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TEATRO ITALIANO. A arte teatral da Itália remonta a rituais folclóricos e jogos, carnavais, cantos de culto e danças associadas ao ciclo natural e ao trabalho rural. Os Jogos de Maio foram ricos em canções e ação dramática. , acontecendo ao redor de uma fogueira acesa, simbolizando o sol. De meados do século XIII. Lauda aparece na Úmbria (lauda) , um tipo único de espetáculo público, -cantos religiosos de louvor, que gradualmente adquiriram forma dialógica. Os temas dessas apresentações foram predominantemente cenas gospel - a Anunciação, o nascimento de Cristo, os feitos de Cristo... Entre os escritores de laudas, destacou-se o monge toscano Jacopone da Todi (1230–1306). Sua obra mais famosa O lamento de Madonna. As Laudas serviram de base para o surgimento das performances sagradas (sacre rappresentazioni), que se desenvolveram nos séculos XIV-XV. (originalmente também na Itália central), - um gênero próximo ao mistério, difundido em países Norte da Europa. O conteúdo das representações sagradas baseava-se nos enredos do Antigo e do Novo Testamento, aos quais foram acrescentados motivos de contos de fadas e realistas. As apresentações aconteceram em um pódio instalado na praça da cidade. O palco foi construído de acordo com o cânone aceito - abaixo está o “inferno” (a boca aberta do dragão), no topo está o “paraíso”, e entre eles estão outros locais de ação - “Montanha”, “Deserto” , “Palácio Real”, etc. Um dos mais autores famosos deste gênero foi Feo Belkari - O conceito de Abraão e Isaque (1449), São João no deserto(1470), etc. O governante de Florença, Lorenzo Medici, também compôs performances sagradas.

Em 1480, um jovem poeta da corte e especialista em antiguidade, Angelo Poliziano (1454-1494), encomendado pelo cardeal Francesco Gonzaga, escreveu um drama pastoral baseado em um antigo mito grego. O Conto de Orfeu. Este foi o primeiro exemplo de recurso a imagens do mundo antigo. Com a peça de Poliziano, permeada de um sentimento alegre e alegre, iniciou-se o interesse pelas peças mitológicas e um fascínio geral pela antiguidade.

O drama literário italiano, com o qual começa a história do drama renascentista da Europa Ocidental, baseava-se em sua estética na experiência do drama antigo. As comédias de Plauto e Terêncio determinaram para os dramaturgos humanistas italianos os temas de suas obras, o elenco de personagens e estrutura composicional. As produções de comédias latinas feitas por crianças em idade escolar e estudantes foram de grande importância, especialmente em Roma, sob a direção de Pomponio Leto, na década de 1470. Usando enredos tradicionais, eles introduziram novos personagens, cores modernas e avaliações em suas obras. Eles fizeram da vida real o conteúdo de suas peças e das pessoas contemporâneas como seus heróis. O primeiro comediante dos tempos modernos foi o grande poeta do final do Renascimento italiano, Ludovico Ariosto. Suas peças estão repletas de pinturas realistas e esboços satíricos nítidos. Ele se tornou o fundador da comédia nacional italiana. Dele vem o desenvolvimento da comédia em duas direções - puramente divertida ( Kalandria Cardeal Bibiena, 1513) e satírico, representado por Pietro Aretino ( Moral da corte, 1534, Filósofo, 1546), Giordano Bruno ( Castiçal, 1582) e Nicolau Maquiavel, que criou a melhor comédia da época - Mandrágora(1514). No entanto, em geral, as obras dramáticas dos escritores de comédia italianos eram imperfeitas. Não é por acaso que todo o movimento recebeu o nome de “Comédia Científica” (commedia erudita).

Junto com a comédia literária, também aparece a tragédia. A tragédia italiana não trouxe grandes sucessos. Muitas peças desse gênero foram compostas, continham histórias de terror, paixões criminosas e crueldades incríveis. Eles foram chamados de "tragédias de terror". A obra de maior sucesso do gênero - Sofonisba G. Trissino, escrito em verso branco (1515). Trissino ganhou experiência desenvolvimento adicional muito além da Itália. A tragédia de P. Aretino também teve algumas vantagens Horácio (1546).

O terceiro - o mais bem-sucedido e animado - gênero do drama literário italiano do século XVI. tornou-se uma pastoral, que rapidamente se difundiu nos tribunais da Europa (). O gênero adquiriu um caráter aristocrático. Seu local de nascimento é Ferrara. Poema famoso G. Sannazzaro Arcádia(1504), que celebrava a vida rural e a natureza como “local de relaxamento”, marcou o início do movimento. As obras mais famosas do gênero pastoral foram Aminta Torquato Tasso (1573), obra repleta de verdadeira poesia e simplicidade renascentista, além de Pastor Fiel D.-B. Guarini (1585), que se distingue pela complexidade da intriga e da linguagem poética, por isso é classificado como maneirismo.

A separação do drama literário do público não contribuiu para o desenvolvimento do teatro. A arte cênica nasceu na praça - nas apresentações de bufões medievais (giullari), herdeiros de mímicos Roma antiga, em performances ridículas hilariantes. A farsa (farsa) foi finalmente formada no século XV. e adquire todos os sinais imaginação popular– eficácia, bufonaria, concretude cotidiana, pensamento livre satírico Eventos Vida real, virando tema de farsa, virou piada. De forma brilhante e grotesca, a farsa ridicularizou os vícios das pessoas e sociedade. A farsa teve grande influência no desenvolvimento do teatro europeu e, na Itália, contribuiu para a criação de um tipo especial de Artes performáticas- comédia improvisada.

Até meados do século XVI. Não havia teatro profissional na Itália. Em Veneza, que foi pioneira na criação de todo o tipo de espetáculos, já na viragem dos séculos XV para XVI. Havia várias comunidades teatrais amadoras. Estiveram presentes artesãos e pessoas de classes instruídas. Aos poucos, grupos de semiprofissionais começaram a surgir desse ambiente. A etapa mais significativa no nascimento do teatro profissional está associada ao ator e dramaturgo Angelo Beolco, apelidado de Ruzzante (1500-1542), cujas atividades prepararam o surgimento da commedia dell'arte. Suas peças Anconitanka, Moschetta, Diálogos estão incluídos no repertório do teatro italiano até hoje.

Em 1570, estavam determinados os principais componentes artísticos do novo teatro: máscaras, dialetos, improvisação, bufonaria. Também foi estabelecido seu nome, commedia dell'arte, que significava " teatro profissional" O nome "comédia de máscaras" é de origem posterior. Os personagens deste teatro, os chamados. tipos permanentes (tipi fissi) ou máscaras. As máscaras mais populares eram Pantalone, o comerciante veneziano, o Doutor, o advogado bolonhês, desempenhando os papéis dos servos do zanni Brighella, Arlequim e Pulcinella, além do Capitão, Tartaglia, a criada Servette e dois pares de Amantes. Cada máscara tinha seu traje tradicional e falava seu dialeto, apenas os Amantes não usavam máscaras e falavam o italiano correto. Os atores representavam suas peças de acordo com o roteiro, improvisando o texto à medida que a peça avançava. As apresentações sempre continham muita preguiça e bufonaria. Normalmente, o ator da commedia dell'arte usou apenas sua máscara durante toda a vida. As trupes mais famosas são Gelosi (1568), Confidenti (1574) e Fedeli (1601). Entre os artistas estavam muitos grandes atores - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli, etc. foi admirado como V estratos superiores sociedade e as pessoas comuns. A Comédia das Máscaras teve grande influência na formação dos teatros nacionais na Europa. O declínio da commedia dell'arte começou na segunda metade do século XVII e no final do século XVIII. deixa de existir.

O desenvolvimento da tragédia, da comédia e da pastoral exigiu um edifício especial para sua execução. Novo tipo um edifício de teatro fechado com camarote, auditório e arquibancadas foi criado na Itália com base no estudo da arquitetura antiga. Ao mesmo tempo, no teatro italiano do século XVII. A investigação no domínio da cenografia foi realizada com sucesso (em particular, foram criados cenários promissores), a maquinaria teatral foi desenvolvida e melhorada. Tanto nos séculos XII como XIII. teatros, os chamados, foram construídos em todo o país. Italiano (tudo"italiana), que depois se espalhou pela Europa ().

Apesar do seu atraso económico e político, a Itália distinguiu-se pela riqueza e diversidade da sua vida teatral. No século 18 Itália tinha o melhor do mundo Teatro musical, em que se distinguiam dois tipos - ópera séria e ópera cômica (ópera buffe). Havia um teatro de fantoches e apresentações de commedia dell'arte eram apresentadas em todos os lugares. No entanto, a reforma do teatro dramático vem fermentando há muito tempo. Na Era do Iluminismo, a comédia improvisada não atendia mais às exigências da época. Era necessário um teatro literário novo e sério. A Comédia das Máscaras não poderia existir em sua forma anterior, mas suas realizações tiveram que ser preservadas e cuidadosamente transferidas para o novo teatro. Isso foi feito por Carlo Goldoni. Ele realizou a reforma com cuidado. Ele começou a introduzir textos totalmente escritos e literários de papéis e diálogos individuais em suas peças, e o público veneziano aceitou sua inovação com entusiasmo. Ele usou esse método pela primeira vez na comédia Momolo, a vida da festa(1738). Goldoni criou um teatro de personagens, abandonando máscaras, roteiros e improvisações em geral. Os personagens do seu teatro perderam o conteúdo convencional e tornaram-se pessoas vivas - pessoas da sua época e do seu país, a Itália do século XVIII. Goldoni realizou sua reforma em uma luta feroz com seus adversários. Segunda metade do século XVIII. entrou na história da Itália como uma época de guerras teatrais. O abade Chiari, dramaturgo medíocre e, portanto, inofensivo, opôs-se a ele, mas o seu principal adversário, igual a ele em termos de talento, foi Carlo Gozzi. Gozzi defendeu o teatro de máscaras, estabelecendo a tarefa de reavivar a tradição da comédia improvisada. E em algum momento parecia que ele conseguiu. E embora Goldoni tenha deixado espaço para a improvisação em suas comédias, e o próprio Gozzi tenha eventualmente escrito quase todas as suas obras dramáticas, a disputa foi cruel e intransigente. Porque o principal nervo do confronto entre os dois grandes venezianos é a incompatibilidade de suas posições sociais, diferentes visões do mundo e do homem.

Goldoni em suas obras foi um expoente das ideias do terceiro estado, um defensor de seus ideais e moralidade. Toda a dramaturgia de Goldoni é dominada pelo espírito de egoísmo razoável e praticidade - valores morais burguesia. Gozzi foi o primeiro a se manifestar contra a propaganda de tais pontos de vista no palco. Escreveu dez contos poéticos para o teatro, os chamados. fiaba (fiaba/conto de fadas). Sucesso contos de fadas teatrais Gozzi estava deslumbrante. E o público veneziano, inesperadamente, perdeu rapidamente o interesse em seu recente favorito, Goldoni. Exausto pela luta, Goldoni admitiu a derrota e deixou Veneza. Mas isso não mudou nada no destino do palco italiano - a reforma teatro nacional nessa altura já tinha terminado. E o teatro italiano seguiu esse caminho.

Do final do século XVIII. Na Itália começa a era do Risorgimento - a luta pela independência nacional, pela unificação política do país e pelas transformações burguesas - que durou quase um século. No teatro, a tragédia torna-se o gênero mais importante. O maior autor de tragédias foi Vittorio Alfieri. O nascimento da tragédia do repertório italiano está associado ao seu nome. Ele criou uma tragédia civil quase sozinho. Patriota apaixonado que sonhava em libertar sua pátria, Alfieri se opôs à tirania. Todas as suas tragédias estão imbuídas do pathos heróico da luta pela liberdade.

A era do Risorgimento deu origem a um novo movimento artístico - o romantismo. Formalmente, o seu aparecimento coincidiu com a restauração do domínio austríaco. O chefe e ideólogo do romantismo foi o escritor Alessandro Manzoni. A originalidade do romantismo teatral na Itália reside na sua orientação política e nacional-patriótica. O classicismo foi considerado uma expressão da orientação austríaca, uma direção que significava não apenas conservadorismo, mas também um jugo estrangeiro, e o romantismo uniu a oposição. Quase todos os criadores do teatro italiano em vida seguiram os ideais que proclamavam: foram verdadeiros mártires da ideia - lutaram nas barricadas, sentaram-se nas prisões, sofreram na pobreza, viveram longos períodos no exílio. Entre eles estão G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari e outros.

O herói do romantismo é uma personalidade forte, um lutador pela justiça e pela liberdade, e não tanto pela liberdade pessoal, mas pela liberdade universal - a liberdade da Pátria. A tarefa da época era unir todos os italianos na luta por uma causa comum. Portanto, os problemas sociais ficam em segundo plano e passam despercebidos. Os românticos italianos também estavam muito menos interessados ​​nas questões da forma real. Por um lado, rejeitaram as regras estritas do classicismo, proclamando a adesão formulários gratuitos, por outro lado, em sua obra os românticos ainda eram muito dependentes da estética classicista. A principal fonte de inspiração dos dramaturgos românticos é a história e a mitologia; os enredos foram interpretados do ponto de vista de hoje, de modo que as performances geralmente assumiam conotações políticas acentuadas. As melhores tragédias são Caio Graco V. Monti (1800), Armínia I.Pindemonte (1804), Ájax U.Foscolo (1811), Conde de Carmagnolla(1820) e Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Prócida(1830) e Arnold Breshyansky(1843) DB Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. As peças foram criadas em muitos aspectos de acordo com modelos classicistas, mas estão cheias de alusões políticas e pathos de luta contra os tiranos. O maior sucesso veio da tragédia de Silvio Pellico Francisca da Rimini (1815).

Na segunda metade do século, a tragédia heróica deu lugar ao melodrama. Junto com a comédia, o melodrama teve grande sucesso entre os telespectadores. O primeiro dramaturgo foi Paolo Giacometti (1816-1882), autor de cerca de 80 obras para teatro. Suas melhores jogadas: Isabel, Rainha da Inglaterra (1853), Judite(1858) e um dos melodramas de maior repertório do século XIX. Morte civil(1861). A dramaturgia de Giacometti já está completamente liberta do classicismo, suas peças combinam livremente os traços da comédia e da tragédia, têm personagens delineados de forma realista, têm papéis, por isso os teatros os assumiram de boa vontade para a produção. Entre os comediantes, também se destacou Paolo Ferrari (1822-1889), prolífico dramaturgo e continuador das tradições de Carlo Goldoni. Suas peças só saíram de cena no final do século. Sua melhor comédia Goldoni e dezesseis de suas novas comédias(1853) continua a ser apresentado na Itália.

Na década de 1870, um novo movimento artístico, o verismo, emergiu numa Itália vitoriosa e unida. Os teóricos do verismo Luigi Capuana e Giovanni Verga argumentavam que o artista deveria retratar apenas fatos, mostrar a vida sem embelezamento, ser imparcial e abster-se de avaliações e comentários. A maioria dos dramaturgos seguiu essas regras com muito rigor, e talvez tenha sido isso que privou suas criações de vida genuína. Melhores trabalhos pertencem à pena de D. Verga (1840-1922), ele mais frequentemente do que outros violou as prescrições da teoria. Duas de suas peças Honra do país(1884) e She Wolf(1896) ainda hoje fazem parte do repertório dos teatros italianos. As peças são feitas com maestria. O gênero é uma tragédia da vida popular. Eles se distinguem por um poderoso nervo dramático, rigor e contenção. meios expressivos. Em 1889 P. Mascagni escreveu uma ópera Honra do país.

No final do século XIX. surge um dramaturgo cuja fama ultrapassa as fronteiras da Itália. Gabriele D'Annunzio escreveu uma dúzia de peças, que chamou de tragédias. Todas elas foram traduzidas. Línguas europeias. Na virada do século, D'Annunzio era um dramaturgo muito popular. Sua dramaturgia é geralmente classificada como simbolismo e neo-romantismo, embora também tenha características do neoclassicismo. Combina motivos verísticos com esteticismo.

Em geral, porém, as realizações da dramaturgia foram mais do que modestas; Italiano do século 19 permaneceu na história do teatro como uma era de atuação. A grande tragédia não produziu grandes obras dramáticas. Mas tema trágico no entanto, soou no teatro, foi ouvido e recebido reconhecimento global. Isso aconteceu na ópera (Giuseppe Verdi) e na arte dos grandes trágicos italianos. Seu aparecimento foi precedido por uma reforma teatral.

O tipo de ator próximo do classicismo permaneceu por muito tempo no teatro italiano: as artes cênicas permaneceram cativas da declamação, da retórica, das poses e dos gestos canônicos. Uma reforma das artes cênicas, de igual importância à reforma de Carlo Goldoni, foi realizada em meados do século pelo brilhante ator e diretor teatral Gustavo Modena (1803-1861). Em muitos aspectos ele estava à frente de seu tempo. Modena trouxe ao palco um homem com todos os seus traços, fala natural, “sem verniz, sem coturnos”. Ele criou um novo estilo atuação, cujas principais características eram simplicidade e verdade. Em seu teatro, foi declarada guerra ao cargo de primeiro-ministro, havia uma tendência a se afastar de papéis rígidos e, pela primeira vez, surgiu a questão de um conjunto de atuação. A influência de Gustavo Modena sobre os seus contemporâneos e colegas foi enorme.

Adelaide Ristori (1822–1906) não foi aluna de Modena, mas se considerava próxima de sua escola. A primeira grande atriz trágica cuja arte foi reconhecida fora da Itália, ela foi uma verdadeira heroína de seu tempo, expressando seu pathos patriótico revolucionário. Na história do teatro ela permaneceu intérprete de vários papéis trágicos: Francesca ( Francisca da Rimini Pellico), Mirra ( Mirra Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medeia ( Medeia Legure), Maria Stuart ( Maria Stuart Schiller). Ristori sentiu-se atraído por personagens fortes, íntegros, heróicos e cheios de grandes paixões. A atriz chamou seu estilo de realista, propondo o termo “realismo colorido”, que significa “fervor italiano”, “expressão ardente de paixões”.

O oposto de Ristori foi Clementina Cazzola (1832-1868), uma atriz romântica que criou imagens de lirismo sutil e profundidade psicológica, ela era capaz de interpretar personagens complexos. Ela se opôs a Ristori, que sempre trazia à tona o traço principal do personagem. No teatro italiano, Cazzola é considerado o antecessor de E. Duse. Seus melhores papéis incluem Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Senhora com camélias Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvreur Escriba), bem como o papel de Desdêmona ( Otelo Shakespeare), que interpretou junto com o marido, T. Salvini, o grande trágico.

Tommaso Salvini, aluno de G. Modena e L. Domeniconi, um dos mais destacados representantes do classicismo cênico. O ator não está interessado em uma pessoa comum, mas em um herói cuja vida é dedicada a um objetivo elevado. Ele valorizava a beleza acima da verdade mundana. Ele elevou a imagem de um homem. Sua arte combinou organicamente o grande e o comum, o heróico e o cotidiano. Ele sabia com maestria como controlar a atenção do público. Ele era um ator de temperamento poderoso, equilibrado por uma vontade forte. Imagem de Otelo ( Otelo Shakespeare) é a criação suprema de Salvini, “um monumento, um memorial, uma lei para a eternidade” (Stanislavsky). Ele interpretou Otelo durante toda a sua vida. Os melhores trabalhos do ator também incluem papéis principais em peças teatrais. Aldeia, Rei Lear, Macbeth Shakespeare, bem como o papel de Corrado na peça Morte civil Giacometti.

A obra de outro trágico brilhante, Ernesto Rossi (1827-1896), representa uma etapa diferente no desenvolvimento da arte cênica italiana. Ele foi o aluno mais querido e consistente de G. Modena. Rossi tentou ver em cada personagem herói ideal, mas apenas uma pessoa. Ator psicológico extremamente sutil, ele conseguia mostrar habilmente o mundo interior e transmitir as menores nuances do personagem do personagem. As tragédias de Shakespeare são a base do repertório de Rossi; ele dedicou 40 anos de sua vida a elas e as interpretou até seu último dia. Estes são os principais papéis nas peças Aldeia, Romeu e Julieta, Macbeth, Rei Lear, Coriolano, Ricardo III, Júlio César, O mercador de Veneza. Ele também atuou nas peças de Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, e atuou nas pequenas tragédias de Pushkin, e Ivan, o Terrível, no drama de A.K. Artista realista, mestre da transformação, não aceitou o verismo, embora ele próprio se preparasse para o seu aparecimento com toda a sua arte.

O verismo, como fenômeno artístico, foi mais plenamente expresso no palco por Ermette Zacconi (1857–1948). O repertório de Zacconi é principalmente uma peça moderna. Com grande sucesso, ele atuou nas obras de Ibsen, A.K. Tolstoy, I.S. Turgenev, Giacometti... Uma figura importante foi seu contemporâneo Ermette Novelli (1851–1919), ator. ampla variedade, um comediante brilhante. Seu estilo criativo incluía tudo, desde a comédia de arte até a alta tragédia e o naturalismo.

A atriz trágica mais importante da virada do século foi a lendária Eleonora Duse. Uma atriz psicológica muito sutil, cuja arte parecia ser algo mais do que a arte da transformação.

século 19 – o apogeu da cultura dialetal. É mais desenvolvido na Sicília, Nápoles, Piemonte, Veneza e Milão. O teatro dialetal é ideia da commedia dell'arte, da qual adotou muito: o caráter improvisado de atuar segundo um roteiro pré-compilado, o amor pela pastelão, pelas máscaras. As apresentações foram realizadas no dialeto local. Na segunda metade do século XIX. a dramaturgia dialetal estava apenas começando a adquirir seu base literária. O teatro dialetal da época era, antes de tudo, um teatro de atuação. O siciliano Giovanni Grasso (1873-1930), um “trágico primitivo”, um ator de temperamento elementar, um brilhante intérprete de melodramas sangrentos, era bem conhecido não só na Itália, mas também além de suas fronteiras. O nortista Edoardo Ferravilla (1846–1916), brilhante ator cômico, autor e intérprete de seus textos, obteve enorme sucesso. Antonio Petito (1822-1876) é a figura mais lendária do teatro napolitano, um brilhante improvisador que trabalhou na técnica da commedia dell'arte e um insuperável intérprete da máscara de Pulcinella. Seu aluno e seguidor Eduardo Scarpetta (1853–1925), ator brilhante, “rei dos comediantes”, criador de sua máscara Felice Scioshamocchi, famoso dramaturgo. Sua melhor comédia é Os pobres e a nobreza (1888).

século 20.

Início do século 20 entrou na história das artes cênicas como a época da revolução teatral. Na Itália, os futuristas assumiram o papel de inovadores da cena. Seu objetivo é criar a arte do futuro. Os futuristas negaram o teatro acadêmico que existia gêneros teatrais, tentaram abandonar o ator ou reduzir seu papel a um boneco, e também abandonar a palavra, substituindo-a por composições plásticas e cenografias. Eles consideravam o teatro tradicional estático, acreditando que na era da civilização mecânica o principal é o movimento. As figuras mais proeminentes do futurismo foram FT Marinetti (1876–1944) e AJ Bragaglia (1890–1961). Seus manifestos teatrais: Manifesto do teatro de variedades(1913) e Manifesto do Teatro Sintético Futurista(1915) ainda não perderam seu significado. A dramaturgia dos Futuristas consiste principalmente nas obras de Marinetti, chamadas de sínteses (cenas curtas, muitas vezes executadas sem palavras). A cenografia é de maior interesse: em teatro futurista Os melhores artistas da época trabalharam: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). O teatro futurista não fez sucesso entre o público: as apresentações muitas vezes causavam indignação e muitas vezes envolviam escândalos. O papel dos futuristas ficou claro mais tarde - na segunda metade do século: foi então que suas ideias receberam maior desenvolvimento. Juntamente com os chamados “Dramaturgos grotescos” e dramaturgos de “Crepúsculo”, os Futuristas prepararam o aparecimento da maior figura do teatro do século XX. L. Pirandello. As atividades de diretores estrangeiros também foram de grande importância em 1920-1930: foram produções de M. Reinhardt, V.I. Nemirovich-Danchenko, bem como de emigrantes russos que viveram permanentemente na Itália - atores e diretores Pyotr Sharov (1886-1969) e Tatyana Pavlova (1896–1975), que apresentou o russo aos italianos Escola de teatro e os ensinamentos de Stanislávski.

Luigi Pirandello começou a escrever para o teatro em 1910. Nas suas primeiras peças, dedicadas à vida na Sicília e escritas no dialecto siciliano, sente-se claramente a influência do verismo. Os principais temas de sua obra são ilusão e realidade, rosto e máscara. Ele parte do fato de que tudo no mundo é relativo e não existe verdade objetiva.

Outros atores importantes da época incluem Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) e as irmãs Gramatica: Irma (1870–1962) e Emma (1875–1965). Entre os dramaturgos, Sem Benelli (1877–1949), autor de uma peça de repertório, ficou famoso Jantar de piadas(1909) e Ugo Betti (1892–1953), cuja melhor peça Corrupção no Palácio da Justiça(1949).

Entre as duas guerras mundiais, o teatro dialetal ocupou um lugar significativo na cultura italiana (embora a política do estado fascista visasse suprimir os dialetos). O teatro napolitano teve um sucesso particular. Em 1932, começou a funcionar o Teatro Humorístico dos Irmãos De Filippo. No entanto, a maior figura da época foi Raffaele Viviani (1888–1950), um homem com “rosto sofredor e olhos brilhantes de vagabundo”, criador de seu próprio teatro, ator e dramaturgo. As peças de Viviani falam sobre a vida dos napolitanos comuns; contêm muita música e canções. Suas melhores comédias incluem Rua Toledo à noite(1918), Aldeia napolitana (1919), Pescadores (1924), O último vagabundo da rua (1932).

O período da Resistência e os primeiros anos após a Segunda Guerra Mundial entraram na história da Itália como o segundo Risorgimento - tão decisivas e irreversíveis foram as mudanças que ocorreram em todas as esferas da vida e da arte. Depois por longos anos estagnação social, tudo começou a se mover e exigiu mudanças. E se durante os anos da ditadura fascista o teatro foi literalmente sufocado pela falsidade, pela retórica e pela pomposidade (esta era a linha da arte oficial), agora finalmente falou em linguagem humana e dirigiu-se a uma pessoa viva. A arte da Itália do pós-guerra surpreendeu o mundo com sua sinceridade. A vida chegou às telas e aos palcos como é, com toda a sua pobreza, lutas, vitórias e derrotas e simples sentimentos humanos. Após a guerra, o teatro desenvolveu-se em consonância com o neorrealismo, um dos movimentos artísticos mais democráticos e humanistas do século XX. O teatro dialetal está ganhando nova vida. O napolitano Eduardo De Filippo recebe reconhecimento nacional e seu drama conquista rapidamente os palcos do mundo. Ele chamava suas peças de “dramatizações da vida real”. Suas tristes comédias são sobre a vida, sobre as relações familiares, sobre a moralidade e o propósito do homem, sobre os problemas da guerra e da paz.

A profissão de diretor, que surgiu no teatro europeu na virada do século, só se consolidou na Itália na segunda metade do século. O primeiro realizador no sentido europeu da palavra foi Luchino Visconti (1906-1976), um artista realista com um apurado sentido de beleza, um antifascista e humanista convicto, que trabalhou tanto no teatro como no cinema. No Teatro Visconti, a performance é entendida como um todo, subordinada a um único conceito, a guerra é declarada ao primeiro-ministro e os atores aprendem a trabalhar em conjunto. Maioria trabalho significativo Visconti no Teatro Dramático: Crime e punição Dostoiévski (1946), O zoológico de vidro (1946), Desejo de bonde T. Williams (1949), Rosalind, ou como você gosta (1948), Troilo e Créssida Shakespeare, Orestes Alfieri (1949), Estalajadeiro Goldoni (1952), Três irmãs (1952), Tio Ivan (1956), O pomar de cerejeiras(1965) Tchekhov.

Primeiro anos pós-guerra Na Europa, iniciou-se um movimento por teatros folclóricos acessíveis e compreensíveis. Na Itália fundiu-se com a luta pelos teatros estacionários, denominados Stabile (estáveis/permanentes). O primeiro Stabile foi o Piccolo Teatro de Milão, fundado em 1947 por P. Grassi e G. Strehler. Teatro de Arte ao serviço da sociedade - esta é a tarefa que o Piccolo Teatro se propôs. Várias linhas da cultura teatral europeia convergiram na obra de Strehler: tradição nacional commedia dell'arte, a arte do realismo psicológico e do teatro épico.

Nas décadas de 1960-1970 Teatro europeu estava passando por um boom. Uma nova geração de diretores e atores veio para o teatro italiano. Os jovens, mais conscientes do esgotamento da linguagem tradicional do palco, começaram a explorar novos espaços, a trabalhar de forma diferente com a luz e o som e a procurar novas formas de relacionamento com o público. Naqueles anos, Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis trabalharam ativamente. Porém, as figuras mais significativas da geração dos anos sessenta: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Todos eles fizeram muito para enriquecer linguagem teatral, suas descobertas são amplamente utilizadas na prática teatral.

Dario Fo é o mais um representante proeminente teatro político. Fo está interessado no homem como um tipo social, com traços brilhantes, pontiagudos e exagerados, colocado numa situação aguda, ridícula e paradoxal. Ele usa amplamente essas técnicas teatro folclórico, como improvisação e bufonaria.

Carmelo Bene (n. 1937) é o reconhecido chefe da vanguarda italiana da segunda metade do século XX. Bene é considerado um grande ator. Ele mesmo escreve, dirige e desempenha os papéis principais em suas obras. Sua obra existe na unidade inextricável de autor, ator e diretor. Bene é autor de diversas performances, principalmente baseadas em obras da literatura e do teatro mundial: Pinóquio Callodi (1961), Fausto e Margarita (1966), Salomé Selvagem (1972), Nossa Senhora Turca Bene (1973), Romeu e Julieta (1976), Ricardo Sh (1978), Otelo(1979), Manfred Byron (1979), Macbeth (1983), Aldeia(definir repetidamente), etc. Todas essas são obras originais de Bene, criadas com base em obras famosas e que lembram vagamente delas. Bene recusa a forma dramática tradicional: em suas performances não há acontecimentos construídos no princípio de causa e efeito, não há enredo e diálogo no sentido usual, a palavra às vezes é substituída pelo som e a imagem literalmente se desfaz, torna-se um objeto inanimado ou desaparece completamente. Requiem for a Man - assim se poderia definir o conteúdo principal de sua arte.

Entre os mais jovens que trabalham com sucesso no teatro italiano, podemos citar o diretor Federico Tiezzi (1951), o diretor e ator Giorgio Barberio Corsetti (1951), o diretor Mario Martone (1962), que durante vários anos dirigiu o teatro romano " Stabile" , que apresentou uma série de apresentações muito interessantes, incluindo a peça de enorme sucesso Dez Mandamentos R. Viviani (2001).

Na segunda metade do século XX. O teatro italiano, tendo-se tornado teatro de encenadores, não deixou de ser um teatro de grandes atores. Nas atuações dos mais importantes diretores sempre trabalharam e melhores atores países. Isto aplica-se a Eduardo de Filippo, Giorgio Strehler, Luchino Visconti, bem como aos realizadores dos anos sessenta que vieram ao teatro na sequência do protesto. O núcleo da trupe de Visconti era o casal Rina Morelli e Paolo Stoppa, sutis atores psicológicos que atuaram em todas as suas apresentações no teatro dramático. Vittorio Gassman também teve enorme sucesso nas apresentações de Visconti (especialmente nas apresentações Orestes Alfieri e Troilo e Créssida Shakespeare). Após deixar Visconti, Gassman tocou muito no repertório clássico; suas obras mais notáveis ​​foram em peças Otelo E Macbeth Shakespeare.

De acordo com a longa tradição do teatro italiano, a trupe geralmente era agrupada em torno de um grande ator (ou atriz), e as apresentações geralmente eram encenadas com base na atuação da estreia. Nesse grupo de teatro, o primeiro ator, o ator estrela (chamado na Itália de divo ou mattatore), estava frequentemente rodeado de atores muito fracos.

Há várias décadas (até agora), os atores muito populares Giorgio Albertazzi e Anna Proklemer atuam nos palcos dos teatros italianos, desempenhando papéis principais principalmente em peças do repertório clássico mundial. Muitos atores muito famosos e queridos pelo público italiano trabalharam muito no teatro gerações diferentes, incluindo Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, cujo nome hoje leva o nome de um dos teatros de Milão. Parenti também trabalhou no Piccolo Teatro com Giorgio Strehler. Atores maravilhosos sempre atuaram no Teatro Strehler. Este é Tino Buazzelli, o famoso intérprete do papel de Galileu na peça Vida de Galileu B. Brecht. Tino Carraro, que desempenhou papéis principais nas peças de Shakespeare durante muitos anos ( Rei Lear, Tempestade), Brecht, Strindberg e outros. Uma destacada intérprete de papéis femininos no teatro do diretor foi Valentina Cortese, entre os ápices de cujo trabalho estava o papel de Ranevskaya em. Pomar de Cerejeiras(produção 1974). Entre os mais jovens, destaca-se Pamella Villoresi, maravilhosa intérprete de personagens femininas nas comédias de Carlo Goldoni, nas peças de Lessing, Marivaux e outros. No último período da obra do diretor, a atriz Andrea Jonasson, que desempenhou papéis dramáticos. em produções de Brecht, Lessing, Pirandello e outros, tornou-se sua musa. Lugar especial Entre os atores do Piccolo Teatro estão dois grandes intérpretes da máscara Arlequim - Marcello Moretti e Ferruccio Soleri em desempenho lendário Arlequim baseado na comédia de Goldoni Servo de dois senhores.

Luca Ronconi também reúne ao seu redor um grupo de seus atores. São, em primeiro lugar, duas atrizes da geração mais velha, Franca Nuti e Marisa Fabbri, que protagonizaram produções do diretor como Bacantes Eurípides (1978), Fantasmas Ibsen, Últimos dias da humanidade Kraus e outras, Mariangela Melato, que atuou nas melhores obras do diretor, como Furioso Roland E Oresteia. Trabalhou muito com Ronconi e Massimo de Francovich, entre cujos maiores sucessos estava o papel de Lear na peça Rei Lear, bem como o jovem Massimo Popolizio, um ator de grande alcance, que consegue lidar com os ritmos do drama e da comédia (seu papel como dois irmãos na comédia de Goldoni lhe trouxe enorme sucesso Gêmeos venezianos).

É especialmente necessário destacar os atores da escola napolitana. Entre os mais famosos estão a geração mais velha de atores Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo e Pupella Maggio, que trabalharam muito no teatro Eduardo de Filippo. Os atores mais jovens incluem Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone e outros.

Segunda metade do século XX. entrou para a história do teatro italiano como uma época de renascimento na arte da cenografia. Os melhores artistas sempre trabalharam com os melhores diretores do país. As figuras mais marcantes são Luciano Damiani e Ezio Frigerio; seus nomes aparecem nos cartazes de todas as melhores performances de Strehler. E também este – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornyakova

Se você está planejando uma viagem à Itália, não deixe de ir a uma das casas de ópera italianas. Afinal A Itália é o berço da ópera e as produções mais famosas e as melhores apresentações musicais do mundo acontecem em palcos italianos. Este gênero de arte musical e dramática foi originalmente destinado ao entretenimento da corte, mas posteriormente tornou-se disponível ao público em geral. Hoje em dia, ir à ópera é excelente maneira passe uma noite inesquecível e experimente grande arte.

É melhor cuidar disso com antecedência. A temporada de ópera vai de outubro até o final de março, mas em alguns palcos ao ar livre também são realizadas apresentações no verão.

Mesmo que não tenha oportunidade de assistir a um espetáculo de ópera ou ballet, a arquitetura e a história dos teatros merecem alguma atenção e uma visita à parte.

Teatro La Scala (Teatro Alla Scala)

A casa de ópera mais famosa do mundo (e certamente a mais famosa do mundo) foi inaugurada em 1778. No palco deste teatro, as óperas “Madama Butterfly” e “Turandot” de Puccini foram apresentadas pela primeira vez ao público. A ópera “Nabucco” de Verdi também foi apresentada pela primeira vez neste palco. Durante a Segunda Guerra Mundial, o teatro foi destruído e totalmente restaurado. Após a última restauração o teatro foi inaugurado em 2004.

Mestres famosos do palco da ópera como Maria Callas E Luciano Pavarotti. E hoje o teatro continua a atrair os melhores artistas de ópera e orquestras mundialmente famosas. A abertura da temporada no La Scala é um dos eventos sociais mais esperados de Milão.

Teatro La Fenice (Teatro La Fenice)

Teatro La Fenice (Fonte: Wikimedia)

La Fenice – "Fénix"– um dos teatros mais famosos da Europa. Foi inaugurado em Veneza em 1792 e foi destruído pelas chamas duas vezes e depois "ressurgiu das cinzas". Após um incêndio em 1996 e uma restauração de oito anos, graças a doações e apoio de muitas celebridades, incluindo o diretor americano Woody Allen, o teatro reabriu suas portas ao público em 2003. Apresentado pela primeira vez no palco Ópera “La Traviata” de Giuseppe Verdi.

A maioria evento importante no teatro é Concerto de ano novo, do qual participam estrelas do cenário mundial.

Teatro São Carlos (Teatro de São Carlos)

Maioria casa de ópera em funcionamento mais antiga A Itália foi inaugurada em 1737 em Nápoles por ordem do rei Carlos III. As primeiras apresentações de balé na Itália foram encenadas no palco do teatro. Ao mesmo tempo, o teatro era dirigido por Gioachino Rossini e Gaetano Donizetti.

Se você adora balé, lembre-se que possui uma das principais academias de balé do mundo.

Teatro Máximo (Teatro Máximo)

Localizado em Palermo, na Sicília, o Teatro Massimo é a terceira maior casa de ópera da Europa. Cúpula o edifício é considerado uma obra-prima arquitetônica e é famoso por sua excelente acústica. As cenas da terceira parte foram filmadas no teatro. Padrinho» Francis Ford Coppola. A todos os amantes do cinema e da arquitectura, fãs de ópera e música clássica Vale a pena adicionar o Teatro Massimo à sua lista de lugares imperdíveis.

Teatro Régio (Teatro Régio)

Teatro Reggio ou " Teatro Real"- outra casa de ópera restaurada após um incêndio. Construído em Turim em 1740, este teatro recebeu muitos convidados famosos, incluindo Napoleão. Em 1973 Teatro Régio reaberto após o incêndio em 1936 e continua até hoje oferece cerca de dez produções por temporada teatral, que vai de outubro a junho.

Arena de Verona (Arena de Verona)

Arena de Verona (

Apresentamos a segunda parte da nossa seleção dos mais belos teatros da Itália.

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Ópera de Roma

O primeiro edifício da Ópera de Roma, conhecido como Teatro Costanzi, foi construído em 1874. O salão principal do teatro estava ligado por uma passagem subterrânea ao Hotel Quirinale, construído em 1865, precisamente na época em que, devido à unificação da Itália, ocorreu o intenso desenvolvimento de Roma entre a estação central e a Piazza Venezia.

Em 1926, o teatro foi adquirido pela administração de Roma. A conclusão, ampliação e remodelação foram confiadas ao arquitecto Marcello Piacentini, que mudou completamente o seu aspecto, aumentando para quatro o número de níveis do auditório e instalando o maior lustre do mundo em cristal de Murano. O teatro recebeu o nome de "Royal Opera House" e foi inaugurado em 27 de fevereiro de 1928 por Nero di Arrigo Boito.

Após a Segunda Guerra Mundial, em 1956, o teatro começou a ser ampliado e reconstruído novamente. Entre outras coisas, decidiu-se criar um salão para convidados de honra e um foyer. A obra foi concluída em 1960. Assim, a capacidade do teatro era de 1.700 lugares.

A Tosca de Puccini estreou no Teatro Costanzi em 1900. Aqui aconteceu a estreia italiana de sua “Garota do Ocidente” com a participação do maestro Arturo Toscanini em 1911, bem como de “Gianni Schicchi” em 1919. Em 1910, o teatro acolheu a estreia de “Maia” de Ruggero Leoncavallo e, dez anos depois, teve lugar aqui a estreia de “Romeu e Julieta” de Riccardo Zandonai.

Pietro Mascagni era frequentador assíduo da ópera romana, era seu diretor artistico em 1909-1910, o mesmo teatro acolheu estreias do compositor como “Rural Honor” em 1890, “Friend Fritz” em 1891, “Iris” em 1898 com a participação de Enrico Caruso, e “Lark” em 1917.

Além das estreias, o público relembrou produções como “As Bodas de Fígaro” de Mozart (1964), “Don Carlo” de Giuseppe Verdi (1965, maestro Carlo Maria Giulini, diretor Luchino Visconti).

Ópera Napolitana San Carlo

A inauguração do teatro, construído por ordem de Carlos III, ocorreu em 1737 com a ópera “Aquiles em Skyros” de Domenico Sarro baseada no libreto de Pietro Metastasio. Esta é a casa de ópera mais antiga da Europa e uma das maiores da Itália. Sua capacidade é de 2.000 espectadores. Logo o teatro se torna o coração do napolitano escola de ópera e um centro cultural de nível internacional: em 1751, foi encenada no seu palco a “Caridade de Tito” de Gluck, em 1761 – “Cato in Utica” e “Alexander in India” de I.K. Bach, mais tarde Handel, Haydn e o jovem Mozart, que visitou o teatro pela primeira vez como espectador em 1778, colaboraram com o teatro.

“Os olhos estão cegos, a alma está derrotada. […] Não existe um único teatro na Europa que não possa sequer chegar perto dele, mas apenas constituir a sua pálida sombra.” (Stendhal, 1817).

No século XIX, quando Nápoles brilhava entre as capitais europeias e era palco obrigatório da “Grande Volta” dos filhos de famílias nobres, começou a época de ouro de San Carlo, onde então dirigiram Rossini e Donizetti. Todos artista famoso Naquela época, consideraram uma honra atuar no palco deste teatro. Em 1819, Nicolo Paganini deu aqui dois concertos e, em 1826, teve lugar no seu palco a estreia de “Bianca e Fernando” de Vincenzo Bellini, escrita especificamente para San Carlo.

Mais tarde, o seu público gostou das óperas de Pucini e virada de XIX-XX século - a música da “escola jovem” de Mascagni e dos napolitanos de nascimento e educação Leoncavallo, Giordano, Cilea e Alfano.

Gran Teatro de Veneza "La Fenice"

A construção do teatro começou em 1789 segundo projeto do arquiteto Giannantonio Selva e terminou em 1792. A principal casa de ópera de Veneza está localizada em Sestiere di San Marco. O teatro surgiu graças à família Venier, já que o anterior teatro San Benedetto, um dos mais elegantes e prestigiados da cidade, foi destruído por um incêndio. O nome do novo teatro (“Phoenix”) simboliza o renascimento da arte das cinzas. O nome tornou-se profético, pois o teatro posteriormente pegou fogo e foi reconstruído várias vezes. O último renascimento ocorreu em 2003, após um forte incêndio em 1996, que o destruiu completamente.

Demorou sete anos inteiros para restauração e reconstrução. Na sua inauguração, em 21 de dezembro de 2003, a abertura “Consagração da Casa” foi regida por Riccardo Mutti, e “Sinfonia dos Salmos” de Stravinsky (o compositor está sepultado na Ilha de São Miguel em Veneza) e “Te Deum” de Antonio Caldara, um proeminente compositor veneziano dos séculos XVII-XVIII, também foram tocados. A cerimónia terminou com a apresentação das “Três Marchas Sinfónicas” de Wagner, compositor com estreitas ligações a Veneza.

É impossível listar todas as estreias de La Fenice. No século XIX eram óperas de Rossini, Bellini, Donizetti e Verdi. Não menos é a lista de maestros, cantores e diretores que já subiram ao seu palco. Desde 1930, o palco La Fenice acolhe a secção de Música Contemporânea da Bienal de Veneza. No âmbito da Bienal, foram apresentadas pela primeira vez algumas obras de Stravinsky, Britten, Prokofiev, Nono, Maderna e Malipiero.

Teatro Real de Torino

O teatro foi construído por ordem do rei Carlos Emmanuel III em apenas 2 anos pelo arquiteto Benedetto Alfieri. A inauguração ocorreu em 26 de dezembro de 1740. Acomodou até 2.500 espectadores em um amplo estande e cinco fileiras de camarotes e galerias foram realizadas aqui; Desde 1997, o teatro está incluído na Lista do Patrimônio Mundial da UNESCO. Os nomes de Giacomo Puccini, que confiou ao Teatro Reggio a estreia de Manon Lescaut e La Bohème, bem como de Richard Strauss, que dirigiu Salomé durante a sua estreia italiana em 1906, estão intimamente associados ao teatro.

Na noite de 9 de fevereiro de 1936, o teatro foi destruído por um incêndio. Demorou quase 40 anos para restaurá-lo.

A reabertura do teatro ocorreu em 10 de abril de 1973 com a ópera “Vésperas Sicilianas” de Giuseppe Verdi encenada por Maria Callas e Giuseppe di Stefano. O teatro está mais uma vez se tornando um centro significativo da vida cultural no Piemonte e na Itália. Em 1990, o teatro celebrou o 250º aniversário da sua fundação e, em 1996, o centenário da estreia mundial de La Bohème. Em 1998, comemorou-se o 25º aniversário da restauração do teatro e, em 2006, celebraram-se os XX Jogos Olímpicos de Inverno e as Olimpíadas da Cultura. Desde 2007 diretor musical teatro é o compositor Gianandrea Noseda.

Teatro Petruzzelli em Bari

O Teatro Petruzzelli é o quarto maior da Itália e o maior teatro privado Europa. Deve o seu aparecimento em 1903 à família Petruzzelli, que pretendeu doura-lo totalmente por dentro, bem como equipá-lo com aquecimento e iluminação eléctrica.

Desde o início, os maiores músicos de sua época se apresentaram em seu palco, incluindo o compositor Pietro Mascagni, os tenores Benjamin Gigli e Mario del Monaco, os maestros Herbert von Karajan e Riccardo Muti, a cantora Renata Tebaldi e Luciano Pavarotti. Na década de oitenta, o teatro recebeu duas estreias de destaque: “Iphigenia Tauride” de Niccolo Piccinni, que nunca mais foi apresentada depois Estreia em Paris 1779, e a versão napolitana dos Puritanos de Bellini, escrita especialmente para Maria Malibran e nunca executada.

Na noite de 27 de outubro de 1991, o teatro foi danificado por um incêndio. Demorou quase 18 anos para restaurar. A reabertura foi marcada pela execução da Nona Sinfonia de Beethoven, sob regência de Fabio Mastrangelo. A temporada de ópera abriu no mesmo ano com Turandot de Puccini.

Ópera Giuseppe Verdi em Trieste

A Ópera Giuseppe Verdi é uma das casas de ópera mais antigas do mundo. Sua construção começou em 1798 segundo projeto do arquiteto Gian Antonio Selva (ele também projetou o veneziano La Fenice). A construção foi concluída em 1801 sob a liderança de Matteo Pertsch. A estrutura do edifício lembra o La Scala de Milão. A primeira produção foi “Genevieve of Scotland” de Simon Mayr.

Durante a temporada de ópera de 1843-44, Nabucco de Giuseppe Verdi foi um sucesso impressionante de público. Em 1848, o teatro estreou “O Corsário”, de Verdi, e em 1850, “Stiffelio”. Em homenagem ao grande compositor, a Câmara Municipal de Trieste decidiu dar o seu nome à ópera da cidade.

Teatro Massimo em Palermo

O Teatro Massimo Vittorio Emanuele em Palermo é a maior casa de ópera da Itália e a terceira maior da Europa, depois da Ópera de Paris e da Ópera Estatal de Viena. Sua área é de 7.700 metros quadrados.

O edifício foi construído em estilo neoclássico no terreno da Igreja dos Estigmas e do Mosteiro de São Julião, que foram demolidos para a construção de um teatro. As obras começaram em 1875 segundo projeto do arquiteto Giovanni Battista Filippo Basile. A inauguração aconteceu em 16 de maio de 1897 com a ópera Falstaff de Giuseppe Verdi, dirigida por Leopold Mugnone.

Fato engraçado: em 1990, o teatro tornou-se o local das filmagens de O Poderoso Chefão III, de Francis Ford Coppola, estrelado por Al Pacino, Andy Garcia e Sofia Coppola. A cena foi filmada aqui quando Michael Corleone, que chegou a Palermo, assistiu à estreia de sua filha em “Honor Rusticana”, de Pietro Mascagni.

Na primeira temporada de ópera, o teatro deu Aida (15 apresentações), depois foram encenados Lohengrin, La Traviata e Manon Lescaut. A ópera “O Rei de Lahore” de Jules Massenet teve enorme sucesso naqueles anos. Foi disputado 17 vezes em uma temporada.

Os anos 1906-1919 foram o apogeu da “Liberdade de Palermo”, marcado pelas estreias locais das óperas de Wagner: “Walkyrie”, “Siegfried”, “Crepúsculo dos Deuses”, “Tristão e Isolda”, “Parsifal”. Estreias mundiais foram encenadas quatro óperas: “Perdidos no Escuro” de Stefano Donaudi, “Veneza” de Riccardo Storti, “O Mês de Maria” de Umberto Giordano, “Baronesa Carini” de Giuseppe Mule.

Parma Teatro Reggio

O edifício do Teatro Reggio de Parma começou a ser construído em 1821 segundo projeto do arquiteto Nicola Bettoli por iniciativa da Duquesa Maria Luísa da Áustria esposa de Napoleão que foi nomeada para governar o Ducado de Parma e Piacenza após o Congresso de Viena. A Duquesa manteve grandes tradições Música italiana e pensamento teatro existente Farnese indigno das necessidades da cidade. A inauguração do novo teatro ocorreu em 16 de maio de 1829 com a ópera “Zaire”, composta especialmente para este evento por Vincenzo Bellini. A primeira temporada de ópera continuou com Moisés e Faraó, A Morte de Semíramis e O Barbeiro de Sevilha»Gioachino Rossini.

Desde a sua fundação, o Teatro Reggio testemunhou e participou em profundas mudanças no género operístico, que marcaram o fim da era de Rossini e o apogeu de Verdi, o crescimento do interesse pelo alemão e ópera francesa, um movimento em direção ao realismo nas obras de Mascagni, Leoncavallo e Puccini.

O teatro ainda hoje é considerado um verdadeiro guardião da tradição operística italiana, não inferior ao La Scala de Milão e ao Fenice de Veneza, embora, claro, seja menos conhecido no mundo.

Teatro La Scala – Teatro alla Scala(MILÃO)

Pérola do mundo cultura musical. É difícil imaginar um teatro com uma história mais brilhante que o famoso La Scala. Ao longo de mais de 300 anos de existência, estas paredes viram muito, mas conseguiram preservar, talvez, o mais importante para o teatro - o seu encanto e mistério únicos. Temporada de concertos no La Scala vai de dezembro a junho (no outono recebe concertos sinfônicos). A abertura da temporada é especialmente solene. É sempre dia 7 de dezembro - dia de Santo Ambrósio, padroeiro de Milão. Infelizmente, às vezes os ingressos esgotam com seis meses de antecedência, então reserve com antecedência. Custo aproximado do ingresso - ópera/ballet: plateias 260/150; anfiteatro 80-260/125; varanda 40-105/30-80 euros

Anfiteatro – Arena di Verona(VERONA)

O antigo anfiteatro romano é famoso pelas óperas e concertos ali realizados. Construído no século I aC. O tamanho do edifício feito de pedra rosa de Verona perde apenas para o Coliseu Romano. Nos tempos antigos, eram realizadas lutas de gladiadores e, na Idade Média, torneios de cavaleiros. Nos séculos XVI e XVII. as arquibancadas foram totalmente reconstruídas e a atual Arena é uma grandiosa auditório com 25 mil lugares, em cujo palco são apresentadas encantadoras apresentações de ópera ao ar livre. Tem uma acústica de edifício excepcional. Hoje em dia, geralmente há quatro produções teatrais diferentes realizadas entre junho e agosto de cada ano. Em meados de julho, as apresentações acontecem quase todos os dias. Durante os meses de inverno, ópera e balé apresentam apresentações na Filarmônica Acadêmica.

Custo aproximado dos bilhetes para estreias na Filarmónica: bancas de ópera/ballet - 90/60 euros; anfiteatro ópera/ballet - 70/50; Ópera/balé de Benoir - 60/35; varanda ópera/balé -55/40. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 10 euros. Preços dos bilhetes para a Arena: rés-do-chão 220 euros, anfiteatro 95, varanda 40. Não são permitidas crianças menores de 4 anos.

San Carlo – Teatro de San Carlo(NÁPOLES)

A Ópera de Nápoles foi construída por ordem de Carlos III para substituir o dilapidado Teatro San Bartolomeo. Inaugurado em 1737, naquela época em sala de teatro acomodou até 3.300 espectadores, tornando o teatro o mais espaçoso do mundo.

Custo aproximado dos bilhetes para estreias: bancas de ópera/ballet - 170/130 euros; anfiteatro ópera/ballet - 110/100; Ópera/balé de Benoir - 90/50; varanda ópera/balé -60/40. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 10 euros. .

Teatro La Fenice(VENEZA)

Coração vida musical Veneza. Teatro incomum com um cais de água e um passeio elegante. O teatro, construído em 1792, sobreviveu a dois incêndios e a cada vez, justificando o seu nome, como um pássaro Fênix, renasceu das cinzas. Depois de um terrível abraço final de chamas que destruiu quase completamente o teatro, o novo e restaurado La Fenice abriu suas portas ao público em 14 de dezembro de 2003.

Custo aproximado dos bilhetes para estreias: bancas de ópera/ballet - 190/140 euros; anfiteatro ópera/ballet - 160/100; Ópera/balé de Benoir - 110/90; varanda ópera/balé -70/50. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 10 euros.

Opera House – Teatro dell’Opera di Roma(ROMA)

Uma das maiores casas de ópera da Europa, que pode acomodar até dois mil e duzentos amantes da música. Apresentações de ópera e balé encenadas por estrelas mundiais são realizadas aqui. Foi na Ópera de Roma que teve lugar a estreia mundial de “Tosca” de Puccini e de várias óperas de Mascagni, incluindo “Honor Rusticana”, “Iris”, “Masques”. Amelita Galli-Curci, dona da mais famosa soprano coloratura do início do século passado, cantou em seu palco os tenores Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.

No verão, apresentações de ópera são realizadas ao ar livre nas Termas de Caracalla. Eles já foram conhecidos como a oitava maravilha do mundo. No verão de 1990, nas ruínas das Termas de Caracalla, aconteceu um lendário concerto de três tenores - Plácido Domingo, José Carreras e Luciano Pavarotti.

Custo aproximado dos bilhetes para estreias: bancas de ópera/ballet - 160/90 euros; anfiteatro ópera/ballet - 130/80; Ópera/balé de Benoir - 60/35; varanda de ópera/balé - 35/30. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 20 euros.

A Itália, que deu ao mundo tal maiores compositores, como Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, é um país de música clássica. A Itália também inspirou muitos estrangeiros: por exemplo, Richard Wagner criou o seu Parsifal em Ravello, que trouxe fama internacional à cidade, que hoje acolhe um famoso festival de música. Temporadas musicais abrem, dependendo do teatro, de novembro a dezembro e são um evento importante na vida musical italiana e internacional. A TIO.BY e a Agência Nacional de Turismo Italiana prepararam uma seleção de quais dos muitos teatros italianos escolher. Anexamos um link para a programação de cada teatro.

Teatro La Scala em Milão

Um dos mais teatros famosos, claro, é o teatro La Scala de Milão. Todos os anos a abertura da sua temporada torna-se um evento de destaque com a participação de pessoas famosas do mundo da política, da cultura e do show business.

O teatro foi criado por vontade da rainha austríaca Maria Teresa após o incêndio que destruiu o Teatro Real de Reggio Ducale da cidade em 1776. As temporadas do La Scala são um dos eventos mais significativos da vida cultural de Milão. A programação alterna ópera e balé, além de nomes de compositores italianos e estrangeiros.

O programa da temporada está disponível aqui.

Teatro La Fenice em Veneza

Não muito atrás do La Scala fica a ópera veneziana La Fenice, construída no Campo San Fantin, no bairro de San Marco. Traduzido do italiano, o teatro se chama “Phoenix” - justamente porque foi revivido duas vezes após incêndios, como pássaro fada Fênix, das cinzas. A última restauração foi concluída em 2003.

Abriga um importante salão de ópera e Festival internacional Música moderna, bem como o concerto anual de Ano Novo. Cada temporada é rica e interessante, e sua programação combina obras do repertório clássico e moderno. Antes de visitar, leia o programa da temporada.

Teatro Real em Torino

O Teatro Real do Teatro Reggio de Torino foi construído por vontade de Victor Amadeus de Sabóia. Fachada do prédio Século XVIII, juntamente com outras residências da dinastia Sabóia, é reconhecido como monumento da UNESCO.

A temporada de ópera e balé começa em outubro e termina em junho, e todos os anos você encontra todo tipo de eventos musicais: concertos de música coral e sinfónica, noites de música de câmara, produções no teatro Piccolo Reggio destinadas a novos públicos e para famílias, bem como o MITO - Festival Musical de Setembro.

Roma também oferece aos amantes da ópera e do balé muitos encontros com a beleza. O centro mais importante da música clássica é a Ópera Romana, também conhecida como Teatro Costanzi, em homenagem ao seu criador, Domenico Costanzi. Convidado frequente deste teatro, assim como diretor artístico da temporada 1909-1910, foi Pietro Mascagni. Os amantes do balé ficarão interessados ​​em saber que em 9 de abril de 1917, aconteceu aqui a estreia italiana do balé “O Pássaro de Fogo” de Igor Stravinsky, interpretado por membros da trupe de Balé Russo de Sergei Diaghilev.

O roteiro deste teatro tem muito apresentações de ópera, mas muita atenção também é dada ao balé.
Enquanto as temporadas de inverno da Ópera Romana acontecem no antigo prédio da Piazza Beniamino Gigli, desde 1937 o local das temporadas de verão ao ar livre é o impressionante complexo arqueológico das Termas de Caracalla. . As apresentações de ópera realizadas neste palco fazem grande sucesso entre o público, principalmente entre os turistas, que ficam encantados com a combinação deste maravilhoso lugar com apresentações de ópera.

Teatro San Carlo em Nápoles

O teatro mais importante da região da Campânia é, obviamente, o Teatro San Carlo de Nápoles. Foi construído em 1737 pela vontade do rei Carlos da dinastia Bourbon, que desejava criar um novo teatro representando o poder real. São Carlos assumiu pequeno teatro San Bartolomeo, e o projeto foi confiado ao arquiteto Coronel do Exército Real Giovanni Antonio Medrano e ao ex-diretor do Teatro San Bartolomeo Angelo Carazale. Dez anos após a construção do teatro, na noite de 13 de fevereiro de 1816, o edifício foi destruído por um incêndio, que deixou intactas apenas as paredes exteriores e uma pequena extensão. O que vemos hoje é uma reconstrução seguida de redesenvolvimento.

Este maravilhoso teatro acolhe sempre os amantes da ópera com uma programação muito rica, que muitas vezes representa uma viagem ao Napolitano tradição operística e o retorno de grandes clássicos do repertório sinfônico, inclusive aqueles lidos pelo prisma de uma nova percepção e com a participação de celebridades mundiais. A cada temporada, estreias brilhantes e retornos maravilhosos acontecem no palco da casa de ópera mais antiga da Europa.

Claro, é simplesmente impossível descrever todo o esplendor da Itália teatral. Mas queremos recomendar mais alguns teatros com programas que merecem atenção.

Teatro Filarmônico de Verona; programa da temporada no link.

Teatro Comunale em Bolonha; programas para temporadas de ópera, música e balé.

Teatro Carlo Felice em Gênova; programas de temporadas musicais, de ópera e de balé.

Teatro Real em Parma; programa da temporada aqui

Teatro Municipal de Treviso; programa da temporada aqui

Ópera Giuseppe Verdi em Trieste; programa da temporada aqui

Auditório da sala de concertos no Parque da Música em Roma; programa da temporada