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Introdução

Na primeira metade do século XIX, intensificou-se a crise do sistema feudal-servo, que dificultou a formação do sistema capitalista. As ideias amantes da liberdade estão se espalhando e se aprofundando nos círculos progressistas da sociedade russa. Eventos Guerra Patriótica, a assistência das tropas russas na libertação dos estados europeus da tirania de Napoleão foi agravada por sentimentos patrióticos e amantes da liberdade. Todos os princípios básicos do estado servo feudal são criticados. Torna-se claro que as esperanças de mudar a realidade social através das atividades governamentais de uma pessoa iluminada são ilusórias. A revolta dezembrista de 1825 foi a primeira revolta armada contra o czarismo. Teve uma enorme influência na cultura artística progressista russa. Esta época deu origem a criatividade genial A.S. Pushkin, popular e universal, cheio de sonhos de liberdade.

Belas artes primeiro metade do século XIX século tem uma comunidade interna e unidade, um encanto único de ideais brilhantes e humanos. O classicismo é enriquecido com novos recursos, sua forças manifesta-se mais claramente na arquitetura, na pintura histórica e, em parte, na escultura. A percepção da cultura do mundo antigo tornou-se mais histórica do que no século XVIII e mais democrática. Junto com o classicismo, recebe intenso desenvolvimento direção romântica e um novo método realista começa a tomar forma.

Após a supressão da revolta dezembrista, a autocracia estabeleceu um regime reacionário brutal. Suas vítimas foram A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, T. G. Shevchenko e muitos outros. Mas Nicolau I não conseguiu suprimir o descontentamento do povo e do pensamento social progressista. As ideias de libertação espalharam-se, abrangendo não só a nobreza, mas também a intelectualidade comum, que passou a desempenhar um papel cada vez mais significativo na cultura artística. V. G. Belinsky tornou-se o fundador da estética democrática revolucionária russa, que influenciou os artistas. Ele escreveu que a arte é uma forma de autoconsciência nacional e liderou a luta ideológica por uma criatividade próxima da vida e socialmente valiosa.

A cultura artística russa foi a primeira terços do século XIX século tomou forma durante um período de ascensão social associado aos eventos heróicos da Guerra Patriótica de 1812 e ao desenvolvimento de ideias anti-servidão e amantes da liberdade do período pré-dezembrista. Nesta época, todos os tipos de artes plásticas e sua síntese atingiram um florescimento brilhante.

No segundo terço do século XIX, devido ao aumento da reação governamental, a arte perdeu em grande parte as características progressistas que lhe eram características anteriormente. A essa altura, o classicismo estava essencialmente esgotado. A arquitetura desses anos seguiu o caminho do ecletismo - o uso externo de estilos épocas diferentes e povos. A escultura perdeu o significado do seu conteúdo; adquiriu características de ostentação superficial. Aqui, pesquisas promissoras surgiram apenas na escultura de pequenas formas, assim como na pintura e na gráfica, os princípios realistas cresceram e se fortaleceram, afirmando-se apesar da resistência ativa dos representantes da arte oficial.

O classicismo da primeira metade do século XIX, de acordo com as tendências românticas, criou imagens elevadas, espirituais e emocionalmente sublimes. Contudo, o apelo à percepção viva e direta da natureza e a destruição do sistema dos chamados gêneros altos e baixos já contrariavam a estética acadêmica, baseada em cânones classicistas. Foi a direção romântica da arte russa do primeiro terço do século XIX que preparou o desenvolvimento do realismo nas décadas seguintes, porque em certa medida aproximou os artistas românticos da realidade, da simples vida real. Era essência interior complexo movimento artístico ao longo da primeira metade do século XIX. Não é por acaso que no final desse período se formou o gênero satírico do cotidiano na pintura e na gráfica. Em geral, a arte desta fase - arquitetura, pintura, gráfica, escultura, arte aplicada e popular - é um fenômeno marcante e cheio de originalidade na história da cultura artística russa. Desenvolvendo as tradições progressistas do século anterior, criou muitas obras magníficas de grande valor estético e social, contribuindo para o património mundial.

Uma evidência importante das mudanças ocorridas na arte russa na primeira metade do século XIX foi o desejo círculos largos espectadores para conhecer as exposições. Em 1834, o Northern Bee, por exemplo, relatou que o desejo de ver “O Último Dia de Pompéia”, de K. P. Bryullov, tomou conta da população de São Petersburgo e se espalhou “em todas as condições e classes”. Esta imagem, como argumentaram os contemporâneos, serviu em grande parte para aproximar “o nosso público do mundo artístico”.

O século XIX também foi marcado pela expansão e aprofundamento das ligações entre a arte russa não só com a vida, mas também tradições artísticas outros povos que habitam a Rússia. Motivos e imagens da periferia nacional, da Sibéria, começaram a aparecer nas obras de artistas russos. Tornou-se mais diversificado Composição nacional estudantes de instituições artísticas russas. Na Academia de Artes, na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, organizada na década de 1830, estudaram nativos da Ucrânia, Bielo-Rússia, Estados Bálticos, Transcaucásia e Ásia Central.

Na segunda metade do século XIX e início do século XX, apenas mestres individuais, e principalmente A. A. Ivanov, despertaram interesse em mundo da arte Rússia. Somente em anos Poder soviético a arte deste período recebeu amplo reconhecimento. Nas últimas décadas, a história da arte soviética prestou grande atenção ao estudo das obras dos mestres da primeira metade do século XIX, especialmente em conexão com o grande exposições de aniversário A. G. Venetsianov, A. A. Ivanov, O. A. Kiprensky, 225º aniversário da Academia de Artes da URSS.

32.Pintura russa do primeiro semestreXIXséculo. Desenvolvimento do gênero, mestres.

As belas-artes russas eram caracterizadas pelo romantismo e pelo realismo. No entanto, o método oficialmente reconhecido foi o classicismo. A Academia de Artes tornou-se uma instituição conservadora e inerte que impedia qualquer tentativa de liberdade criativa. Ela exigiu adesão estrita aos cânones do classicismo e incentivou a pintura sobre temas bíblicos e mitológicos. Jovens artistas russos talentosos não estavam satisfeitos com a estrutura do academicismo. Portanto, eles se voltaram com mais frequência para o gênero retrato.

A pintura incorporou os ideais românticos da era da ascensão nacional. Tendo rejeitado os princípios estritos e invariáveis ​​​​do classicismo, os artistas descobriram a diversidade e a singularidade do mundo circundante. Isso não só se refletiu nos gêneros já familiares - retrato e paisagem - mas também impulsionou o nascimento da pintura cotidiana, que passou a ser foco de atenção dos mestres da segunda metade do século. Por enquanto, a primazia permaneceu com o gênero histórico. Foi o último refúgio do classicismo, porém, mesmo aqui, por trás da “fachada” formalmente clássica, escondiam-se ideias e temas românticos.

Romantismo - (romantismo francês), movimento ideológico e artístico da cultura espiritual europeia e americana do final do século XVIII - 1ª metade. séculos 19 Refletindo a decepção com os resultados da Revolução Francesa do final do século XVIII, com a ideologia do Iluminismo e do progresso social. O Romantismo contrastou o utilitarismo e o nivelamento do indivíduo com aspirações de liberdade ilimitada e do “infinito”, uma sede de perfeição e renovação, e o pathos da independência pessoal e civil. A dolorosa discórdia entre o ideal e a realidade social é a base da visão de mundo e da arte romântica. Afirmação do valor intrínseco da vida espiritual e criativa do indivíduo, a representação de paixões fortes, a representação de paixões fortes, a natureza espiritualizada e curativa, para muitos românticos - o heroísmo do protesto ou da luta coexiste com os motivos da “tristeza mundial ”, “mal do mundo”, o lado “noturno” da alma, revestido de formas de ironia, grotesco, poética de dois mundos. O interesse pelo passado nacional (muitas vezes a sua idealização), pelas tradições do folclore e da cultura própria e de outros povos, o desejo de criar uma imagem universal do mundo (principalmente história e literatura), a ideia de uma síntese das artes encontrou expressão na ideologia e prática do Romantismo.

EM belas-Artes O romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e na gráfica, menos claramente na escultura e na arquitetura (por exemplo, no falso gótico). A maioria das escolas nacionais do Romantismo nas artes plásticas surgiu na luta contra o classicismo acadêmico oficial.

Nas profundezas da cultura oficial do Estado existe uma camada notável de cultura de “elite”, servindo a classe dominante (a aristocracia e a corte real) e tendo uma receptividade especial às inovações estrangeiras. O suficiente para lembrar pintura romântica O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov e outros grandes artistas do século XIX.

Kiprensky Orest Adamovich, artista russo. Um notável mestre da arte russa do romantismo, conhecido como um maravilhoso pintor de retratos. Na pintura “Dmitry Donskoy no Campo Kulikovo” (1805, Museu Russo), ele demonstrou um conhecimento confiante dos cânones da pintura histórica acadêmica. Mas desde cedo, a área onde o seu talento se revelou com mais naturalidade e sem esforço foi o retrato. O seu primeiro retrato pictórico (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.), escrito à maneira “Rembrandt”, destaca-se pela expressiva e dramática estrutura de claro-escuro. Com o passar dos anos, a sua habilidade - manifestada na capacidade de criar, antes de mais nada, imagens únicas e individualmente características, selecionando meios plásticos especiais para realçar essa característica - vai-se fortalecendo. Cheio de vitalidade impressionante: um retrato do menino A. A. Chelishchev (por volta de 1810-11), imagens emparelhadas dos cônjuges F. V. e E. P. Rostopchin (1809) e V. S. e D. N. Khvostov (1814, todos - Galeria Tretyakov). O artista brinca cada vez mais com as possibilidades de contrastes de cores e luzes e sombras, fundos de paisagens e detalhes simbólicos (“E. S. Avdulina”, cerca de 1822, ibid.). O artista sabe fazer até mesmo grandes retratos cerimoniais de forma lirística, quase intimamente relaxada (“Retrato da Vida Hussardo Coronel Evgraf Davydov”, 1809, Museu Russo). Seu retrato do jovem A.S., coberto de glória poética. Pushkin é um dos melhores na criação imagem romântica. Em Kiprensky, Pushkin parece solene e romântico, numa aura de glória poética. “Você me lisonjeia, Orestes”, suspirou Pushkin, olhando para a tela acabada. Kiprensky também foi um desenhista virtuoso que criou (principalmente usando a técnica italiana de lápis e pastel) exemplos de habilidade gráfica, muitas vezes superando sua emotividade aberta e excitantemente leve. retratos pitorescos. Estes são tipos cotidianos (“O Músico Cego”, 1809, Museu Russo; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Galeria Tretyakov) e a famosa série de retratos a lápis de participantes da Guerra Patriótica de 1812 (desenhos representando E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, o mesmo desenho do poeta Batyushkov e outros, 1813-15, Galeria Tretyakov e outras reuniões); o início heróico aqui adquire uma conotação sincera. Um grande número de esboços e evidências textuais mostram que o artista ao longo de seu período de maturidade gravitou para a criação de um grande (segundo ele em minhas próprias palavras de uma carta a A.N. Olenin em 1834), “uma imagem espetacular ou, em russo, impressionante e mágica”, onde os resultados da história europeia, bem como o destino da Rússia, seriam retratados de forma alegórica. “Leitores de Jornais em Nápoles” (1831, Galeria Tretyakov) – na aparência apenas um retrato de grupo – na verdade, há uma resposta secretamente simbólica aos acontecimentos revolucionários na Europa. No entanto, a mais ambiciosa das alegorias pictóricas de Kiprensky permaneceu irrealizada ou desapareceu (como a "Tumba de Anacreonte", concluída em 1821). Essas buscas românticas, no entanto, tiveram continuação em larga escala nas obras de K. P. Bryullov e A. A. Ivanov.

O estilo realista refletiu-se nas obras de V. .A. Tropinina. Os primeiros retratos de Tropinin, pintados em cores contidas (retratos de família dos Condes Morkov, 1813 e 1815, ambos na Galeria Tretyakov), ainda pertencem inteiramente à tradição do Iluminismo: o modelo é o centro incondicional e estável da imagem em eles. Mais tarde, a cor da pintura de Tropinin torna-se mais intensa, os volumes costumam ser esculpidos de forma mais clara e escultural, mas o mais importante é que cresce insinuantemente o sentimento puramente romântico do elemento comovente da vida, do qual o herói do retrato parece ser apenas um parte, um fragmento (“Bulakhov”, 1823; “K. G. Ravich”, 1823; autorretrato, por volta de 1824; todos os três - no mesmo lugar). Assim é A. S. Pushkin no famoso retrato de 1827 (Museu de Toda a Rússia de A. S. Pushkin, Pushkin): o poeta, colocando a mão sobre uma pilha de papel, como se “ouvindo a musa”, ouvindo sonho criativo, cercando a imagem com um halo invisível. Ele também pintou um retrato de A.S. Pushkin. O espectador é apresentado a um homem sábio pela experiência de vida e não muito feliz. No retrato de Tropinin, o poeta encanta de maneira caseira. Algum calor e conforto especiais da velha Moscou emana das obras de Tropinin. Até os 47 anos ele esteve em cativeiro. É provavelmente por isso que os rostos das pessoas comuns nas suas telas são tão frescos, tão inspirados. E a juventude e o encanto da sua “Rendaira” são infinitos. Na maioria das vezes, V.A. Tropinin voltou-se para a representação de pessoas do povo ("A Rendeira", "Retrato de um Filho", etc.).

Artístico e busca ideológica Pensamento social russo, a expectativa de mudança se refletiu nas pinturas K. P. Bryullov"O Último Dia de Pompéia" e A.A. Ivanov "A Aparição de Cristo ao Povo".

Uma grande obra de arte é a pintura “O Último Dia de Pompéia”, de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). Em 1830, o artista russo Karl Pavlovich Bryullov visitou as escavações da antiga cidade de Pompéia. Ele caminhou pelas antigas calçadas, admirou os afrescos e em sua imaginação surgiu aquela trágica noite de agosto de 79 dC. e., quando a cidade estava coberta com cinzas quentes e pedra-pomes do Vesúvio desperto. Três anos depois, a pintura “O Último Dia de Pompéia” fez uma viagem triunfante da Itália à Rússia. O artista encontrou cores incríveis para retratar a tragédia da antiga cidade, morrendo sob a lava e as cinzas da erupção do Vesúvio. A imagem está imbuída de elevados ideais humanísticos. Mostra a coragem das pessoas, a dedicação demonstrada durante desastre terrível. Bryullov estava na Itália em viagem de negócios para a Academia de Artes. Esta instituição de ensino proporcionou boa formação em técnicas de pintura e desenho. No entanto, a Academia concentrou-se claramente na herança antiga e nos temas heróicos. A pintura acadêmica foi caracterizada por paisagem decorativa, teatralidade da composição geral. Cenas da vida moderna e paisagens russas comuns foram consideradas indignas do pincel do artista. O classicismo na pintura foi chamado de academicismo. Bryullov foi associado à Academia com todo o seu trabalho.

Ele tinha uma imaginação poderosa, um olhar aguçado e uma mão fiel - e deu origem a criações vivas consistentes com os cânones do academicismo. Na verdade, com a graça de Pushkin, ele soube capturar na tela tanto a beleza de um corpo humano nu quanto o tremor de um raio de sol sobre uma folha verde. Suas telas “A Cavaleira”, “Batseba”, “Manhã Italiana”, “Tarde Italiana” e numerosos retratos cerimoniais e íntimos permanecerão para sempre obras-primas imperecíveis da pintura russa. No entanto, o artista sempre gravitou em torno de grandes temas históricos, no sentido de retratar acontecimentos significativos história humana. Muitos de seus planos nesse sentido não foram realizados. Bryullov nunca abandonou a ideia de criar uma tela épica baseada em um enredo da história russa. Ele começa a pintura “O Cerco de Pskov pelas Tropas do Rei Stefan Batory”. Retrata o clímax do cerco de 1581, quando os guerreiros Pskov e. Os habitantes da cidade correm para atacar os poloneses que invadiram a cidade e os jogam atrás dos muros. Mas a pintura permaneceu inacabada, e a tarefa de criar pinturas históricas verdadeiramente nacionais foi executada não por Bryullov, mas pela próxima geração de artistas russos. Com a mesma idade de Pushkin, Bryullov sobreviveu 15 anos a ele. Ele esteve doente nos últimos anos. A partir de um autorretrato pintado naquela época, um homem avermelhado, com traços delicados e olhar calmo e pensativo nos olha.

Na primeira metade do século XIX. o artista viveu e trabalhou Alexandre Andreevich Ivanov(1806-1858). Todo meu vida criativa dedicou a ideia do despertar espiritual do povo, encarnando-o no quadro “A Aparição de Cristo ao Povo”. Por mais de 20 anos trabalhou no quadro “A Aparição de Cristo ao Povo”, no qual investiu toda a força e brilho de seu talento. No primeiro plano de sua grandiosa tela, chama a atenção a figura corajosa de João Batista, apontando ao povo a aproximação de Cristo. Sua figura é mostrada à distância. Ele ainda não chegou, está vindo, com certeza virá”, afirma o artista. E os rostos e as almas daqueles que esperam pelo Salvador iluminam-se e tornam-se claros. Nesta fotografia ele mostrava, como disse mais tarde I. E. Repin, “um povo oprimido ansiando pela palavra de liberdade”.

Na primeira metade do século XIX. A pintura russa inclui temas do cotidiano. Um dos primeiros a contatá-lo Alexei Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Ele dedicou seu trabalho a retratar a vida dos camponeses. Ele mostra esta vida de forma idealizada e embelezada, prestando homenagem ao sentimentalismo então em voga. No entanto, as pinturas de Venetsianov “The Threshing Barn”, “At the Harvest. Verão", "Nas terras aráveis. Primavera”, “Mulher Camponesa com Flores”, “Zakharka”, “Manhã do Proprietário de Terras”, refletindo a beleza e a nobreza do povo russo comum, serviram para afirmar a dignidade de uma pessoa, independentemente de sua posição social.

Suas tradições continuaram Pavel Andreevich Fedotov(1815-1852). Suas telas são realistas, repletas de conteúdo satírico, expondo a moral mercantil, a vida e os costumes da elite da sociedade ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", etc.). Ele começou sua trajetória como artista satírico como oficial da guarda. Depois fez esboços engraçados e travessos da vida militar. Em 1848, sua pintura “Fresh Cavalier” foi apresentada em uma exposição acadêmica. Foi uma zombaria ousada não apenas da burocracia estúpida e complacente, mas também das tradições acadêmicas. O manto sujo que eu usava personagem principal a pintura lembrava muito uma toga antiga. Bryullov ficou muito tempo diante da tela e depois disse ao autor, meio brincando, meio sério: “Parabéns, você me derrotou”. Outros filmes de Fedotov (“Café da Manhã de um Aristocrata”, “Major’s Matchmaking”) também são de natureza cômica e satírica. Suas últimas pinturas são muito tristes (“Âncora, mais âncora!”, “Viúva”). Os contemporâneos compararam corretamente P.A. Fedotov em pintura com N.V. Gógol na literatura. Expor os males da Rússia feudal é o tema principal da obra de Pavel Andreevich Fedotov.

Durante o reinado de Alexandre 1, a arte russa atingiu um alto nível artístico, a arquitetura russa atingiu seu auge. Nessa época, uma parte significativa das estruturas arquitetônicas notáveis ​​​​foi construída em São Petersburgo, que se tornaram monumentos da arquitetura do classicismo russo. São eles: Catedral de Kazan, edifício do Instituto de Mineração (arquiteto A. Voronikhin), Palácio Mikhailovsky, Teatro Alexandrinsky(arquiteto K. Rússia), o edifício Exchange (arquiteto J.F. Thomas de Thomon), o Almirantado (arquiteto Andrei Zakharov), a Catedral da Trindade, a Catedral da Transfiguração (arquiteto V. Stasov).

Após a vitória da Rússia na Guerra de 1812, a Rússia desenvolveu Estilo império, desenvolvido com base no “classicismo Alexandrovsky”. Os elementos decorativos do estilo Império de São Petersburgo eram compostos por elementos do antigo equipamento militar romano (seguindo a tradição do estilo Império Francês). Eram distintivos legionários com águias, feixes de lanças, machados, feixes de flechas, também foram utilizadas imagens de escudos: ornamentos egípcios, imagens de esfinges; O estilo do Império Russo era caracterizado pela cor amarelo pálido dos edifícios e pela cor branca das colunas, frontões, pilastras e outros detalhes da decoração arquitetônica (as cores do estilo do Império Napoleônico eram vermelho, azul, branco e dourado). O principal arquiteto que expressou as idéias do estilo do Império Russo foi Carlos Rossi. Ele construiu 12 ruas e 13 praças no centro de São Petersburgo. Criações de K. Rossi: Praça do Palácio, Palácio Mikhailovsky com extenso parque e serviços, Teatro Alexandrinsky. Rossi combinou com maestria formas arquitetônicas com decoração escultórica e pictórica por fora e por dentro. Ele projetou a localização e o caráter de relevos, pinturas, estátuas, cortinas e móveis. A decoração interior seguiu o mesmo princípio do design exterior. Um dos melhores exemplos do interior do Império é Salão Branco Palácio Mikhailovsky . A calma brancura das paredes e colunas é compensada pelo dourado das cornijas em estuque e dos capitéis coríntios. Acima dos portais estão baixos-relevos com figuras de bacantes em repouso, coroas, guirlandas e outros atributos do Império. A pintura do teto e da parte superior das paredes combina pintura multicolorida, padrões dourados e grisaille (pintura monocromática). O tom dourado do parquet e das portas harmoniza-se com o estofamento azul dos móveis dourados. O interior é complementado por luminárias altas em forma de colunas, lustres, candelabros, castiçais de bronze, pedra e cristal. Apesar de toda a variedade, a decoração interior distingue-se por um sentido de proporção, geralmente característico do estilo Império.

Nos primeiros anos do reinado do imperador Nicolau I, as atividades de K. Russia e V. Stasov continuaram. "Império Nikolaev" tornou-se a última fase no desenvolvimento do classicismo na arquitetura russa. Os edifícios da Praça de Santo Isaac, em São Petersburgo, dão uma ideia clara da arquitetura desse período. Catedral de Santo Isaac construído segundo projeto do arquiteto Auguste Montferrand. Enorme edifício, de planta retangular, decorado nas quatro faces com pórticos idênticos de múltiplas colunas e pesados ​​frontões decorados com altos relevos. Uma cúpula dourada ergue-se acima da catedral a uma altura de 101 m, o tambor é rodeado por uma colunata encimada por uma balaustrada com estátuas. No interior da catedral, esculturas, mosaicos e pinturas (pintadas pelos pintores do classicismo acadêmico K. Bryullov, F. Bruni, P. Basin) desempenham um papel importante.

Pintura primeira metade do século XIX representado por várias direções: houve o classicismo, o romantismo se desenvolveu.

O romantismo russo não foi um movimento artístico tão poderoso como na França e na Alemanha. Não há excitação extrema, nem desesperança trágica.

No gênero do retrato, o romantismo se manifestou nas obras de Orest Kiprensky e Vasily Tropinin.

O. Kiprensky formou-se na Academia de Pintura de São Petersburgo na classe de pintura histórica. Em sua juventude, ele ingressou no círculo da nobre intelectualidade de pensamento livre. Ele conheceu os poetas românticos Batyushkov e Vyazemsky V. Zhukovsky, e mais tarde A. Pushkin, posaram para ele; Nos retratos, Kiprensky procurou revelar várias facetas do caráter humano e do mundo espiritual do homem. Para fazer isso, ele usa diferentes técnicas de pintura. Do classicismo, Kiprensky tira a idealização da imagem, mas se esforça para mostrar o vôo romântico da alma. Entre as obras mais significativas está uma série de retratos de militares que participaram da Guerra de 1812. (E. Davydova, I. e A. Lanskikh, etc.). A pintura de Kiprensky se distingue pela liberdade artística. Em pose livre, olhando pensativamente para o lado, apoiado casualmente em uma laje de pedra, está o Coronel E.B. Davydov (1809, Museu Russo). Este retrato é percebido como imagem coletiva herói da Guerra de 1812, embora seja bastante específico. O clima romântico é potencializado pela imagem de uma paisagem tempestuosa, contra a qual a figura é apresentada. A coloração é construída sobre sonoras, captadas força total cores - vermelho e dourado e branco e prata nas roupas dos hussardos - e o contraste dessas cores com os tons escuros da paisagem. A obra-prima de Kiprensky é “Retrato de Pushkin” (1827). A verdadeira aparência do poeta e seu rosto iluminado de inspiração. O poeta escreveu sobre isso: “Vejo-me como num espelho, mas este espelho me lisonjeia”. No retrato, Kiprensky criou uma imagem coletiva. Kiprensky tornou-se o fundador dos retratos a lápis russos.

Vasily Tropinin é considerado um artista romântico (foi libertado da servidão aos 45 anos). Ele viveu uma vida longa e frutífera, recebeu reconhecimento vitalício, o título de acadêmico e tornou-se o mais artista famoso Escola de retratos de Moscou dos anos 20-30. Nos retratos de Tropinin não há impulso romântico de Kiprensky. Os melhores retratos de Tropinin são marcados por alta perfeição artística. Isto é especialmente visível no retrato do filho de Arseny, uma imagem invulgarmente sincera, cuja vivacidade e espontaneidade são enfatizadas por uma iluminação hábil: no lado direito da figura, o cabelo é perfurado, inundado de luz solar, habilmente transmitido pelo mestre. A gama de cores do ocre dourado ao marrom rosado é extraordinariamente rica; o uso generalizado de esmaltes ainda lembra as tradições pictóricas do século XVIII.

Via de regra, a imagem de Tropinin é apresentada sobre um fundo neutro e com um mínimo de acessórios. Foi exatamente assim que A.S. Tropinin retratou. Pushkin (1827) - sentado à mesa em pose livre, vestido com um vestido caseiro, que enfatiza a naturalidade de sua aparência. Nas imagens de Tropinin há sinceridade de expressão, simplicidade, ingenuidade, veracidade dos personagens, autenticidade dos detalhes do cotidiano. Tropinin tornou-se o criador do retrato-pintura, ou seja, um retrato no qual foram introduzidas características do gênero. “Lacemaker”, “Spinner”, “Guitar Player”, “Gold Seamstress” são imagens típicas com um enredo específico. O artista transmite o mundo interior de seus personagens.

Paisagem romântica apresentado nas telas de Sylvester Shchedrin. Viveu no estrangeiro depois da Academia de Artes pintou os portos de Sorrento as margens de Nápoles tipos diferentes Roma. O artista transmite tudo em interação complexa ambiente de ar leve, usa tons cinza-prateados com toques de vermelho (na folhagem enferrujada árvores de outono, em roupas, etc.) Suas pinturas: “A costa de Sorrento com vista para a ilha. Capri", "Vista de Nápoles em noite de luar".

O romantismo na pintura de paisagem é mais claramente representado pela obra de Alexei Venetsianov (aluno de Borovikovsky). Suas pinturas retratam uma serena vida camponesa: “Na terra arável. Primavera", "Na colheita. Verão", "Manhã do Proprietário", "Cortadores de grama". Venetsianov transmitiu poesia vida popular, esse é o encanto romântico de suas pinturas. Venetsianov não revelou as contradições mais agudas vida moderna Camponês russo, não levantou “questões espinhosas” do nosso tempo. Esta é uma vida idílica patriarcal. Nas pinturas “nada acontece”, os heróis são estáticos, mas o homem está sempre em unidade com a natureza, em trabalho eterno, e isso torna as imagens de Venetsianov verdadeiramente monumentais.

A pintura histórica russa dos anos 30-40 do século XIX também se desenvolveu sob o signo do romantismo. Karl Bryullov foi o artista que encontrou um compromisso entre os ideais do classicismo e as inovações do romantismo. Depois da Academia de Artes viveu na Itália, após uma viagem a Pompéia trabalhou em sua obra principal, “O Último Dia de Pompéia” (1830-1833). Mostrou um acontecimento real da história antiga - a morte da cidade durante a erupção do Monte Vesúvio em 79. DE ANÚNCIOS (os temas no classicismo são sempre históricos). O tema da morte é característico do romantismo; mesmo na morte a pessoa permanece bela: um jovem salva sua amada, uma mãe cobre o filho, o artista tira as tintas, mas saindo da cidade destruída, ele tenta capturar o terrível. visão. O artista mostrou a grandeza e a dignidade do homem diante da morte. A iluminação cênica é feita com efeitos românticos.

Alexander Ivanov foi uma figura central na pintura de meados do século. Depois da Academia de Artes viveu na Itália, 1,5 meses antes de sua morte retornou à sua terra natal. Imagem principal- “A aparição de Cristo ao povo”. Ivanov demorou muito para criar este trabalho. Ele acreditava na ideia do destino profético do artista neste mundo, acreditava na perfeição de uma pessoa que buscava a liberdade e a verdade. Ele mostrou a visão espiritual das pessoas que viram Jesus e, assim, expressou a ideia do aperfeiçoamento moral da humanidade. A pertença desta imagem ao romantismo é contestada: não há enredo dramático, nem dinâmica de ação, nem paixões violentas, efeitos de cor e iluminação. Ao mesmo tempo, a ideia e o plano geral são sem dúvida românticos: o chamado de João Batista e a pregação de I. Cristo deveriam despertar o povo da Judéia dos “séculos de silêncio”.

Escultura.

Em 1838, P.K. Klodt recebeu o título de acadêmico e foi nomeado professor de escultura na Academia de Artes.

Pedro Klodt – excelente escultor, que criou grupos escultóricos de cavalos. Eles decoram a Ponte Anichkov de São Petersburgo, Grande Teatro(quadriga com Apolo no frontão do teatro). A grande inauguração da ponte com as esculturas de Klodt ocorreu em 20 de novembro de 1841, com uma grande multidão de admiradores.

No primeiro desses trabalhos o cavalo empinou, ele estava excitado, suas narinas dilatadas, ele tentava escapar, mas o jovem cocheiro o refreou e o cobriu com uma manta. Na segunda, o cavalo ainda está excitado, mas obedeceu ao homem, o jovem o conduz para perto dele - freado, calçado e coberto com uma manta. P.K. Klodt participou da decoração dos interiores da Catedral de Santo Isaac (alto relevo "Cristo em Glória"). Ele é o autor do monumento a I.A. Jardim de verão em São Petersburgo, estátuas de São Vladimir em Kiev. A última de suas grandes obras é um monumento ao seu patrono, o imperador Nicolau I de São Petersburgo.

O movimento principal foi na direção do realismo, mas afirmou-se na luta contra o classicismo autoritário representado pela Academia e, portanto, conseguiu ganhar terreno muito mais tarde do que na literatura. Embora Pushkin já tivesse se tornado o “Poeta da Realidade” aos 25-26 anos de idade, a pintura russa teve dificuldade em superar a influência inerte da era anterior. Inicialmente, a nova pintura russa associou-se ao romantismo.
Orest Adamovich Kiprensky (1782 – 1836)
Este artista esteve nas origens da pintura russa do século XIX. A sua arte distingue-se pela paixão e impulso, pelo desejo de transmitir o movimento da vida interior. Ele buscava o sublime na pessoa, retratava heróis em seus melhores momentos, transmitia a capacidade de sentir, o desejo de viver uma vida espiritual. A melhor parte de seu trabalho são os retratos do final dos anos 1800-1810. Kiprensky procurava reflexos do ideal no rosto das pessoas. Ele está interessado em uma pessoa que não tem nada a ver com serviço público vivendo na esfera dos interesses privados, no mundo dos sentimentos.
Retratos: retrato de Evgraf Davydov (1809), retrato de um menino Chelishchev (1808 - 1809), retrato do poeta V. A. Zhukovsky (1816). As principais técnicas de pintura são as seguintes:
contraste nítido de luz e sombra, às vezes gradação próxima de cores vizinhas. Predominantemente vermelho, azul e branco compõem o acorde de cores principal. Cada rosto de Kiprensky é único; podemos dizer que ele é o único. Esta é uma característica do romantismo.
Maioria retrato famoso escovado por Kiprensky foi criado em 1827. Esse retrato de A. S. Pushkin, sobre o qual todos próximos a mim disseram que era o mais próximo do original.

Sylvester Shchedrin (1791 – 1830)
Paisagem do romantismo. Depois de uma viagem à Itália, Shchedrin se livra da placa acadêmica e ganha a liberdade. Ele passa 10 anos lá, experimenta o florescimento de sua criatividade e morre antes de poder retornar à sua terra natal. Ele pinta vistas italianas. A natureza em suas telas parece radiante, alegre, inebriante. As cores brilham. O homem e a natureza constituem a base de sua visão de mundo. Shchedrin seguiu o mesmo caminho de Constable na Inglaterra e de Corot na França. A tarefa é abrir a vida interior para estar em harmonia com a natureza. Shchedrin se tornou o primeiro artista russo a trabalhar ao ar livre - plein air. “Nova Roma”, “Costa em Sorrento com vista para a ilha de Capri”.
Shchedrin procurou a verdade da luz e do ar, sua interação e dominou as leis do plein air. Ele baniu os tons “marrons” do museu. Eu adorava prata fria e cinza. No final da vida, o artista voltou às tintas quentes. "Terraço à beira-mar".

O fundador do gênero cotidiano. Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780 – 1847).
Um simples funcionário, agrimensor, começou a pintar no início do século XIX. Ele se mudou de Moscou para São Petersburgo, teve aulas com Borovikovsky. Venetsianov estava próximo dos círculos progressistas da sociedade. Sua gravura fala sobre isso "Nobre". Na virada dos anos 10-40. Venetsianov descobriu o gênero cotidiano, adquiriu uma pequena propriedade na província de Tver e começou a retratar o mundo camponês.
Ele se deparou com a tarefa de representar a luz saindo de fontes diferentes, mostrando camponeses em diversas posições. Via poesia nas coisas mais corriqueiras, na vida da aldeia. Nisto ele está próximo de Pushkin. Nada de especial acontece nas pinturas de Venetsianov. A ação geralmente é monossilábica. O artista não retrata conflitos. O homem em suas telas é retratado rodeado pela natureza. Venetsianov é o primeiro a descobrir a beleza natureza nativa. As melhores criações de Venetsianov “Na terra arável. Primavera", "Na Colheita, Verão".

Karl Pavlovich Bryullov (1799 – 1852)
Com a mesma idade de Pushkin, Bryullov muitas vezes se sobrepõe ao grande poeta em sua obra. Mas se Pushkin passou rapidamente do romantismo para uma maneira realista, para a “poesia da realidade”, então Bryullov só poderia combinar a fria habilidade acadêmica com um escopo romântico, especialmente em sua pintura mais famosa. Ele buscou o ideal, o brilhante e o alegre, mas não seguiu caminhos difíceis na arte. Depois da Academia Bryullov, como sempre acontecia com os melhores graduados, foi parar na Itália. Nas pinturas da década de 20 sobre temas da antiguidade, desde Renascença italiana, da Bíblia, predominam os elementos decorativos e o brilho externo. Na década de 30 surgiu uma percepção trágica da vida. Neste momento, o plano central de Bryullov estava amadurecendo.
“O Último Dia de Pompéia” (1830 – 1833)
Na década de 30 Bryullov cria vários retratos cerimoniais. Ele se tornou um artista incomumente elegante, inundado de encomendas. Bryullov se esforça para capturar um certo momento sublime. Isso é "Cavaleiro"- A aluna da Condessa Samoilova é Jovanina.
Na década de 40 o artista buscava expressividade psicológica. Maravilhoso "Auto-retrato" 1848 pintado pelo artista após uma doença grave. Diante de nós está um homem cansado, desapontado e cansado do mundo. Este retrato está longe de ser um academicismo frio. Está escrito de forma livre, a pincelada é larga, não escorregadia, o que fala do futuro da arte russa.

Alexandre Ivanov (1806 – 1858)
Ele era um homem de excepcional força de pensamento, caráter, uma “alma de ouro”, que sabia cuidar dos entes queridos e ao mesmo tempo era muito rigoroso em vida doméstica. Ele era um verdadeiro poeta e desprezava todos os efeitos e benefícios externos. Ele se distinguiu por um amor enorme e sem limites pela sua pátria, um sonho de sua ascensão. Uma sede infinita de autoaperfeiçoamento, autodesenvolvimento constante, insatisfação consigo mesmo - tudo isso fez dele uma personalidade excepcionalmente brilhante. Alexander Ivanov foi apreciado por Herzen e Ogarev, Chernyshevsky, seu amigo era N.V.
Ivanov nasceu em São Petersburgo na família de um artista. Formou-se na Academia e em 1830 veio para a Itália, para Roma. Ele retornará apenas um mês e meio antes de sua morte e trará “A Aparição de Cristo ao Povo”. As tarefas que Ivanov se propôs tornaram-se cada vez mais complicadas. Primeiro ele queria compreender a escola italiana e seu espírito, depois conectar a religião e a mitologia com os problemas do bem e do mal.
"A aparição de Cristo a Madalena"- primeira abordagem nova tarefa, ainda em grande parte acadêmico.
“A aparição de Cristo ao povo”.
De 1836 a 1848 Ivanov escreveu sua segunda e principal obra. Na verdade, ele continuou a trabalhar nisso até sua morte. Esta tela está repleta de vantagens surpreendentes: a representação da natureza e das pessoas, personagens, manifestações emocionais, movimentos do coração, a ideia em si é brilhante - retratar a verdade revelada às pessoas e a esperança de salvação. Ivanov não introduziu figuras humanas ou motivos de gênero em seus esboços. Suas paisagens são filosóficas e históricas. Sobre "Via Ápia"é apresentada a estrada em que houve cruzamentos com escravos crucificados após a revolta de Spartacus. Em um galho brilhando ao sol, Ivanov foi capaz de sentir o Universo. Depois de 1848, depois das revoluções na Europa, o dinheiro deixou de vir da Rússia. Pai morreu. Ivanov não conseguia agora completar o quadro da maneira que queria. E os seus novos planos eram ainda mais grandiosos: um ciclo de pinturas bíblicas na parede de um edifício especial. Os esboços ficam mais livres. Livre dos resquícios do academicismo. Mas, como Michelangelo, Bazhenov, Rodin, Ivanov não conseguiu realizar todos os seus planos. Ivanov não recebeu reconhecimento na Rússia, mas seu trabalho desempenhou um papel importante no desenvolvimento de toda a arte russa do século XIX.
Pavel Andreevich Fedotov. (1815 – 1852)
Seu apogeu e morte ocorreram na década de 40. O século XIX foi a época do triunfo da reação de Nicolau. Trágico é o destino do artista, que pagou um alto preço por ser o primeiro a perscrutar com ousadia as características da vida russa. Ele se formou em Moscou corpo de cadetes, acabou no Regimento da Guarda Finlandesa em São Petersburgo, a maior parte de sua vida esteve ligada ao exército russo. Se não fosse por esse conhecimento do ambiente militar, ele não teria sido capaz de pintar com tanta precisão a imagem de seu major no famoso quadro. No exército, Fedotov interessou-se por desenho, caricatura, esboço e muitas vezes desenhava seus amigos, cenas militares cotidianas, viagens a acampamentos militares de verão, etc. Ele estudou pintura por conta própria e começou a ter aulas na Academia. São conhecidos seus maravilhosos desenhos: “As Consequências da Morte de Fidelka”, “O Marido de uma Mulher Enganada”, Uma Menina Seduzida por um Oficial ao lado do leito de uma mãe doente”. na literatura, cujo significado era uma representação direta dos aspectos mais típicos da vida russa. Mas Fedotov não fazia parte do círculo de escritores associados ao ideólogo escola natural- Belinsky. Ele trilhou seu próprio caminho. Na década de 40 Fedotov começa a experimentar a pintura a óleo. Ele mergulha na essência da vida, suas obras tornam-se cada vez mais trágicas.
Fedotov criou suas pinturas mais significativas de 1846 a 1852. Cada uma de suas pinturas foi um marco no caminho para um novo sistema de compreensão artística da realidade.
"Cavaleiro Fresco" 1846. Uma ideia reveladora é apresentada.

"Major Matchmaking" 1848
Este é o auge da criatividade de Fedotov. A essência da famosa pintura é a imagem de um mundo de engano, mentira, casamento, que, claro, aparece como uma transação comum. O mundo nas telas do artista está se tornando cada vez mais assustador. Os objetos ficam distorcidos e aparece uma expressão forte. A sátira desaparece da imagem "Viúva", onde Fedotov se apresentou num retrato do falecido marido da mulher.
"Jogadores" 1852. A cena é quase irreal, fantástica. Logo Fedotov adoeceu doença mental e terminou seus dias em um hospital psiquiátrico. Ele está enterrado no cemitério de Alexander Nevsky Lavra, em São Petersburgo. O próprio Fedotov, como escreveu o crítico Stasov, provavelmente ficaria surpreso se soubesse que suas buscas foram na mesma direção que as buscas pelo melhor Artistas franceses século XIX, abrindo caminho para o movimento realista. Pela coragem com que olhou para a realidade de Nikolaev, ele pagou um preço alto, mas suas realizações, cuja seriedade os acadêmicos não compreenderam imediatamente, prepararam o terreno para os artistas realistas russos - os Wanderers.

O caminho da cultura artística russa, começando com o classicismo, percorreu na primeira metade do século XIX, passando pelo romantismo até o realismo. Os pintores que seguiram os caminhos trilhados do classicismo, que adquiriu conotação acadêmica na pintura no início do século XIX, não alcançaram grandes alturas. É verdade que os seus contemporâneos valorizavam muito a sua arte; o gênero histórico em que trabalharam foi considerado o mais elevado da Academia. É verdade que algumas mudanças ocorreram na pintura histórica. Consistiam no fato de os temas nacionais ganharem cada vez mais peso.

Um dos pintores históricos mais famosos do início do século Andrey Ivanov - pai do grande Alexander Ivanov - na maioria das vezes dedicou suas obras aos heróis de história antiga Rússia - Mstislav Udaloy ou um jovem residente de Kiev. Outro artista do início do século 19 Dmitri Ivanov dedicou sua pintura a Marfa Posadnitsa, que então, nas mentes dos progressistas do início do século 19, era uma lutadora consistente dos homens livres de Novgorod. Personagens históricos em todas essas obras eles atuaram como verdadeiros heróis. Suas façanhas deveriam servir de motivo para comparar a história com a modernidade.

E, no entanto, a pintura histórica não avançou significativamente em comparação com os mestres do final do século XVIII.

O classicismo como direção na cultura artística russa está agora adquirindo uma poderosa ressonância cívica. EM Literatura científica este período é geralmente chamado de alto classicismo.

Alto classicismo refletido na pintura, mas aqui o desejo dos artistas de aproximar a arte da vida foi mais fecundo. A característica dos pintores desta época era uma afirmação romântica da beleza do único, individual e incomum.

Um dos artistas que estiveram nas origens da arte do século XIX foi Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) . Se colocarmos na balança da história, por um lado, todas as pinturas de pintores históricos e, por outro, vários retratos de Kiprensky, então estes últimos sem dúvida terão mais peso. São eles que nos falam daquela época; eles contêm a alma daqueles anos. Eles contêm a beleza da excitação e do impulso, o desejo pela dinâmica da vida interior. Kiprensky não estava satisfeito com a realidade ao seu redor; procurou o princípio sublime no homem, retratando os seus heróis nos seus melhores momentos, transmitindo a sua capacidade de sentir, o seu desejo de viver uma vida espiritual. Os personagens de Kiprensky perscrutam o mundo e confiam no seu interlocutor. Não é por acaso que estes retratos são por vezes comparados a mensagens poéticas a um amigo - desse género Poesia lírica, que foi difundido nos tempos pré-Pushkin e Pushkin.

Kiprensky descobriu não apenas novas qualidades humanas, mas também novas possibilidades para a pintura. Cada um de seus retratos tem sua estrutura pictórica especial. Alguns são construídos sobre um nítido contraste de luz e sombra. Em outros, o principal meio pictórico é uma gradação sutil de cores próximas umas das outras. Essa variedade de manifestações da face criativa do artista também pertence à nova era - o conceito criativo romântico.

O romantismo russo em sua primeira fase é representado por um pintor paisagista Sylvester Shchedrin(1791-1830) . Começou numa época em que havia alguma estagnação na paisagem russa: a paisagem decorativa do século XVIII estava completando o seu desenvolvimento, e as tendências emergentes na interpretação lírica da natureza foram suplantadas pelo rigor protocolar e secura da videopintura e da clássica esquematismo. O artista passou mais de dez anos na Itália, então imaginada pelos artistas e poetas russos como uma “terra prometida”. Lá ele experimentou o florescimento de sua criatividade; ele morreu lá antes que pudesse retornar à sua terra natal. Estes foram melhores anos sua curta vida e trabalho criativo cheio de missões. Shchedrin pintou vistas italianas. A Itália, com a sua natureza pitoresca e magnífica, parecia-lhe o lugar onde um paisagista poderia e deveria criar. A natureza de Shchedrin é sempre sublime, brilhando com cores alegres; intoxica a pessoa, traz-lhe uma doce sensação de felicidade. Parece predispor àquele “dolce far niente” (“bela ociosidade”) que, aos olhos dos russos, era a verdadeira base da vida italiana. O caminho para tal compreensão da natureza foi aberto ao artista por novas ideias românticas sobre a relação entre o homem e seu ambiente natural; a natureza revelou-se capaz de suprimir o homem com sua imensa grandeza ou abrir sua vida interior para que ele coexistisse.

V.A. Tropinina (1776-1857) demonstrou através de sua obra uma transição gradual, e não abrupta, como a de Kiprensky, do século XVIII para o século XIX. Tropinin adotou as tradições do sentimentalismo de Borovikovsky e geralmente usou a herança do século XVIII, que é especialmente perceptível em trabalhos iniciais(“Garota do Podol”).

Porém, o artista logo estabeleceu seu próprio princípio de interpretação do homem. Seus retratos dos anos 20-30, ou seja. apogeu, já indicam um conceito figurativo completamente independente. A tropinina pode ser considerada o antípoda de Kiprensky. Os retratos do mestre moscovita são sempre simples, “caseiros”. Não há nenhuma excitação interior particular em seus heróis. Mas eles se comportam à vontade e com calma. O artista com grande espontaneidade percebe e transmite as características do modelo e do ambiente em que este modelo reside. Nestes retratos está a verdade dos personagens e a verdade do ambiente. Demonstram interesse pelo ambiente específico de uma pessoa, pelo seu vestuário, por um momento precisamente marcado em que esse estado particular de uma pessoa se revela. Ao mesmo tempo, estes retratos distinguem-se por elevados méritos pictóricos: a modelagem suave do volume, acompanhada pela unidade tonal, não impede Tropinin de ver o valor das qualidades independentes da cor e da beleza da textura. Todas essas características podem ser observadas nos retratos de seu filho (c. 1818), Bulakhov (1823), Ravich (1825), Zubova (1834), etc.

O interesse do artista pelo meio ambiente, pelo ambiente em que as pessoas vivem, levou-o a um tipo especial de pintura em que o retrato se combina com o gênero. Em inúmeras “Rendas”, “Costureiras de Ouro”, “Guitarristas”, via de regra, há uma tipificada imagem de retrato e ao mesmo tempo, o artista recria uma determinada ação, ainda que inequívoca e simples. Nestas obras, a ligação de Tropinin com a herança sentimentalista de pintores anteriores é especialmente clara, mas as imagens de Tropinin gravitam mais para o género, para o princípio quotidiano.

A criatividade de Tropinsky determinou em grande parte as características específicas da pintura de Moscou. Tropinin foi uma figura central na pintura de Moscou. Embora ele próprio não ensinasse, professores e alunos da Escola de Moscou foram guiados pela experiência de Tropinin e sua tradição continuou até o final do século XIX.

O verdadeiro fundador do gênero cotidiano na pintura russa foi Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) . Os retratos a lápis, pastel e óleo feitos por Venetsianov na primeira década do século têm um caráter romântico inicial. Em seguida, o artista recorre à caricatura e aos esboços do cotidiano.

Na virada das décadas de 10 e 20 do século 19, Venetsianov se viu no gênero cotidiano. Suas melhores obras foram criadas na década de 20 (“Gumno”). Ele começou a tomar os fenômenos mais comuns da vida como temas para suas pinturas: camponeses descascando beterrabas, um proprietário de terras dando uma “lição” diária às suas servas, um pastor adormecendo perto de uma árvore, uma cena de arar, colher e ceifa. Finalmente, ele criou retratos de camponeses - o menino Zakharka, um homem idoso, uma menina com flores. O artista glorificou o cidadão comum, sem pensar nas contradições da vida camponesa, procurando, antes de mais nada, encontrar a poesia nos próprios fundamentos da vida na aldeia do seu tempo.

Grande importância contemporâneos ligados à pintura histórica. A pintura “O Último Dia de Pompéia” (1830-1833) era amplamente conhecida. Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ; Gogol a cumprimentou, Pushkin dedicou várias linhas a ela. No brilho dos relâmpagos perfurando nuvens espessas, em intensos contrastes de luz e sombra, o artista imaginou a morte dos habitantes da antiga Pompéia durante a erupção do Vesúvio. A beleza sublime do homem e a inevitabilidade da sua morte estão aqui numa contradição trágica. Personagem romântico também é inerente à maioria dos retratos de Bryullov (“Autorretrato” 1848).

O maior mestre quadro histórico foi Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) , um artista em quem, segundo Tchernichévski, “uma profunda sede de verdade” se combinava com “uma pureza infantil da alma”. Homem de inteligência extraordinária, Ivanov estava profundamente convencido do grande futuro histórico do povo russo. Em suas obras ele procurou compreender os elementos movimentos populares na história, antecipando muitas das buscas da pintura realista russa das décadas seguintes.

Em meados do século, na era de Belinsky e Gogol, a exposição dos vícios da vida social ganhou destaque nas artes visuais. Os gráficos russos - ilustrações zombeteiras e cáusticas de livros e revistas - são os primeiros a iniciar esse movimento. A pintura seguiu. A direção satírica na pintura foi mais brilhante apresentado por Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) . As pinturas dele lados sombrios A realidade russa lançou as bases para a arte da segunda metade do século XIX.