Publicações da seção de música

Por onde começar a ouvir Shostakovich

Dmitri Shostakovich tornou-se famoso aos 20 anos, quando sua Primeira Sinfonia foi executada em salas de concerto URSS, Europa e EUA. Um ano após sua estreia, a Primeira Sinfonia foi tocada em todos os principais teatros do mundo. As 15 sinfonias de Shostakovich foram chamadas pelos contemporâneos " grande era Música russa e mundial. Ilya Ovchinnikov fala sobre a ópera Lady Macbeth do distrito de Mtsensk, Sinfonia nº 5, Quarteto de cordas nº 8.

Foto: telegraph.co.uk

Concerto nº 1 para piano e trompete e orquestra

O concerto é uma das últimas composições dos primeiros e ousados ​​Shostakovich, autor de obras de vanguarda como a ópera O Nariz, a Segunda e a Terceira Sinfonias. Aqui Shostakovich se move em direção a um estilo mais democrático por um motivo. O concerto está cheio de citações ocultas e explícitas. Embora a parte do trompete na composição seja extraordinariamente importante, não pode ser chamado de concerto duplo, onde os papéis dos dois instrumentos são equivalentes: o trompete ou soa, depois acompanha o piano, depois o interrompe, depois fica em silêncio por um muito tempo. O concerto é como uma colcha de retalhos: cheio de citações de Bach, Mozart, Haydn, Grieg, Weber, Mahler, Tchaikovsky, sem deixar de ser uma obra absolutamente integral. Fontes para citações incluem Rondo de Beethoven "Rage over a Lost Penny". Shostakovich usou seu tema em uma cadência, que a princípio ele não planejava escrever: apareceu a pedido urgente do pianista Lev Oborin, que, junto com o autor, se tornou um dos primeiros intérpretes do Concerto. Sergei Prokofiev, que ia tocar o Concerto em Paris, também se interessou pela composição, mas nunca chegou a isso.

Ópera "Lady Macbeth do distrito de Mtsensk"

Os principais temas de uma das principais óperas do século XX foram sexo e violência; logo após a estreia triunfante em 1934, foi oficialmente proibido em nosso país por quase 30 anos. Baseado no ensaio de Leskov, Shostakovich mudou muito na imagem da heroína. “Apesar de Ekaterina Lvovna ser a assassina de seu marido e sogro, ainda simpatizo com ela”, escreveu o compositor. Ao longo dos anos destino trágicoópera levou ao fato de que eles começaram a vê-lo como um protesto contra o regime. No entanto, a música, imbuída de uma premonição de problemas, sugere que a escala da tragédia é mais ampla do que a escala da época. Não é por acaso que os policiais, que estão entediados na delegacia, estão mais satisfeitos com a notícia do cadáver no porão dos Izmailovs, e a descoberta real do cadáver - uma das cenas mais impressionantes da ópera - é acompanhado de um vigoroso galope arrojado. A imagem de dançar sobre o túmulo - uma das principais em Shostakovich em geral - era muito relevante para a URSS dos anos 1930 e Stalin poderia não gostar disso. Preste atenção na dança dos convidados no terceiro ato - tendo ouvido uma vez, já é impossível esquecer.

O mesmo galope - realizado por Shostakovich.

Sinfonia nº 5

A sinfonia não teria nascido sem a ópera Lady Macbeth e suas críticas devastadoras. O artigo ditado por Stalin "Confusão em vez de música" foi um duro golpe para Shostakovich: ele estava esperando sua prisão, embora não interrompesse seu trabalho. A Quarta Sinfonia foi logo concluída, mas sua apresentação foi cancelada e ocorreu 25 anos depois. Shostakovich escreveu nova sinfonia, cuja estreia se transformou em um verdadeiro triunfo: o público não se dispersou por meia hora. Logo a sinfonia foi reconhecida como uma obra-prima ao mais alto nível; ela foi elogiada por Alexei Tolstoy e Alexander Fadeev. Shostakovich conseguiu criar uma sinfonia que o ajudou a se reabilitar, mas ao mesmo tempo não foi um compromisso. Em composições anteriores, o compositor experimentou ousadamente; na Quinta, sem pisar na garganta, apresentou os resultados de suas complexas buscas em forma tradicional sinfonia romântica em quatro movimentos. Para círculos oficiais grande final soou mais do que aceitável; para o público, o major obsessivo deu oportunidades ilimitadas de reflexão sobre o que o autor tinha em mente, e ainda dá.

Quarteto de Cordas Nº 8

Ao lado das quinze sinfonias do legado de Shostakovich estão quinze quartetos de cordas: seu diário pessoal, uma conversa consigo mesmo, uma autobiografia. No entanto, a escala de seus outros quartetos é sinfônica, muitos deles são executados em arranjos para a orquestra. A mais famosa é a Oitava, cujo nome é "Em memória das vítimas do fascismo e da guerra" - apenas uma cobertura para a verdadeira intenção do autor. Shostakovich escreveu a seu amigo Isaac Glickman: “... ele escreveu um quarteto que ninguém precisava e ideologicamente falho. Eu pensei que se eu morrer, é improvável que alguém escreva uma obra dedicada à minha memória. Então decidi escrever um eu mesmo. Teria sido possível escrever na capa assim: “Dedicado à memória do autor deste quarteto”... A natureza pseudo-trágica deste quarteto é tal que, compondo-o, derramei tantas lágrimas quanto urina. derrama depois de meia dúzia de cervejas. Chegando em casa, ele tentou tocar duas vezes, e novamente derramou lágrimas. Mas aqui não se trata apenas de sua pseudo-tragédia, mas também da surpresa da bela integridade da forma.

Opereta "Moscou, Cheryomushki"

A única opereta de Shostakovich é dedicada aos moscovitas que se mudam para nova área cidades Capitais. Para os tempos de degelo, o libreto de "Cheryomushki" é surpreendentemente livre de conflitos: além da luta de novos colonos por espaço de vida com o canalha Drebednev e sua esposa Vava, o resto dos conflitos aqui são apenas entre bons e excelentes. Até o gerente malandro Barabashkin é fofo. A caligrafia de Shostakovich é praticamente inaudível nesta opereta exemplar: é curioso imaginar como um ouvinte que não conhece o nome do autor a perceberia. Junto com a música, diálogos comoventes também são marcantes: “Ah, que lustre interessante!” - "Este não é um lustre, mas um ampliador fotográfico." - “Ah, que ampliador fotográfico interessante... O que falar, as pessoas sabem viver!” A opereta "Moscou, Cheryomushki" é uma espécie de museu, onde a exposição não é tanto o nosso modo de vida de 60 anos atrás, mas sua interpretação daquela época.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (12 de setembro (25), 1906, São Petersburgo - 9 de agosto de 1975, Moscou) - compositor russo soviético, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais significativos do século XX, que teve e continua a ter uma influência criativa nos compositores. NO primeiros anos Shostakovich foi influenciado pela música de Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith e mais tarde (em meados da década de 1930) por Mahler. Constantemente estudando tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, repleta de emoções e tocando o coração de músicos e amantes da música de todo o mundo.

Na primavera de 1926, a Orquestra Filarmônica de Leningrado, dirigida por Nikolai Malko, tocou pela primeira vez a Primeira Sinfonia de Dmitri Shostakovich. Em uma carta ao pianista de Kyiv, L. Izarova, N. Malko escreveu: “Acabo de voltar de um concerto. Conduziu pela primeira vez a sinfonia do jovem Leningrado Mitya Shostakovich. sinto que descobri nova página na história da música russa.

A recepção da sinfonia pelo público, pela orquestra, pela imprensa não pode ser simplesmente considerada um sucesso, foi um triunfo. O mesmo foi sua procissão pelos palcos sinfônicos mais famosos do mundo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski inclinaram-se sobre a partitura da sinfonia. Para eles, os maestros-pensadores, parecia implausível a correlação entre o nível de habilidade e a idade do autor. Fiquei impressionado com a total liberdade com que o compositor de dezenove anos dispôs de todos os recursos da orquestra para traduzir suas ideias, e as próprias ideias atingiram um frescor primaveril.

A sinfonia de Shostakovich foi realmente a primeira sinfonia do novo mundo, sobre a qual a tempestade de outubro varreu. Impressionante foi o contraste entre a música, cheia de alegria, o florescimento exuberante de forças jovens, letras sutis e tímidas e a sombria arte expressionista de muitos contemporâneos estrangeiros de Shostakovich.

Ignorando o estágio juvenil usual, Shostakovich entrou confiante na maturidade. Esta confiança deu-lhe uma grande escola. Natural de Leningrado, foi educado no Conservatório de Leningrado nas aulas do pianista L. Nikolaev e do compositor M. Steinberg. Leonid Vladimirovich Nikolaev, que criou um dos ramos mais frutíferos da escola pianística soviética, como compositor foi aluno de Taneyev, por sua vez, ex-aluno de Tchaikovsky. Maximilian Oseevich Steinberg é aluno de Rimsky-Korsakov e seguidor de seus princípios e métodos pedagógicos. De seus professores, Nikolaev e Steinberg herdaram um completo ódio ao diletantismo. Um espírito de profundo respeito pelo trabalho reinava em suas aulas, pelo que Ravel gostava de designar com a palavra metier - ofício. É por isso que a cultura da maestria já estava tão em alta na primeira grande obra do jovem compositor.

Muitos anos se passaram desde então. Mais quatorze foram adicionados à Primeira Sinfonia. Foram quinze quartetos, dois trios, duas óperas, três balés, dois pianos, dois concertos para violino e dois para violoncelo, ciclos de romance, coletâneas de prelúdios e fugas para piano, cantatas, oratórios, música para muitos filmes e performances dramáticas.

O período inicial da obra de Shostakovich coincide com o final dos anos 20, uma época de discussões acaloradas sobre as questões cardeais da União Soviética. cultura artística quando os fundamentos do método e do estilo se cristalizaram arte soviética - realismo socialista. Como muitos representantes dos jovens, e não apenas da geração jovem da intelectualidade artística soviética, Shostakovich presta homenagem à paixão pelas obras experimentais do diretor V. E. Meyerhold, as óperas de Alban Berg (Wozzeck), Ernst Ksheneck Sombra, Johnny), apresentações de balé Fiodor Lopukhov.

A combinação do grotesco agudo com a tragédia profunda, típica de muitos fenômenos da arte expressionista vinda do exterior, também atraiu a atenção do jovem compositor. Ao mesmo tempo, a admiração por Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka, Berlioz sempre vive nele. Ao mesmo tempo, preocupou-se com a grandiosa epopeia sinfônica de Mahler: a profundidade dos problemas éticos nela contidos: o artista e a sociedade, o artista e a modernidade. Mas nenhum dos compositores de épocas passadas o abala como Mussorgsky.

No início da trajetória criativa de Shostakovich, na época de buscas, hobbies, disputas, nasceu sua ópera O Nariz (1928) - uma das obras mais polêmicas de sua juventude criativa. Nesta ópera, no enredo de Gogol, através das influências tangíveis de O Inspetor Geral de Meyerhold, excêntricos musicais, traços brilhantes eram visíveis que fizeram O Nariz relacionado à ópera O Casamento de Mussorgsky. O Nariz desempenhou um papel significativo na evolução criativa de Shostakovich.

O início da década de 1930 é marcado na biografia do compositor por um fluxo de obras de diferentes gêneros. Aqui - os balés "The Golden Age" e "Bolt", a música para a produção de Meyerhold da peça de Mayakovsky "The Bedbug", a música para várias apresentações do Teatro da Juventude Trabalhadora de Leningrado (TRAM), finalmente, a primeira entrada de Shostakovich na cinematografia , a criação de música para os filmes "One", "Golden Mountains", "Counter"; música para a variedade e performance circense do Leningrad Music Hall "Provisionally Killed"; comunicação criativa com artes relacionadas: balé, teatro, cinema; o surgimento do primeiro ciclo de romances (baseado em poemas de poetas japoneses) evidencia a necessidade do compositor de concretizar a estrutura figurativa da música.

O lugar central entre as obras de Shostakovich na primeira metade da década de 1930 é ocupado pela ópera Lady Macbeth do distrito de Mtsensk (Katerina Izmailova). A base de sua dramaturgia é a obra de N. Leskov, o gênero do qual o autor designou com a palavra “ensaio”, como se enfatizasse a autenticidade, confiabilidade dos eventos, retrato atores. A música de "Lady Macbeth" é uma história trágica sobre uma época terrível de arbitrariedade e falta de direitos, quando tudo o que é humano foi morto em uma pessoa, sua dignidade, pensamentos, aspirações, sentimentos; quando os instintos primitivos eram taxados e governados por ações, e a própria vida, algemada em algemas, caminhava pelos caminhos intermináveis ​​da Rússia. Em um deles, Shostakovich viu sua heroína - a esposa de um ex-comerciante, uma condenada que pagou o preço total por sua felicidade criminosa. Eu vi - e animadamente contei o destino dela em sua ópera.

O ódio ao velho mundo, o mundo da violência, mentiras e desumanidade se manifesta em muitas das obras de Shostakovich, em diferentes gêneros. Ela é a antítese mais forte imagens positivas, ideias que definem o credo artístico e social de Shostakovich. Fé no poder irresistível do Homem, admiração pela riqueza paz de espírito, simpatia por seu sofrimento, uma sede apaixonada de participar da luta por seus brilhantes ideais - essas são as características mais importantes desse credo. Ela se manifesta de maneira especialmente completa em suas obras-chave e marcantes. Entre elas está uma das mais importantes, a Quinta Sinfonia, surgida em 1936, que iniciou uma nova etapa na biografia criativa do compositor, um novo capítulo na história da cultura soviética. Nesta sinfonia, que pode ser chamada de "tragédia otimista", o autor chega a um profundo problema filosófico a formação da personalidade de seu contemporâneo.

A julgar pela música de Shostakovich, o gênero sinfônico sempre foi para ele uma plataforma a partir da qual deveriam ser proferidos apenas os discursos mais importantes e ardentes destinados a alcançar os mais altos objetivos éticos. A tribuna sinfônica não foi erguida para a eloquência. Este é o ponto de apoio do militante pensamento filosófico, lutando pelos ideais do humanismo, denunciando o mal e a mesquinhez, como se afirmasse mais uma vez a famosa posição de Goethe:

Só ele é digno de felicidade e liberdade,
Que todos os dias vai lutar por eles!
É significativo que nenhuma das quinze sinfonias escritas por Shostakovich escape ao presente. O primeiro foi mencionado acima, o segundo é uma dedicação sinfônica a outubro, o terceiro é o primeiro de maio. Nelas, o compositor recorre à poesia de A. Bezymensky e S. Kirsanov para revelar mais claramente a alegria e a solenidade das festas revolucionárias que nelas ardem.

Mas já a partir da Quarta Sinfonia, escrita em 1936, alguma força alienígena e maligna entra no mundo da alegre compreensão da vida, bondade e amizade. Ela assume diferentes formas. Em algum lugar ela pisa rudemente no chão coberto de vegetação primaveril, com um sorriso cínico macula pureza e sinceridade, enfurece, ameaça, pressagia a morte. Aproxima-se internamente dos temas sombrios que ameaçam a felicidade humana das páginas das partituras das três últimas sinfonias de Tchaikovsky.

E nas partes Quinta e II da Sexta Sinfonia de Shostakovich, ela, esta força formidável, dá-se a conhecer. Mas só no Sétimo, Sinfonia de Leningrado ela sobe para sua altura total. De repente, uma força cruel e terrível invade o mundo das reflexões filosóficas, dos sonhos puros, da alegria esportiva, como as paisagens poéticas de Levitan. Ela veio para varrer este mundo puro e estabelecer escuridão, sangue, morte. Insinuantemente, de longe, ouve-se um farfalhar quase inaudível de um pequeno tambor, e um tema áspero e anguloso aparece em seu ritmo claro. Repetindo onze vezes com mecanicidade maçante e ganhando força, adquire sons roucos, rosnados, algum tipo de desgrenhado. E agora, em toda a sua nudez assustadora, o homem-fera pisa na terra.

Em contraste com o "tema da invasão", o "tema da coragem" nasce e se fortalece na música. O monólogo do fagote está extremamente saturado da amargura da perda, obrigando-nos a recordar as falas de Nekrasov: "Estas são as lágrimas das mães pobres, não esquecerão os filhos que morreram no campo sangrento". Mas não importa quão triste seja a perda, a vida se declara a cada minuto. Essa ideia permeia o Scherzo - Parte II. E a partir daqui, através de reflexões (parte III), leva a um final que soa vitorioso.

O compositor escreveu sua lendária sinfonia de Leningrado em uma casa constantemente sacudida por explosões. Em um de seus discursos, Shostakovich disse: “Olhei para minha amada cidade com dor e orgulho. E ele ficou de pé, queimado pelo fogo, endurecido nas batalhas, tendo experimentado o sofrimento profundo de um lutador, e era ainda mais bonito em sua severa grandeza. Como não amar esta cidade, erigida por Pedro, não contar ao mundo inteiro sobre sua glória, sobre a coragem de seus defensores... A música foi minha arma.

Odiando apaixonadamente o mal e a violência, o compositor-cidadão denuncia o inimigo, aquele que semeia guerras que mergulham os povos no abismo do desastre. É por isso que o tema da guerra prendeu por muito tempo o pensamento do compositor. Soa grandioso em escala, em profundidade de conflitos trágicos na Oitava, composta em 1943, na Décima e na Décima Terceira Sinfonias, no trio de piano escrito em memória de I. I. Sollertinsky. Este tema também penetra no Oitavo Quarteto, na música para os filmes "A Queda de Berlim", "Encontro no Elba", "Jovem Guarda". Em um artigo dedicado ao primeiro aniversário do Dia da Vitória, Shostakovich escreveu: lutou em nome da vitória. A derrota do fascismo é apenas uma etapa do irresistível movimento ofensivo do homem, na implementação da missão progressista do povo soviético.

Nona Sinfonia, a primeira obra pós-guerra de Shostakovich. Foi tocada pela primeira vez no outono de 1945, até certo ponto esta sinfonia não correspondeu às expectativas. Não há nele nenhuma solenidade monumental, que pudesse encarnar na música as imagens do fim vitorioso da guerra. Mas há algo mais: alegria imediata, uma piada, risos, como se um peso enorme tivesse caído dos ombros, e pela primeira vez em tantos anos fosse possível acender a luz sem cortinas, sem apagões, e todas as janelas das casas se iluminaram de alegria. E só na penúltima parte aparece, por assim dizer, uma dura lembrança da experiência. Mas a escuridão reina por um curto período de tempo - a música retorna novamente ao mundo da luz da diversão.

Oito anos separam a Décima Sinfonia da Nona. Nunca houve tal ruptura na crônica sinfônica de Shostakovich. E novamente temos diante de nós uma obra cheia de colisões trágicas, problemas filosóficos profundos, cativando com seu pathos a história de uma era de grandes convulsões, uma era de grandes esperanças para a humanidade.

Um lugar especial na lista das sinfonias de Shostakovich é ocupado pela Décima Primeira e Décima Segunda.

Antes de passar para a XI Sinfonia, escrita em 1957, é necessário relembrar os Dez Poemas para coro misto (1951) às palavras de poetas revolucionários do século XIX e início do século XX. Os poemas de poetas revolucionários: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspiraram Shostakovich a criar música, cada medida composta por ele e, ao mesmo tempo, relacionada às canções do underground revolucionário, encontros estudantis que soavam nas casamatas Butyrok, e em Shushenskoye, e em Lyunzhyumo, em Capri, canções que eram e tradição familiar na casa dos pais do compositor. Seu avô - Boleslav Boleslavovich Shostakovich - foi exilado por participar da revolta polonesa de 1863. Seu filho, Dmitry Boleslavovich, pai do compositor, anos de estudante e depois de se formar na Universidade de São Petersburgo, ele estava intimamente associado à família Lukashevich, um de cujos membros, junto com Alexander Ilyich Ulyanov, estava preparando uma tentativa de assassinato de Alexandre III. Lukashevich passou 18 anos na fortaleza de Shlisselburg.

Uma das impressões mais poderosas de toda a vida de Shostakovich é datada de 3 de abril de 1917, o dia em que V. I. Lenin chegou a Petrogrado. Veja como o compositor fala sobre isso. "Eu testemunhei os acontecimentos revolução de outubro, estava entre os que ouviram Vladimir Ilyich na praça em frente à Estação Finlândia no dia de sua chegada a Petrogrado. E, embora eu fosse muito jovem na época, ficou para sempre gravado na minha memória.

O tema da revolução entrou na carne e no sangue do compositor em sua infância e amadureceu nele junto com o crescimento da consciência, tornando-se um de seus alicerces. Este tema cristalizou-se na Décima Primeira Sinfonia (1957), que leva o nome de "1905". Cada parte tem seu próprio nome. Segundo eles, pode-se imaginar claramente a ideia e a dramaturgia da obra: Praça do Palácio”, “9 de janeiro”, “Memória Eterna”, “Nabat”. A sinfonia é permeada por entonações das canções do underground revolucionário: “Ouça”, “Prisioneiro”, “Você caiu vítima”, “Raiva, tiranos”, “Varshavyanka”. Eles dão a uma rica narrativa musical uma emoção especial e autenticidade de um documento histórico.

Dedicada à memória de Vladimir Ilyich Lenin, a Décima Segunda Sinfonia (1961) - uma obra de poder épico - continua o conto instrumental da revolução. Como na Décima Primeira, os nomes dos programas das partes dão uma ideia completamente clara de seu conteúdo: "Petrograd Revolucionária", "Spill", "Aurora", "Amanhecer da Humanidade".

A Décima Terceira Sinfonia de Shostakovich (1962) é semelhante em gênero ao oratório. Foi escrito para uma composição incomum: uma orquestra sinfônica, um coro baixo e um solista baixo. A base textual das cinco partes da sinfonia são os poemas de Evg. Yevtushenko: "Babi Yar", "Humor", "Na loja", "Medos" e "Carreira". A ideia da sinfonia, seu pathos é a denúncia do mal em nome da luta pela verdade, pelo homem. E nesta sinfonia se reflete o humanismo ativo e ofensivo inerente a Shostakovich.

Após uma pausa de sete anos, em 1969, foi criada a Décima Quarta Sinfonia, escrita para uma orquestra de câmara: cordas, um pequeno número de percussão e duas vozes - soprano e baixo. A sinfonia contém poemas de Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke e Wilhelm Kuchelbecker.A sinfonia dedicada a Benjamin Britten foi escrita, segundo seu autor, sob a influência das Canções e Danças da Morte de Mussorgsky. No excelente artigo “Das Profundezas das Profundezas” dedicado à Décima Quarta Sinfonia, Marietta Shaginyan escreveu: “...A Décima Quarta Sinfonia de Shostakovich, a culminação de seu trabalho. A Décima Quarta Sinfonia - gostaria de chamá-la de as primeiras "Paixões Humanas" da nova era - diz de maneira convincente o quanto nosso tempo precisa tanto de uma interpretação profunda das contradições morais quanto de uma compreensão trágica das provações espirituais ("paixões") por onde passa a humanidade através da arte.

A Décima Quinta Sinfonia de D. Shostakovich foi composta no verão de 1971. Após uma pausa de muitos anos, o compositor volta à partitura puramente instrumental da sinfonia. A cor clara do "scherzo de brinquedo" da primeira parte está associada a imagens da infância. O tema da abertura de Rossini "William Tell" organicamente "se encaixa" na música. Música fúnebre do início da Parte II em um som sombrio grupo de cobre dá origem a pensamentos de perda, da primeira dor terrível. A música da segunda parte é repleta de fantasia sinistra, com algumas características que lembram mundo de fadas"O Quebra-Nozes". No início da Parte IV, Shostakovich novamente recorre a uma citação. Desta vez, é o tema do destino de Valquíria, que predetermina a trágica culminação de um maior desenvolvimento.

Quinze sinfonias de Shostakovich - quinze capítulos da crônica épica do nosso tempo. Shostakovich se juntou às fileiras daqueles que transformam ativa e diretamente o mundo. Sua arma é a música que se tornou filosofia, a filosofia se tornou música.

As aspirações criativas de Shostakovich abrangem todos os gêneros musicais existentes - desde a canção de massa de "Contador" até o monumental oratório "Canção das Florestas", óperas, sinfonias, concertos instrumentais. Uma parte significativa da sua obra é dedicada à música de câmara, uma das quais - "24 Prelúdios e Fugas" para piano - ocupa um lugar especial. Depois de Johann Sebastian Bach, poucas pessoas ousaram tocar em um ciclo polifônico desse tipo e escala. E não se trata da presença ou ausência de tecnologia apropriada, um tipo especial de habilidade. "24 Prelúdios e Fugas" de Shostakovich não é apenas um conjunto de sabedoria polifônica do século 20, eles são o indicador mais claro da força e tensão do pensamento, penetrando nas profundezas dos fenômenos mais complexos. Esse tipo de pensamento se assemelha ao poder intelectual de Kurchatov, Landau, Fermi e, portanto, os prelúdios e fugas de Shostakovich surpreendem não apenas pelo alto academicismo de revelar os segredos da polifonia de Bach, mas sobretudo pelo pensamento filosófico que realmente penetra nas "profundezas das profundezas" de seu contemporâneo, as forças motrizes, contradições e pathos era de grande mudança.

Ao lado das sinfonias, um grande lugar na biografia criativa de Shostakovich é ocupado por seus quinze quartetos. Neste conjunto, modesto em número de intérpretes, o compositor volta-se para um círculo temático próximo do que conta nas sinfonias. Não é por acaso que alguns quartetos surgem quase em simultâneo com as sinfonias, sendo os seus "companheiros" originais.

Nas sinfonias, o compositor dirige-se a milhões, continuando neste sentido a linha do sinfonismo de Beethoven, enquanto os quartetos se dirigem a um círculo de câmara mais estreito. Com ele, ele compartilha o que excita, agrada, oprime, o que ele sonha.

Nenhum dos quartetos tem um nome especial para ajudar a entender seu conteúdo. Nada além de um número de série. No entanto, seu significado é claro para quem ama e sabe ouvir. música de câmara. O Primeiro Quarteto tem a mesma idade que a Quinta Sinfonia. Em sua estrutura alegre, próxima ao neoclassicismo, com a pensativa sarabanda da primeira parte, o brilhante final haydniano, a valsa esvoaçante e o comovente canto da viola russa, prolongado e claro, sente-se a cura dos pensamentos pesados ​​que dominaram o herói de a Quinta Sinfonia.

Lembramos como as letras eram importantes em poemas, canções, cartas durante os anos de guerra, como o calor lírico de algumas frases sinceras multiplicava a força espiritual. A valsa e o romance do Segundo Quarteto, escritos em 1944, estão impregnados dela.

Quão diferentes são as imagens do Terceiro Quarteto. Contém o descuido da juventude e visões dolorosas das "forças do mal", e o campo de tensão da repulsa, e letras adjacentes a meditação filosófica. Quinto Quarteto (1952), que precede a Décima Sinfonia, e em mais O Oitavo Quarteto (1960) está repleto de visões trágicas - memórias dos anos de guerra. Na música desses quartetos, como na Sétima e Décima Sinfonias, as forças da luz e as forças das trevas são fortemente opostas. Na página de rosto do Oitavo Quarteto está: "Em memória das vítimas do fascismo e da guerra". Este quarteto foi escrito ao longo de três dias em Dresden, onde Shostakovich foi trabalhar na música para o filme Five Days, Five Nights.

Junto com os quartetos, que refletem o "grande mundo" com seus conflitos, acontecimentos, conflitos da vida, Shostakovich tem quartetos que soam como as páginas de um diário. No Primeiro eles são alegres; na Quarta falam de auto-aprofundamento, contemplação, paz; no Sexto - imagens de unidade com a natureza, paz profunda são reveladas; no sétimo e décimo primeiro - dedicado à memória pessoas próximas, a música atinge uma expressividade quase verbal, principalmente nos clímax trágicos.

No XIV Quarteto, os traços característicos dos melos russos são especialmente perceptíveis. Na primeira parte, as imagens musicais captam a maneira romântica de expressar os mais diversos sentimentos: desde a admiração sincera pelas belezas da natureza até explosões de confusão espiritual, retornando à paz e tranquilidade da paisagem. O Adagio do XIV Quarteto traz à mente o espírito russo do canto de viola no Primeiro Quarteto. Em III - a parte final - a música é delineada por ritmos de dança, soando mais ou menos distintamente. Avaliando o XIV Quarteto de Shostakovich, D. B. Kabalevsky fala do "início beethoveniano" de sua alta perfeição.

O décimo quinto quarteto foi apresentado pela primeira vez no outono de 1974. Sua estrutura é incomum, consiste em seis partes, uma após a outra sem interrupção. Todas as peças vão para ritmo lento: Elegia, Serenata, Intermezzo, Noturno, Marcha Fúnebre e Epílogo. O décimo quinto quarteto impressiona com a profundidade do pensamento filosófico, tão característico de Shostakovich em muitas obras desse gênero.

A obra do quarteto de Shostakovich é um dos ápices do desenvolvimento do gênero no período pós-Beethoven. Assim como nas sinfonias, o mundo das grandes ideias, reflexões, generalizações filosóficas. Mas, ao contrário das sinfonias, os quartetos têm aquela entonação de confiança que desperta instantaneamente uma resposta emocional do público. Essa propriedade dos quartetos de Shostakovich os torna relacionados aos quartetos de Tchaikovsky.

Ao lado dos quartetos, justamente um dos lugares mais altos do gênero camerístico é ocupado pelo Quinteto para Piano, escrito em 1940, obra que combina profundo intelectualismo, especialmente evidente no Prelúdio e Fuga, e sutil emotividade, que de certa forma torna uma lembra as paisagens de Levitan.

O compositor volta-se cada vez mais para a música vocal de câmara em anos pós-guerra. Há seis romances para as palavras de W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; ciclo vocal"Do judeu poesia popular»; Dois romances sobre os versos de M. Lermontov, Quatro monólogos sobre os versos de A. Pushkin, canções e romances sobre os versos de M. Svetlov, E. Dolmatovsky, o ciclo "Canções espanholas", Cinco sátiras sobre as palavras de Sasha Cherny , Cinco humores sobre as palavras da revista "Crocodile", Suite sobre poemas de M. Tsvetaeva.

Tal abundância de música vocal baseada em textos de clássicos da poesia e poetas soviéticos testemunha uma ampla gama de interesses literários do compositor. Na música vocal de Shostakovich, impressiona não apenas a sutileza do senso de estilo, a caligrafia do poeta, mas também a capacidade de recriar características nacionais música. Isso é especialmente marcante nas Canções espanholas, no ciclo Da Poesia Popular Judaica e nos romances baseados em versos de poetas ingleses. As tradições das letras do romance russo, vindas de Tchaikovsky, Taneyev, são ouvidas em Five Romances, “Five Days” aos versos de E. Dolmatovsky: “Day of Meeting”, “Day of Confessions”, “Day of Offenses”, “ Dia da Alegria”, “Dia das Memórias” .

Um lugar especial é ocupado por "Sátiras" às palavras de Sasha Cherny e "Humoresques" de "Crocodile". Eles refletem o amor de Shostakovich por Mussorgsky. Ela se originou em primeiros anos e apareceu primeiro em seu ciclo de Fábulas de Krylov, depois na ópera O Nariz, depois em Katerina Izmailova (especialmente no quarto ato da ópera). Três vezes Shostakovich se dirige diretamente a Mussorgsky, reorquestrando e reeditando Boris Godunov e Khovanshchina, e orquestrando Songs and Dances of Death pela primeira vez. E, novamente, a admiração por Mussorgsky se reflete no poema para solista, coro e orquestra - "A Execução de Stepan Razin" aos versos de Evg. Yevtushenko.

Quão forte e profundo deve ser o apego a Mussorgsky, se, tendo uma personalidade tão brilhante, que pode ser inequivocamente reconhecida por duas ou três frases, Shostakovich tão humildemente, com tanto amor - não imita, não, mas adota e interpreta a maneira de escrever à sua maneira grande músico realista.

Certa vez, admirando o gênio de Chopin, que acabara de aparecer no horizonte musical europeu, Robert Schumann escreveu: "Se Mozart estivesse vivo, ele escreveria um concerto de Chopin". Parafraseando Schumann, podemos dizer: se Mussorgsky tivesse vivido, teria escrito A execução de Stepan Razin, de Shostakovich. Dmitry Shostakovich - mestre eminente música teatral. Ele está perto diferentes gêneros: ópera, balé, comédia musical, espetáculos de variedades (Music Hall), teatro. Eles também incluem música para filmes. Vamos citar apenas algumas obras desses gêneros de mais de trinta filmes: Montanhas Douradas, O Contador, A Trilogia Maxim, A Jovem Guarda, Encontro no Elba, A Queda de Berlim, O Gadfly, Cinco dias - cinco noites", "Hamlet", "Rei Lear". Da música ao performances dramáticas: "Bug" de V. Mayakovsky, "Shot" de A. Bezymensky, "Hamlet" e "King Lear" de V. Shakespeare, "Salut, Spain" de A. Afinogenov, " comédia humana» O. Balzac.

Não importa quão diferentes em gênero e escala do trabalho de Shostakovich no cinema e no teatro, eles estão unidos por um característica comum- a música cria suas próprias "séries sinfônicas" da incorporação de idéias e personagens, influenciando a atmosfera de um filme ou performance.

O destino dos balés foi infeliz. Aqui a culpa recai inteiramente sobre o roteiro inferior. Mas a música, dotada de imagens vivas, humor, soando brilhantemente na orquestra, foi preservada na forma de suítes e ocupa lugar de destaque no repertório dos concertos sinfônicos. A PARTIR DE grande sucesso em muitos palcos da União Soviética teatros musicais há um balé "A Moça e o Hooligan" com música de D. Shostakovich baseado no libreto de A. Belinsky, que tomou como base o roteiro de V. Mayakovsky.

Dmitri Shostakovich fez uma grande contribuição para o gênero concerto instrumental. Primeiro escrito concerto de piano em C menor com trompete solo (1933). Com sua juventude, travessura e angularidade jovem e encantadora, o concerto é uma reminiscência da Primeira Sinfonia. Quatorze anos depois, um concerto para violino, profundo em pensamento, magnífico em escopo, em brilho virtuoso, aparece; seguido, em 1957, pelo Segundo Concerto para Piano, dedicado a seu filho, Maxim, projetado para desempenho infantil. A lista da literatura de concerto escrita por Shostakovich é completada pelos Concertos para Violoncelo (1959, 1967) e pelo Segundo Concerto para Violino (1967). Esses concertos são muito menos projetados para "arrebatamento com brilhantismo técnico". Em termos de profundidade de pensamento e dramaturgia intensa, elas ocupam um lugar próximo às sinfonias.

A lista de obras apresentada neste ensaio inclui apenas as obras mais típicas nos principais gêneros. Dezenas de nomes em diferentes seções de criatividade permaneceram fora da lista.

Seu caminho para o mundo glória é o caminho um de os maiores músicos do século XX, estabelecendo com ousadia novos marcos no mundo cultura musical. Seu caminho para a fama mundial, o caminho de uma daquelas pessoas para quem viver significa estar no meio dos acontecimentos de cada um em seu tempo, mergulhar profundamente no sentido do que está acontecendo, tomar uma posição justa nas disputas , embates de opiniões, na luta e responde com toda a força de seus gigantescos dons por tudo o que é expresso por uma grande palavra - Vida.

Para compor música Shostakovich começou quando ele tinha apenas nove anos de idade. Depois de visitar a ópera Rimsky-Korsakov"O Conto do Czar Saltan", o menino declarou seu desejo de se envolver seriamente na música e entrou no Ginásio Comercial de Maria Shidlovskaya.

Por muitos anos ele trabalhou ativamente em sinfonias e óperas. Em janeiro de 1936, a ópera "Katerina Izmailova", música para a qual Dmitri Shostakovich escreveu, visitou-se Joseph Stalin. A obra chocou o ditador, cujo gosto foi criado pelos clássicos populares e pela música folclórica. Sua reação encontrou expressão em um editorial "Confusão em vez de música", que durante anos determinou o desenvolvimento da música soviética. A maioria das obras de Shostakovich, escritas antes de 1936, praticamente desapareceram da vida cultural do país.

Em fevereiro de 1948, foi publicado o Decreto do Comitê Central do Partido Comunista de Toda União dos Bolcheviques sobre a ópera de Muradeli "A Grande Amizade", na qual a música dos maiores compositores soviéticos(incluindo Prokofiev, Shostakovich e Khachaturian) foi declarado "formalista" e "estranho para o povo soviético". Nova onda os ataques a Shostakovich na imprensa superaram em muito os que surgiram em 1936. O compositor, obrigado a se submeter ao ditado e "percebendo seus erros", executou o oratório Canção das Florestas (1949), a cantata O Sol Brilha Sobre Nossa Pátria (1952), além de músicas de filmes de caráter histórico e militar-patriótico conteúdo, o que facilitou em parte sua posição.

Ciclos vocais e composições para piano Shostakovich entrou no tesouro mundial da arte musical, mas acima de tudo ele era um brilhante sinfonista. Foi nas suas sinfonias que tentou traduzir a história do século XX, com todas as suas tragédias e sofrimentos, para a linguagem da música. "Noite Moscou" traz à sua atenção uma seleção dos mais famosos deles.

Sinfonia nº 1

Primeiro pra valer trabalho original Shostakovich tornou-se seu trabalho de graduação. Após sua estreia em Leningrado em 12 de maio de 1926, os críticos falaram de Shostakovich como um artista capaz de preencher o vazio que se formou na música russa após a emigração de Rachmaninov, Stravinsky e Prokofiev. Os ouvintes ficaram maravilhados quando, após uma tempestade de aplausos, um jovem, quase um menino com um tufo teimoso na cabeça, subiu ao palco para se curvar.

Já nesta partitura juvenil, manifestava-se a propensão de Shostakovich à ironia e ao sarcasmo, aos contrastes súbitos e dramáticos, ao uso generalizado de motivos-símbolos, muitas vezes submetidos a transformações figurativas e semânticas radicais. Em 1927, a Primeira Sinfonia de Shostakovich foi apresentada em Berlim, depois na Filadélfia e em Nova York. Foi incluído no repertório dos maiores maestros do mundo. Assim, o menino de dezenove anos entrou para a história da música.

Sinfonia nº 7

Estar nos primeiros meses da Grande Guerra Patriótica em Leningrado (até a evacuação para Kuibyshev em outubro), Shostakovich começou a trabalhar na sétima sinfonia - "Leningrado". Ele terminou em dezembro de 1941 e, em 5 de março de 1942, a estréia da sinfonia ocorreu em Kuibyshev. Concertos também foram realizados em Moscou e Novosibirsk, mas a performance verdadeiramente lendária da sinfonia ocorreu em Leningrado sitiada. Os músicos foram chamados de unidades militares, alguns deles tiveram que ser levados ao hospital antes do início dos ensaios para serem alimentados e tratados. No dia em que a sinfonia foi executada, 9 de agosto de 1942, todas as forças de artilharia da cidade sitiada foram enviadas para suprimir os pontos de tiro inimigos - nada deveria ter interferido na estreia significativa.

É curioso o que escreveu Alexei Tolstoy sobre a sinfonia: “A Sétima Sinfonia é dedicada ao triunfo do humano no homem. pensamento musical Shostakovich - nas formidáveis ​​noites escuras de Leningrado, sob o rugido das explosões, no brilho dos incêndios, levou-o a escrever este trabalho franco.

Sinfonia nº 10

A Décima Sinfonia, uma das composições autobiográficas mais pessoais de Shostakovich, foi composta em 1953. Ela era esperada como a apoteose da vitória, mas recebeu algo estranho, ambíguo, que causou tanto perplexidade quanto críticas de crítica. Ela dentro música soviética abriu simbolicamente a era do "degelo". Foi uma confissão profundamente íntima de um artista que defendeu seu "eu" em uma oposição desesperada, quase sem esperança, ao stalinismo. Seguindo-a na obra de Shostakovich veio uma crise que durou vários anos.

Tudo estava em seu destino - reconhecimento internacional e ordens domésticas, fome e perseguição às autoridades. Dele herança criativa sem precedentes na cobertura do gênero: sinfonias e óperas, quartetos de cordas e concertos, balés e trilhas sonoras de filmes. Um inovador e um clássico, criativamente emocional e humanamente modesto - Dmitry Dmitrievich Shostakovich. O compositor é um clássico do século XX, um grande maestro e artista brilhante que viveu os tempos difíceis em que teve de viver e criar. Ele levou a sério os problemas de seu povo, em suas obras pode-se ouvir claramente a voz de um lutador contra o mal e um defensor contra a injustiça social.

Leia uma breve biografia de Dmitry Shostakovich e muitos fatos interessantes sobre o compositor em nossa página.

Breve biografia de Shostakovich

Na casa onde Dmitry Shostakovich veio a este mundo em 12 de setembro de 1906, agora existe uma escola. E então - tenda de teste da cidade, que estava a cargo de seu pai. Da biografia de Shostakovich, aprendemos que aos 10 anos, sendo estudante do ensino médio, Mitya toma uma decisão categórica de escrever música e apenas 3 anos depois se torna aluno do conservatório.

O início dos anos 20 foi difícil - o tempo de fome foi agravado por sua grave doença e a morte súbita de seu pai. O Diretor do Conservatório mostrou grande participação no destino de um estudante talentoso AK Glazunov quem o nomeou bolsa de estudos aumentada e reabilitação pós-operatória organizada na Crimeia. Shostakovich lembrou que foi a pé para estudar apenas porque não conseguiu entrar no bonde. Apesar das dificuldades de saúde, em 1923 formou-se pianista e, em 1925, compositor. Apenas dois anos depois, sua Primeira Sinfonia é tocada pelas melhores orquestras do mundo sob a direção de B. Walter e A. Toscanini.

Possuindo uma incrível capacidade de trabalho e auto-organização, Shostakovich escreve rapidamente seus próximos trabalhos. Em sua vida pessoal, o compositor não estava inclinado a tomar decisões precipitadas. A tal ponto que ele permitiu que a mulher com quem teve um relacionamento próximo por 10 anos, Tatyana Glivenko, se casasse com outra por causa de sua relutância em decidir sobre o casamento. Ele propôs a astrofísica Nina Varzar, e o casamento repetidamente adiado finalmente aconteceu em 1932. Após 4 anos, a filha Galina apareceu, depois de outros 2 - filho Maxim. De acordo com a biografia de Shostakovich, desde 1937 ele se tornou professor e depois professor no conservatório.

A guerra trouxe não apenas tristeza e tristeza, mas também uma nova inspiração trágica. Junto com seus alunos, Dmitry Dmitrievich queria ir para a frente. Quando eles não me deixaram entrar, eu queria ficar na minha amada Leningrado cercada pelos nazistas. Mas ele e sua família foram levados quase à força para Kuibyshev (Samara). O compositor não retornou à sua cidade natal, após a evacuação ele se estabeleceu em Moscou, onde continuou ensinando. O decreto “Sobre a ópera A Grande Amizade de V. Muradeli” emitido em 1948 declarou Shostakovich um “formalista”, e seu trabalho era anti-povo. Em 1936, já tentaram chamá-lo de “inimigo do povo” após artigos críticos no Pravda sobre “Lady Macbeth do distrito de Mtsensk” e “The Bright Path”. Essa situação acabou de fato com as pesquisas posteriores do compositor nos gêneros de ópera e balé. Mas agora não só o público, mas a própria máquina estatal caiu sobre ele: ele foi demitido do conservatório, privado de sua cátedra, parou de publicar e executar composições. No entanto, era impossível não notar um criador desse nível por muito tempo. Em 1949, Stalin pediu-lhe pessoalmente para ir aos EUA com outras figuras culturais, devolvendo todos os privilégios selecionados para consentimento, em 1950 recebeu o Prêmio Stalin pela cantata Song of the Forests e em 1954 tornou-se Artista do Povo URSS.

No final do mesmo ano, Nina Vladimirovna morreu repentinamente. Shostakovich encarou essa derrota com força. Ele era forte em sua música, mas fraco e indefeso em assuntos cotidianos, cujo fardo sempre era suportado por sua esposa. Provavelmente, é justamente o desejo de reorganizar a vida que explica seu novo casamento apenas um ano e meio depois. Margarita Kainova não compartilhava os interesses do marido, não apoiava seu círculo social. O casamento durou pouco. Ao mesmo tempo, o compositor conheceu Irina Supinskaya, que depois de 6 anos se tornou sua terceira e última esposa. Ela era quase 30 anos mais nova, mas essa união quase não foi caluniada pelas costas - o círculo íntimo do casal entendeu que o gênio de 57 anos estava perdendo a saúde aos poucos. Logo no show, sua mão direita começou a ser retirada, e então o diagnóstico final foi feito nos EUA - a doença é incurável. Mesmo quando Shostakovich lutava a cada passo, isso não impedia sua música. O último dia de sua vida foi 9 de agosto de 1975.

Fatos interessantes sobre Shostakovich

• Shostakovich era um ávido fã do clube de futebol Zenit e até mantinha um caderno de todos os jogos e gols. Seus outros hobbies eram cartas - ele jogava paciência o tempo todo e gostava de jogar "rei", além disso, exclusivamente por dinheiro e vício em fumar.
• O prato preferido do compositor eram os bolinhos caseiros feitos com três tipos de carne.
• Dmitry Dmitrievich trabalhou sem piano, sentou-se à mesa e escreveu as notas no papel imediatamente em plena orquestração. Ele possuía uma capacidade de trabalho tão singular que poderia pouco tempo reescrever completamente sua redação.
• Shostakovich procurou por muito tempo o retorno ao palco de "Lady Macbeth do distrito de Mtsensk". Em meados da década de 1950, ele fez uma nova edição da ópera, chamando-a de Katerina Izmailova. Apesar de um apelo direto a V. Molotov, a produção foi novamente proibida. Somente em 1962 a ópera viu o palco. Em 1966, o filme de mesmo nome foi lançado com Galina Vishnevskaya no papel-título.

• Para expressar todas as paixões sem palavras na música de “Lady Macbeth do distrito de Mtsensk”, Shostakovich usou novas técnicas quando os instrumentos chiaram, tropeçaram e fizeram barulho. Ele criou símbolos formas de som, dotando os personagens de uma aura única: uma flauta alto para Zinovy ​​Borisovich, contrabaixo para Boris Timofeevich, violoncelo para Serguei, oboé e clarinete - para Catarina.
• Katerina Izmailova é um dos papéis mais populares do repertório operístico.

• Shostakovich é um dos 40 compositores de ópera mais tocados no mundo. Mais de 300 apresentações de suas óperas são dadas anualmente.
• Shostakovich é o único dos "formalistas" que se arrependeu e realmente renunciou ao seu trabalho anterior. Isso causou atitude diferente para ele dos colegas, e o compositor explicou sua posição pelo fato de que, caso contrário, ele não teria mais permissão para trabalhar.
• O primeiro amor do compositor, Tatyana Glivenko, foi calorosamente recebido pela mãe e irmãs de Dmitry Dmitrievich. Quando ela se casou, Shostakovich a convocou com uma carta de Moscou. Ela chegou a Leningrado e ficou na casa dos Shostakovich, mas ele não conseguiu convencê-la a deixar o marido. Deixou tentativas de reatar relações somente após a notícia da gravidez de Tatiana.
• Uma das canções mais famosas escritas por Dmitry Dmitrievich soou no filme de 1932 "Counter". Chama-se - "A Canção do Contador".
• Por muitos anos, o compositor foi deputado do Soviete Supremo da URSS, recebeu "eleitores" e, da melhor maneira possível, tentou resolver seus problemas.

• Nina Vasilievna Shostakovich gostava muito de tocar piano, mas depois do casamento ela parou, explicando que seu marido não gostava de amadorismo.
• Maxim Shostakovich lembra que viu seu pai chorar duas vezes - quando sua mãe morreu e quando ele foi forçado a participar da festa.
• Nas memórias publicadas dos filhos, Galina e Maxim, o compositor aparece como um pai sensível, carinhoso e amoroso. Apesar de sua constante ocupação, ele passava um tempo com eles, levava-os ao médico e até tocava músicas populares de dança no piano durante as festas infantis em casa. Vendo que sua filha não gostava de tocar o instrumento, ele permitiu que ela não aprendesse mais a tocar piano.
• Irina Antonovna Shostakovich lembrou que durante a evacuação para Kuibyshev ela e Shostakovich moravam na mesma rua. Ele escreveu a Sétima Sinfonia lá, e ela tinha apenas 8 anos.
• A biografia de Shostakovich diz que em 1942 o compositor participou de um concurso para compor o hino da União Soviética. Também participou da competição A. Khachaturyan. Depois de ouvir todas as obras, Stalin pediu aos dois compositores para comporem um hino juntos. Eles fizeram isso, e seu trabalho entrou na final, junto com os hinos de cada um deles, variantes de A. Alexandrov e do compositor georgiano I. Tuski. No final de 1943, a escolha final foi feita, foi a música de A. Aleksandrov, anteriormente conhecido como o "Hino do Partido Bolchevique".
• Shostakovich tinha um ouvido único. Estando presente nos ensaios orquestrais de suas obras, ele ouvia imprecisões na execução de uma nota sequer.

• Nos anos 30, o compositor esperava ser preso todas as noites, então colocou uma mala com o essencial ao lado da cama. Naqueles anos, muitas pessoas de sua comitiva foram baleadas, incluindo o mais próximo - o diretor Meyerhold, marechal Tukhachevsky. O sogro e o marido da irmã mais velha foram exilados para o campo, e a própria Maria Dmitrievna foi enviada para Tashkent.
• O oitavo quarteto, escrito em 1960, foi dedicado pelo compositor à sua memória. Ele abre com um anagrama musical de Shostakovich (D-Es-C-H) e contém os temas de muitas de suas obras. A dedicatória "indecente" teve que ser mudada para "Em memória das vítimas do fascismo". Ele compôs essa música em lágrimas depois de entrar na festa.

Criatividade de Dmitry Shostakovich

A mais antiga das obras sobreviventes do compositor, o fis-moll Scherzo, é datada do ano em que entrou no conservatório. Durante seus estudos, sendo também pianista, Shostakovich escreveu muito para este instrumento. trabalho de formatura passou a ser Primeira Sinfonia. Este trabalho foi um sucesso incrível, e o mundo inteiro aprendeu sobre o jovem compositor soviético. A inspiração de seu próprio triunfo resultou nas seguintes sinfonias - a Segunda e a Terceira. Eles são unidos pela forma inusitada - ambos têm partes corais baseadas em poemas de poetas reais da época. No entanto, o próprio autor mais tarde reconheceu esses trabalhos como malsucedidos. Desde o final da década de 1920, Shostakovich escreve música para filmes e teatro dramático- para ganhar dinheiro e não obedecer ao impulso criativo. No total, ele projetou mais de 50 filmes e performances de diretores excepcionais - G. Kozintsev, S. Gerasimov, A. Dovzhenko, Vs. Meyerhold.

Em 1930, ocorreram as estreias de sua primeira ópera e balé. E " Nariz"de acordo com a história de Gogol, e" era de ouro» sobre o tema das aventuras da União Soviética time de futebol no oeste hostil recebeu críticas ruins dos críticos e depois de pouco mais de uma dúzia de apresentações em longos anos saiu do palco. O próximo balé também não teve sucesso, “ Parafuso". Em 1933, o compositor executou a parte de piano na estreia de seu Concerto para Piano de estreia, em que a segunda parte solo foi entregue ao trompete.

Dentro de dois anos, a ópera " Lady Macbeth do distrito de Mtsensk”, que foi realizada em 1934 quase simultaneamente em Leningrado e Moscou. O diretor de atuação da capital foi V.I. Nemirovitch-Danchenko. Um ano depois, "Lady Macbeth..." cruzou as fronteiras da URSS, conquistando os palcos da Europa e da América. O público ficou encantado com a primeira ópera clássica soviética. Assim como do novo balé do compositor "The Bright Stream", que tem um libreto de pôster, mas é repleto de magníficas músicas de dança. O fim de um sucesso vida de palco Essas apresentações foram encenadas em 1936 após uma visita à ópera de Stalin e artigos subsequentes no jornal Pravda "Confusão em vez de música" e "Falsidade do balé".

No final do mesmo ano, a estreia de um novo Quarta sinfonia, os ensaios orquestrais estavam acontecendo na Filarmônica de Leningrado. No entanto, o concerto foi cancelado. O próximo 1937 não trazia expectativas otimistas - as repressões estavam ganhando força no país, uma das pessoas próximas a Shostakovich, o marechal Tukhachevsky, foi baleada. Esses eventos deixaram sua marca na música trágica Quinta Sinfonia. Na estreia em Leningrado, o público, sem conter as lágrimas, organizou uma ovação de quarenta minutos para o compositor e a orquestra dirigida por E. Mravinsky. A mesma formação de artistas dois anos depois tocou a Sexta Sinfonia, a última grande obra pré-guerra de Shostakovich.

Em 9 de agosto de 1942, ocorreu um evento sem precedentes - uma apresentação no Grande Salão do Conservatório de Leningrado Sétima ( "Leningrado") sinfonia. O discurso foi transmitido pelo rádio para o mundo inteiro, abalando a coragem dos habitantes da cidade ininterrupta. O compositor escreveu esta música tanto antes da guerra como durante os primeiros meses do bloqueio, terminando em evacuação. No mesmo local, em Kuibyshev, em 5 de março de 1942, com uma orquestra Teatro Bolshoi a sinfonia foi tocada pela primeira vez. No aniversário do início da Grande Guerra Patriótica, foi realizada em Londres. Em 20 de julho de 1942, um dia após a estreia da sinfonia em Nova York (regida por A. Toscanini), a revista Time saiu com um retrato de Shostakovich na capa.

A Oitava Sinfonia, escrita em 1943, foi criticada por seu clima trágico. E o Nono, que estreou em 1945 - pelo contrário, para "leveza". Após a guerra, o compositor trabalhou em música para filmes, composições para piano e cordas. 1948 pôs fim à execução das obras de Shostakovich. Os ouvintes conheceram a próxima sinfonia apenas em 1953. E a Décima Primeira Sinfonia em 1958 foi um incrível sucesso de público e recebeu o Prêmio Lenin, após o qual o compositor foi totalmente reabilitado pela resolução do Comitê Central sobre a abolição do “ resolução formalista”. A décima segunda sinfonia foi dedicada a V.I. Lenin, e os dois seguintes tiveram forma incomum: eles foram criados para solistas, coro e orquestra - o décimo terceiro para os versos de E. Yevtushenko, o décimo quarto - para os versos de vários poetas, unidos pelo tema da morte. A décima quinta sinfonia, que se tornou a última, nasceu no verão de 1971, sua estréia foi conduzida pelo filho do autor, Maxim Shostakovich.

Em 1958, o compositor assume a orquestração de " Khovanshchina". Sua versão da ópera estava destinada a se tornar a mais popular nas próximas décadas. Shostakovich, contando com o cravo restaurado do autor, conseguiu limpar a música de Mussorgsky de camadas e interpretações. Trabalho semelhante foi realizado por ele vinte anos antes com " Boris Godunov". Em 1959, ocorreu a estréia da única opereta de Dmitry Dmitrievich - “ Moscou, Cheryomushki”, o que causou surpresa e foi aceito com entusiasmo. Três anos depois, com base no trabalho, um filme musical popular foi lançado. Aos 60-70 anos, o compositor escreve quartetos de 9 cordas, trabalha muito trabalhos vocais. O último ensaio O gênio soviético foi a Sonata para Viola e Piano, apresentada pela primeira vez após sua morte.

Dmitry Dmitrievich escreveu música para 33 filmes. "Katerina Izmailova" e "Moscou, Cheryomushki" foram filmados. No entanto, ele sempre dizia a seus alunos que escrever para o cinema só era possível sob a ameaça de fome. Apesar do fato de que ele compôs a música do filme apenas por causa de uma taxa, ela contém muitas melodias de incrível beleza.

Entre seus filmes:

• "Contador", diretores F. Ermler e S. Yutkevich, 1932
• Trilogia sobre Maxim dirigido por G. Kozintsev e L. Trauberg, 1934-1938
• "Homem com uma arma", dirigido por S. Yutkevich, 1938
• "Jovem Guarda", dirigido por S. Gerasimov, 1948
• "Encontro no Elba", diretor G. Alexandrov, 1948
• O Gadfly, dirigido por A. Feinzimmer, 1955
• Hamlet, diretor G. Kozintsev, 1964
• "Rei Lear", diretor G. Kozintsev, 1970

A indústria cinematográfica moderna costuma usar a música de Shostakovich para criar partituras musicais para filmes:

A figura de Shostakovich ainda é tratada de forma ambígua, chamando-o de gênio ou oportunista. Ele nunca se manifestou abertamente contra o que estava acontecendo, percebendo que ao fazê-lo perderia a oportunidade de escrever música, que era o principal negócio de sua vida. Essa música, mesmo décadas depois, fala com eloquência tanto da personalidade do compositor quanto de sua atitude em relação à sua época terrível.

Vídeo: assista a um filme sobre Shostakovich

• "Moscou, Cheryomushki", opereta em três atos com libreto de V. Mass e M. Chervinsky, Op. 105 (1957-1958)

balés

Música para apresentações teatrais

• "Tomada", música para a peça de A. Bezymensky, Op. 24. (1929). Estreia - 14 de dezembro de 1929, Leningrado, Teatro da Juventude Trabalhadora

• "Virgem", música para a peça de A. Gorbenko e N. Lvov, Op. 25 (1930); pontuação é perdida. Estreia - 9 de maio de 1930, Leningrado, Teatro da Juventude Trabalhadora

• "Regra Britânia", música para a peça de A. Petrovsky, op. 28 (1931). Estreia - 9 de maio de 1931, Leningrado, Teatro da Juventude Trabalhadora

• "Condicionalmente morto", música para a peça de V. Voevodin e E. Riess, Op. 31 (1931). Estreia - 2 de outubro de 1931, Leningrado, Music Hall

• "Aldeia", música para a tragédia de W. Shakespeare, Op. 32 (1931-1932). Estreia - 19 de maio de 1932, Moscou, Teatro. Vakhtangov

• "A Comédia Humana", música para a peça de P. Sukhotin baseada nos romances de O. de Balzac, Op. 37 (1933-1934). Estreia - 1 de abril de 1934, Moscou, Teatro. Vakhtangov

• "Saudações, Espanha!", música para a peça de A. Afinogenov, Op. 44 (1936). Estreia - 23 de novembro de 1936, Leningrado, Teatro Dramático. Pushkin

• "Rei Lear", música para a tragédia de W. Shakespeare, Op. 58a (1941). Estreia - 24 de março de 1941, Leningrado

• "Pátria", música para a peça, Op. 63 (1942). Estreia - 7 de novembro de 1942, Moscou, Dzerzhinsky Central Club

• "Rio russo", música para a peça, Op. 66 (1944). Estreia - 17 de abril de 1944, Moscou, Dzerzhinsky Central Club

• "Primavera da Vitória", duas canções para a interpretação dos versos de M. Svetlov, op. 72 (1946). Estreia - 8 de maio de 1946, Moscou, Dzerzhinsky Central Club

• "Aldeia", música para a tragédia de W. Shakespeare (1954). Estreia - 31 de março de 1954, Leningrado, Teatro Dramático. Pushkin

Música de filme

• "New Babylon" (filme mudo; diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), Op. 18 (1928-1929)
• “One” (dirigido por G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 26 (1930-1931)
• "Montanhas Douradas" (diretor S. Yutkevich), op. 30 (1931)
• "Counter" (dirigido por F. Ermler e S. Yutkevich), op. 33 (1932)

• “O Conto do Sacerdote e Seu Operário Balda” (diretor M. Tsekhanovsky), Op. 36 (1933-1934). O trabalho não está terminado
• "Amor e Ódio" (diretor A. Gendelstein), op. 38 (1934)
• A Juventude de Maxim (dirigido por G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 41 (1934)
• “Namoradas” (dirigido por L. Arnshtam), Op. 41a (1934-1935)
• O Retorno de Maxim (dirigido por G. Kozintsev e L. Trauberg), Op. 45 (1936-1937)
• Volochaev Days (dirigido por G. e S. Vasiliev), op. 48 (1936-1937)
• The Vyborg Side (dirigido por G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 50 (1938)
• "Amigos" (diretor L. Arnshtam), op. 51 (1938)
• O Grande Cidadão (diretor F. Ermler), Op. 52 (episódio 1, 1937) e 55 (episódio 2, 1938-1939)
• “Man with a Gun” (dirigido por S. Yutkevich), Op. 53 (1938)
• "Stupid Mouse" (diretor M. Tsekhanovsky), op. 56 (1939)
• "As Aventuras de Korzinkina" (diretor K. Mints), op. 59 (1940-1941)
• Zoya (dirigido por L. Arnshtam), Op. 64 (1944)
• Ordinary People (dirigido por G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 71 (1945)
• A Jovem Guarda (dirigido por S. Gerasimov), Op. 75 (1947-1948)
• "Pirogov" (diretor G. Kozintsev), op. 76 (1947)
• Michurin (dirigido por A. Dovzhenko), Op. 78 (1948)
• “Encontro no Elba” (diretor G. Alexandrov), Op. 80 (1948)
• A Queda de Berlim (diretor M. Chiaureli), Op. 82 (1949)
• Belinsky (dirigido por G. Kozintsev), Op. 85 (1950)
• "Inesquecível 1919" (diretor M. Chiaureli), op. 89 (1951)
• Canção dos Grandes Rios (dirigido por J. Ivens), op. 95 (1954)
• The Gadfly (dirigido por A. Feinzimmer), op. 97 (1955)
• O Primeiro Escalão (dirigido por A. Feinzimmer), Op. 99 (1955-1956)
• "Khovanshchina" (filme-ópera - orquestração da ópera de M. P. Mussorgsky), op. 106 (1958-1959)
• "Cinco Dias - Cinco Noites" (diretor L. Arnshtam), op. 111 (1960)
• Cheryomushki (baseado na opereta Moscou, Cheryomushki; diretor G. Rappaport) (1962)
• Hamlet (dirigido por G. Kozintsev), Op. 116 (1963-1964)
• “A Year Like Life” (dirigido por G. Roshal), Op. 120 (1965)
• "Katerina Izmailova" (baseado na ópera; diretor M. Shapiro) (1966)
• "Sofya Perovskaya" (diretor L. Arnshtam), op. 132 (1967)
• Rei Lear (dirigido por G. Kozintsev), Op. 137 (1970)

Composições para orquestra

Sinfonias

• Sinfonia nº 1 em fá menor, Op. 10 (1924-1925). Estreia - 12 de maio de 1926, Leningrado, Grande Sala da Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro

• Sinfonia nº 2 em H-dur "Outubro", Op. 14, com o refrão final às palavras de A. Bezymensky (1927). Estreia - 5 de novembro de 1927, Leningrado, Grande Sala da Filarmônica. Orquestra e coro da Filarmônica de Leningrado, maestro N. Malko

• Sinfonia nº 3 Es-dur "May Day", Op. 20, com coro final às palavras de S. Kirsanov (1929). Estreia - 21 de janeiro de 1930, Leningrado. Orquestra e coro da Filarmônica de Leningrado, maestro

• Sinfonia nº 5 em d-moll, Op. 47 (1937). Estreia - 21 de novembro de 1937, Leningrado, Grande Salão da Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro

• Sinfonia nº 6 em h-moll, Op. 54 (1939) em três partes. Estreia - 21 de novembro de 1939, Leningrado, Grande Salão da Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 8 em c-moll, Op. 65 (1943), dedicado a E. Mravinsky. Estreia - 4 de novembro de 1943, Moscou, Grande Salão do Conservatório. Acadêmico Estadual Orquestra Sinfónica URSS, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia No. 9 Es-dur, Op. 70 (1945) em cinco partes. Estreia - 3 de novembro de 1945, Leningrado, Grande Sala da Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 11 em g-moll "1905", Op. 103 (1956-1957). Estreia - 30 de outubro de 1957, Moscou, Grande Salão do Conservatório. Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado da URSS, maestro N. Rakhlin

• Sinfonia nº 12 em d-moll "1917", Op. 112 (1959-1961), dedicado à memória de V. I. Lenin. Estreia - 1 de outubro de 1961, Leningrado, o Grande Salão da Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 14, Op. 135 (1969) em onze movimentos, para soprano, baixo, cordas e percussão em versos, e. Estreia - 29 de setembro, Leningrado, Grande Salão da Academia Glinka de Arte Coral. (soprano), E. Vladimirov (baixo), Orquestra de Câmara de Moscou, maestro.

Concertos

• Concerto para Piano (cordas e solista) Nº 1 c-moll, Op. 35 (1933). Estreia - 15 de outubro de 1933, Leningrado, o Grande Salão da Filarmônica. D. Shostakovich (piano), A. Schmidt (trompete), Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro.

• Concerto para Piano No. 2 em Fá-dur, Op. 102 (1957). Estreia - 10 de maio de 1957, Moscou, Grande Salão do Conservatório. M. Shostakovich (piano), Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado da URSS, maestro N. Anosov.

• Concerto para violino nº 1 a-moll, Op. 77 (1947-1948). Estreia - 29 de outubro de 1955, Leningrado, Grande Sala da Filarmônica. (violino), Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Concerto para violino nº 2 cis-moll, Op. 129 (1967). Estreia - 26 de setembro de 1967, Moscou, Grande Salão do Conservatório. D. Oistrakh (violino), Orquestra Filarmônica de Moscou, maestro K. Kondrashin

• Concerto para Violoncelo No. 1 Es-dur, Op. 107 (1959). Estreia - 4 de outubro de 1959, Leningrado, Grande Sala da Filarmônica. (violoncelo), Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Concerto para Violoncelo No. 2 em G-dur, Op. 126 (1966). Estreia - 25 de setembro de 1966, Moscou, Grande Salão do Conservatório. M. Rostropovich (violoncelo), maestro

Outros trabalhos

• Scherzo fis-moll, Op. 1 (1919)
• Tema e Variações em B-dur, Op. 3 (1921-1922)
• Scherzo Es-dur, Op. 7 (1923-1924)
• Suite da ópera "O Nariz" para tenor e barítono e orquestra, Op. 15a (1928)
• Suíte do balé A Idade de Ouro, Op. 22a (1930)
• Duas peças para a ópera "Poor Columbus", de E. Dressel, op. 23 (1929)
• Suíte do balé "The Bolt" (Suíte de Balé No. 5), Op. 27a (1931)
• Suite da música para o filme As Montanhas Douradas, Op. 30a (1931)
• Suite da música ao filme Hamlet, Op. 32a (1932)
• Suite No. 1 para orquestra de variedades (1934)
• Cinco Fragmentos, Op. 42 (1935)
• Suite No. 2 para orquestra de variedades (1938)
• Suite de música para filmes sobre Maxim (coro e orquestra; arranjado por A. Atovmyan), Op. 50a (1961)
• Marcha solene para banda de metais (1942)
• Suite da música para o filme "Zoya" (com coro; arranjado por A. Atovmyan), Op. 64a (1944)
• Suite da música para o filme "The Young Guard" (organizado por A. Atovmyan), Op. 75a (1951)
• Suite da música para o filme "Pirogov" (arranjado por A. Atovmyan), Op. 76a (1951)
• Suite da música para o filme "Michurin" (organizado por A. Atovmyan), Op. 78a (1964)

Composições de coro

• "De Karl Marx aos dias atuais", poema sinfônico com as palavras de N. Aseev para vozes solo, coro e orquestra (1932), inacabado, perdido
• "Juramento ao Comissário do Povo" às palavras de V. Sayanov para baixo, coro e piano (1941)

• Canção da Divisão de Guardas ("The Fearless Guards Regiments Are Coming") com as palavras de Rakhmilevich para baixo, coro e piano (1941)
• "Glória, Pátria dos Sovietes" com as palavras de E. Dolmatovsky para coro e piano (1943)
• "Black Sea" para as palavras de S. Alimov e N. Verkhovsky para baixo, coro masculino e piano (1944)
• “Canção de Zadravnaya sobre a pátria” com as palavras de I. Utkin para tenor, coro e piano (1944)

• Poema sobre a Pátria, cantata para mezzo-soprano, tenor, dois barítonos, baixo, coro e orquestra, Op. 74 (1947)
• "Paraíso anti-formalista" para quatro baixos, um leitor, coro e piano (1948/1968)

• "Canção das Florestas", oratório para as palavras de E. Dolmatovsky para tenor, baixo, coro de meninos, coro misto e orquestra, Op. 81 (1949)
• "Our Song" para as palavras de K. Simonov para baixo, coro e piano (1950)
• "Marcha da Paz" com letra de K. Simonov para tenor, coro e piano (1950)
• Dez canções para palavras por poetas revolucionários para coro desacompanhado (1951)

• “O sol brilha sobre nossa pátria”, cantata com palavras de E. Dolmatovsky para coro de meninos, coro misto e orquestra, Op. 90 (1952)
• "Nós Glorificamos a Pátria" (palavras de V. Sidorov) para coro e piano (1957)
• “Guardamos as auroras de outubro em nossos corações” (palavras de V. Sidorov) para coro e piano (1957)
• Dois tratamentos de russos músicas folk para coro desacompanhado, Op. 104 (1957)
• October Dawn (palavras de V. Kharitonov) para coro e piano (1957)

• "A Execução de Stepan Razin", poema sinfônico vocal para as palavras de E. Yevtushenko para baixo, coro e orquestra, Op. 119 (1964)

• "Lealdade", oito baladas às palavras de E. Dolmatovsky para coro masculino sem acompanhamento, Op. 136 (1970)

Composições para voz com acompanhamento

• Duas Fábulas de Krylov para mezzo-soprano, coro e orquestra, Op. 4 (1922)
• Seis romances sobre poemas de poetas japoneses para tenor e orquestra, Op. 21 (1928–1932)
• Quatro romances sobre poemas de A. S. Pushkin para baixo e piano, Op. 46 (1936–1937)

• Seis romances sobre versos de poetas britânicos, traduzidos por B. Pasternak e S. Marshak para baixo e piano, Op. 62 (1942). Mais tarde orquestrado e publicado como Op. 62a (1943), segunda versão da orquestração - como Op. 140 (1971)
• "Canção Patriótica" com as palavras de Dolmatovsky (1943)
• "Canção do Exército Vermelho" com as palavras de M. Golodny (1943), junto com A. Khachaturian

• "From Jewish Folk Poetry" para soprano, contralto, tenor e piano, Op. 79 (1948). Mais tarde orquestrado e publicado como Op. 79a
• Dois romances em versos de M. Yu. Lermontov para voz e piano, Op. 84 (1950)
• Quatro canções para palavras de E. Dolmatovsky para voz e piano, Op. 86 (1950-1951)
• Quatro monólogos sobre poemas de A. S. Pushkin para baixo e piano, Op. 91 (1952)
• "Canções gregas" (traduzido por S. Bolotin e T. Sikorskaya) para voz e piano (1952-1953)
• "Songs of Our Days" para as palavras de E. Dolmatovsky para baixo e piano, Op. 98 (1954)
• "Houve beijos" com as palavras de E. Dolmatovsky para voz e piano (1954)

• Canções espanholas (traduzidas por S. Bolotin e T. Sikorskaya) para mezzo-soprano e piano, Op. 100 (1956)
• "Sátiras", cinco romances sobre palavras de Sasha Cherny para soprano e piano, Op. 109 (1960)
• Cinco romances sobre textos da revista "Crocodile" para baixo e piano, Op. 121 (1965)

• Prefácio à coleção completa de meus escritos e breve reflexão neste prefácio para baixo e piano, Op. 123 (1966)
• Sete Poemas de A. A. Blok para soprano e trio de piano, Op. 127 (1967)
• "Primavera, Primavera" em poemas de A. S. Pushkin para baixo e piano, Op. 128 (1967)
• Seis romances para baixo e orquestra de câmara, Op. 140 (após Op. 62; 1971)

• Seis poemas de M. I. Tsvetaeva para contralto e piano, Op. 143 (1973), orquestrado como Op. 143a

• Suite para palavras de Michelangelo Buonarotti, traduzida por A. Efros para baixo e piano, Op. 145 (1974), orquestrado como Op. 145a

Composições instrumentais de câmara

• Sonata para violoncelo e piano em d-moll, Op. 40 (1934). Primeira apresentação - 25 de dezembro de 1934, Leningrado. V. Kubatsky, D. Shostakovich