industrial e bancária, atividade política e arte diplomática estavam surgindo. Um elevado nível de desenvolvimento económico, por um lado, e uma rica vida intelectual- por outro lado, transformaram essas cidades em centros de formação de uma nova Cultura europeia. italiano cultura urbana tornou-se o terreno fértil no qual os pré-requisitos da Renascença poderiam se tornar realidade.

A primeira capital do Renascimento italiano foi principal cidade Toscana Florença, onde se desenvolveu uma combinação única de circunstâncias que contribuíram para o rápido crescimento da cultura. No auge da Renascença, o centro da arte renascentista mudou-se para Roma. Os Papas Júlio II e Leão X fizeram então grandes esforços para restaurar a antiga glória Cidade Eterna, graças ao qual se tornou verdadeiramente um centro da arte mundial. O terceiro maior centro Renascença italiana tornou-se Veneza, onde a arte renascentista adquiriu um colorido único, determinado pelas características locais.

arte

Uma das figuras mais proeminentes do Renascimento italiano foi Leonardo da Vinci(1452-1519). Ele combinou muitos talentos - pintor, escultor, arquiteto, engenheiro, pensador original. Sua pintura representa um dos ápices do desenvolvimento da arte mundial. Com suas observações experimentais, o grande Leonardo enriqueceu quase todas as áreas da ciência de sua época.

Ele competiu nada menos com o gênio de Leonardo da Vinci grande artista Miguel Ângelo(1475-1564), que também se destacou pela diversidade de talentos. Michelangelo tornou-se famoso como escultor e arquiteto, pintor e poeta. Os afrescos trouxeram-lhe glória eterna Capela Sistina no Vaticano, onde Michelangelo pintou 600 metros quadrados. m cenas de Antigo Testamento. De acordo com seu projeto, foi construída a grandiosa cúpula da Catedral de São Pedro, que até hoje não foi superada nem em tamanho nem em grandiosidade. A aparência arquitetônica de todo o centro histórico de Roma ainda está intimamente ligada ao nome de Michelangelo.

Um papel especial no desenvolvimento da pintura renascentista pertenceu a Sandro Botticelli(1445-1510). Ele entrou para a história da cultura mundial como criador de imagens sutis e espiritualizadas, combinando a sublimidade da pintura medieval tardia com muita atenção à personalidade humana, que caracterizou os tempos modernos.

O auge da arte italiana daquela época é a criatividade Rafael(1483-1520). Em suas obras, os cânones pictóricos da Alta Renascença atingiram o seu apogeu.

A escola veneziana de pintura também ocupa um lugar de destaque na história da arte renascentista, cujo representante mais destacado é Ticiano(1470/80 - 1576). Ticiano trouxe à perfeição tudo o que aprendeu com seus antecessores, e o estilo livre de escrita que criou teve um impacto grande influência sobre o desenvolvimento subsequente da pintura mundial. Matéria do site

Arquitetura

A arquitetura também experimentou uma verdadeira revolução durante o Renascimento. O aprimoramento da tecnologia construtiva permitiu aos mestres do Renascimento resolver problemas arquitetônicos inacessíveis aos arquitetos de épocas anteriores. Os fundadores do novo estilo arquitetônico tornar-se mestres excepcionais Florença em primeiro lugar F. Brunelleschi, que criou a cúpula monumental da Catedral de Santa Maria del Fiore. Mas o tipo principal estrutura arquitetônica Durante este período, já não é um edifício de igreja, mas sim secular - palácio(castelo). O estilo renascentista na arquitetura é caracterizado pela monumentalidade e enfatiza a simplicidade das fachadas e a conveniência dos interiores espaçosos.

À minha maneira localização geográfica A Itália, antes de outros países da Europa Ocidental, estabeleceu relações comerciais estreitas com o Oriente, o que enriqueceu enormemente as cidades italianas. Génova, Veneza e Florença tornaram-se centros comerciais, industriais e bancários e entraram na arena das relações económicas internacionais como cidades-estado independentes. A burguesia (terceiro estado) desempenhou um papel importante na vida dessas cidades-estado. Ela poderia estabelecer suas próprias regras nas cidades. Isso finalmente quebrou a ditadura da igreja. Conseqüentemente, surgiram condições para o surgimento cultura secular, isto é, aparece intelectualidade burguesa (cientistas e filósofos não são mais ministros da igreja). Surge uma intelectualidade cujas atividades estão ligadas à cultura e à arte.

A cultura do humanismo implica educação secular, em oposição à educação teológica.

Em muitos países europeus, a luta contra os senhores feudais terminou com a unificação do país, e neles foi estabelecido um forte poder monárquico centralizado. Na Itália foi diferente: a centralização e a transição para uma monarquia absoluta não aconteceram. Isso significa que as atividades do terceiro estado não foram restringidas por nada e estabeleceu regras próprias nas cidades. Assim, Florença tornou-se a cidade mais importante, tal como Atenas na Grécia antiga. O desenvolvimento da indústria, do comércio e da banca deu força e confiança à classe de artesãos, comerciantes e cambistas. Eles se revelaram tão fortes politicamente que privaram os nobres do voto e dos direitos políticos em geral. Esses eventos duraram um século inteiro (durante o século XIV). Na atmosfera desses acontecimentos, formou-se o gênio de Dante.

A nova classe burguesa emergente era alheia à tragédia da visão de mundo, ao pathos do sofrimento, ao culto à pobreza (isto é, a tudo o que se refletia na arte medieval). O respeito por quem vence cresceu. O homem sentiu a plenitude da vida em tudo - na luta cotidiana, na ciência, nas questões de comércio e enriquecimento, nos prazeres mundanos.

As pessoas retratadas por artistas da Renascença parecem completamente vivas e extraordinárias. No entanto, os temas modernos não penetraram na arte. Seu conteúdo permaneceu na mitologia antiga. Mas os antigos heróis “divinos” foram retratados como pessoas reais. O homem - a coroa de todas as coisas do mundo - foi comparado a Deus, e Deus foi dotado dos traços de uma pessoa real contemporânea dos artistas.

O Renascimento não é apenas uma coleção de obras cultura artística, Mas em primeiro lugar novo tipo pensamento e religiosidade, uma constituição espiritual e um modo de vida especiais.

A Renascença combinou uma nova leitura da antiguidade com uma nova leitura do Cristianismo.

A base da arte renascentista é a busca pela individualidade. Desde o Renascimento inicia-se a afirmação do princípio da singularidade e originalidade de cada indivíduo. Renascença conectada homem natural antiguidade e a compreensão cristã do indivíduo, dotado desde cima de liberdade de escolha.

O ideal ético e estético da Renascença é a imagem de uma pessoa criativa, livre e universal, criando a si mesma.

A arte renascentista dirigia-se ao homem comum, mas reconhecia cavaleiros, santos, reis e personagens mitológicos como heróis. Mas, ao mesmo tempo, a igreja desempenhou um papel importante na formação da cultura renascentista - na pintura, na arquitetura, na música.

Durante o Renascimento, nasceu uma nova visão de mundo, substituindo o modo de pensar medieval. Explicou a vida de uma nova maneira e, especialmente, o lugar do homem nela. Esta nova visão de mundo foi dirigida ao homem e à criação das suas mãos (humana studia). Desta palavra formaram-se os nomes “humanista” e “humanismo”. (Mas os conceitos de “humanista” e “ homem humano"têm significados diferentes).

Os humanistas da Renascença não eram filósofos profissionais. São poetas, artistas, escritores, políticos, filantropos. Os humanistas da Renascença são pessoas que pensam de uma maneira nova. Entre eles estavam o tirano Lorenzo Medici, o calculista e astuto político Niccolo Machiavelli e o insidioso e cruel César Borgia. Eles estavam engajados em filosofia, política, retórica, ética, pesquisa histórica, etc., e no processo de sua vida ativa, um novo tipo de pensamento foi criado - o humanismo renascentista.

Os humanistas acreditavam que a ciência deveria estar aberta às pessoas, a fim de aproximá-las do conhecimento da natureza e do próprio homem. A ciência renascentista não se rebela contra Deus, ela estuda o mundo criado por ele e sua principal criação - o homem. E a ciência se torna um fenômeno cultura XIV– séculos XV

A arte renascentista é literatura, artes plásticas, arquitetura eótimo teatro.

Itália - berço do Renascimento

O berço do Renascimento foi Florença, que no século XIII. era uma cidade de comerciantes ricos, proprietários de fábricas e um grande número de artesãos organizados em guildas. Além disso, as corporações de médicos, farmacêuticos e músicos eram muito numerosas naquela época. Havia também muitos advogados – advogados, solicitadores, notários. Foi entre os representantes dessa classe que começaram a se formar círculos de pessoas instruídas, que faziam do assunto de seus interesses pessoa e tudo relacionado à sua vida. Eles se voltaram para património artístico o mundo antigo, às obras dos gregos e romanos, que em sua época criaram a imagem de uma pessoa, não restringida por dogmas, bela de alma e corpo. É por isso nova era no desenvolvimento da cultura europeia e foi denominado “Renascimento”, refletindo o desejo de reviver as imagens e valores da cultura antiga em novas condições históricas.

Quase até ao final do século XV. A Renascença foi em grande parte um fenômeno apenas italiano. Até certo ponto isso foi facilitado alto nível a urbanização do Norte e Centro da Itália, a subordinação do campo à cidade, a ampla gama de produção artesanal, comércio e finanças. Rico, próspero Cidade italiana tornou-se a principal base para a formação da cultura do Renascimento, atendendo mais plenamente às necessidades de sua desenvolvimento Social. Mas gradualmente novas ideias penetram outras países europeus, formando um fenômeno Renascença do Norte (Renascimento nos países ao norte da Itália).

O renascimento da herança antiga começou com o estudo do grego e Línguas latinas, mas mais tarde tornou-se a língua da Renascença Latim. Os fundadores do novo era cultural eram historiadores, filólogos, bibliotecários, adoravam mergulhar em manuscritos e livros antigos e compilavam coleções de antiguidades. Eles começaram a restaurar as obras esquecidas de autores gregos e romanos, a retraduzir textos científicos, distorcido na Idade Média. Estes textos não foram apenas monumentos de outra época cultural, mas também “professores” que os ajudaram a descobrir-se e a moldar a sua personalidade.

Esta situação foi muito bem transmitida por Francesco Petrarca:

Os advogados esqueceram Justiniano, os médicos - Esculápio.

Eles ficaram surpresos com os nomes de Homero e Virgílio.

Carpinteiros e camponeses abandonaram seus empregos

E falam sobre as musas e Apolo.

Os fundadores do Renascimento iniciaram suas atividades reescrevendo e estudando textos literários, mas gradualmente outros monumentos da cultura artística da antiguidade, principalmente estátuas, também entraram no seu círculo de interesses. Além disso, em Florença, Roma, Ravenna, Nápoles, Veneza, muitas estátuas gregas e romanas, vasos pintados, edifícios arquitetônicos. Pela primeira vez em mil anos de domínio cristão, as estátuas antigas foram tratadas não como ídolos pagãos, mas como obras de arte.

Posteriormente, o património antigo foi incluído no sistema educativo, e com literatura antiga, escultura, filosofia conheceu círculo amplo de pessoas. Poetas e artistas procuraram imitar autores antigos e geralmente reviver a arte antiga. Mas, como muitas vezes acontece na cultura, o desejo de reviver alguns princípios e formas antigas leva à criação de algo completamente novo. A cultura da Renascença não foi um simples regresso à antiguidade. Ela o desenvolveu e interpretou de uma nova maneira, com base nas novas condições históricas. Portanto, a cultura do Renascimento foi o resultado de uma síntese do antigo e do novo.

Desde o início, o povo da Renascença procurou fazer melhor do que os mestres da antiguidade. Inspirar-se nos antigos para criar algo novo é o objetivo da época. É interessante que ao mesmo tempo os mestres não abandonaram a experiência da Idade Média, embora a tratassem em voz alta com desdém. Em primeiro lugar, foi utilizada a experiência da arquitectura românica e gótica - na construção de castelos e catedrais. Portanto, os novos edifícios muitas vezes lembram apenas superficialmente a era greco-romana. O mesmo acontece na pintura, porque os artistas da Renascença tinham mais alta tecnologia pintura a óleo, bem como perspectiva, desconhecido na antiguidade. Ao mesmo tempo, em alguns países foram amplamente utilizadas as tradições locais - bizantinas, noutros - românicas, num terceiro - góticas e, por exemplo, em Portugal - marítimas e exóticas. Principalmente os elementos decorativos foram emprestados da antiguidade. A séria influência da antiguidade está associada à busca fórmula matemática beleza, que foi obra dos artistas da Alta Renascença, em cujas obras triunfou uma estética contida, clara e harmoniosa. Mas isto é mais um renascimento do espírito da antiguidade do que de suas técnicas. E quando os artistas renascentistas começaram a procurar técnicas e formas de expressão próprias, o que aconteceu no século XVI, dando origem ao movimento maneirismo, isso levou ao triunfo da tendência anticlássica, a estética do maneirismo, que se tornou a antecessora imediata do Barroco.

Arte Renascentista

Renascimento- este foi o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais plenamente expressou o espírito de sua época, foram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o facto de os artistas terem deixado de se contentar com o enquadramento do estilo “bizantino” dominante e, em busca de modelos para a sua criatividade, foram os primeiros a recorrer a para a antiguidade. O termo “Renascença” foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari (“Biografias de Pintores, Escultores e Arquitetos Famosos”). Foi assim que ele nomeou o período de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, foi uma época de renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece como uma imagem ideal.

Posteriormente, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento passou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o surgimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - renascimento) - uma das maiores épocas, ponto de inflexão no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os tempos modernos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu o seu nome - Renascença (ou Renascença) em conexão com o renascimento do interesse por Arte antiga. No entanto, os artistas desta época não apenas copiaram modelos antigos, mas também colocaram neles conteúdos qualitativamente novos. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou movimento artístico, pois nesta época existiram vários estilos, tendências e tendências artísticas. O ideal estético da Renascença foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais elevado: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da personalidade criativa aumentou especialmente.

Pathos humanístico da época a melhor maneira consubstanciado na arte, que, como nos séculos anteriores, pretendia fornecer uma imagem do universo. A novidade foi que eles tentaram combinar o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas deu-se preferência às artes plásticas e à arquitetura.

Pintura italiana do século XV. principalmente monumental (afrescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de “imitar a natureza”. Um novo sistema pictórico está sendo desenvolvido baseado no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume e sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. Descoberta e justificativa científica das leis de linear e perspectiva aérea influenciou significativamente o destino futuro da pintura europeia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, seu fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, os princípios do antigo sistema de ordem são ressuscitados, a importância das proporções é elevada, novos tipos de edifícios são formados (palácio da cidade, vila de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são desenvolvidos . O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade imaginativa da arquitetura desconhecida pelos antigos. Durante a Alta Renascença, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI. chamada de Renascença tardia. Neste momento, uma crise envolve a arte. Torna-se regimentado, cortês e perde seu calor e naturalidade. No entanto, alguns grandes artistas - Ticiano, Tintoretto - continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve uma enorme influência na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte na Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascença do Norte. As obras dos pintores Jan van Eyck e P. Bruegel, o Velho, são o ápice deste período de desenvolvimento artístico. O maior artista da Alemanha Renascença Alemã foi A. Durer.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte europeia nos séculos subsequentes. O interesse por eles continua em nosso tempo.

O Renascimento na Itália passou por várias fases: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença se tornou o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O primeiro a criar pinturas em vez de ícones maior mestre Proto-Renascença Gioto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação de espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto Capela del Arena em Pádua Você pode ver personagens muito inusitados ao lado dos santos: pastores ou fiandeiros. Cada pessoa em Giotto expressa experiências muito específicas, um caráter específico.

Durante o início do Renascimento na arte, a antiga herança artística foi dominada, novos ideais éticos foram formados, os artistas voltaram-se para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início da Renascença é desempenhado por Florença. Nas imagens criadas por mestres como Donatello, Verrocchio, a estátua equestre do David do condottiere Gattamelata é dominada pelos princípios heróicos e patrióticos de Donatello ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

O fundador da pintura renascentista é Masaccio(pinturas da Capela Brancacci, “Trindade”), Masaccio soube transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com um único conceito composicional e deu expressividade retratista aos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, está associada aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

O trabalho do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espirituais e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “Nascimento de Vênus”). Um dos escritores da vida de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de. perda, evocando em nós um sentimento de tristeza indelével... Alguns perderam o céu, outros perderam a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

O ponto culminante no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano torna-se Alta Renascença. Leonardo da Vinci, um grande artista e cientista, é considerado o fundador da arte da Alta Renascença.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras de A escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolvia o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem para o observador com atenção e calma, graças ao sombreamento das órbitas oculares, pode-se pensar que estão ligeiramente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas perto dos cantos há sombras sutis que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir e falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso nos lábios dá a ideia da inconsistência de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida vibrante. Não foi à toa que Vasari pensou que uma veia pulsava no pescoço de Gioconda.

No retrato de Gioconda, Leonardo não só transmitiu perfeitamente o corpo e o envolvente ambiente aéreo. Ele também investiu nisso a compreensão do que o olho exige para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece como se as formas nascessem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando a dissonância tensa é resolvida por um acorde eufônico. . Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia figura forma algo inteiro, suas mãos postas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não poderia haver dúvida dos cachos fantasiosos da antiga “Anunciação”. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo de Mona Lisa está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre seu ombro encontra eco nos sinuosos suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo demonstra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Do ponto de vista da técnica de execução, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo utilizou a técnica “sfumato” que desenvolveu (do italiano “sfumato”, literalmente “desapareceu como fumaça”). A técnica é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve se transformar suavemente, os contornos dos objetos devem ser suavizados com a ajuda da névoa leve que os rodeia. A principal dificuldade desta técnica reside nos menores esfregaços (cerca de um quarto de milímetro), que não são reconhecíveis nem ao microscópio nem aos raios X. Assim, foram necessárias centenas de sessões para pintar a pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em aproximadamente 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para esse trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo gasto trabalhando no retrato - quase 4 anos.

, "Última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador a um mundo de harmonia e visões majestosas, desenrola-se o antigo drama evangélico da confiança traída. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido à personagem principal - um marido de rosto triste que aceita o que se passa como inevitável. Cristo acabou de dizer aos seus discípulos: “Um de vocês me trairá”. O traidor senta-se com outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo trazia à tona seu isolamento sombrio de maneira muito mais convincente, envolvendo suas feições em sombras. Cristo está submisso ao seu destino, cheio da consciência do sacrifício da sua façanha. Sua cabeça baixa com olhos baixos e o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma linda paisagem se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo o redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma parecem eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele procurou fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas foi ele quem N. Berdyaev considera responsável pelo vindouro processo de mecanização. e a mecanização da vida humana, que separou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens friamente distantes das Madonas da Úmbria (“Madonna Conestabile”) para o mundo do “Cristianismo feliz” das obras florentinas e romanas. “Madonna e o Pintassilgo” e “Madonna na Poltrona” são suaves, humanos e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da “Madona Sistina” é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Rafael é conhecido como o criador de imagens suaves de Madonas. Mas na pintura ele incorporou tanto o ideal do homem universal da Renascença (retrato de Castiglione) quanto o drama dos acontecimentos históricos. “A Madona Sistina” (c. 1513, Dresden, Galeria de Imagens) é uma das obras mais inspiradas do artista. Pintado como imagem de altar para a igreja do mosteiro de S. Sixta em Piacenza, esta pintura em conceito, composição e interpretação da imagem é significativamente diferente das “Madonas” Período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela observando condescendentemente as diversões de duas crianças, aqui vemos uma visão maravilhosa aparecendo de repente nos céus por trás de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um brilho dourado, a solene e majestosa Maria caminha pelas nuvens, segurando o menino Cristo à sua frente. À esquerda e à direita, St. ajoelha-se diante dela. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à “Madona Sistina” uma grandeza especial.

Nesta foto, Rafael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu combinar a veracidade vital da imagem com os traços da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e heróica prontidão para o sacrifício. Este heroísmo liga a imagem de Nossa Senhora às melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta imagem nos faz relembrar as famosas palavras de Rafael em uma carta ao amigo B. Castiglione. “E vou te dizer”, escreveu Rafael, “que para pintar uma beleza preciso ver muitas belezas... mas pela falta... de mulheres bonitas, estou usando uma ideia que me vem à cabeça. Não sei se tem alguma perfeição, mas me esforço muito para alcançá-la.” Estas palavras esclarecem método criativo artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ele ao mesmo tempo se esforça para elevar a imagem acima de tudo que é aleatório e transitório.

Miguel Ângelo(1475-1564) é sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, juntamente com Leonardo Da Vinci, a figura mais poderosa da Alta Renascença italiana. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência nos seus contemporâneos e na subsequente arte ocidental em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua vida adulta em Roma, trabalhando por ordem dos papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo fez uma escultura em mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra no seu local original - a Basílica de São Pedro. Este é um dos mais trabalho famoso na história da arte mundial. A Pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos. Esta é a única obra que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto ajoelhado, imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Esse Ponto mais alto a obra do jovem Michelangelo.

Não menos significativa obra do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m). Davi(Accademia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. O herói do Antigo Testamento é retratado por Michelangelo como um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem terá que lutar. A expressão viva e intensa do rosto de David é característica de muitas obras de Michelangelo - este é um sinal de seu estilo escultural individual. David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocada na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a Câmara Municipal de Florença. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintando a abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em um andaime alto logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para alguns contos bíblicos entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo completou um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou figuras de assistentes em diversas poses. Estas imagens majestosas e poderosas demonstram a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humanos, o que deu impulso a um novo movimento na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, O prisioneiro acorrentado e a morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras ficam simplesmente presas dentro de um bloco de mármore, e a tarefa do artista é libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou esculturas inacabadas - seja porque se tornaram desnecessárias, ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto do túmulo de Júlio II exigiu elaboração arquitetônica, mas o trabalho sério de Michelangelo na área arquitetônica começou apenas em 1519, quando foi contratado para a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, para onde o artista retornou. novamente (este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520 projetou também o elegante hall de entrada da Biblioteca, adjacente à Igreja de San Lorenzo. Estas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou na guerra contra os Medici em 1527-29. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução de fortificações em Florença.

Capelas Médici. Tendo vivido bastante tempo em Florença, Michelangelo executou, entre 1519 e 1534, uma encomenda da família Médici para a construção de dois túmulos na nova sacristia da Igreja de San Lorenzo. Num salão com alta abóbada abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De' Medici, duque de Urbino e a Giuliano De' Medici, duque de Nemours. As duas sepulturas complexas foram concebidas como representação de tipos opostos: Lorenzo - uma pessoa fechada em si mesmo, uma pessoa pensativa e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo e aberto. O escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite sobre o túmulo de Lorenzo, e alegorias do Dia e da Noite sobre o túmulo de Giuliano. O trabalho nos túmulos dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Último Julgamento

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo em sua mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo para o de Dante. inferno (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente a sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois um artista puritano as “vestiu” à medida que o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto pode ser facilmente visto na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante este período Michelangelo tenha recebido outras encomendas de pintura, como a pintura da Capela de São Paulo Apóstolo (1940), antes de mais nada procurou dedicar toda a sua energia à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da construção da Basílica de São Pedro no Vaticano. O edifício foi construído de acordo com os planos de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou por ser o responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da engenharia e do desenho artístico da cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo De' Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, bem como de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender claramente por meio de suas obras - elas são tão diversas. Somente na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo abordou com mais frequência e profundidade as questões da criatividade e de seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dedicado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes daquela época. poetas famosos Renascentista Ludovico Ariosto escreveu um epitáfio para este artista famoso: “Michele é mais que mortal, ele é um anjo divino.”

O Renascimento é uma época de florescimento cultural, o apogeu de todas as artes, mas aquela que mais plenamente expressou o espírito de sua época foram as belas-artes.

Renascença ou Renascença(fr. “novo” + “nascido”) teve significado global na história da cultura europeia. A Renascença substituiu a Idade Média e precedeu a Era do Iluminismo.
Principais características do Renascimento– a laicidade da cultura, do humanismo e do antropocentrismo (interesse pelo homem e pelas suas atividades). Durante o Renascimento, o interesse cultura antiga e é como se o seu “renascimento” estivesse acontecendo.
O Renascimento surgiu na Itália - seus primeiros sinais surgiram nos séculos XIII-XIV. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna, etc.). Mas estava firmemente estabelecido na década de 20 do século XV e no final do século XV. Atingiu seu pico.
Em outros países, o Renascimento começou muito mais tarde. No século 16 começa uma crise das ideias renascentistas, uma consequência desta crise é o surgimento do maneirismo e do barroco.

Períodos renascentistas

O Renascimento é dividido em 4 períodos:

1. Proto-Renascença (2ª metade do século XIII - século XIV)
2. Início do Renascimento (início do século XV - final do século XV)
3. Alta Renascença(final do século XV - primeiros 20 anos do século XVI)
4. Renascença Tardia (meados dos anos 16-90 do século XVI)

A queda desempenhou um papel na formação do Renascimento Império Bizantino. Os bizantinos que se mudaram para a Europa trouxeram consigo suas bibliotecas e obras de arte, desconhecidas Europa medieval. Bizâncio nunca rompeu com a cultura antiga.
Aparência humanismo(um movimento sócio-filosófico que considerava o homem como o valor mais elevado) estava associado à ausência de relações feudais nas cidades-repúblicas italianas.
Centros seculares de ciência e arte começaram a surgir nas cidades, que não eram controladas pela igreja. cujas atividades estavam fora do controle da igreja. Em meados do século XV. Foi inventada a impressão, que desempenhou um papel importante na difusão de novas visões por toda a Europa.

Breves características dos períodos renascentistas

Proto-Renascença

O Proto-Renascimento é o precursor do Renascimento. Está também intimamente ligado à Idade Média, às tradições bizantinas, românicas e góticas. Está associado aos nomes de Giotto, Arnolfo di Cambio, dos irmãos Pisano, Andrea Pisano.

Andreia Pisano. Baixo-relevo "Criação de Adão". Ópera del Duomo (Florença)

A pintura proto-renascentista é representada por dois escolas de arte: Florença (Cimabue, Giotto) e Siena (Duccio, Simone Martini). Figura central pintura era Giotto. Foi considerado um reformador da pintura: preencheu formas religiosas com conteúdo secular, fez uma transição gradual das imagens planas para as tridimensionais e em relevo, voltou-se para o realismo, introduziu o volume plástico das figuras na pintura e retratou interiores na pintura.

Início da Renascença

Este é o período de 1420 a 1500. Artistas Início da Renascença A Itália extraiu motivos da vida e encheu temas religiosos tradicionais com conteúdo terreno. Na escultura foram L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, a família della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Em seu trabalho, uma estátua independente, um relevo pitoresco, um busto de retrato e um monumento equestre começaram a se desenvolver.
EM Pintura italiana Século XV (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino, etc.) são caracterizados por um sentido de harmonia ordem do mundo, apelo aos ideais éticos e cívicos do humanismo, uma percepção alegre da beleza e da diversidade do mundo real.
O fundador da arquitetura renascentista na Itália foi Filippo Brunelleschi (1377-1446) - arquiteto, escultor e cientista, um dos criadores Teoria científica perspectivas.

Um lugar especial na história da arquitetura italiana é ocupado Leon Battista Alberti (1404-1472). Este cientista, arquiteto, escritor e músico italiano do início da Renascença foi educado em Pádua, estudou Direito em Bolonha e mais tarde viveu em Florença e Roma. Ele criou os tratados teóricos “Sobre a Estátua” (1435), “Sobre a Pintura” (1435-1436), “Sobre a Arquitetura” (publicado em 1485). Ele defendeu a língua “folk” (italiana) como língua literária e em seu tratado ético “Sobre a Família” (1737-1441) desenvolveu o ideal de uma personalidade harmoniosamente desenvolvida. Em seu trabalho arquitetônico, Alberti gravitou em torno de soluções experimentais ousadas. Ele foi um dos fundadores da nova arquitetura europeia.

Palácio Rucellai

Leon Battista Alberti desenvolveu um novo tipo de palácio com fachada rústica em toda a altura e dividida por três fileiras de pilastras, que parecem a base estrutural do edifício (Palazzo Rucellai em Florença, construído por B. Rossellino segundo os planos de Alberti ).
Em frente ao Palazzo fica a Loggia Rucellai, onde eram realizadas recepções e banquetes para parceiros comerciais e celebrados casamentos.

Loggia Rucellai

Alta Renascença

Esta é a época do mais magnífico desenvolvimento do estilo renascentista. Na Itália durou aproximadamente de 1500 a 1527. Agora o centro da arte italiana de Florença se muda para Roma, graças à ascensão ao trono papal Júlia II, um homem ambicioso, corajoso e empreendedor, atraído para sua corte melhores artistas Itália.

Rafael Santi "Retrato do Papa Júlio II"

Em Roma, muitos edifícios monumentais são construídos, esculturas magníficas são criadas, afrescos e pinturas são pintados, que ainda são considerados obras-primas da pintura. A antiguidade ainda é muito valorizada e cuidadosamente estudada. Mas a imitação dos antigos não abafa a independência dos artistas.
O auge da Renascença é a obra de Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) e Raphael Santi (1483-1520).

Renascença tardia

Na Itália, este é o período entre 1530 e 1590-1620. A arte e a cultura desta época são muito diversas. Alguns acreditam (por exemplo, estudiosos britânicos) que "A Renascença como um período histórico integral terminou com a queda de Roma em 1527." Arte final da Renascença apresenta um quadro muito complexo da luta entre várias correntes. Muitos artistas não se esforçaram para estudar a natureza e suas leis, mas apenas externamente tentaram assimilar o “modo” dos grandes mestres: Leonardo, Rafael e Michelangelo. Nesta ocasião, o idoso Michelangelo disse uma vez, vendo artistas copiarem o seu “Juízo Final”: “Esta minha arte fará muitos tolos”.
A Contra-Reforma triunfou no Sul da Europa, que não acolheu bem qualquer pensamento livre, incluindo os cânticos corpo humano e a ressurreição dos ideais da antiguidade.
Artistas famosos deste período foram Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) e outros. Caravaggio considerado o fundador do estilo barroco.