Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

“O Último Dia de Pompéia”, Karl Bryullov

“O Último Dia de Pompéia”, de Karl Bryullov, é a pintura mais famosa do mundo sobre o tema da erupção do Vesúvio.

Depois de apresentar a pintura em Milão em 1833, Bryullov tornou-se na Itália objeto de culto fanático, que nenhum artista havia recebido neste país desde o Renascimento. Quando ele descia a rua, os transeuntes tiravam o chapéu na sua frente; quando ele entrava no teatro, o público se levantava; Multidões de pessoas se reuniram perto de sua casa, querendo cumprimentar seu ídolo.

É interessante que Bryullov se retratou em um dos personagens da pintura, e sua amiga condessa Yulia Samoilova aparece três vezes na tela.

“A Nona Onda”, I.K. Aivazovsky

O verdadeiro nome de Ivan Konstantinovich Aivazovsky é Hovhannes Gevorgovich Ayvazyan.

Para criar a pintura “A Nona Onda” Aivazovsky usou apenas 4 cores - vermelho, amarelo, verde e marrom. Os efeitos de cores mais ricos da tela são criados pela mistura de cores primárias.

Aivazovsky tinha memória visual absoluta e criou a maioria de suas pinturas sem vida, usando apenas esboços convencionais. Ele trabalhou tão rápido que conseguiu pintar uma paisagem marinha de tamanho médio em 2 horas. Durante sua vida, o artista pintou mais de 6 mil quadros.

“Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco”, I. E. Repin

Poucas pessoas sabem que a pintura “Cossacos escrevendo uma carta ao sultão turco” não está sozinha. Existem três versões que diferem ligeiramente em composição e personagens. A versão de 1887 é exibida em Galeria Tretyakov, versão de 1891 (básica) no Museu Estatal Russo em São Petersburgo. A terceira, que o artista chamou de “a mais historicamente precisa”, está localizada na terra natal de I.E. Repin, no Museu de Arte de Kharkov.

Como modelos para os seis personagens de “Cossacos”, Repin usou seus conhecidos e amigos que se enquadravam no tipo. Em particular, um cossaco corpulento de chapéu branco, que muitos comparam a Taras Bulba, é Vladimir Gilyarovsky (“Tio Gilyai”), viajante famoso e escritor.

“Sadko”, I. E. Repin

“Sadko” é a única pintura de Repin em enredo de conto de fadas, e um dos poucos em que utilizou técnicas impressionistas. O artista conheceu o impressionismo na França, para onde viajou como aposentado da Academia de Artes. Repin até pintou várias pinturas usando suas técnicas (“Sadko”, “O Último Raio”, etc.), mas o resultado não satisfez o mestre novato. E embora se previsse que teria enorme sucesso nos círculos impressionistas, ele abandonou decisivamente o estilo, que considerava “interessante do ponto de vista técnico, mas decididamente vazio em significado”.

O modelo para a criação da imagem de Sadko foi o amigo de I. E. Repin, o artista V. M. Vasnetsov (autor de “Bogatyrs”, “Alyonushka”, etc.)

“O Cavaleiro na Encruzilhada”, V.M. Vasnetsov

Foram pintadas três pinturas “O Cavaleiro na Encruzilhada”. Nas duas primeiras versões, o herói fica posicionado de frente para o público. A versão de 1878 está guardada no Museu Histórico e de Arte de Serpukhov. A versão de 1879 foi exibida na primeira exposição da União dos Artistas Russos em 1903-1904. e foi adquirido por um colecionador americano. 110 anos depois, em 2013, a pintura regressou à Rússia e foi apresentada em Moscovo na vernissage “Rússia: Tentação pela História”. A versão de 1882, em que o cavaleiro está de costas para o público, pode ser vista no Museu Estatal Russo.

« noite de luar no Dnieper", A. I. Kuindzhi

Em 1880, foi realizada uma exposição em São Petersburgo, na qual foi exibida uma única pintura. Mesmo assim, causou sensação; filas se formaram para a exposição e muitos visitantes vieram ver a pintura mais de uma vez. Era “Noite de luar no Dnieper”, de Arkhip Ivanovich Kuindzhi. A incomum iluminação lunar apresentada na tela foi enfatizada pelo fato de a pintura ter sido exposta em quarto escuro. Muitos visitantes não acreditaram que fosse possível pintar a luz da lua de forma tão realista e olharam por trás da moldura em busca de uma lâmpada escondida.

“A Travessia dos Alpes de Suvorov”, V. I. Surikov

Tendo concebido a pintura “A Travessia dos Alpes de Suvorov”, V.I. Surikov foi à Suíça e visitou todas as passagens por onde o exército do famoso generalíssimo passou em 1799. Ele não apenas escreveu esboços de paisagens para uma futura pintura nesses lugares, mas também deslizou ele mesmo pela neve e pelo gelo, determinando a velocidade dos personagens em diferentes estágios da descida.

A pintura foi pintada e exibida em 1899 - no 100º aniversário do feito militar sem precedentes de A. Suvorov.

Os famosos diretores Andrei Konchalovsky e Nikita Mikhalkov são descendentes diretos de V.I. Surikov.

Se você encontrar um erro de digitação ou erro, selecione o fragmento de texto que o contém e pressione Ctrl + ↵

Descrição

A história da criação do museu remonta a século 19. Prédio Palácio Mikhailovsky, no qual o Museu Russo foi posteriormente fundado, foi construído segundo projeto do arquiteto Carlo Rossi em 1819-1825, cuja aparência arquitetônica é reconhecida como um excelente exemplo de conjunto palaciano no estilo alto classicismo. O primeiro dono do palácio foi Grão-Duque Mikhail Pavlovich é o quarto filho do imperador Paulo I.

EM Europa XIX séculos, já existiam museus de belas artes acessíveis ao público, a ideia de abrir um museu estatal de arte nacional também está sendo discutida entre a elite educada da sociedade russa.

Em 1889, o imperador Alexandre III adquiriu a pintura de I. Repin “Nicolau de Myra livra da morte três inocentemente condenados” - este acontecimento está associado à ideia do soberano, que expressou sobre a fundação de um museu nacional nacional.
O plano de Alexandre III foi executado por seu sucessor, o imperador Nicolau II, e em 1895 foi criado o Museu Russo do Imperador Alexandre III. No mesmo ano, teve início a reconstrução dos corredores do Palácio Mikhailovsky para exposições museológicas, sob a liderança do arquiteto V. F. Svinin.

A inauguração do “Museu Russo do Imperador Alexandre III” ocorreu em 7 (19) de março de 1898.
O acervo do museu era composto por obras de arte doadas pelo Hermitage, pela Academia de Artes, pelos Palácios Gatchina e Tsarskoye Selo Alexander, além de doações de colecionadores particulares.

De acordo com o plano, a exposição do museu seria apresentada em três departamentos:
- departamento memorial, dedicado à memória Imperador Alexandre III;
- departamento etnográfico e artístico-industrial;
- departamento de arte.
A construção das instalações do Departamento Memorial atrasou e nunca foi inaugurada.

A coleção do departamento etnográfico foi exposta no Museu Russo, mas em 1934 foi transferida para o recém-inaugurado Museu do Estado etnografia dos povos da URSS.
A coleção do departamento de arte foi ativamente reabastecida e desenvolvida e, como resultado, o Museu Russo tornou-se a maior coleção de belas artes nacionais.

Em 1914, os corredores do Palácio Mekhailovsky não podiam mais acomodar toda a coleção do Museu Russo, e em 1914-1919 um novo edifício de exposições foi erguido de acordo com o projeto dos arquitetos L. Benois e S. Ovsyannikov, que recebeu o nome de o nome do autor é o edifício Benois.
Nos corredores do Museu Estatal Russo há uma grande variedade de arte nacional, a partir de Rússia Antiga e até o nosso tempo.

Antigos ícones russos da coleção do Museu Russo, cuja exposição começou a se formar na fundação do museu e foi reabastecida ao longo do século 20, não são apenas monumentos da arte russa antiga, mas obras-primas de importância mundial.

Ao formar uma coleção pintura de cavalete A base foram as melhores obras de artistas dos séculos XVIII a XIX. Estas são telas pintura de retrato I. Vishnyakov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, pinturas de temas antigos de F. Bruni, G. Ugryumov, a obra-prima mundialmente famosa de K. Bryullov “O Último Dia de Pompéia” e suas outras grandes telas, pinturas do o insuperável pintor marinho I. Aivazovsky e sua famosa "Nona Onda". Um lugar especial no acervo do Museu Russo estão densamente ocupados por artistas do segundo semestre XIX começando Séculos XX - A. Ivanov, V. Vasnetsov, K. Makovsky, I. Repin, K. Savitsky, V. Polenov, V. Vereshchagin, V. Surikov, M. Vrubel. No museu estão amplamente representados pintores paisagistas russos notáveis ​​​​- os conhecidos I. Shishkin, I. Levitan, A. Kuindzhi. De particular interesse são as obras de artistas da associação World of Art, que trabalharam não só na direção da arte do cavalete, mas também da arte teatral, criando cenários e figurinos teatrais.

No período pós-revolucionário, o acervo do Museu Russo foi reabastecido por coleções privadas nacionalizadas e obras criadas por artistas de “novos movimentos”.

No térreo Corpo de Benois exibido grande coleção funciona Período soviético e são realizadas exposições temáticas.
Hoje em dia, o acervo do museu é constantemente reabastecido não só por meio de compras governamentais, mas também pela doação gratuita de coleções particulares ao museu.

Hoje o Museu Estatal Russo é complexo de museu e inclui os palácios Mikhailavsky, Marble e Stroganov, o Castelo Mikhailovsky (Engenheiros), a Casa de Pedro I, conjuntos de jardins e parques - Jardim de verão com o Palácio de Verão de Pedro I e o Jardim Mikhailovsky.

A última vez que estive no Museu Russo foi há muito tempo, na escola. E agora, quase vinte anos depois, eu estava pronto para ir para lá conscientemente.

Acabou sendo muito difícil para um russo comum entrar no Museu Russo. E absolutamente razão trivial: Ficaram sem números no guarda-roupa. A entrada foi bloqueada por uma tia rigorosa com um walkie-talkie e apenas grupos de excursão e cidadãos com crianças foram autorizados a entrar. Depois de ficarmos parados por quase uma hora e sem nos movermos, demos um passo desesperado - juramos publicamente que nem olharíamos na direção do guarda-roupa. E, vejam só, eles nos deixaram passar.
Com tal organização, por exemplo, a linha para os Museus do Vaticano contornaria o Vaticano. Mas não somos o Vaticano, de repente faz frio lá fora.

Para tirar fotos no museu, a câmera teve que comprar um ingresso separado pelo mesmo preço que eu - 250 rublos (para estrangeiros a entrada é cem rublos mais cara).

Sou uma pessoa distante da arte, então para mim o principal critério de avaliação de qualquer criatividade é “gosto” (bonito) / “não gosto” (feio). Por exemplo, eu absolutamente não gosto da imagem da foto do título.
Vou mostrar o que gostei abaixo.

K. Bryullov. Último dia de Pompéia. 1833.
Uma pintura que parece ter se tornado uma crônica documental evento histórico. É enorme e, se você chegar perto, seu olhar pousa nas pedras da calçada, cobertas de cinzas, coisas espalhadas sob os pés dos heróis - algo que você não vê nas ilustrações. Isso adiciona muito realismo ao que está acontecendo. Quando andei por Pompéia, era absolutamente impossível tirar essa imagem da cabeça: o céu vermelho, tudo desabava e figuras congeladas de horror.

A erupção do Vesúvio em muitas fotos elementos do mar Aivazovsky se equilibra na parede oposta do salão.

Esquadrão russo na enseada de Sebastopol. 1846.
Relevante. A julgar pela exposição do museu, a Crimeia era geralmente um tema muito popular entre os artistas russos.

Aceno. 1899.
Um pequenino fragmento de uma imagem com um mar tempestuoso, onde um navio afunda no canto e marinheiros com o mastro quebrado navegam quase para fora da tela sem chance de salvação.

As primeiras salas com arte do início do século XIX são interessantes; você pode ficar sentado ali meio dia, felizmente há sofás. As salas seguintes do século XVIII começam a cansar-se um pouco com retratos e interiores palacianos.

Teto:

Treliça:


Luta de animais em um bebedouro. Fabricação de treliças de Petersburgo. 1757.

Mosaico:


Fábrica Ust-Rudnitskaya M.V. Lomonosov. Retrato de Catarina II. 1762.
Apresentado à Imperatriz por ocasião de sua coroação.

Os últimos corredores do andar são ocupados pela arte russa antiga, ou seja, pintura de ícones:


Parece-me que foi daí que M. Larionov se inspirou.

A cabeça de Pedro - Cavaleiro de Bronze na Grande Escadaria.

V.Perov. Caçadores em repouso. 1877.
Repita a imagem. A primeira versão está exposta na Galeria Tretyakov.

I. Shishkin. Pomo de grama. Pargolovo. 1885.
Surpreendentemente - uma erva daninha contra o pano de fundo de uma cerca torta e pendurada no Museu Russo. Piada.

A. Savrasov. Descongelamento. Iaroslavl. 1874.
É hora de ir para Yaroslavl - há uma lacuna na minha geografia.

Um pouco sobre países estrangeiros em telas de grande porte:


V.Smirnov. Morte de Nero. 1888.
As mulheres vieram buscar o cadáver do imperador suicida. A parede vermelha é como o personagem principal.

G. Semiradsky. Friné no festival de Poseidon em Elêusis. 1889.
Sobre uma mulher que se imagina uma deusa e por isso se despiu publicamente. Uma imagem muito ensolarada e positiva.

V. Surikov:

Velho jardineiro. 1882.
Sobre a Rússia suja.

Vista do monumento a Pedro I na Praça do Senado, em São Petersburgo. 1870.
Sobre a capital.

A travessia dos Alpes por Suvorov. 1899.
A iluminação de algumas salas do museu é organizada de uma forma única: as pinturas brilham nelas de forma que simplesmente não são visíveis. Você tem que estudá-lo em fragmentos, mudando seu ângulo de visão.

Tomando a cidade nevada e o rio, entre os quais se avista a colunata do Salão Redondo do Palácio Mariinsky.

Pinturas grandiosas de I. Repin:


Uma reunião cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901 em homenagem ao centenário de sua criação. 1903.
São retratadas 81 pessoas, cada uma posando individualmente. Como ele conseguiu fazer a composição para que ninguém caísse? Nicolau II está sentado sob um retrato de Nicolau II de Repin. Recursão.

Em frente à pintura está pendurado outro retrato de Nicolau:

Retrato de Nicolau II. 1896.

Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco. 1891. Certo Bielorrusso. 1892, esquerda Retrato de S. M. Dragomirova. 1889.

Transportadores de barcaças no Volga. 1873.
Um fragmento diretamente com caminhões-barcaças - personagens muito coloridos.

Para concluir o tema de Repin:


Mulher negra. 1876.

Num banco de relva. 1876.

A. Kuinji:


Mar. Crimeia. 1908.

Noite. 1908.

Duma sobre o destino da Rússia:


M. Antokolsky. Mefistófeles. 1883.

Cortador:


G. Myasoedov. Tempo de Paixão (Cortadores). 1887. Fragmento.

É sempre interessante observar os detalhes das pinturas cujo tema é uma cena de vida real passado distante e não tão distante, alguma ação está acontecendo, muita gente:

K. Savitsky. Para a guerra. 1888.
despedindo-se dos soldados na guerra russo-turca de 1877-1878, que foi vitoriosa para nós, búlgaros.

K. Makovsky. Transferência do tapete sagrado para o Cairo. 1876.
Sobre o encontro dos peregrinos do Hajj. As impressões de um turista ao visitar o Egito eram claramente mais interessantes antes.

V. Polenov. Cristo e o pecador. 1888. Fragmento com um pecador e um burro. O burro parece nos dizer: “Agora vão apedrejá-los de novo, tanto quanto possível”.

Finalizando o tema oriental:


V. Vereshchagin. Na porta da mesquita. 1873.
Padrão de qualidade fotográfica na porta. Considerando que a imagem é praticamente em tamanho real, involuntariamente tive vontade de tocá-la para ver se era de madeira. A marca da mão na parede chama a atenção. Aliás, a porta fica um pouco visível pela figura da direita.

Outra versão dos pensamentos sobre o destino da Rússia de Antokolsky:


Ivan, o Terrível. 1871.
Por algum motivo, ao lado da loja de souvenirs.

Vamos nos afastar um pouco da pintura.
Arte popular:


Concha. 1753.

Colcha de retalhos.

"Mosgos". Início do século XX.
Brinquedos sombrios de camponês Vyatka.

Valência. Final do século 18
Padrão intrincado.

Fábrica de Porcelana Imperial/Estado/Leningrado:


Leão. 1911.
Ele realmente se parece com Lênin? O que ele está fazendo com a pata dianteira direita...

"Quem trabalha, come."
A porcelana de propaganda da década de 1920 é simplesmente linda.

Serviço com ornamentos suprematistas. 1932.

Vamos continuar com as pinturas.
O século 20 começa:


I. Levitano. Lago. Rússia. 1900. Fragmento.
A última pintura inacabada do artista.

K. Yuon. Dia ensolarado de primavera. Serguiev Posad. 1910.

M. Vrubel. Herói. 1898.
Fragmento com um pássaro.

M. Nesterov. Venerável Sérgio Radonej. 1899.

V.Serov. Banhando o Cavalo. 1905.

B. Kustodiev. Esposa do comerciante tomando chá. 1918.

N. Goncharova. Ciclista. 1913.

P. Filonov. Fórmula de primavera e forças ativas. 1928.
Um pequeno fragmento.

V.Kuptsov. ANT-20 "Maxim Gorky". 1934.
Sobre Strelka V.O., onde ele nunca voou.
O maior avião do mundo, construído em 1934, cairá um ano depois sobre Moscou, durante um vôo de demonstração com membros de famílias de fabricantes de aeronaves. E seis meses depois Kuptsov cometeria suicídio.

A. Samokhvalov. Condutora. 1928.
A Rússia Soviética como ela é.

Eles já tiravam selfies muito antes de isso se tornar popular:

K. Petrov-Vodkin. Auto-retrato. 1927.

L. Kirillova. Auto-retrato. 1974.

Crimeia novamente:


A. Deineka. Defesa de Sebastopol. 1942.

E isso é sobre o meu tempo:


V. Ovchinnikov. Pombal. 1979.

De forma alguma bom museu. Eu gostei.
______________________________

Criatividade I.E. Repin (1844-1930) é um dos fenômenos mais significativos da arte russa. Em suas obras capturou história e modernidade, criou toda uma galeria de retratos pessoas maravilhosas de sua época.

Ilya Efimovich Repin. Alexander Glazunov (1865 - 1936)

Ilya Efimovich Repin. Retrato de Shishkin

Ilya Efimovich Repin. Retrato de Yefim Repin

Suas obras se distinguem pela caracterização vívida de imagens, autenticidade realista e surpreendem com incrível habilidade pictórica. Grande talento o artista já apareceu na pintura “A Ressurreição da Filha de Jairo” (1871), criada como programa de pós-graduação após se formar na Academia de Artes de Repin.

Ilya Efimovich Repin. Ressurreição da filha de Jairo

A versatilidade do talento do artista já se evidenciava então no facto de, em simultâneo com o trabalho nesta tela, trabalhar numa obra completamente diferente no enredo e nos objectivos da pintura.

Ilya Efimovich Repin. Transportadores de barcaças no Volga

Eram “Barge Haulers on the Volga” (1870-1873). trabalho inovador na arte russa. Pela primeira vez fechar-se pessoas do povo apareceram na tela, cada uma com seu caráter, transmitido com maestria pelo artista.

Ilya Efimovich Repin. Sadko

A pintura “Sadko” (1876) exposta no salão foi realizada durante uma viagem ao exterior após se formar na Academia de Artes como uma obra de reportagem, pela qual o pintor recebeu o título de acadêmico.
Salão 34

Um dos obras centrais na obra de Repin, obra à qual ele deu ótimo valor, é a pintura “Cossacos escrevendo uma carta ao sultão turco” (1880-1891). Enquanto concebia a ideia, o artista estudava documentos históricos, visitou Zaporozhye e Kuban. Esse assunto fascinou tanto Repin que não o deixou ir por mais de dez anos. Repin, com incrível liberdade e habilidade, retratou os diferentes personagens das pessoas e os tons de riso em seus rostos - desde o sorriso sutil no rosto inteligente do Ataman Ivan Serko até a risada estrondosa de um cossaco bigodudo em um zhupan vermelho.

I.E. Repin. Cossacos escrevem uma carta ao sultão turco

Na mesma sala estão as pinturas de Repin “Vendo um Recruta” e “Nicolau de Myra Liberta Três Inocentes Condenados da Morte”, retratos do crítico V.V. Stasov, do compositor A.G. Rubinstein e do fisiologista I.R.

I.E. Repin. despedindo-se de um novo recruta

Repin Ilya Efimovich Nicolau de Myra salva três inocentemente condenados da morte.

Repin Ilya Efimovich. Retrato do artista S.M. Dragomirova

Ilya Efimovich Repin. Retrato do cantor A.N. 1883

I.E. Repin - Retrato do crítico V.V.

Repin I.E. Retrato do fisiologista I.R. Tarkhanov. 1892.

Repin Ilya Efimovich. Retrato do compositor A.G. Rubinstein

O salão exibe as pinturas “Que espaço!”, “Bielorrússia”, retratos do compositor N.A. Rimsky-Korsakov, da Condessa N.A. Golovina, comerciante de madeira e promotor da música russa M.P.

I.E. Repin. Que espaço!

Repin Ilya Efimovich. Bielorrusso

I.E. Retrato de Repin do compositor N.A. Rimsky-Korsakov

I.E. Retrato de Repin de M.P.

I.E. Repin. Retrato da Condessa N.P.

A pintura “17 de outubro de 1905” é uma resposta ao manifesto de Nicolau II de 17 de outubro de 1905 “Sobre a melhoria ordem pública”, publicado durante os dias do levante revolucionário no país.

Repin escreveu: “A pintura retrata uma procissão do movimento de libertação da sociedade progressista russa... principalmente estudantes, estudantes do sexo feminino, professores e trabalhadores com bandeiras vermelhas, entusiasmados; cantando canções revolucionárias...eles levantaram a pessoa anistiada sobre os ombros e uma multidão de milhares de pessoas atravessou a praça cidade grande no êxtase da alegria geral."
Salão 36 e mais

Coleção de obras de V.I. Surikov é um dos mais significativos do acervo do Museu Russo. Peça de conversa“A Captura da Cidade da Neve” (1891), pintada pelo artista em sua terra natal, Krasnoyarsk, abre novo período na sua obra, associada à criação de três telas monumentais sobre temas história heróica Rússia. “Dois elementos se encontram” - é assim que Surikov define a ideia central da pintura épica “A Conquista da Sibéria por Ermak” (1895), com cuja criação parecia confirmar a sua ligação com a Sibéria, com os cossacos. A pintura “A Travessia dos Alpes de Suvorov” (1899) é dedicada a evento lendário 1799. “O principal na imagem”, disse Surikov, “é o movimento. Coragem altruísta - obedientes à palavra do comandante, eles vão..."

V.I. Surikov. Tomando a cidade de neve

V.I. Surikov. Conquista da Sibéria por Ermak

V.I. Surikov. A travessia dos Alpes por Suvorov

Na última grande tela de Surikov, “Stepan Razin” (1907), podem-se sentir as tendências do novo realismo pictórico russo - ausência de acontecimentos, poetização da história, atividade extrema da paisagem e busca por formas monumentais de expressão.

Nos corredores dedicado à criatividade pintor, além de pinturas históricas e trabalho preparatório para eles, você pode ver as primeiras composições acadêmicas e retratos magníficos período tardio. “Retrato de uma Mulher Desconhecida sobre Fundo Amarelo”, “Mulher Siberiana” é a personificação do tipo de beleza feminina favorito de Surikov, cheio de harmonia. “Autorretrato” de 1915 é a última das quatorze imagens criadas pelo artista.

Surikov Vasily Ivanovich. Stepan Razin

V.I. Surikov. Retrato de uma mulher desconhecida em um fundo amarelo

V.I. Surikov. Siberiano

V.I. Surikov. Velho jardineiro 1882

Surikov Vasily Ivanovich. Vista do monumento a Pedro I Praça do Senado em São Petersburgo

Surikov Vasily Ivanovich. Festa de Belsazar

V. M. Vasnetsov combinou em suas crenças o humanismo democrático característico dos “Wanderers” com profunda religiosidade e sentimento nacional.

O artista não encontrou imediatamente o seu tema. A pintura “Barracas nas proximidades de Paris” (1876) dá uma ideia de período inicial criatividade, próxima das obras de artistas do gênero das décadas de 1860-1870 com sua orientação crítica e acusatória.

V. M. Vasnetsov. Stands nas proximidades de Paris

No início da década de 1880, Vasnetsov criou as primeiras pinturas de batalha de contos de fadas: “A Batalha dos Citas com os Eslavos” (1881) e “O Cavaleiro na Encruzilhada” (1882). Tendo escolhido temas histórico-nacionais para suas pinturas, o artista combina o conhecimento da epopéia popular com a habilidade de um pintor de gênero, transformando o russo gênero histórico, motivos imersos Rússia medieval na atmosfera de uma lenda poética ou conto de fadas.

Vasnetsov Viktor Mikhailovich. Batalha dos citas com os eslavos

Vasnetsov Viktor Mikhailovich. Cavaleiro na encruzilhada

Vasnetsov Viktor Mikhailovich. Acordeão

Vasnetsov Viktor Mikhailovich. Na casa do Livreiro (1876)

Vasnetsov Viktor Mikhailovich. Retrato de Tatyana Vasnetsova, filha do artista

Na mesma sala é apresentada a imagem da Mãe de Deus com o Menino Jesus nos braços - um dos esboços das pinturas da Catedral de Vladimir, em Kiev, nas quais Vasnetsov trabalhou durante mais de dez anos.

Vasnetsov Viktor Mikhailovich. Nossa Senhora

PARA as obras mais significativas Repin é dono da tela monumental “A Reunião Cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901, no centenário de sua criação” (1903), um grandioso retrato de grupo, encomendado pelo governo em 1901-1903. Repin atraiu dois de seus alunos para realizá-lo - B.M. No filme, Repin decidiu brilhantemente tarefa difícil colocação natural e gratuita de mais de sessenta figuras de participantes da reunião (representados em círculos salão de colunas Palácio Mariinsky em São Petersburgo).

No processo de preparação da pintura, Repin pintou muitos retratos de membros do Conselho de Estado, alguns dos quais também estão expostos no salão.

Citação de Matrioshka Leia na íntegra Para o seu livro de citações ou comunidade!
Passeios virtuais no Museu Russo. São Petersburgo. Parte 7.

Museu Estatal Russo

O Museu Estatal Russo em São Petersburgo é o mais extenso museu de arte russa do mundo. Foi fundado por Nicolau II em 1895 e aberto oficialmente à visitação em 19 de março de 1898.

Até 1917 era chamado "Museu Russo do Imperador Alexandre III". O imperador Alexandre III (pai de Nicolau II) era um colecionador apaixonado nesse aspecto, só pode ser comparado a Catarina II; O Castelo Gatchina do Imperador literalmente se transformou em um armazém de tesouros inestimáveis. As aquisições de Alexandre não cabem mais nas galerias do Palácio de Inverno, Palácio Anichkov e outros palácios - eram pinturas, objetos de arte, tapetes... A extensa coleção de pinturas, gráficos, objetos de arte decorativa e aplicada e esculturas coletadas por Alexandre III, após sua morte, foi transferido para o imperador russo Nicolau II, fundou um museu em memória de seu pai.

Museu Estatal Russo

Inicialmente, o museu estava localizado nos corredores Palácio Mikhailovsky. O acervo do museu da época incluía 1.880 obras de pintura, escultura, grafismo e arte russa antiga, transferidas dos Palácios Imperiais, do Hermitage e da Academia de Artes.

História do Palácio Mikhailovsky

O edifício foi construído em estilo Império. A ideia de construir uma nova residência para o Príncipe Mikhail Pavlovich pertenceu a seu pai, o Imperador Paulo I. Mas Paulo I não precisou ver a concretização de sua ideia, pois como resultado golpe palaciano ele morreu. Apesar disso, a ordem do imperador foi cumprida. Quando Mikhail completou 21 anos, o imperador Alexandre I decidiu iniciar a construção do palácio.

O arquiteto planejou não apenas o palácio, mas também a praça em frente a ele e duas novas ruas (Inzhenernaya e Mikhailovskaya).

Palácio Mikhailovsky

A cerimônia de inauguração do prédio ocorreu no dia 14 de julho, e a construção propriamente dita começou no dia 26 de julho. Ao lado do Champ de Mars, apareceu um jardim no palácio - também Mikhailovsky. Em 11 de setembro de 1825, o palácio foi consagrado.

Filiais do museu

O Museu Russo hoje está localizado, além do Palácio Mikhailovsky, em edifícios que são monumentos arquitetônicos dos séculos XVIII a XIX:

Palácio de Verão de Pedro I
Palácio de Mármore
Palácio Stroganov
Casa de Pedro I

O espaço do museu é complementado pelos Jardins Mikhailovsky e de Verão.

Palácio de Verão de PedroEU

Palácio de Verão de Pedro I

O Palácio de Verão foi construído em estilo barroco de acordo com o projeto Domenico Trezzini em 1710-1714. Este é um dos edifícios mais antigos da cidade. O palácio de dois andares é bastante modesto e consiste em apenas quatorze quartos e duas cozinhas.

A residência foi destinada ao uso apenas na estação quente: de maio a outubro, por isso as paredes são bastante finas e as janelas têm esquadrias simples. A decoração das instalações foi criada pelos artistas A. Zakharov, I. Zavarzin, F. Matveev.

A fachada do palácio é decorada com 29 baixos-relevos, que retratam acontecimentos de forma alegórica. Guerra do Norte. Os baixos-relevos foram executados pelo arquiteto e escultor alemão Andreas Schlüter.

Palácio de Mármore

Palácio de Mármore

O Palácio de Mármore foi construído em 1768-1785. projetado por um arquiteto italiano Antonio Rinaldi. Ele completa uma série de edifícios cerimoniais adjacentes a Palácio de Inverno. O notável arquiteto A. Rinaldi, autor de mais de vinte e cinco grandes edifícios em São Petersburgo e seus subúrbios, foi considerado mestre consumado"fachadas de mármore" Suas técnicas e soluções arquitetônicas são sempre fáceis de reconhecer.

Rinaldi veio para a Rússia a convite do Conde K.G. Razumovsky, e em 1754 recebeu o cargo de arquiteto na corte do Príncipe Pedro Fedorovich e sua esposa, a futura Imperatriz Catarina II. Ele construiu o Palácio Chinês em Oranienbaum, o palácio do Conde G.A. Orlova em Gatchina, etc. Mas o Palácio de Mármore é talvez o mais significativo de todos os seus edifícios. O palácio foi destinado a Grigory Orlov, o favorito de Catarina II, o principal organizador de sua ascensão ao trono. O edifício recebeu esse nome por causa da decoração incomum das fachadas em São Petersburgo com pedra natural. Neste momento, ricos depósitos de mármore foram descobertos na Rússia. Trinta e dois tipos de mármore do norte e italiano foram utilizados na decoração interior e exterior do palácio. A aparência austera do edifício é característica do classicismo inicial.

A fachada principal do Palácio de Mármore está voltada para o Campo de Marte. É decorado com colunas, e a fachada oposta é decorada com pilastras da ordem coríntia. Escultor famoso F.I. Shubin fez duas estátuas no sótão e composições de armaduras militares. Em colaboração com M.I. Kozlovsky, participou na criação da decoração escultórica e decorativa interior do palácio. A decoração da escadaria principal e do primeiro nível das paredes do Salão de Mármore sobrevivem até hoje. Uma elegante cerca de lanças e postes com vasos e troféus circunda o vasto pátio frontal. Mais tarde, foi construído um edifício de serviços na parte oriental, perto do Palácio de Mármore. Baixo-relevo “Serviço de um Cavalo ao Homem”, do escultor P.K. Klodt decora a fachada oeste do edifício.

Na década de 90 do século 20, o palácio tornou-se uma filial do Museu Russo.

Castelo de Engenharia (Mikhailovsky)

Castelo de Engenharia (Mikhailovsky)

Construído por ordem do Imperador Paulo I na virada dos séculos XVIII para XIX e tornou-se o local de sua morte.

O Castelo Mikhailovsky deve o seu nome ao templo do Arcanjo Miguel, patrono da Casa dos Romanov, nele localizado, e à peculiaridade de Paulo I, que aceitou o título de Grão-Mestre da Ordem de Malta, de chamar todos os seus palácios “castelos”; o segundo nome - “Engenharia” - vem da Escola Principal de Engenharia (Nikolaev), hoje VITU, ali localizada desde 1823.

O projeto do palácio foi desenvolvido arquiteto V.I. em nome do imperador Paulo I, que pretendia fazer dela a sua principal residência cerimonial. A construção foi supervisionada arquiteto V. Brenna(qual por muito tempo erroneamente considerado o autor do projeto). Brenna reelaborou o projeto original do palácio e criou uma decoração artística de seus interiores.

Além de Bazhenov e Brenn, o próprio imperador participou da elaboração do projeto, que compôs diversos desenhos para ele. Os assistentes de Brenn também incluíram Fyodor Svinin e Carl Rossi. Paulo I acelerou a construção; Charles Cameron e Giacomo Quarenghi foram enviados para ajudá-lo. Por ordem do imperador, a construção foi realizada dia e noite (à luz de lanternas e tochas), pois este exigiu a reconstrução do castelo no mesmo ano.

Em 21 de novembro de 1800, dia de São Miguel Arcanjo, o castelo foi consagrado solenemente, mas obras nele decoração de interiores continuou até março de 1801. Após o assassinato do imperador, 40 dias após a festa de inauguração, o Castelo Mikhailovsky foi abandonado pelos Romanov e ficou em mau estado por duas décadas. Quando Alexandre I precisou de prata para um serviço luxuoso - um presente de casamento para sua irmã Anna Pavlovna, Rainha dos Países Baixos, os portões de prata da igreja do palácio foram derretidos. Nicolau I ordenou aos arquitetos que “minerassem” o mármore do palácio para a construção do Novo Hermitage.

Em 1823, o castelo foi ocupado pela Escola Principal de Engenharia.

Em 1991, um terço das instalações do castelo foram doadas ao Museu Estatal Russo e, em 1995, todo o castelo foi doado ao museu.

Palácio Stroganov

Palácio Stroganov

O Palácio Stroganov, construído de acordo com o projeto arquiteto Francesco Bartolomeo Rastrelli em 1753-1754, um dos exemplos do barroco russo.

Além de F.B. Rastrelli, A.N. Voronikhin, I. F. Kolodin, K. Rossi, I. Carlos Magno, P. S. Sadovnikov.

Stroganovs (Strogonov) - uma família de comerciantes e industriais russos, de onde vieram grandes proprietários de terras e estadistas Séculos XVI-XX. Eles vieram de camponeses ricos da Pomerânia. Desde o século XVIII - barões e condes Império Russo. A família morreu em 1923.

O edifício é uma filial do Museu Russo desde 1988.

Casa de PedroEU

Casa de Pedro I

O primeiro edifício em São Petersburgo, a casa de verão do czar Pedro I no período de 1703 a 1708. Esta pequena casa de madeira com área de 60 m² foi construída por soldados carpinteiros perto da Praça da Trindade em apenas três dias. Aqui, no dia 27 de maio de 1703, foi realizada uma festa por ocasião da anexação de terras e da fundação de uma nova cidade.

A casa foi construída com troncos de pinheiro cortados no estilo de uma cabana russa. O dossel o divide em duas partes. Além dessa característica, assim como as portas decoradas com placas metálicas ornamentais - características típicas inerentes ao russo arquitetura XVII século - tudo na casa lembra a paixão do czar pela arquitetura holandesa. Então, Pedro, querendo dar à casa a aparência de uma estrutura de pedra, ordenou que os troncos fossem cortados e pintados para parecerem tijolos vermelhos, que o telhado alto fosse coberto com telhas para combinar com as telhas e que janelas invulgarmente grandes fossem colocadas. feito com pequenos vidros. Não havia fogões nem chaminés na casa, pois Pedro morava nela apenas na estação quente. A casa foi preservada quase na sua forma original.

Coleções do Museu Russo

A coleção mais completa é Artes XVIII- primeira metade do século XIX. Basta listar alguns nomes para se ter uma ideia da riqueza artística do museu: A. Matveev, I. Nikitin, Carlo Rastrelli, F. Rokotov, V. Borovikovsky, A. Losenko, D. Levitsky, F. Shubin, M. Kozlovsky, I Martos, S. Shchedrin, O. Kiprensky, A. Venetsianov, F. Bruni, K. Bryullov, P. Fedotov, A. Ivanov.

Pintura de K. Bryullov “O Último Dia de Pompéia”

K. Bryullov "O Último Dia de Pompéia"

Bryullov visitou Pompéia em 1828, fazendo muitos esboços para uma futura pintura sobre o famoso erupção do Monte Vesúvio em 79 DC. uh. e a destruição da cidade de Pompéia, perto de Nápoles. A pintura foi exibida em Roma, recebeu ótimas críticas da crítica e foi enviada ao Louvre. “O Último Dia de Pompéia” representa o romantismo na pintura russa misturado com idealismo. A imagem do artista no canto esquerdo da pintura é um autorretrato do autor. A tela também retrata três vezes a condessa Yulia Pavlovna Samoilova - uma mulher com um jarro na cabeça, de pé em uma plataforma elevada no lado esquerdo da tela, uma mulher que caiu para a morte, esticada na calçada, e ao lado de ela é uma criança viva - ambas, presumivelmente, atiradas para fora de uma carruagem quebrada - nas telas centrais, e uma mãe atraindo suas filhas para si no canto esquerdo da imagem.

Em 1834, a pintura “O Último Dia de Pompéia” foi enviada para São Petersburgo. A.I. Turgenev disse que esta imagem trouxe glória à Rússia e à Itália. E. A. Baratynsky compôs para esta ocasião famoso aforismo: “O último dia de Pompéia se tornou o primeiro dia para a escova russa!” A. S. Pushkin também deixou uma crítica poética:

K. Bryullov "Retrato de A. Demidov"

O Vesúvio abriu a boca - a fumaça saiu em uma nuvem - chamas
Amplamente desenvolvida como bandeira de batalha.
A terra está agitada - das colunas instáveis
Os ídolos caem! Um povo movido pelo medo
Sob a chuva de pedras, sob as cinzas inflamadas,
Multidões, velhos e jovens, estão fugindo da cidade.

Aliás, a famosa pintura foi pintada por Karl Bryullov sob encomenda Anatoly Demidov, filantropo russo e francês, que esteve na embaixada russa, primeiro em Paris, e depois em Roma e Viena. Ele herdou riqueza e coleção colossais de seu pai trabalhos maravilhosos pintura, escultura, bronze, etc. Anatoly Demidov, seguindo o exemplo de seu pai, foi generoso com grandes doações: doou 500.000 rublos para estabelecer uma casa de caridade para trabalhadores em São Petersburgo, que levava o nome do doador; junto com seu irmão Pavel Nikolaevich, doou capital, com o qual foi criado um hospital infantil em São Petersburgo; na Academia de Ciências de São Petersburgo estabeleceu um prêmio de 5.000 rublos para melhor trabalho em russo; em 1853 ele enviou 2.000 rublos de Paris para decorar a igreja do Liceu Demidov em Yaroslavl, doou todas as suas publicações e várias outras valiosas para a biblioteca do Liceu Livros franceses, e também patrocinou generosamente cientistas e artistas. Assim, foi Anatoly Demidov quem apresentou a pintura de Bryullov “O Último Dia de Pompéia” a Nicolau I, que exibiu a pintura na Academia de Artes como um guia para aspirantes a pintores. Após a inauguração do Museu Russo em 1895, a pintura foi transferida para lá e o público em geral teve acesso a ela.

A segunda metade do século XIX é representada pelas obras de artistas: F. Vasiliev, R. Felitsyn, A. Goronovich, E. Sorokin, F. Bronnikov, I. Makarov, V. Khudyakov, A. Chernyshev, P. Rizzoni , L. Lagorio, N. Losev, A. Naumov, A. Volkov, A. Popov, V. Pukirev, N. Nevrev, I. Pryanishnikov, L. Solomatkin, A. Savrasov, A. Korzukhin, F. Zhuravlev, N .Dmitriev-Orenburgsky, A. Morozov, N. Koshelev, A. Shurygin, P. Chistyakov, Ivan Aivazovsky.

Pintura de I. Aivazovsky “A Nona Onda”

I. Aivazovsky "A Nona Onda"

"A Nona Onda" é uma das mais pinturas famosas Ivan Aivazovsky, mundialmente famoso pintor marinho russo.

Retrata o mar após uma forte tempestade noturna e náufragos. Os raios do sol iluminam as enormes ondas. A maior delas, a nona haste, está pronta para cair sobre quem tenta escapar sobre os destroços do mastro.

Tudo fala da grandeza e do poder do elemento mar e do desamparo do homem diante dele. As cores quentes da imagem tornam o mar menos agreste e dão ao espectador esperança de que as pessoas serão salvas.

O tamanho da pintura é 221 × 332 cm.

O museu também apresenta pinturas de artistas itinerantes: G. Myasoedov, V. Perov, A. Bogolyubov, K. Makovsky, N. Ge, I. Shishkin, I. Kramskoy, V. Maksimov, I. Repin, V. Vasnetsov, V. Surikova, N. Abutkova.

Pintura de Nikolai Ge “A Última Ceia”

N. Ge "A Última Ceia"

A pintura do artista retrata um episódio da vida terrena de Cristo, descrito no Evangelho de João (capítulo 13). Era o Evangelho favorito de Ge. Um trecho deste texto coincide em detalhes com o mostrado na imagem.

Jesus levantou-se da ceia... despejou água na pia e começou a lavar os pés dos discípulos e a enxugá-los com uma toalha... Quando lavou os pés deles... então, deitando-se novamente, disse-lhes: Façam você sabe o que eu fiz com você? ... se eu, o Senhor e Mestre, lavei seus pés, então vocês deveriam lavar os pés uns dos outros. Pois eu vos dei um exemplo, para que vocês também façam o mesmo que eu fiz com vocês...

…Jesus ficou perturbado em espírito e disse: “Em verdade, em verdade vos digo que um de vós Me trairá”.

Então os discípulos se entreolharam, perguntando-se de quem ele estava falando. Um dos seus discípulos, a quem Jesus amava, estava reclinado ao peito de Jesus. Simão Pedro fez-lhe um sinal para perguntar quem era... ele, caindo sobre o peito de Jesus, disse-lhe: Senhor! Quem é esse? Jesus respondeu: aquele a quem molhei um pedaço de pão e o dei. E, tendo mergulhado o pedaço, deu-o a Judas Simão Iscariotes. E depois desta peça Satanás entrou nele. Então Jesus lhe disse: “Tudo o que você está fazendo, faça-o rapidamente”. Mas nenhum dos que estavam reclinados entendeu por que Ele lhe disse isso... Ele, tendo aceitado o pedaço, saiu imediatamente; e era noite.

Uma ânfora com água, uma pia com uma toalha na “Última Ceia” de Ele é o tema do amor sacrificial de Cristo. Depois que Judas saiu, eles disseram palavras famosas dirigido aos apóstolos: « Dou-vos um novo mandamento: que vos ameis uns aos outros; como eu os amei... Portanto, todos saberão que vocês são meus discípulos, se tiverem amor uns pelos outros”.

O final do século XIX e início do século XX são representados pelos artistas I. Levitan, P. Trubetskoy, M. Vrubel, V. Serov.

Pintura de I. Levitan “Crepúsculo. Lua"

I. Levitan "Crepúsculo. Lua"

No final de sua vida, tornou-se especialmente característico para Levitan recorrer a paisagens crepusculares cheias de silêncio, farfalhar, luar e sombras. Um dos melhores trabalhos deste período é esta pintura da coleção do Museu Russo.

Obras da associação “Mundo da Arte”

"Mundo da Arte"(1898-1924) - uma associação artística formada na Rússia no final da década de 1890. Os fundadores do “Mundo da Arte” foram o artista de São Petersburgo A. N. Benois e a figura teatral S. P. Diaghilev. Os artistas do “Mundo da Arte” consideravam o princípio estético na arte uma prioridade e primavam pela modernidade e pelo simbolismo, contrariando as ideias dos Andarilhos. A arte, na sua opinião, deveria expressar a personalidade do artista.

A associação incluía artistas: Bakst, N. Roerich, Dobuzhinsky, Lanceray, Mitrokhin, Ostroumova-Lebedeva, Chambers, Yakovlev, Somov, Tsionglinsky, Purvit, Sünnerberg.

No antigo departamento russo, os ícones dos séculos 12 a 15 estão amplamente representados (por exemplo, o Anjo de Cabelo Dourado, a Mãe de Deus da Ternura, Dmitry de Tessalônica, o Milagre de George no Dragão, Boris e Gleb, etc. .), obras de Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e outros mestres. A coleção total do Museu Russo é cerca de 5 mil ícones do século XII ao início do século XX.

Andrey Rublev

Andrey Rublev "Apóstolo Paulo"

Andrey Rublev(falecido por volta de 1430) - pintor de ícones, aluno de Teófanes, o Grego, reverendo.

No início ele foi noviço de São Nikon de Radonej e depois monge no Mosteiro Spaso-Andronikov em Moscou, onde morreu e foi sepultado.

Atualmente, a coleção do Museu Russo inclui os seguintes departamentos: Russo e pintura soviética, escultura, gráficos, artes e ofícios e arte popular (móveis, porcelanas, vidros, esculturas, vernizes, produtos de metal, tecidos, bordados, rendas, etc.). O acervo do museu conta com mais de 400 mil peças.