Franz Schubert nasceu em uma família professora, V. primeira infância mostrou habilidades musicais excepcionais. Aos sete anos estudou instrumentos diversos, canto, disciplinas teóricas e cantou na Capela da Corte sob a orientação deA. Salieri , que começou a ensinar-lhe o básico da composição. Aos dezessete anos, Schubert já era autor de peças para piano, miniaturas vocais, quartetos de cordas, uma sinfonia e a ópera O Castelo do Diabo.

Schubert foi um jovem contemporâneo de Beethoven. Ambos viveram em Viena, a sua obra coincide no tempo: “Margarita at the Spinning Wheel” e “The Forest King” têm a mesma idade das 7ª e 8ª sinfonias de Beethoven, e a sua 9ª sinfonia apareceu simultaneamente com “Unfinished” de Schubert.

No entanto, Schubert é representante de uma geração completamente nova de artistas.

Se a obra de Beethoven se formou sob a influência das ideias da Grande Revolução Francesa e incorporou o seu heroísmo, então a arte de Schubert nasceu numa atmosfera de decepção e fadiga, numa atmosfera da mais dura reação política. Todo o período de maturidade criativa de Schubert ocorre durante um período de supressão pelas autoridades de todos os movimentos revolucionários e de libertação nacional, supressão de quaisquer manifestações de pensamento livre. O que, claro, não poderia afetar a obra do compositor e determinar a natureza de sua arte.

Em sua obra não há obras relacionadas à luta por um futuro feliz para a humanidade. Sua música tem pouco humor heróico. Na época de Schubert já não se falava de problemas humanos universais, de reorganização do mundo. A luta por tudo parecia inútil. O mais importante parecia ser preservar a honestidade, a pureza espiritual e os valores do mundo espiritual.

Assim nasceu um movimento artístico chamado"romantismo". Esta é uma arte em que pela primeira vez o lugar central foi ocupado por um indivíduo com a sua singularidade, com as suas buscas, dúvidas e sofrimentos.

A obra de Schubert é o alvorecer do romantismo musical. Seu herói é um herói dos tempos modernos: não figura pública, não um orador, não um transformador ativo da realidade. Esta é uma pessoa infeliz e solitária, cujas esperanças de felicidade não podem se tornar realidade.

O tema principal de seu trabalho foitema de privação, desesperança trágica. Este tema não é inventado, é tirado da vida, refletindo o destino de uma geração inteira, incl. e o destino do próprio compositor. É curto caminho criativo Schubert faleceu na trágica obscuridade. Ele não gostou do sucesso natural de um músico desse calibre.

HERANÇA CRIATIVA

Entretanto, o legado criativo de Schubert é enorme. Pela intensidade da criatividade e pelo significado artístico da música, este compositor pode ser comparado a Mozart. Suas composições incluem óperas (10) e sinfonias, música instrumental de câmara e obras de cantata-oratório. Mas não importa quão notável seja a contribuição de Schubert para o desenvolvimento de vários gêneros musicais, na história da música seu nome está associado principalmente ao gênero canções românticas.

A música foi o elemento de Schubert, nela ele conseguiu algo inédito. Como observou Asafiev,“O que Beethoven realizou no campo da sinfonia, Schubert realizou no campo da canção-romance...”A coleção completa de obras da série de canções consiste em mais de 600 obras. Mas não é apenas uma questão de quantidade: ocorreu um salto qualitativo na obra de Schubert, permitindo que a canção ocupasse um lugar completamente novo entre os gêneros musicais. O gênero, que claramente desempenhava um papel secundário na arte dos clássicos vienenses, tornou-se igual em importância à ópera, à sinfonia e à sonata.

Toda a obra de Schubert está repleta de canções - ele mora em Viena, onde canções alemãs, italianas, ucranianas, croatas, tchecas, judaicas, húngaras e ciganas são cantadas em cada esquina. A música na Áustria daquela época era um fenômeno absolutamente cotidiano, vivo e natural. Todos tocavam e cantavam - mesmo nas casas dos camponeses mais pobres.

E As canções de Schubert rapidamente se espalharam por toda a Áustria em versões manuscritas - até a última aldeia nas montanhas. O próprio Schubert não os distribuiu - as notas com os textos foram copiadas e entregues uns aos outros pelos residentes da Áustria.

CRIATIVIDADE VOCAL

As canções de Schubert são a chave para a compreensão de toda a sua obra, porque... O compositor usou com ousadia o que ganhou enquanto trabalhava na música em gêneros instrumentais. Em quase todas as suas músicas, Schubert contou com imagens e meios expressivos emprestados das letras vocais. Se pudermos dizer sobre Bach que ele pensou em termos de fuga, Beethoven pensou em termos de sonata, então Schubert pensou em termos de"semelhante a uma canção".

Schubert costumava usar suas canções como material para obras instrumentais. Mas isso não é tudo. A música não é apenas um material,a canção como princípio -Isto é o que distingue significativamente Schubert de seus antecessores. Foi através da canção que o compositor enfatizou o que não era o principal em arte clássica– uma pessoa no aspecto de suas experiências pessoais imediatas. Os ideais clássicos da humanidade são transformados na ideia romântica de uma personalidade viva “como ela é”.

As formas das canções de Schubert são variadas, desde versos simples até versos completos, o que era novidade para a época. A forma transversal da canção permitiu o fluxo livre do pensamento musical e o acompanhamento detalhado do texto. Schubert escreveu mais de 100 canções em forma contínua (balada), incluindo “The Wanderer”, “The Warrior’s Premonition” da coleção “Swan Song”, “The Last Hope” de “ jornada de inverno"etc O auge do gênero balada -"Rei da Floresta" , criado no período inicial da criatividade, logo após “Gretchen at the Spinning Wheel”.

Dois ciclos de canções escritas pelo compositor nos últimos anos de sua vida ("Linda esposa do moleiro" em 1823, "Winterreise" - em 1827), constituem um dos culminares da suacriatividade. Ambos são baseados nas palavras do poeta romântico alemão Wilhelm Müller. Eles têm muito em comum - “Winter Reise” é, por assim dizer, uma continuação de “The Beautiful Miller’s Maid”. Os mais comuns são:

• tema da solidão
• o motivo errante associado a este tema
• Os personagens têm muito em comum - timidez, timidez, leve vulnerabilidade emocional.
• caráter monólogo do ciclo.

Após a morte de Schubert, entre seus manuscritos foram encontradas canções maravilhosas criadas no último ano e meio de vida do compositor. Os editores os combinaram arbitrariamente em uma coleção chamada “ canção do cisne" Isso incluiu 7 músicas com letras de L. Relshtab, 6 músicas com letras de G. Heine e “Pigeon Mail” com letras de I.G. Seidl (a última música composta por Schubert).

CRIATIVIDADE INSTRUMENTAL

A obra instrumental de Schubert inclui 9 sinfonias, mais de 25 obras instrumentais de câmara, 15 sonatas para piano e muitas peças para piano a 2 e 4 mãos. Tendo crescido em uma atmosfera de exposição animada à música de Haydn, Mozart, Beethoven, aos 18 anos Schubert dominou perfeitamente as tradições da escola clássica vienense. Nas suas primeiras experiências sinfónicas, quartetos e sonatas, os ecos de Mozart, em particular da 40ª sinfonia (a composição preferida do jovem Schubert), são especialmente perceptíveis. Schubert está intimamente relacionado com Mozartmaneira lírica de pensar claramente expressa.Ao mesmo tempo, em muitos aspectos ele atuou como herdeiro das tradições de Haydn, como evidenciado pela sua proximidade com a música folclórica austro-alemã. Adotou dos clássicos a composição do ciclo, suas partes e os princípios básicos de organização do material.No entanto, Schubert subordinou a experiência dos clássicos vienenses a novas tarefas.

As tradições românticas e clássicas formam um todo único em sua arte. A dramaturgia de Schubert é consequência de um plano especial em queorientação lírica e canção, como princípio principal desenvolvimento.Os temas sonata-sinfônicos de Schubert estão relacionados às canções - tanto em sua estrutura entoacional quanto em seus métodos de apresentação e desenvolvimento. Os clássicos vienenses, especialmente Haydn, muitas vezes também criavam temas baseados na melodia da música. No entanto, o impacto da canção na dramaturgia instrumental como um todo foi limitado - o desenvolvimento dos clássicos é puramente caráter instrumental. Schubertenfatiza de todas as maneiras possíveis a natureza musical dos temas:

• muitas vezes os apresenta em forma de reprise fechada, comparando-os a uma música finalizada;
• desenvolve-se com a ajuda de repetições variadas, transformações variantes, em contraste com o que é tradicional nos clássicos vienenses desenvolvimento sinfônico(isolamento motívico, sequenciação, dissolução em formas gerais de movimento);
• A relação entre as partes do ciclo sonata-sinfônico também se torna diferente - as primeiras partes são muitas vezes apresentadas em um ritmo lento, como resultado do contraste clássico tradicional entre a primeira parte rápida e enérgica e a segunda parte lírica lenta é significativamente suavizado fora.

A combinação do que parecia incompatível - miniatura com grande escala, música com sinfônica - deu uma aparência completamente novo tipo ciclo sonata-sinfônico –lírico-romântico.

O sinfonismo romântico criado por Schubert foi definido principalmente nas duas últimas sinfonias - a 8ª, Si menor, chamada de “Inacabada”, e a 9ª, Dó maior. Eles são completamente diferentes, opostos um ao outro. O épico 9 está imbuído de um sentimento de alegria conquistadora de ser. “Inacabado” incorporou o tema da privação e da trágica desesperança. Tais sentimentos, que reflectiam o destino de toda uma geração de pessoas, ainda não tinham encontrado uma forma sinfónica de expressão antes de Schubert. Criada dois anos antes da 9ª Sinfonia de Beethoven (em 1822), “Inacabada” marcou o surgimento de um novo género sinfónico -lírico-psicológico.

Uma das principais características da sinfonia em Si menor diz respeito à sua ciclo , composto por apenas duas partes. Muitos pesquisadores tentaram desvendar o “mistério” desta obra: a brilhante sinfonia realmente permaneceu inacabada? Por um lado, não há dúvida de que a sinfonia foi concebida como um ciclo de 4 partes: o seu esboço original para piano continha um grande fragmento do 3º movimento - o scherzo. A falta de equilíbrio tonal entre os movimentos (H menor na 1ª e Mi maior na 2ª) é também um forte argumento a favor do facto de a sinfonia não ter sido concebida antecipadamente como uma sinfonia de 2 partes. Por outro lado, Schubert teve tempo suficiente se quisesse terminar a sinfonia: depois de “Unfinished” criou um grande número de funciona, inclusive. 9ª sinfonia em 4 movimentos. Existem outros argumentos a favor e contra. Enquanto isso, “Unfinished” tornou-se uma das sinfonias de maior repertório, absolutamente sem dar a impressão de eufemismo. Seu plano em duas partes acabou sendo totalmente realizado.

Conceito ideológicosinfonia refletia a trágica discórdia do avanço pessoa XIX século com toda a realidade envolvente.

CRIATIVIDADE DO PIANO

A obra para piano de Schubert foi a primeira etapa significativa na história da música romântica para piano. Distingue-se pela grande diversidade de gêneros, incluindo tanto gêneros clássicos- sonatas para piano (22, algumas inacabadas) e variações (5), e românticas - miniaturas para piano (8 improvisadas, 6 momentos musicais) e grandes composições de um movimento (a mais famosa delas é a fantasia “The Wanderer”), como bem como uma abundância de danças, marchas e peças a 4 mãos.

Schubert criou danças ao longo de sua vida; um grande número delas foram improvisadas em noites amistosas (“Schubertiades”). O lugar dominante entre eles, sem dúvida, é ocupado por valsa - “dança do século” e, o que é extremamente importante para Schubert, a dança de Viena, que absorveu um sabor local único. A valsa de Schubert refletia a ligação do compositor com a vida vienense, ao mesmo tempo em que se eleva imensamente acima da música divertida, preenchendo-a de conteúdo lírico (tal poetização do gênero antecipa as valsas de Schumann e Chopin).

É surpreendente que com um grande número de valsas de Schubert (250) seja quase impossível destacar quaisquer tipos específicos - cada uma é única e individual (e esta é uma das principais características de uma miniatura romântica). A valsa influenciou significativamente o surgimento das obras de Schubert; às vezes aparece ali sob o disfarce de minueto ou scherzo (como, por exemplo, no trio da 9ª sinfonia).

Ao contrário das grandes obras instrumentais, as valsas de Schubert foram impressas com relativa facilidade. Foram publicados em séries, 12,15,17 peças cada. Estas são peças muito pequenas em um formato simples de duas partes. Muito famoso - valsa h menor.

Junto com a valsa, Schubert compôs de boa vontade marchas . A grande maioria das marchas de Schubert são destinadas ao piano a 4 mãos. A intencionalidade do movimento nas partes extremas da reprise de 3 partes é contrastada aqui com um trio musical.

As conquistas de Schubert no campo das pequenas formas instrumentais são resumidas por seu famoso improviso e " momentos musicais", composta no período tardio da criatividade. (Esses títulos foram dados pelo editor durante a publicação. O próprio compositor não deu título às suas peças posteriores para piano.)

O improviso de Schubert

Improvisado – peça instrumental, que surgiu como que de repente, no espírito da improvisação livre. Cada uma das obras improvisadas de Schubert é completamente única; os princípios da forma são criados sempre de novo junto com um plano individual.

Os improvisos mais significativos em termos de conteúdo e escala externa (f-moll, c-moll) são escritos em forma de sonata de interpretação livre.

"Momentos Musicais"mais simples na forma, menor na escala. São pequenas peças, na maioria das vezes, do mesmo clima. Ao longo da obra, preserva-se uma certa técnica pianística e um padrão rítmico único, muitas vezes associado a um gênero específico do cotidiano - valsa, marcha, ecosaise. O mais popular"Momento Musical"Fá menor é um exemplo de polca poetizada.

Ocupa um lugar muito especial na obra de Schubert.gênero de sonata para piano.A partir de 1815, o trabalho do compositor nesta área prosseguiu continuamente até ao último ano da sua vida.

A maioria das sonatas de Schubert revela lírico contente. Mas esta não é a letra generalizada dos clássicos vienenses. Como outros românticos, Schubert individualiza as imagens líricas e as impregna de psicologismo sutil. Seu herói é um poeta e sonhador com um mundo interior rico e complexo, com frequentes mudanças de humor.

A sonata de Schubert se destaca tanto em relação à maioria das sonatas de Beethoven quanto em comparação com as obras de românticos posteriores. Isto é uma sonata gênero lírico , com predominânciacaráter narrativo do desenvolvimento e temática da música.

O gênero sonata adquire características características da obra de Schubert:

• reunindo os temas principais e secundários. Eles não se baseiam no contraste, mas na complementação.
• uma proporção diferente de partes do ciclo sonata. Em vez do contraste clássico tradicional de um primeiro movimento rápido e enérgico e um segundo movimento lento e lírico, uma combinação de dois movimentos líricos é dada em movimento moderado;
• domina nos desenvolvimentos da sonatatécnica de variação.Os principais temas da exposição nos empreendimentos mantêm a sua integridade e raramente são divididos em motivos separados.A estabilidade tonal de seções bastante grandes é característica;
• As repetições da sonata de Schubert raramente contêm mudanças significativas;
• A característica original dos minuetos e scherzos de Schubert é a sua proximidade semelhante com valsa.
• os finais das sonatas são geralmente de natureza lírica ou de gênero lírico;

Um exemplo notável de sonata de Schubert é Sonata Lá maior op.120. Esta é uma das obras mais alegres e poéticas do compositor: um clima alegre domina em todas as partes.

Schubert passou toda a sua vida lutando pelo sucesso em gêneros teatrais, entretanto, suas óperas, apesar de todos os seus méritos musicais, não são dramáticas o suficiente. De todas as músicas de Schubert diretamente relacionadas ao teatro, apenas números individuais da peça “Rosamund” (1823) de V. von Cesi ganharam popularidade. As composições eclesiais de Schubert, com exceção das missas As-dur (1822) e Es-dur (1828), são pouco conhecidas. Enquanto isso, Schubert escreveu para a igreja durante toda a sua vida; na sua música sacra, contrariamente a uma longa tradição, predomina a textura homofónica (a escrita polifónica não pertencia a forças técnica composicional de Schubert, e em 1828 ele ainda pretendia fazer um cursocontraponto do renomado professor vienense S. Sechter). O único e também inacabado oratório “Lázaro” de Schubert está estilisticamente relacionado às suas óperas. Entre as obras corais e conjuntos vocais seculares de Schubert, predominam as peças para performance amadora. “Canção dos Espíritos sobre as Águas” para oito vozes masculinas e cordas graves ao som de Goethe (1820) destaca-se pelo seu caráter sério e sublime.

Até o final do século XIX. grande parte do vasto legado de Schubert permaneceu inédito e até mesmo não executado. Assim, o manuscrito da “Grande” sinfonia foi descoberto por Schumann apenas em 1839 (esta sinfonia foi executada pela primeira vez no mesmo ano em Leipzig sob a batuta deF. Mendelssohn ). A primeira apresentação do Quinteto de Cordas ocorreu em 1850, e a primeira apresentação da Sinfonia Inacabada em 1865.

Schubert viveu a vida de seu herói lírico - “O homenzinho”. E cada frase de Schubert, cada nota fala da grandeza deste Homem. Homem pequeno faz as maiores coisas nesta vida. Imperceptivelmente, dia após dia, o Homenzinho cria a eternidade, não importa em que ela se expresse.

Caminho criativo. O papel da música cotidiana e folclórica na formação artística de Schubert

Franz Schubert nasceu em 31 de janeiro de 1797 em Lichtenthal, subúrbio de Viena, na família de um professor. O ambiente democrático que o cercou desde a infância teve grande influência no futuro compositor.

A introdução de Schubert à arte começou tocando música em casa, tão característica da vida urbana austríaca. Aparentemente, com juventude Schubert começou a dominar multinacionais folclore musical Viena.

Nesta cidade, na fronteira entre leste e oeste, norte e sul, capital de um império “colcha de retalhos”, muitas culturas nacionais, inclusive musicais, se misturaram. O folclore austríaco, alemão, italiano, eslavo em diversas variedades (ucraniano, tcheco, ruteno, croata), cigano e húngaro soava por toda parte.

Nas obras de Schubert, até ao fim, existe um parentesco palpável com as diversas fontes nacionais da música quotidiana de Viena. Sem dúvida, a corrente dominante na sua obra é a austro-alemã. Sendo um compositor austríaco, Schubert também aproveitou muito da cultura musical alemã. Mas neste contexto, as características do folclore eslavo e húngaro aparecem de forma especialmente constante e clara.

Não havia nada de profissional na diversificada educação musical de Schubert (ele já havia aprendido em casa o básico de composição, arte coral, tocar órgão, cravo e violino). Na era da emergente arte pop-virtuosa, ela permaneceu patriarcal e um tanto antiquada. Na verdade, a falta de formação virtuosa no piano foi uma das razões para a alienação de Schubert do palco de concertos, que no século XIX se tornou o meio mais poderoso de promoção da nova música, especialmente da música para piano. Posteriormente, ele teve que superar sua timidez diante de grandes falar em público. No entanto, a falta de experiência de concerto também teve a sua própria lado positivo: foi compensado pela pureza e seriedade dos gostos musicais do compositor.

As obras de Schubert estão livres da ostentação deliberada, do desejo de agradar o gosto do público burguês, que busca acima de tudo o entretenimento na arte. É característico que de um total de aproximadamente mil e quinhentas obras, ele criou apenas duas obras pop reais (“Concertstück” para violino e orquestra e “Polonaise” para violino e orquestra).

Schumann, um dos primeiros conhecedores do romântico vienense, escreveu que este “não precisava primeiro superar o virtuoso que havia dentro de si”.

A constante conexão criativa de Schubert com os gêneros folclóricos cultivados em seu ambiente familiar também é significativa. O principal gênero artístico de Schubert é a canção - uma arte que existe entre o povo. Schubert extrai suas características mais inovadoras da música folclórica tradicional. Músicas, peça para piano a quatro mãos, arranjo danças folclóricas(valsas, landlers, minuetos e outros) - tudo isso foi de suma importância na determinação da aparência criativa do romântico vienense. Ao longo da sua vida, o compositor manteve uma ligação não só com a música quotidiana de Viena, mas com o estilo característico dos subúrbios vienenses.

Treinamento de cinco anos em Konvikt *,

* Instituição de ensino geral fechada, que também era escola para cantores da corte.

de 1808 a 1813, expandiu significativamente os horizontes musicais do jovem e determinou durante muitos anos a natureza dos seus interesses ideológicos e artísticos.

Na escola, tocando e regendo uma orquestra estudantil, Schubert conheceu diversas obras marcantes de Haydn, Mozart e Beethoven, que tiveram profundo impacto na formação de seu gosto artístico. A participação direta no coral proporcionou-lhe excelentes conhecimentos e um sentido de cultura vocal, tão importantes para o seu trabalho futuro. Em Konvikta, a intensa atividade criativa do compositor começou em 1810. E, além disso, foi lá, entre os alunos, que Schubert encontrou um ambiente próximo dele. Ao contrário de Salieri, o chefe oficial da composição, que procurava educar os seus alunos nas tradições da ópera séria italiana, os jovens simpatizavam com a busca de Schubert e saudavam a tendência para a arte democrática nacional nas suas obras. Em suas canções e baladas ela sentiu o espírito da poesia nacional, a personificação dos ideais artísticos da nova geração.

Em 1813, Schubert deixou Konvikt. Sob forte pressão familiar, aceitou ser professor e, até o final de 1817, lecionou alfabeto e outras matérias elementares na escola de seu pai. Este foi o primeiro e último serviço na vida do compositor.

Durante os anos associados à sua atividade pedagógica, talento criativo Schubert se virou com um brilho incrível. Apesar da total falta de ligação com o mundo musical profissional, compôs canções, sinfonias, quartetos, música coral sacra, sonatas para piano, óperas e outras obras. Já nesse período, o protagonismo da música em sua obra foi claramente identificado. Só em 1815, Schubert compôs mais de cento e quarenta romances. Ele escrevia com avidez, aproveitando cada minuto livre, mal conseguindo colocar no papel os pensamentos que o dominavam. Quase sem manchas ou alterações, ele criou uma obra acabada após a outra. A originalidade única de cada miniatura, a sutileza poética de seus humores, a novidade e a integridade do estilo elevam essas obras acima de tudo o que foi criado no gênero musical pelos antecessores de Schubert. Em “Margarita at the Spinning Wheel”, “The Forest Tsar”, “The Wanderer”, “Trout”, “To Music” e muitas outras canções destes anos, as imagens características e técnicas expressivas das letras vocais românticas já foram plenamente definiram.

A posição de professor provinciano tornou-se insuportável para o compositor. Em 1818, houve um doloroso rompimento com seu pai devido ao fato de Schubert se recusar a servir. Ele começou uma nova vida, dedicando-se totalmente à criatividade.

Esses anos foram marcados por necessidades severas e contínuas. Schubert não tinha fonte de renda material. A sua música, que gradualmente ganhou reconhecimento entre a intelectualidade democrática, era executada quase exclusivamente em residências privadas e principalmente nas províncias, sem atrair a atenção de pessoas influentes no mundo musical de Viena. Isso durou dez anos. Somente às vésperas da morte de Schubert os editores começaram a comprar dele pequenas peças, e mesmo assim por uma quantia irrisória. Sem recursos para alugar um apartamento, o compositor morava a maior parte do tempo com os amigos. A propriedade deixada foi avaliada em 63 florins.

Duas vezes - em 1818 e 1824 - sob pressão de extrema necessidade, Schubert partiu brevemente para a Hungria, como professor de música na família do Conde Esterhazy. A relativa prosperidade e mesmo a novidade das impressões que atraíram o compositor, especialmente as musicais, que deixaram uma marca tangível na sua obra, ainda não expiavam a gravidade da posição de “servo da corte” e a solidão espiritual.

E, porém, nada poderia paralisar sua força mental: nem o nível miserável de existência, nem a doença que destruiu gradativamente sua saúde. Seu caminho foi uma ascensão criativa contínua. Na década de 1920, Schubert viveu uma vida espiritual particularmente intensa. Ele transitou entre a intelectualidade democrática avançada*.

* O círculo Schubert incluía J. von Spaun, F. Schober, o notável artista M. von Schwind, os irmãos A. e J. Hüttenbrevner, o poeta E. Meyerhofer, o poeta revolucionário I. Zenn, os artistas L. Kupelwieser em I. Telcher, estudante E. von Bauernfeld, cantor famoso I. Vogl e outros. Nos últimos anos, juntou-se a ele o notável dramaturgo e poeta austríaco Franz Grillparzer.

Interesses públicos e questões de luta política, trabalhos mais recentes literatura e arte, moderna problemas filosóficos foram o foco da atenção de Schubert e seus amigos.

O compositor estava perfeitamente consciente da atmosfera opressiva da reação de Metternich, que se agravou especialmente nos últimos anos de sua vida. Em 1820, todo o círculo de Schubert recebeu condenação oficial por sentimentos revolucionários. O protesto contra a ordem existente é expresso abertamente em cartas e outras declarações do grande músico.

“É simplesmente lamentável como tudo agora se ossifica na prosa vulgar, e muitas pessoas olham para isso com indiferença e até se sentem muito bem, rolando calmamente pela lama até o abismo”, escreveu ele a um amigo em 1825.

“...A sábia e beneficente estrutura estatal garantiu que o artista sempre permanecesse escravo de todo comerciante miserável”, diz outra carta.

O poema de Schubert “Queixa ao Povo” (1824) sobreviveu, segundo o autor, composto “num daqueles momentos sombrios em que senti de forma especialmente aguda e dolorosa a futilidade e a insignificância da vida, característica do nosso tempo”. Aqui estão as linhas deste derramamento:

Ó jovem de nossos dias, você passou correndo!
O poder do povo foi desperdiçado,
E há cada vez menos brilho ano após ano,
E a vida segue o caminho da futilidade.
Está ficando mais difícil viver no sofrimento,
Embora eu ainda tenha alguma força sobrando.
Dias perdidos que eu odeio,
Poderia servir a um grande propósito...
E só você, Art, está destinado
Capture ação e tempo,
Para moderar o fardo doloroso...*

* Tradução de L. Ozerov

E, de fato, Schubert dedicou toda a sua energia espiritual não gasta à arte.

A elevada maturidade intelectual e espiritual que alcançou durante estes anos refletiu-se no novo conteúdo da sua música. Grande profundidade filosófica e dramática, uma tendência para as grandes escalas, para a generalização do pensamento instrumental distinguem a obra de Schubert dos anos 20 da música do período inicial. Beethoven, que há poucos anos, durante o período de admiração ilimitada de Schubert por Mozart, às vezes se assustava jovem compositor com suas paixões gigantescas e veracidade crua e crua, tornou-se agora para ele o mais alto padrão artístico. Beethoveniano - no sentido de escala, grande profundidade intelectual, interpretação dramática de imagens e tendências heróicas - enriqueceu o caráter direto e emocional-lírico da música antiga de Schubert.

Já na primeira metade da década de 20, Schubert criou obras-primas instrumentais, que posteriormente se posicionaram entre os exemplares mais marcantes do mundo. clássicos musicais. Em 1822, foi escrita a “Sinfonia Inacabada” - a primeira obra sinfônica em que imagens românticas receberam sua expressão artística acabada.

No período inicial, novos temas românticos - letras de amor, imagens da natureza, ficção popular, clima lírico - foram incorporados por Schubert em suas composições. Suas obras instrumentais daqueles anos ainda eram muito dependentes dos modelos classicistas. Agora os gêneros sonatas tornaram-se para ele expoentes de um novo mundo de ideias. Não só a “Sinfonia Inacabada”, mas também três maravilhosos quartetos, compostos na primeira metade da década de 20 (inacabado, 1820; lá menor, 1824; ré menor, 1824-1826), competem com sua canção em novidade, beleza e completude estilo. A coragem do jovem compositor, que, admirando infinitamente Beethoven, seguiu seu próprio caminho e criou uma nova direção da sinfonia romântica, parece incrível. Igualmente independente neste período é a sua interpretação da música instrumental de câmara, que já não segue nem o caminho dos quartetos de Haydn, que antes lhe serviram de modelo, nem o caminho de Beethoven, cujo quarteto nestes mesmos anos se transformou num género filosófico, significativamente diferente em estilo de suas sinfonias dramatizadas democráticas.

E na música para piano durante esses anos, Schubert cria alta valores artísticos. A fantasia “The Wanderer” (mesma idade da “Sinfonia Inacabada”), danças alemãs, valsas, landlers, “Momentos Musicais” (1823-1827), “Impromptu” (1827), muitas sonatas para piano podem ser avaliadas sem exagero como uma nova etapa na história da literatura musical. Livre da imitação esquemática da sonata classicista, esta música de piano foi distinguido por uma expressividade lírica e psicológica sem precedentes. Nascendo da improvisação íntima, da dança cotidiana, baseou-se em novos meios artísticos românticos. Nenhuma dessas criações foi apresentada no palco de concertos durante a vida de Schubert. A música de piano profunda e contida de Schubert, imbuída de um clima poético sutil, divergia muito do estilo pianístico que se desenvolveu naqueles anos - virtuoso-bravura, espetacular. Mesmo a fantasia "The Wanderer" - a única obra virtuosa para piano de Schubert - era tão alheia a esses requisitos que apenas o arranjo de Liszt a ajudou a alcançar popularidade no palco de concertos.

Na esfera coral surge a Missa As-dur (1822) - uma das obras mais originais e poderosas criadas neste gênero antigo compositores do século XIX século. Quatro vozes conjunto vocal“Canção dos Espíritos sobre as Águas” para um texto de Goethe (1821) Schubert revela recursos coloridos e expressivos completamente inesperados da música coral.

Ele até faz alterações na música - área em que Schubert encontrou uma forma romântica completa quase desde os primeiros passos. No ciclo de canções “A Bela Esposa de Miller” (1823), baseado nos textos do poeta Müller, sente-se uma percepção mais dramática e aprofundada do mundo. Na música baseada em poemas de Rückert, Pirker, de Wilhelm Meister de Goethe e outros, nota-se maior liberdade de expressão e um desenvolvimento mais perfeito do pensamento.

“As palavras são restritas, mas os sons, felizmente, ainda são gratuitos!” - Beethoven disse sobre a Viena de Metternich. E no trabalho dos últimos anos, Schubert expressou sua atitude em relação à escuridão da vida ao seu redor. No quarteto em Ré menor (1824-1826), no ciclo de canções “Winterreise” (1827), nas canções baseadas em textos de Heine (1828), o tema trágico é encarnado com força marcante e novidade. Repleta de protestos apaixonados, a música de Schubert destes anos distingue-se ao mesmo tempo por uma profundidade psicológica sem precedentes. E, no entanto, nem uma vez em nenhuma de suas obras posteriores a trágica visão de mundo do compositor se transformou em quebrantamento, descrença ou neurastenia. O trágico na arte de Schubert não reflete impotência, mas tristeza pelo homem e fé em seu propósito elevado. Falando em solidão espiritual, também expressa uma atitude irreconciliável em relação à sombria modernidade.

Mas juntamente com o tema trágico, as tendências heróico-épicas são claramente evidentes na arte de Schubert dos últimos anos. Foi então que ele criou sua música mais afirmativa e alegre, imbuída do pathos do povo. A Nona Sinfonia (1828), o quarteto de cordas (1828), a cantata “Canção da Vitória de Miriam” (1828) - estas e outras obras falam do desejo de Schubert de captar em sua arte imagens de heroísmo, imagens do “tempo do poder e atos."

As últimas obras do compositor revelaram um lado novo e inesperado da sua personalidade criativa. O letrista e miniaturista começou a se interessar por pinturas épicas monumentais. Cativado pelos novos horizontes artísticos que se abrem para ele, pensa em dedicar-se inteiramente aos grandes gêneros gerais.

“Não quero ouvir mais nada sobre canções, agora finalmente comecei a estudar óperas e sinfonias”, disse Schubert no final de sua última sinfonia, em dó maior, seis meses antes do fim de sua vida.

Seu enriquecido pensamento criativo se reflete em novas buscas. Agora Schubert volta-se não apenas para o folclore cotidiano vienense, mas também para temas folclóricos em um sentido mais amplo, beethoveniano. Seu interesse pela música coral e pela polifonia aumenta. No último ano de vida compôs quatro grandes obras corais, incluindo a notável Missa em Mi maior. Mas ele combinou escalas grandiosas com detalhes finos e drama beethoveniano com imagens românticas. Nunca antes Schubert alcançou tanta versatilidade e profundidade de conteúdo como nas suas criações mais recentes. O compositor, que já havia composto mais de mil obras, esteve no ano de sua morte à beira de novas descobertas grandiosas.

O fim da vida de Schubert foi marcado por dois acontecimentos marcantes, que ocorreram, porém, com um atraso fatal. Em 1827, Beethoven apreciou muito várias canções de Schubert e expressou o desejo de conhecer as obras do jovem autor. Mas quando Schubert, superando sua timidez, aproximou-se do grande músico, Beethoven já estava deitado em seu leito de morte.

Outro evento foi a primeira noite do autor de Schubert em Viena (em março de 1828), que foi um grande sucesso. Mas poucos meses depois deste concerto, que pela primeira vez atraiu a atenção da ampla comunidade musical da capital para o compositor, ele faleceu. A morte de Schubert, ocorrida em 19 de novembro de 1828, foi acelerada por uma prolongada exaustão nervosa e física.

Franz Schubert - famoso Compositor austríaco. Sua vida foi bastante curta, viveu apenas 31 anos, de 1797 a 1828. Mas durante esse curto período...

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Franz Schubert é um famoso compositor austríaco. Sua vida foi bastante curta, viveu apenas 31 anos, de 1797 a 1828. Mas durante este curto período ele deu uma enorme contribuição para o desenvolvimento da cultura musical mundial. Você pode verificar isso estudando a biografia e a obra de Schubert. Este notável compositor é considerado um dos fundadores mais brilhantes direção romântica na arte musical. Depois de conhecer os acontecimentos mais importantes da biografia de Schubert, você poderá compreender melhor sua obra.

Família

A biografia de Franz Schubert começa em 31 de janeiro de 1797. Ele nasceu em uma família pobre em Lichtenthal, um subúrbio de Viena. Seu pai, que vinha de família camponesa, era professor. Ele se destacou por seu trabalho árduo e integridade. Ele criou seus filhos, incutindo neles que o trabalho é a base da existência. A mãe era filha de um mecânico. Havia quatorze filhos na família, mas nove deles morreram na infância.

A biografia de Schubert, num breve resumo, demonstra o importante papel da família no desenvolvimento de um pequeno músico. Ela era muito musical. Seu pai tocava violoncelo e os irmãos do pequeno Franz tocavam outros instrumentos musicais. Muitas vezes, as noites musicais eram realizadas em sua casa, e às vezes todos os músicos amadores que conheciam se reuniam para elas.

Primeiras aulas de música

Sabe-se pela curta biografia de Franz Schubert que suas habilidades musicais únicas surgiram muito cedo. Depois de descobri-los, seu pai e seu irmão mais velho, Ignatz, começaram a ter aulas com ele. Ignatz o ensinou a tocar piano e seu pai lhe ensinou violino. Depois de algum tempo, o menino tornou-se membro de pleno direito do quarteto de cordas da família, no qual executava com segurança a parte da viola. Logo ficou claro que Franz precisava de mais estudos musicais profissionais. Por isso, as aulas de música com o menino superdotado foram confiadas ao regente da Igreja de Lichtenthal, Michael Holzer. O professor admirava as extraordinárias habilidades musicais de seu aluno. Além disso, Franz tinha uma voz maravilhosa. Aos onze anos, ele executou solos difíceis no coro da igreja, e também tocou violino, inclusive solo, na orquestra da igreja. O pai ficou muito satisfeito com o sucesso do filho.

Konvikt

Quando Franz tinha onze anos, participou de um concurso para selecionar cantores para a capela de canto da corte real imperial. Depois de passar com sucesso em todos os testes, Franz Schubert torna-se cantor. Ele está matriculado no Konvikt, um internato gratuito para crianças superdotadas de famílias de baixa renda. O jovem Schubert agora tem a oportunidade de receber gratuitamente educação geral e musical, o que se torna um benefício para sua família. O menino mora em um internato e volta para casa apenas nas férias.

Estudo Curta biografia Schubert, pode-se compreender que o ambiente que se desenvolveu nesta instituição de ensino contribuiu para o desenvolvimento das habilidades musicais de um menino superdotado. Aqui Franz pratica diariamente canto, violino e piano e disciplinas teóricas. A escola organizou uma orquestra estudantil, na qual Schubert tocava primeiro violino. O maestro da orquestra, Wenzel Ruzicka, percebendo o extraordinário talento de seu aluno, muitas vezes o designava para exercer as funções de maestro. A orquestra executou uma grande variedade de músicas. Assim, o futuro compositor conheceu música orquestral de diversos gêneros. Ele ficou especialmente impressionado com a música dos clássicos vienenses: a Sinfonia nº 40 de Mozart, bem como obras-primas musicais Beethoven.

Primeiras composições

Enquanto estudava como condenado, Franz começou a compor. A biografia de Schubert afirma que ele tinha treze anos na época. Ele escreve música com grande paixão, muitas vezes em detrimento de atividades escolares. Entre suas primeiras composições estão uma série de canções e uma fantasia para piano. Demonstrando excelentes habilidades musicais, o menino atraiu a atenção do famoso compositor da corte Antonio Salieri. Inicia aulas com Schubert, durante as quais lhe ensina contraponto e composição. Professor e aluno estão conectados não apenas por aulas de música, mas também por relacionamentos calorosos. Essas aulas continuaram depois que Schubert deixou o presidiário.

Observando o rápido desenvolvimento do talento musical de seu filho, seu pai começou a se preocupar com seu futuro. Compreendendo as dificuldades da existência dos músicos, mesmo os mais famosos e reconhecidos, seu pai tenta proteger Franz de tal destino. Ele sonhava em ver seu filho se tornar professor. Como punição pela paixão excessiva pela música, proíbe o filho de ficar em casa nos finais de semana e feriados. No entanto, as proibições não ajudaram. Schubert Jr. não podia desistir da música.

Deixando o condenado

Não tendo concluído a formação de presidiário, Schubert, aos treze anos, decide abandoná-la. Isso foi facilitado por uma série de circunstâncias descritas na biografia de F. Schubert. Primeiro, uma mutação na voz que não permitiu mais que Franz cantasse no coral. Em segundo lugar, a sua paixão excessiva pela música deixou para trás o interesse por outras ciências. Ele foi agendado para um reexame, mas Schubert não aproveitou a oportunidade e abandonou o treinamento como presidiário.

Franz ainda tinha que voltar para a escola. Em 1813 ingressou na escola regular de Santa Ana, formou-se nela e recebeu um certificado de escolaridade.

Início da vida independente

A biografia de Schubert conta que nos quatro anos seguintes ele trabalha como professor assistente na escola onde seu pai também trabalha. Franz ensina alfabetização infantil e outras matérias. Os salários eram extremamente baixos, o que obrigava o jovem Schubert a buscar constantemente renda adicional na forma de aulas particulares. Assim, ele praticamente não tem tempo para compor músicas. Mas a paixão pela música não desaparece. Está apenas ficando mais forte. Franz recebeu enorme ajuda e apoio dos amigos, que lhe organizaram concertos e contactos úteis, e lhe forneceram papel musical, que sempre lhe faltou.

Nesse período (1814-1816) surgiram suas famosas canções “O Rei da Floresta” e “Margarita na Roda Giratória” com letra de Goethe, mais de 250 canções, singspiels, 3 sinfonias e muitas outras obras.

O mundo imaginativo do compositor

Franz Schubert é um romântico de espírito. Ele colocou a vida da alma e do coração na base de toda a existência. Seus heróis são pessoas simples com um rico mundo interior. Um tema aparece em seu trabalho desigualdade social. O compositor muitas vezes chama a atenção para o quão injusta a sociedade é para com uma pessoa comum e modesta que não possui riquezas materiais, mas é espiritualmente rica.

A natureza nos seus vários estados torna-se um tema favorito da obra vocal de câmara de Schubert.

Conheça Vogl

Depois de ler (brevemente) a biografia de Schubert, o mais evento importante aparece seu conhecimento do notável cantor de ópera vienense Johann Michael Vogl. Aconteceu em 1817 através do esforço dos amigos do compositor. Esse conhecimento foi de grande importância na vida de Franz. Nele adquiriu um amigo dedicado e intérprete de suas canções. Posteriormente, Vogl desempenhou um papel importante na promoção da criatividade de câmara e vocal do jovem compositor.

"Schubertíades"

Com o tempo, um círculo de jovens criativos formou-se em torno de Franz, composto por poetas, dramaturgos, artistas e compositores. A biografia de Schubert menciona que muitas vezes as reuniões eram dedicadas ao seu trabalho. Nesses casos, eram chamados de "Schubertiads". As reuniões eram realizadas na casa de um dos membros do círculo ou na cafeteria Vienna Crown. Todos os membros do círculo estavam unidos pelo interesse pela arte, pela paixão pela música e pela poesia.

Viagem à Hungria

O compositor viveu em Viena, raramente saindo de lá. Todas as viagens que fez foram relacionadas com concertos ou aulas. A biografia de Schubert menciona brevemente que durante os verões de 1818 e 1824, Schubert viveu na propriedade do Conde Esterhazy Zeliz. O compositor foi convidado para lá ensinar música às jovens condessas.

Concertos conjuntos

Em 1819, 1823 e 1825, Schubert e Vogl viajaram pela Alta Áustria e viajaram ao mesmo tempo. Esses concertos conjuntos são um grande sucesso entre o público. Vogl se esforça para apresentar aos ouvintes a obra de seu amigo compositor e para tornar suas obras conhecidas e amadas fora de Viena. Gradualmente, a fama de Schubert está crescendo; as pessoas falam cada vez mais sobre ele, não apenas nos círculos profissionais, mas também entre os ouvintes comuns.

Primeiras edições

A biografia de Schubert contém fatos sobre o início das publicações das obras do jovem compositor. Em 1921, graças aos cuidados dos amigos de F. Schubert, foi publicado “The Forest King”. Após a primeira edição, outras obras de Schubert começaram a ser publicadas. A sua música torna-se famosa não só na Áustria, mas também muito além das suas fronteiras. Em canções de 1825, obras de piano e obras de câmara estão começando a ser apresentadas na Rússia.

Sucesso ou ilusão?

As canções e obras para piano de Schubert estão ganhando grande popularidade. Suas obras foram muito apreciadas por Beethoven, ídolo do compositor. Mas, juntamente com a fama que Schubert ganha graças às atividades de propaganda de Vogl, as decepções permanecem. As sinfonias do compositor nunca foram executadas, óperas e singspiels praticamente nunca são encenadas. Até hoje, 5 óperas e 11 singspiels de Schubert estão no esquecimento. Um destino semelhante se abateu sobre muitas outras obras que raramente são apresentadas em concertos.

Florescimento criativo

Na década de 20, Schubert apareceu nos ciclos de canções “The Beautiful Miller's Wife” e “Winter Reise” com letra de W. Müller, conjuntos de câmara, sonatas para piano, fantasia “The Wanderer” para piano, além de sinfonias – “ Inacabado” nº 8 e “Grande” nº 9.

Na primavera de 1828, os amigos do compositor organizaram um concerto das obras de Schubert, que aconteceu no salão da Sociedade dos Amantes da Música. O compositor usou o dinheiro recebido no concerto para comprar o primeiro piano de sua vida.

Morte do compositor

No outono de 1828, Schubert adoeceu inesperadamente gravemente. Seu tormento durou três semanas. Em 19 de novembro de 18128, Franz Schubert faleceu.

Apenas um ano e meio se passou desde que Schubert participou do funeral de seu ídolo - o último clássico vienense L. Beethoven. Agora ele também foi enterrado neste cemitério.

Tendo se familiarizado com resumo Na biografia de Schubert, pode-se compreender o significado da inscrição gravada em sua lápide. Conta que um rico tesouro está enterrado na sepultura, mas esperanças ainda mais maravilhosas.

As canções são a base da herança criativa de Schubert

Quando falamos da herança criativa deste maravilhoso compositor, costumamos sempre destacar o seu género musical. Schubert escreveu um grande número de canções - cerca de 600. Isso não é coincidência, já que a miniatura vocal está se tornando um dos gêneros mais populares de compositores românticos. Foi aqui que Schubert conseguiu revelar plenamente o tema principal do movimento romântico na arte - o rico mundo interior o herói com seus sentimentos e experiências. As primeiras obras-primas musicais foram criadas pelo jovem compositor aos dezessete anos. Cada uma das canções de Schubert é uma imagem artística inimitável, nascida da fusão entre música e poesia. O conteúdo das músicas é transmitido não só pelo texto, mas também pela música, que o segue exatamente, enfatizando a originalidade da imagem artística e criando um fundo emocional especial.

Em seu trabalho vocal de câmara, Schubert utilizou ambos os textos poetas famosos Schiller e Goethe, bem como a poesia de seus contemporâneos, cujos nomes se tornaram conhecidos graças às canções do compositor. Em sua poesia eles refletiram mundo espiritual, inerente aos representantes do movimento romântico da arte, próximo e compreensível para o jovem Schubert. Durante a vida do compositor, apenas algumas de suas canções foram publicadas.

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Das lembranças de amigos

F. Schubert é o primeiro grande compositor romântico. O amor poético e a pura alegria da vida, o desespero e a frieza da solidão, a saudade de um ideal, a sede de vaguear e a desesperança de vaguear - tudo isto encontrou eco na obra do compositor, nas suas melodias fluidas com naturalidade e sem esforço. A abertura emocional da visão de mundo romântica e a espontaneidade de expressão elevaram o gênero musical a patamares sem precedentes: esse gênero anteriormente menor para Schubert tornou-se a base do mundo artístico. Na melodia de uma música, o compositor poderia expressar toda uma gama de sentimentos. Seu inesgotável dom melódico permitiu-lhe compor várias canções por dia (mais de 600 no total). As melodias das canções também penetram na música instrumental, por exemplo, a canção “Wanderer” serviu de material para a fantasia para piano de mesmo nome, e “Trout” - para um quinteto, etc.

Schubert nasceu na família de um professor. O menino desde muito cedo demonstrou excelentes habilidades musicais e foi enviado para estudar no presídio (1808-13). Lá cantou no coral, estudou teoria musical sob a direção de A. Salieri, tocou na orquestra estudantil e regeu-a.

Na família de Schubert (assim como no ambiente burguês alemão em geral) a música era amada, mas tolerada apenas como hobby; a profissão de músico era considerada insuficientemente honrosa. O aspirante a compositor teve que seguir os passos do pai. Durante vários anos (1814-18), o trabalho escolar distraiu Schubert de sua criatividade, mas ele compôs muito. Se em música instrumental Embora a dependência do estilo dos clássicos vienenses (principalmente W.A. Mozart) ainda seja visível, no género musical o compositor já aos 17 anos cria obras que revelam plenamente a sua individualidade. A poesia de J. V. Goethe inspirou Schubert a criar obras-primas como “Gretchen at the Spinning Wheel”, “The Forest King”, canções de “Wilhelm Meister”, etc. Schubert também escreveu muitas canções baseadas nas palavras de outro clássico da literatura alemã - F. Schiller.

Querendo dedicar-se inteiramente à música, Schubert deixou o emprego na escola (o que levou ao rompimento das relações com o pai) e mudou-se para Viena (1818). Restam fontes intermitentes de subsistência, como aulas particulares e publicação de ensaios. Não sendo um pianista virtuoso, Schubert não poderia facilmente (como F. ​​Chopin ou F. Liszt) ganhar um nome para si mesmo no mundo musical e assim promover a popularidade de sua música. Isto não foi ajudado pelo carácter do compositor, pela sua total imersão na composição musical, pela sua modéstia e ao mesmo tempo pela mais elevada integridade criativa, que não lhe permitiu fazer quaisquer compromissos. Mas ele encontrou compreensão e apoio entre seus amigos. Um círculo de jovens criativos está agrupado em torno de Schubert, cada um dos quais deve possuir algum talento artístico(O que ele pode fazer? - todo novato foi saudado com esta pergunta). Os participantes dos “Schubertiads” tornaram-se os primeiros ouvintes, e muitas vezes co-autores (I. Mayrhofer, I. Zenn, F. Grillparzer) das canções brilhantes do chefe do seu círculo. Conversas e debates acalorados sobre arte, filosofia e política alternavam-se com danças, para as quais Schubert escrevia muitas músicas e muitas vezes simplesmente as improvisava. Minuetos, ecosses, polonaises, landlers, polcas, galopes - esta é a gama dos gêneros de dança, mas as valsas se elevam acima de tudo - não mais apenas danças, mas sim miniaturas líricas. Psicologizando a dança, transformando-a numa imagem poética de humor, Schubert antecipa as valsas de F. Chopin, M. Glinka, P. Tchaikovsky, S. Prokofiev. Integrante do círculo, o famoso cantor M. Vogl, divulgou as canções de Schubert no palco de concertos e, junto com o autor, percorreu cidades da Áustria.

O gênio de Schubert surgiu da antiga tradições musicais Viena. A escola clássica (Haydn, Mozart, Beethoven), o folclore multinacional, em que as influências dos húngaros, eslavos, italianos se sobrepuseram à base austro-alemã e, por fim, a paixão especial dos vienenses pela dança e pela produção musical caseira - tudo isso determinou o surgimento da obra de Schubert.

O apogeu da obra de Schubert - década de 20. Nessa época, foram criadas as melhores obras instrumentais: a sinfonia lírico-dramática “Inacabada” (1822) e a épica Dó maior de afirmação da vida (a última, Nona). Ambas as sinfonias por muito tempo eram desconhecidos: o Dó maior foi descoberto por R. Schumann em 1838, e o “Inacabado” foi encontrado apenas em 1865. Ambas as sinfonias influenciaram os compositores da segunda metade do século XIX c., definindo diferentes caminhos do sinfonismo romântico. Schubert nunca ouviu nenhuma de suas sinfonias executada profissionalmente.

Houve muitas dificuldades e fracassos nas produções de ópera. Apesar disso, Schubert escreveu constantemente para o teatro (cerca de 20 obras no total) - óperas, singspiels, música para a peça "Rosamund" de V. Cesi. Ele também cria obras espirituais (incluindo 2 missas). Schubert escreveu música de notável profundidade e poder de influência em gêneros de câmara (22 sonatas para piano, 22 quartetos, cerca de 40 outros conjuntos). Suas canções improvisadas (8) e momentos musicais (6) marcaram o início da miniatura romântica do piano. Coisas novas também estão surgindo nas composições. 2 ciclos vocais baseados em poemas de W. Müller - 2 etapas caminho da vida pessoa.

O primeiro deles é “The Beautiful Miller's Wife” (1823) - uma espécie de “romance em canções”, coberto por um único enredo. Um jovem cheio de força e esperança parte em busca da felicidade. Natureza primaveril, um riacho murmurante alegre - tudo cria um clima alegre. A confiança logo dá lugar a uma pergunta romântica, à languidez do desconhecido: Onde? Mas então o riacho leva o jovem ao moinho. Amor pela filha do moleiro, seus momentos felizes são substituídos pela ansiedade, pelo tormento do ciúme e pela amargura da traição. Nas correntes suaves e calmantes do riacho, o herói encontra paz e consolo.

O segundo ciclo é “Retiro de Inverno” (1827) - uma série de memórias tristes de um andarilho solitário sobre amor não correspondido, pensamentos trágicos, apenas ocasionalmente intercalados com sonhos brilhantes. A última música, “The Organ Grinder”, cria a imagem de um músico errante, girando eterna e monotonamente seu tocador de órgão e não encontrando resposta ou resultado em lugar nenhum. Esta é a personificação da trajetória do próprio Schubert, já gravemente doente, exausto pela pobreza constante, pelo trabalho árduo e pela indiferença à sua criatividade. O próprio compositor chamou as músicas de “Winter Retreat” de “terríveis”.

A maior conquista da criatividade vocal é “Swan Song” - uma coleção de canções baseadas nas palavras de vários poetas, incluindo G. Heine, que se revelou próximo do “falecido” Schubert, que sentiu a “divisão do mundo ”De forma mais aguda e dolorosa. Ao mesmo tempo, Schubert nunca, mesmo nos últimos anos de sua vida, se isolou em estados de ânimo trágicos e tristes (“a dor aguça o pensamento e tempera os sentimentos”, escreveu ele em seu diário). O alcance figurativo e emocional das letras de Schubert é verdadeiramente ilimitado - responde a tudo o que preocupa qualquer pessoa, enquanto a nitidez dos contrastes nela aumenta constantemente (o monólogo trágico “Duplo” e ao lado a famosa “Serenata”). Schubert encontra cada vez mais impulsos criativos na música de Beethoven, que, por sua vez, conheceu algumas das obras de seu contemporâneo mais jovem e as apreciou muito. Mas a modéstia e a timidez não permitiram que Schubert conhecesse pessoalmente seu ídolo (um dia ele voltou na porta da casa de Beethoven).

O sucesso do primeiro (e único) concerto do autor, organizado poucos meses antes da sua morte, atraiu finalmente a atenção da comunidade musical. A sua música, especialmente as canções, começa a espalhar-se rapidamente pela Europa, encontrando o caminho mais curto para o coração dos ouvintes. Ela teve uma enorme influência nos compositores românticos das gerações subsequentes. Sem as descobertas de Schubert, é impossível imaginar Schumann, Brahms, Tchaikovsky, Rachmaninov, Mahler. Ele encheu a música com o calor e a espontaneidade das letras das músicas, revelando o inesgotável mundo espiritual do homem.

K. Zenkin

A vida criativa de Schubert é estimada em apenas dezessete anos. No entanto, é ainda mais difícil listar tudo o que escreveu do que listar as obras de Mozart, cuja carreira criativa foi mais longa. Assim como Mozart, Schubert não ignorou nenhuma área da arte musical. Parte de seu legado (principalmente obras operísticas e espirituais) foi deixada de lado pelo próprio tempo. Mas numa canção ou numa sinfonia, numa miniatura de piano ou num conjunto de câmara, encontraram expressão melhores lados O gênio de Schubert, a maravilhosa espontaneidade e ardor da imaginação romântica, o calor lírico e a busca do homem pensante do século XIX.

Nessas áreas criatividade musical A inovação de Schubert manifestou-se com a maior coragem e abrangência. Ele é o fundador da miniatura instrumental lírica, da sinfonia romântica - lírico-dramática e épica. Schubert muda radicalmente o conteúdo figurativo em grandes formas música de câmara:V sonatas para piano, quartetos de cordas. Finalmente, a verdadeira ideia de Schubert é a canção, cuja criação é simplesmente inseparável do seu próprio nome.

A música de Schubert foi formada em solo vienense, fertilizada pela genialidade de Haydn, Mozart, Gluck e Beethoven. Mas Viena não é apenas um clássico, representado pelos seus luminares, mas também vida rica música cotidiana. Cultura musical a capital de um império multinacional tem sido significativamente afetada pela sua população diversificada e multilingue. O cruzamento e a interpenetração do folclore austríaco, húngaro, alemão e eslavo com o influxo constante de melodias italianas ao longo dos séculos levaram à formação de um sabor musical especificamente vienense. Simplicidade e leveza lírica, clareza e graça, temperamento alegre e a dinâmica da vida movimentada nas ruas, humor bem-humorado e facilidade movimento de dança deixou uma marca característica na música cotidiana de Viena.

A democracia da música folclórica austríaca, a música de Viena, permeia a obra de Haydn e Mozart também experimentou a sua influência, segundo Schubert, ele é filho desta cultura; Por seu compromisso com ela, ele ainda teve que ouvir censuras de amigos. As melodias de Schubert “às vezes soam muito domésticas, também em austríaco“”, escreve Bauernfeld, “uma reminiscência de canções folclóricas, cujo tom um tanto básico e ritmo feio não têm bases suficientes para penetrar na canção poética”. A esse tipo de crítica, Schubert respondeu: “O que você entende? É assim que é e como deveria ser!” E, de fato, Schubert fala na linguagem do gênero musical cotidiano, pensa em suas imagens; deles crescem obras de altas formas de arte das mais variadas naturezas. Numa ampla generalização das entonações líricas da canção que amadureceram no quotidiano musical dos burgueses, no ambiente democrático da cidade e dos seus subúrbios - a nacionalidade da criatividade de Schubert. A sinfonia lírica e dramática “Unfinished” se desenvolve com base na música e na dança. A implementação do material do gênero pode ser sentida tanto na tela épica da “Grande” sinfonia em dó maior, quanto na miniatura lírica íntima ou conjunto instrumental.

O elemento de canção permeou todas as áreas de seu trabalho. A melodia da música constitui a base temática das obras instrumentais de Schubert. Por exemplo, na fantasia para piano sobre o tema da música “Wanderer”, no quinteto de piano “Trout”, onde a melodia da música de mesmo nome serve de tema para as variações do final, no d- quarteto menor, onde é introduzida a música “Death and the Maiden”. Mas também em outras obras não relacionadas aos temas de certas canções - nas sonatas, nas sinfonias - a estrutura temática da canção determina as características da estrutura, os métodos de desenvolvimento do material.

É natural, portanto, que embora o início da carreira de Schubert como compositor tenha sido marcado por uma extraordinária gama de ideias criativas que o encorajaram a experimentar todas as áreas da arte musical, antes de mais nada ele se encontrou na canção. Foi nele, antes de tudo, que as arestas de seu talento lírico brilharam com uma peça maravilhosa.

“Entre a música que não é para teatro, nem para igreja, nem para concertos, há um departamento particularmente maravilhoso - romances e canções para uma só voz com piano. Da forma simples em verso da música, esse gênero se desenvolveu até pequenas cenas-monólogos inteiros, permitindo toda a paixão e profundidade do drama espiritual.

Este tipo de música manifestou-se magnificamente na Alemanha, no gênio de Franz Schubert”, escreveu A. N. Serov.

Schubert - “o rouxinol e o cisne da canção” (B.V. Asafiev). A música contém toda a sua essência criativa. É a canção de Schubert que constitui uma espécie de fronteira que separa a música do romantismo da música do classicismo. Vindo de início do século XIX século, a era da canção e do romance é um fenômeno pan-europeu, que “pode ​​ser chamado em homenagem ao maior mestre da canção-romance democrática urbana, Schubert - Schubertianismo” (B.V. Asafiev). O lugar da canção na obra de Schubert equivale à posição da fuga em Bach ou da sonata em Beethoven. Segundo BV Asafiev, Schubert realizou no campo da música o que Beethoven fez no campo da sinfonia. Beethoven resumido ideias heróicas de sua época; Schubert era um cantor de “pensamentos simples e naturais e profunda humanidade”. Através do mundo de sentimentos líricos refletidos na música, ele expressa sua atitude perante a vida, as pessoas e a realidade que o cerca.

O lirismo é a própria essência da natureza criativa de Schubert. A gama de temas líricos em sua obra é excepcionalmente ampla. O tema do amor com toda a riqueza de seus matizes poéticos, ora alegres, ora tristes, se confunde com o tema da peregrinação, da peregrinação, da solidão e com o tema da natureza que permeia toda a arte romântica. A natureza na obra de Schubert não é apenas um pano de fundo contra o qual se desenrola uma determinada narrativa ou se desenrolam alguns acontecimentos: ela é “humanizada”, e a radiação das emoções humanas, dependendo da sua natureza, colore as imagens da natureza, confere-lhes um estado de espírito particular. e sabor correspondente.

No mundo artístico da poesia rock como componente da “cultura de uma grande cidade, metrópole”, o princípio urbano teve uma influência significativa na formação de uma imagem poética geral do mundo, na natureza do lirismo e nas formas de compreensão o indivíduo e seu lugar na sociedade. A obra de vários poetas do rock (B. Grebenshchikov, Yu. Shevchuk, A. Bashlachev) já foi estudada nesta direção, e em particular no aspecto do “texto de São Petersburgo”. A poesia musical de Viktor Tsoi permanece no estágio inicial de compreensão científica: pretende-se estudar facetas individuais do “neo-romantismo” em suas obras, imagens mitológicas chave, bem como elementos da mitologia autobiográfica que enquadram o legado de Tsoi no geral contexto vida artística e os movimentos rock da década de 1980.
Uma das formas promissoras de estudar a imagem poética do mundo criada por Tsoi pode ser considerar a imagem multifacetada da cidade, que absorveu o espírito dos rebeldes e, diante de nossos olhos, está mudando seus contornos do tempo histórico. e ao mesmo tempo os universais existenciais da vida mental e universal.
Os motivos urbanos nos poemas e canções de Tsoi tornaram-se a esfera de personificação das experiências íntimas do “eu” lírico e gradualmente abriram caminho para a criação de uma imagem coletiva jovem contemporâneo e até mesmo uma geração inteira. Nos poemas “You Just Want to Know”, “Life in Glasses”, “ boa noite“,” “Eu declaro minha casa”, a sutil nuance psicológica dos detalhes do espaço urbano transmite a atração inescapável do herói pelos labirintos de suas “ruas escuras” e ao mesmo tempo o perigo de escapar da autenticidade da existência pessoal : “Eu me dissolvo nos vidros das vitrines. / A vida nos vidros das vitrines." Atuando como foco das ansiedades ocultas do “último herói”, a cidade é retratada por Tsoi em conexões associativas originais, atuando como um espaço de elevada sensibilidade, em que o cotidiano, o material, é permeado pela presença de um plano metafísico, onde “os telhados tremem com o peso dos dias” e “a cidade dispara noite adentro com um tiro de luzes” (p.217).
No mosaico de signos do mundo urbano, na surdez de suas vozes por vezes agressivas (“alguém está tendo uma discussão legal aí” - p. 21), a intensa autorreflexão do herói de Tsoi – “um homem caminho espiritual“, uma pessoa que supera obstáculos, uma personalidade obstinada.” Sentindo dolorosamente a indefinição das diretrizes da vida, a pressão dos desafios despersonalizantes da cidade, do mundo e dos lados destrutivos de seu próprio eu, ele tenta encontrar as possibilidades de sua própria autoidentificação. Na duologia de canções “Idler”, tendo como pano de fundo o espaço das ruas movimentadas, o ciclo do tempo quotidiano, surge um “herói reflexivo, revelando a filosofia da sua ociosidade”: através de uma visão desesperada de si mesmo como um “homem sem gol”, perdido “na multidão... como uma agulha no feno” (p. 22 ), através do doloroso reconhecimento de um duplo paródico “com cara de atrevido”, ele irrompe para ganhar a autenticidade de sua vida espiritual: “Todo mundo diz que é preciso se tornar alguém. / E eu gostaria de permanecer eu mesmo” (p. 23).
No poema “Declaro a minha casa”, à medida que se revela a semântica da fragilidade dos níveis macro e micro da existência urbana e universal - do apartamento, da casa às ruas, da cidade e do espaço natural - não apenas o vulnerabilidade da vida interior do herói, esta “criança adulta criada pela vida além do armário” (p.110), mas também um ato de sua resistência obstinada à total falta de sentido do universo, uma tentativa de autodefesa em a órbita do espaço doméstico: “Declaro minha casa uma zona livre de armas nucleares” (p.110).
A “escatologia pessoal” do herói de Tsoyev, aliada a um doloroso sentimento de “mundo doentio”, com o fato de que “perder-se na “atemporalidade” se transforma no desejo subconsciente do herói do rock de autodestruição, dissolução no mundo das coisas ”, fortalece o princípio existencial na percepção das antinomias centrais do ser urbano. Os poemas “Cidade”, “Passeio Romântico”, “Tristeza” revelam a antinomia do amor pela cidade como espaço desenvolvido pessoalmente, aparecendo no interior dos ciclos naturais (“Adoro esta cidade, mas o inverno aqui é muito escuro” ) - e o horror da solidão transmitido na imagem duradoura de Tsoi da luz mortal e artificial das lanternas (“As lanternas estão acesas e as sombras são estranhas” - p. 30), no sentimento de falta de moradia do mundo de inverno, exigindo de ao indivíduo a concentração máxima de energia interna que economiza energia: “E agora estou ocupado apenas em proteger o calor” . Esta percepção, permeada pela preocupação ansiosa do herói, do envolvimento existencial de uma civilização urbana feita pelo homem nos ritmos de um universo noturno frio e catastrófico, que, no entanto, atrai pela sua “distância”, foi especialmente profundamente traduzida no figurativo mundo do poema “Tristeza”:
Há uma grande cidade no chão frio,
Há luzes acesas e carros buzinando.
E é noite na cidade.
E acima da noite está a lua.
E hoje a lua está vermelha com uma gota de sangue.
A casa está de pé, as luzes estão acesas,
Da janela você pode ver a distância... (p.370)

Na oposição romântica do herói ao espaço urbano mecanicista do isolamento, o movimento circular sem sentido, discernível nos detalhes da vida cotidiana (“Acordei no metrô... / Isto é um anel, / E não há retorno trem” - p. 31), os becos sem saída dos “terríveis portais” vêm à tona, há um desejo de afirmar o caminho da compreensão criativa da realidade - tanto na “caminhada romântica” livre quanto na autodescoberta através da ida ao a vastidão de uma terra distante, como é feito na música “Kamchatka”: “Encontrei minério aqui. / Encontrei o amor aqui” (p.34).
Apesar do fato de que às vezes o pathos romântico de Tsoi é complicado pela auto-ironia do autor, isso não nega a seriedade do movimento consciente do herói lírico no sentido de adquirir coordenadas espirituais e morais estáveis ​​​​de uma imagem individual do mundo. Este caminho recebeu sua concretização mais vívida e completa na balada filosófica “Blood Type”. A série figurativa constrói-se aqui na interpenetração de planos urbanos, naturais e cósmicos. Na forma artística original de animar as ruas das cidades que “esperam as pegadas dos nossos pés”, nas imagens da “erva viva”, do “poeira estelar nas botas” e de “uma estrela no alto do céu”, no som de uma palavra lírica dirigida dialogicamente a uma alma próxima, tendo como pano de fundo imagens dinâmicas do mundo, atraídas para uma “batalha” constante - constrói-se uma perspectiva axiológica holística do caminho, baseada no conhecimento imparcial do custo dos ganhos da vida e derrotas, na compreensão do significado universal nas encruzilhadas terrenas que exigem escolha moral constante:
Tenho algo a pagar, mas não quero ganhar
X a qualquer custo.
Não quero colocar o pé no peito de ninguém.
Eu gostaria de ficar com você.
Apenas fique com você.
Mas uma estrela no alto do céu me chama no caminho.

Tipo sanguíneo em uma manga -
Meu número de série está na minha manga.
Deseje-me sorte na batalha... (p.219)

No prisma dos esboços urbanos dos poemas e canções de Tsoi, surge um retrato psicológico coletivo de jovens contemporâneos, que “nasceram em apartamentos apertados / em novos bairros” (p. 206). A expressão do espírito criativo, a energia de protesto da canção juvenil e da contracultura poética e a “ascensão apaixonada dos anos oitenta” geral, a urgente “necessidade da era histórica de um herói romântico” tornam-se na poesia de Tsoi, corporificada no explosivo , a energia de choque do estilo performático do autor, os leitmotivs da superação do isolamento do espaço urbano, limitando as perspectivas de vida dos “apartamentos apertados”. O reconhecimento perspicaz dos aspectos de crise na visão de mundo da geração de “filhos de minutos” é veiculado por meio de imagens alegóricas de “chuva... dentro”, de “amigos” que “se transformaram em máquinas” (“Adolescente”, “Filhos de minutos”), e é contrastada com imagens da “cidade em chamas”, espaço universal “pulsante”, que encarna o impulso persistente do “eu” lírico e dos seus contemporâneos “de ver mais longe do que as janelas opostas”, um doloroso, por vezes pintado em tons apocalípticos, presságio de “mudança”:
O sol vermelho queima
O dia está morrendo com ele.
Uma sombra cai sobre a cidade em chamas.
Nossos corações exigem mudança
Nossos olhos exigem mudança... (p.202)

Nos poemas “Quero estar contigo”, “Trólebus”, através de uma imagem filosoficamente rica do espaço urbano, expressa-se a autoconsciência interior do herói lírico e do ambiente social que o rodeia. No primeiro deles, a partir dos elementos de gênero de um esquete de viagem (“há vários dias que não vemos o sol…”), é capturado o destino do herói e de sua geração “nascida na junção das constelações”. . Este movimento está associado a uma tentativa de confronto pessoal com um cosmos de instabilidade, um anti-lar onde “não há portas” e o ataque agressivo dos elementos naturais: “Quero seguir em frente, mas fui derrubado por a chuva” (pág. 89). A música “Trólebus”, que entra em conexões semânticas involuntárias e fortemente polêmicas com “Midnight Trolleybus” de B. Okudzhava, torna-se uma metáfora ampliada para a existência de um indivíduo na esfera da alienação universal (“Não conheço meu vizinho , apesar de estarmos juntos há um ano”), na dependência espiritual de uma época repleta de slogans absurdos: “Não há motorista no táxi, mas o trólebus está em movimento. / E o motor está enferrujado, mas seguimos em frente” (p. 102). A “ignorância do caminho” geral desorientada, vagando por uma cidade impessoal é combatida no mundo figurativo da obra pelo “eu” lírico em busca de parentesco pessoal oculto (“Todas as pessoas são irmãos, somos a sétima água”), participação em distante harmonia universal: “Sentamos sem respirar, olhamos para lá / Onde uma estrela apareceu por uma fração de segundo” (p. 102). Este paradoxo psicológico na imagem do mundo corresponde à antinomia como princípio de desenvolvimento da emoção lírica que visa a superação da “lógica mecanicista da existência de uma metrópole” e, mais amplamente, do universo sem sentido: “estamos nos afogando, embora. ..”, “quer ir embora, mas...”, “ficamos calados, mas...” "
Tsoi também inclui motivos urbanos no contexto de uma visão generalizadora da existência universal e das suas principais antinomias.
A antítese dos mundos natural e artificial (“Árvore”), tradicional para a consciência romântica, é complicada na poesia de Tsoi pela compreensão da profunda interpenetração do espaço “asfáltico” e dos elementos naturais, devido à desautomatização fundamental do a percepção habitual da realidade urbana: “Aqui é difícil dizer o que é asfalto. / É difícil dizer o que é uma máquina aqui. / Aqui você precisa jogar água com as mãos” (p.5). Nos poemas “Cuide-se”, “Cante suas músicas”, “Chuva para nós”, “Dias de sol”, o paralelismo ponta a ponta se desenvolve na visão do microcosmo da cidade, casa, apartamento e macrocosmo de o universo celestial. A frequente alienação do herói do “apartamento vazio”, a melancolia desesperada da chuva, do poder de um mundo fechado em si mesmo e desconfortável, onde “não se vê a parede”, “não se vê a lua” , atualiza o desejo de experimentar o envolvimento pessoal e físico de “uma das inúmeras estrelas”: “De pé no telhado, você alcança a estrela. / E agora bate na minha mão, como um coração no peito” (p. 13). A intersecção das esferas urbana e universal baseia-se muitas vezes num sentimento penetrante do “eu” lírico da fragilidade existencial das cidades, transformando-se facilmente nas suas “ruínas”, na instabilidade das ligações pessoais (“Amanhã dirão: “Adeus para sempre””), que se desenvolve em um panorama trágico da existência totalmente humana e cósmica:
Amanhã em algum lugar, quem sabe onde, -
Guerra, epidemia, tempestade de neve,
Buracos negros no espaço... (p.11)

Tsoi associa os signos do mundo urbano aos “motivos cosmogónicos de suporte” do mundo artístico do poeta-cantor. Nos poemas “War”, “A Star Called the Sun”, “Strange Tale”, expressiva série metafórica que capta as “paredes abaladas” do universo, “uma cidade em um circuito rodoviário”, a chuva “faz barulho como uma máquina arma”, “um muro de tijolos de nuvens” cria a base de uma imagem grotesca de uma cidade-mundo chocada e doente, cujos rostos se tornam “retratos daqueles que morreram no caminho”. A mitologia duradoura de Tsoi sobre a “guerra... entre a terra e o céu” que dura dois mil anos (p. 220), galvanizada pelo sentimento de isolamento da realidade terrena dos elementos dos “dias ensolarados”, revela as profundezas da tragédia ontológica na visão de mundo do “eu” lírico e seus contemporâneos, existindo no plano de existência agudamente conflitante e contrastando-o com sua intensa reflexão moral, um esforço para “proteger o calor”, resistir tanto à entropia universal quanto ao mortal, muitas vezes agressivo brilho elétrico das cidades.
Assim, a imagem transversal da cidade na canção e na obra poética de V. Tsoi revela-se na trindade de imagens do indivíduo, da sociedade e do Universo. No sistema de motivos urbanos, na sobreposição original de planos figurativos distantes, desenham-se aqui os traços mentais do “eu” lírico e de uma camada significativa da juventude urbana dos anos 80 na interpenetração dos planos sociais místicos e concretos; é criada uma imagem colectiva da era de pontos de viragem iminentes e acesso à compreensão da desarmonia existencial de toda a existência humana nas “lacunas” entre a hegemonia da civilização tecnocrática da metrópole e a destrutividade por vezes irracional dos elementos naturais cósmicos.

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