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O Teatro da Europa, mais conhecido como Teatro Dodinsky, ou Teatro Dramático Maly de São Petersburgo, está passando por outra crise. Até agora não houve mortes. A principal atriz de teatro Tatyana Shestakova, esposa de Lev Dodin, pulou de uma janela em Paris no final de dezembro do ano passado. Ela sobreviveu com braços e pernas quebrados.

O próprio diretor estava deprimido há vários meses, não compareceu ao instituto de teatro para fazer o curso e suspendeu os ensaios de “O Mestre e Margarita”.

Tatyana Shestakova, segundo funcionários do teatro, tem Ultimamente Houve uma crise criativa, pois ela foi transferida dos papéis principais para os mais antigos.

Há muito tempo que existem lendas sombrias sobre o Teatro Dodinsky. O maior choque entre os fãs de teatro foi após o suicídio artista famoso Vladimir Osipchuk, que se seguiu há vários anos.

Foi uma crise criativa prolongada para o ator, a oportunidade de viver sem o teatro, diante da impossibilidade de continuar vivendo nele. No entanto, ninguém sabe os motivos exatos. Sim, isso não importa.

A morte de Osipchuk consolidou a sombria reputação do teatro como uma casa da qual é impossível sair.

Para um ator, tornar-se aluno de Dodin equivalia a entrar na escravidão voluntária, abrindo mão da alma pelo sucesso. Todos eles se tornaram grandes estrelas para Dodin - não apenas por uma hora, mas pelo resto de suas vidas. Mas para isso foi necessário renunciar a si mesmo, entregando a vida aos pés do Mestre. Esse é o jeito dele método criativo e não há nada a ser feito sobre isso.

Para muitos, o instinto de autopreservação surgiu no último momento, como Maxim Leonidov – ele sentiu que tinha que fugir...

"- Maxim, você se formou em Leningrado uma vez Instituto de Teatro. Entre seus professores estava Lev Dodin, hoje considerado um dos melhores diretores de teatro. Você já quis trabalhar na mesma equipe com seu professor famoso?

Foi assim. Quando deixei o grupo Secreto e ainda não tinha planos de partir para Israel, tive uma conversa séria com Lev Abramovich. Até decidimos que provavelmente eu iria trabalhar no teatro dele. Mas então fiquei com medo e fiquei com medo naturalmente. Porque, estudando com Lev Dodin, entendi perfeitamente o que era o teatro dele. Isto é absolutamente cem por cento no teatro e em nenhum outro lugar. Isso exige dar tudo de si não apenas ao teatro, mas também diretamente a Lev Abramovich. O fato é que esta é uma direção especial, uma atitude teatral especial. Em geral, isso não é para mim. Sou um cara que ama a liberdade e é difícil para mim me colocar tão incondicionalmente nas mãos até mesmo do meu professor favorito.”

Mas muitos escolheram um caminho diferente, e Osipchuk foi um deles.

O Teatro Dodinsky arranca do espectador experiências ocultas, apela aos atavismos da consciência, desperta reflexos ao nível do simpático sistema nervoso. Mas isto é dado aos actores à custa do seu próprio trabalho colossal, à custa de viver num sistema de coordenadas diferente. À custa de abrir mão da luz do dia - como você sabe, não há janelas na sala do teatro e eles passam quase todo o tempo ali.

Sobre o sistema de coordenadas - o mundo do Teatro Dodinsky tem sua própria linguagem e seus próprios personagens. Dodin já foi descrito como um Mestre que criou uma escola e um método de teatro. Ainda não se escreveu sobre as vítimas do método, provavelmente porque são voluntárias e em nome da arte. Traduzido do teatro, significa santos.

“Dodin não usa a palavra “plano”, especialmente suas variantes reduzidas como o notório “plano”. Ela é substituída pelo substantivo conspiração, que soa estranho para quem está de fora, e pelos verbos dele derivados: conspirar, conspirar. significa o nível de compreensão mútua alcançado pelos participantes do trabalho, em oposição à ideia única e pessoal do diretor sendo revelada ao restante dos participantes processo de ensaio com intenção.

A palavra “ensaio” é utilizada em conversas com a administração, departamento artístico e de produção, em coletivas de imprensa, etc. Artistas e participantes conhecem a palavra amostra, em geral, correspondente ao alemão “die Probe” (tentativa, experiência, teste, amostra, ensaio). A “repetição” francesa (repetição, ensaio) contradiz fundamentalmente a filosofia criativa de Dodin, isto ficará claro mais tarde. Não há lugar no vocabulário de Dodin para “atravessar”, uma das palavras mais comuns na gíria teatral. Se, durante a produção de uma performance, uma peça ou qualquer grande parte dela for encenada sem parar, isso é chamado de teste direto. A palavra amostra também significa “estudo” - uma composição de ensaio de artistas. Ao mesmo tempo, muitas vezes você pode ouvir sentimentos de bem-estar, nem sempre em um sentido positivo, dependendo da situação.

Na sala de ensaio e trabalho educativo não há “pausas” ou “intervalos” - sempre pausas. Uma pausa é um momento estrutural significativo em que novos pensamentos, ideias e visões se acumulam, na terminologia de Dodin - textos internos. Na memória do autor, ao final de um ensaio ou aula, nunca se ouviu “terminado” ou “por hoje é tudo”, etc. Em vez disso, diz “vamos parar por aí”, o que obviamente não precisa ser comentado.

Por alguma razão, Dodin não gosta do verbo “sair” em seu significado literal, significando a direção do movimento. Ele prefere o verbo dispersar, aparentemente por não ser tão completo.

EM laboratório criativo A esfera das palavras de Dodin quase domina. Todas as suas ideias básicas, intenções, impulsos são expressos principalmente através da palavra, sempre original e expressiva. Um monólogo de seis horas não é uma raridade na biografia de Dodin, professor e diretor. O autor teve a oportunidade de presenciar essa forma de comunicação com estudantes e artistas pelo menos três vezes. E nas três vezes Dodin teve algo a dizer.

Ao mesmo tempo, a atitude de Dodin em relação às palavras é no mínimo ambivalente. Ele não gosta de termos acadêmicos em seu trabalho. Maioria palavras teatrais do ponto de vista dele, é mofado, e os outros são interpretados de forma tão subjetiva que é mais seguro usar o seu próprio. A ausência de terminologia especial na sua forma geralmente aceite também é explicada por uma das fobias pessoais de Dodin: o medo de ser escravizado pelas palavras a um nível subconsciente. Seu poder desesperador foi explorado nas performances “Lord of the Flies”, “Demons”, “Claustrophobia”, “Chevengur” e parcialmente em “Gaudeamus”.

De forma alguma análise linguística A direção e o método pedagógico de Dodin poderiam dar resultados interessantes. As mudanças na psicologia criativa já são perceptíveis no nível do vocabulário. Aqui estão depoimentos de quinze anos atrás: “... tenho certeza: o espectador de hoje precisa ser arrancado por muito tempo e profundamente de seu fluxo habitual de vida... O espectador que entrou no teatro deve ser levado a compreender ... Para mim hoje, o ideal do teatro não é aquele que se adapta facilmente ao meu curso habitual de vida, e aquele que me tira dele, me questiona, me obriga a reconsiderar alguma coisa.”

As glórias são quase proféticas. E o prazo se tornou realidade. Precisamos reconsiderar algo. Urgentemente, porque o ato de Shestakova é um sinal claro para reconsiderar.

Os atores se dedicam a Dodin desinteressadamente, como uma criança, absorvendo sua reverência pelo processo de nascimento do teatro e identificando o diretor com o criador do teatro.

“- Lembro-me agora que antes da estreia de “A Gaivota” no Maly Drama Theatre de São Petersburgo, o ator Pyotr Semak sofreu uma grave lesão no pescoço. Ele insistiu para que a estreia não fosse adiada, ele atuou com uma coleira de gesso, porque ele. não queria decepcionar seu teatro, seu diretor.. .

Isso significa que Lev Dodin criou uma equipe no teatro e formou certos valores”.

Isso não é inteiramente verdade. Porque não foram formados valores, mas supervalores, e se ocorrer uma segunda falha terrível no sistema, chegou a hora de mudar esses supervalores, caso contrário o mundo inteiro entrará em colapso. Como isso entra em colapso edifício do teatro Teatro da Europa na Rua Rubinshteina em São Petersburgo: “Visitamos muitos escolas de teatro Europa, de lá recorrem a nós em busca de ajuda, de conselhos, com pedidos de todo o tipo de estágios e cursos, mas não podemos aceitar colegas aqui, porque se eu os levar escada acima, eles vão ficar fartos. Era uma vez uma escada que não era menos feia e eles não queriam consertá-la. Mas de repente, felizmente para nós, espalhou-se o boato de que o então primeiro secretário do comité regional viria, ao que parece, à peça “Irmãos e Irmãs”. O encantado diretor chamou imediatamente a comissão distrital do partido, eles enviaram uma equipe de trabalhadores e cobriram toda a escadaria com ferro, encobrindo a podridão centenária. O primeiro secretário do comité regional não chegou, mas longos anos a escada parecia estranha características arquitetônicas, mas pelo menos decente. Hoje tudo foi arrancado e a podridão centenária está surgindo novamente. No meio de tudo isso, caminhamos e ensaiamos. Claro, simplesmente não posso deixar ninguém jovem lá, tenho vergonha.” - diz Lev Dodin sobre o prédio do teatro...

Mas o Teatro Dodinsky está vivo não com as escadas, mas com os bastidores - o espírito dos bastidores, a atmosfera que Dodin cria. Falando em sucesso, ele é um pouco hipócrita.

“No exterior, assim como em casa, o público é atraído pelo encontro com a arte genuína”, diz Lev Dodin. “Ninguém pode ser atraído e forçado a sentar-se pacientemente no auditório. muito tempo(mas nossa performance em três partes baseada no romance “Demônios” de Dostoiévski dura cerca de 10 horas!), se o que está acontecendo no palco não estiver em sintonia com os pensamentos e experiências do público. Com a maior sinceridade e paixão, os atores compartilham seus pensamentos sobre questões morais e espirituais modernas que dizem respeito a todos. Acredito que é precisamente esta sinceridade e actualidade que o espectador aprecia, seja em Paris, Londres, Bruxelas, Amesterdão ou São Petersburgo."

O espectador não valoriza a sinceridade; o espectador sente como o artista vaza no palco de Dodin; Vida real como o sangue e a carne são gastos com ele, o espectador, e, portanto, o teatro de Dodin é real.

“- É impossível evitar o sentimento de confusão artística, porque você está constantemente em estado de confusão diante do que gostaria de expressar. A confusão artística é propriedade integral de quem gostaria de dizer algo. não há nada a dizer, então não há burrice, há palavras suficientes Mas quando você quer dizer e entender muito, você é dominado pela burrice, que é muito difícil de superar. Acho que não é porque você está atrasado no ritmo. a vida de hoje. Como você pode ficar atrás dela? A vida de hoje bate na sua cabeça com seus acontecimentos, humilha você com sua atitude em relação à cultura. Isso o deixa indefeso diante de qualquer pessoa. Ela explode arranha-céus em Nova York e casas em Moscou. O que você está ficando para trás? Você está perdido porque não consegue contar uma história sobre um arranha-céu? Mas você não deveria contar isso. Acontece que a performance que você faz mostra o nervosismo que passou por isso. Se você fizer uma performance com seus nervos, então, quer queira quer não, esse arranha-céu entrará em colapso em sua performance. Se você fizer uma performance com outra coisa, não terá nenhuma confusão, porque todas as receitas são claras e compreensíveis."

O arranha-céu Dodinsky desabou. De uma janela em Paris. Agora precisamos do mestre para sobreviver. Porque todas as vidas dos atores do Teatro Dodinsky, como cordas, estão presas em suas mãos. Eles não podem viver sem ele, não querem, não sabem como. Eles mesmos decidiram, e foi última decisão. Ou - o penúltimo, que é o pior.

Nascido em 14 de maio de 1944 em Novokuznetsk Região de Kemerovo. Esposa - Shestakova Tatyana Borisovna, atriz do Academic Small teatro dramático.

Desde a infância, Lev Dodin começou a estudar no Teatro de Leningrado criatividade juvenil, liderado pelo excelente professor Matvey Grigorievich Dubrovin. Em grande parte graças à sua influência, Leo desenvolveu um forte desejo de se dedicar ao teatro. Imediatamente após se formar na escola, ingressou no Instituto Estadual de Teatro, Música e Cinematografia de Leningrado, onde estudou com o notável diretor e professor Boris Vulfovich Zone.

O ano da formatura coincidiu com o ano da estreia de Lev Dodin na direção. Em 1966, seu teleplay “First Love” baseado na história de I.S. Turgenev. Seguiram-se produções no Teatro Juvenil de Leningrado ("Nosso Povo - Vamos Ser Numerados" de AN Ostrovsky) e no Teatro de Drama e Comédia ("O Menor" de Fonvizin e "Rosa Berndt").

A colaboração de Lev Dodin com o Maly Drama Theatre começou em 1975 com “The Robber” de K. Capek. A produção da peça "House" de F. Abramov em 1980 ganhou fama em toda a União e determinou em grande parte o subsequente destino criativo Lev Dodin. Em 1983, tornou-se diretor artístico do Maly Drama Theatre. Ao longo dos anos, nasceram as seguintes peças: “Irmãos e Irmãs” de F. Abramov, “O Senhor das Moscas” de W. Golding, “Estrelas no Céu da Manhã” de A. Galin, “Gaudeamus” de S. Kaledin , “Demônios” por F.M. Dostoiévski, "Love under the Elms" de Yu. O"Neill, "Claustrophobia" baseado nas obras de escritores russos modernos", O pomar de cerejeiras"A.P. Chekhov, "Untitled Play" de A.P. Chekhov, "Chevengur" de A. Platonov, "The Seagull" de A.P. Chekhov, etc.

No total, Lev Dodin é autor de mais de 50 produções dramáticas e de ópera. Seus créditos criativos incluem as performances “Bankrupt” no palco do Teatro Nacional Finlandês, “The Golovlevs” no Teatro de Arte de Moscou, “The Meek” nos palcos do Teatro Dramático Bolshoi e do Teatro de Arte de Moscou, bem como o ópera “Electra” de R. Strauss no Festival Musical de Páscoa de Salzburgo em 1995 (dirigida por Claudio Abaddo), "Katerina Izmailova" D.D. Shostakovich no festival de Florença de 1998, " rainha de Espadas"P.I. Tchaikovsky em Florença e Amsterdã em 1998 (maestro S. Bychkov), "Lady Macbeth Distrito de Mtsensk"no festival "Florentine Musical May", "Mazepa" de P.I. Tchaikovsky no teatro La Scala em 1999 (maestro M.L. Rostropovich).

No outono de 1999 em Teatro parisiense"Bastille" L. Dodin dirigiu nova opção"Rainha de Espadas", e em 2001 no mesmo teatro "Rainha de Espadas" foi restaurada.

As apresentações de Lev Dodin foram realizadas em 27 países, incluindo EUA, Austrália, Japão, França, Alemanha, Grã-Bretanha, Suíça, Itália, Finlândia, República Tcheca, Espanha, Suécia, Brasil, Israel, Grécia, Dinamarca, Irlanda, Finlândia, Polônia , Roménia, Noruega, Portugal, Canadá, Holanda, Áustria, Jugoslávia, Nova Zelândia, Bélgica, Hungria. No outono de 1999, um festival de apresentações de Dodin foi realizado na Itália.

Maly Drama Theatre sob a direção de L.A. Dodina é um dos teatros mais populares de São Petersburgo e dos teatros “internacionais” da Rússia, demonstrando a força do talento de direção de Lev Dodin e, ao mesmo tempo, a fecundidade do teatro russo. escola de atuação. Não é por acaso que em 1992 o teatro e o próprio realizador foram convidados a aderir à União dos Teatros Europeus e, em Setembro de 1998, o Maly Drama Theatre de São Petersburgo foi o primeiro e até agora o único grupo russo a receber o estatuto do Teatro da Europa, tornando-se o terceiro do mundo depois do Odeon parisiense e do Teatro Piccolo de Milão.

A ousadia dos planos de produção do notável diretor baseia-se nas capacidades de uma trupe brilhantemente treinada, muitos dos quais atores são alunos de Lev Dodin. Há 15 anos, Dodin cultiva em si e em seus atores uma paixão pela verdade - não viver de mentiras!

Los Angeles Dodin- Artista nacional Rússia, laureada com os Prêmios de Estado da URSS (1986) e da Federação Russa (1998), com o Prêmio do Presidente da Federação Russa (2001). Dele atividade teatral e performances foram notadas por muitos nacionais e prêmios internacionais e prêmios. Entre eles: Prêmio Nacional Independente Russo "Triumph" (1992), duas vezes - Prêmio Nacional "Máscara dourada"(1997, 1999), o Prêmio da Fundação KS Stanislavsky "For Outstanding Achievement in Pedagogy" (1996), "Golden Spotlight" (1996), o Prêmio Laurence Olivier (1988), o Teatro Francês e críticos musicais(1992), Prêmio de Teatro Regional Inglês (1992), Prêmio UBU Italiano (1993, 1994), Prêmio da Crítica Abbiati Italiana "Para o Melhor apresentação de ópera" (1998), bem como o maior prêmio de teatro europeu "Europa - Teatro" (2000). O diretor também foi premiado com a Ordem Francesa de Literatura e Arte da Dignidade de Oficial "Por sua enorme contribuição para a cooperação da Rússia e Culturas francesas" (1994).

Em 1967, L.A. Dodin começou a ensinar atuação e direção. Ele treinou mais de uma geração de atores e diretores. Agora ele é professor na Academia de São Petersburgo artes teatrais, chefia o departamento de direção, ministra regularmente master classes em escolas de teatro no Reino Unido, França, Japão, EUA e é membro permanente do júri de uma competição profissional obras literárias"Northern Palmyra" e membro do júri prêmio de teatro São Petersburgo "Soffit Dourado".

Vive e trabalha em São Petersburgo.

Lev Dodin não só dirige o MDT de São Petersburgo, que leva o título de Teatro da Europa, mas também é chefe do departamento de direção da SPGATI há mais de 20 anos e durante esse período completou dois cursos de direção. O resultado foi estranho. Nenhum dos diretores demitidos em 1994 chegou nem perto do nível de professor. E o mestre não assinou nenhum diploma de diretor para os formandos de 2007. Teatro. Resolvi perguntar a Lev Dodin se era possível ensinar direção e se valia a pena tentar.

JZ: Correm boatos de que você ficou decepcionado com a oportunidade de dar aulas de direção e decidiu abandonar totalmente o conjunto de cursos de direção. Quão verdadeiro é isso?

LD: Isso provavelmente foi dito nos corações. Mas acho que é literalmente impossível ensinar direção; você pode tentar aprender direção; Nesse caso, depende do aluno, talvez até mais do que do mestre. Porque no cerne da direção – tenho medo de dizer “arte” – está um começo pessoal. Tudo é medido pela escala do indivíduo. Outra coisa é que, como me parece certo, observou Kama Ginkas em sua entrevista ao Izvestia, uma pessoa mesquinha e alfabetizada é melhor do que uma pessoa mesquinha e analfabeta. Gostaria de poder transmitir a quem vem estudar direcionamento uma série de competências tecnológicas e leis imutáveis. Composição literária, composição espacial, composição musical, a lei do contraponto - geralmente os diretores não aprendem isso. Introduzi esses assuntos em meu curso. Meyerhold certa vez prometeu que escreveria um livro sobre direção, que seria muito curto e todo baseado na teoria musical. Está certo porque teatro de verdade- é sempre composição musical, independentemente de haver música nele ou não. Você também pode tentar ensinar as leis decorrentes do sistema de Stanislávski. É claro que o “sistema de Stanislávski”, neste caso, é uma definição condicional, porque as suas instruções literais estão obviamente desactualizadas, e então, ele nem sempre as expressou com sucesso, usando as fórmulas do seu tempo. Portanto, é muito difícil ler “O trabalho de um ator sobre si mesmo” hoje, em oposição a “Minha vida na arte”. Mas além de “My Life in Art” você pode ler as notas artísticas de Stanislávski e seus diários. Esta é uma lição incrível porque Stanislávski analisa constantemente a sua tecnologia e queixa-se das suas imperfeições. Boris Vulfovich Zon nos contou que quando o livro “Minha Vida na Arte” foi publicado, um dos artistas não muito talentosos exclamou com satisfação: “Então K.S. Stanislávski realmente faz um grande número de censuras a cada um de seus papéis. Mas Boris Vulfovich, que encontrou Stanislavsky no palco, afirmou que ele era um artista incrível. Tanto o mesmo Salieri, a quem ele amaldiçoa, quanto o mesmo Otelo foram brilhantemente interpretados por ele. Acontece que Stanislávski sempre sonhou em alcançar a perfeição. Talvez esta qualidade seja a principal no que chamamos de “sistema Stanislávski”.

JZ: Perfeccionismo?

LD: Buscar constantemente a perfeição, ao mesmo tempo em que percebe que ela é inatingível. E uma resposta constante e viva ao que está acontecendo na vida e ao que está acontecendo com você. O conhecimento da vida não é mental, nem ao nível da teoria, mas através da experiência pessoal e da imaginação. Você pode tentar ensinar isso também. Mas isso só fará sentido se o aluno for uma pessoa com um grande começo pessoal. Muitas vezes encontrei jovens brilhantes que inicialmente prometeram muito, mas depois se esgotaram rapidamente. Dirigir é uma corrida de longa distância. Mais que uma maratona. Requer um treinamento de vida poderoso - você precisa liderar um grande grupo de artistas em algum lugar, liderar o teatro como um todo, todos os funcionários, gastar muito dinheiro tomando decisões... Lembro-me de quando era jovem, isso estava simplesmente me matando. Eu tinha que dizer, faça isso ou aquilo, e o valor que vai ser gasto depende disso. Portanto, os primeiros sucessos não devem enganar. Brook começou de forma brilhante e continuou poderosamente por muitos anos, assim como Strehler. É por isso que eles são ótimos. Mas muitos que começaram ao lado deles pararam muito rapidamente. Uma pessoa faz sua primeira apresentação por volta dos 25 anos, ou seja, expressa a experiência de 25 anos de sua vida, e a próxima apresentação costuma ser lançada no máximo um ano depois - ou seja, a nova experiência é apenas um anos. E tudo depende da intensidade com que o realizador consegue refrescar e enriquecer esta experiência e do quanto se interessa em receber impressões.

JZ: Que tipo de impressões ele deveria se esforçar para obter?

LD: Em primeiro lugar, devem ser experiências que elevem o nível de cultura. Quando iniciamos o curso de direção, procurei apresentar todas aquelas matérias que não me ensinaram e cuja falta senti durante toda a minha vida. Em geral, tenho certeza que dirigir a educação não é um instituto, um instituto é apenas o primeiro passo, a aprendizagem sempre teve um papel enorme. O teatro é uma arte feita pelo homem. E, como em outros ofícios, aqui a experiência é passada de geração em geração, de mestre para aluno. Foi assim com os artistas início da Renascença- pertencer a uma determinada oficina determinou muito no destino do artista. Depois tornou-se independente, mas ficar na oficina, onde já era semi-independente, mas continuou trabalhando ao lado do mestre, é, me parece, um palco maravilhoso, que hoje está praticamente apagado da experiência teatral.

ZhZ: Bem, o próprio modelo de teatro liderado por um mestre está se tornando coisa do passado.

LD: E ao mesmo tempo há muitos teatros e muitas apresentações são encenadas. Jovens diretores estão em demanda. E, portanto, a necessidade de adquirir experiência, inteligência e impressões artísticas não significa muito. As resenhas são publicadas para qualquer performance, uma delas será sempre elogiosa - e é justamente isso que importa para o diretor, todo o resto pode ser explicado pelo fato dos autores serem estúpidos ou tendenciosos. Também há dinheiro suficiente para taxas para todos. Assim, você pode passar com calma para a próxima apresentação. Na minha época o problema era exatamente o oposto: para o jovem diretor foi difícil avançar porque dirigir era considerada uma profissão ideológica. Na maior parte, lembro-me da minha juventude no teatro sem alegria, mas sou grato ao destino por me dar a oportunidade de trabalhar por muito tempo como segundo diretor no Teatro Juvenil, aprendendo muito com Zinovy ​​​​Yakovlevich Korogodsky. Incluindo o que não fazer. Ou seja, ali também se formou a minha posição, por assim dizer, profissional e moral. Esta é uma questão muito importante para um realizador, porque a nossa profissão não se trata apenas de auto-expressão, como um artista ou compositor. No teatro, as cores são os artistas, são os objetos e sujeitos de influência do diretor. Você precisa ser capaz de se comportar com dignidade, não ter um nível inferior ao deles e, ao mesmo tempo, ter certeza de conduzi-los a algum lugar. Não é à toa que o diretor é comparado a um capitão que comanda um navio e diz à tripulação que estamos no caminho certo, embora não tenha certeza de que ali haverá terra. Não importa que Colombo procurasse um atalho para a Índia, mas descobriu a América. É importante que ele navegasse até alguma costa e mantivesse a tripulação na crença de que estavam navegando para o lugar certo. O fato de poder descobrir algo inesperado no caminho é maravilhoso e alegre, mas o mais importante é tentar nadar e procurar. Parece-me que o maior problema na direção atual é, curiosamente, a ossificação dentro de certos limites de gosto, que não são apoiados nem pela cultura nem pelo brilho experiência de vida, mas representam uma espécie de realidade em que tudo está virado de cabeça para baixo e só por isso tem direito de existir. E também me parece que tanto os críticos como geração mais velha os diretores, vendo tudo isso, têm medo de dizer que o rei está nu, têm medo de ser minoria, de serem acusados ​​de estupidez e de resmungos senis. Eles parecem sucumbir a uma estranha crença de que se tudo estiver virado de cabeça para baixo, significa que é como deveria ser e significa alguma coisa, mas na verdade é apenas um sinal de total despreparo e incapacidade. O facto de tal incapacidade estar a tornar-se cada vez mais comum em toda a Europa hoje é a crise do teatro. O facto de hoje o teatro da alta literatura estar cada vez mais a desaparecer no esquecimento e a ser substituído por ações visuais fala de alguma da nossa selvageria. Porque era o arcaico que era visual em suas manifestações: o selvagem dançava uma espécie de dança antes e depois da caça, porque naquela época ainda não conseguia se expressar nem com a ajuda dos desenhos, muito menos da escrita. E agora voltamos frequentemente a esta arcaica, se não mesmo super-selvageria. Ao mesmo tempo, qualquer “dança” teatral moderna, por assim dizer, que na verdade não tem sentido, encontra uma explicação, porque tudo pode ser explicado. E esta situação, claro, influencia muito o crescimento da incivilidade no teatro.

JZ: Mas o teatro visual não é necessariamente sinónimo de teatro sem cultura?

LD: Não necessariamente. Pina Bausch, por exemplo, tinha um teatro visual maravilhoso, mas foi criado numa época em que também existia por perto um teatro muito poderoso de grande literatura, e hoje esse teatro é cada vez menor, quase não é procurado - pela crítica , pelo menos. Ele é muito procurado pelo público: viajamos muito pelo mundo e pela Rússia - e vemos que das capitais mundiais às periferias o público responde com extrema intensidade ao teatro ao vivo da grande literatura. Veja o que aconteceu em Paris em “Demons” – uma apresentação de nove horas em língua estrangeira. O espectador anseia por esse tipo de arte, porque é a única que lhe dá a oportunidade de simpatizar coletivamente com algo e, mesmo que por um momento, de sair da solidão, de ouvir que alguém sofre tanto quanto ele, porque a grande literatura é uma descrição da humanidade sofredora.

ZhZ: Então, na sua opinião, as imagens nunca conseguirão desempenhar tal função?

LD: Eu não acho que eles possam. Novamente, o valor de uma imagem depende da profundidade do pensamento que ela expressa. Muitas vezes vemos imagens e metáforas interessantes que expressam um pensamento muito primitivo. Você pode imaginar um “Hamlet” muito metafórico, mas se nele Hamlet é a priori bom e Cláudio é a priori mau, então as metáforas não me dirão nada de novo. E há muito teatro desse tipo - supostamente metafórico. Ele imita as obras dos mestres do teatro metafórico, que contém novos significados muito importantes. Por exemplo, no “Hamlet” de Nyakrosius há descobertas relacionadas ao fantasma de seu pai, há seu grito final de desespero, porque ele entende que deu à luz outro assassinato e causou a morte de seu próprio filho. Quando ocorre a descoberta intelectual e sensorial, a metáfora dá muito. Mas hoje nos deparamos com mais frequência com uma imitação de metáfora quando ela expressa pensamentos planos ou não contém nenhum pensamento. Tal diretor geralmente deixa os artistas fazerem o que quiserem - em Melhor cenário possível Ele os separará para que não colidam.

ZhZ: Não faz muito tempo, seu aluno Dmitry Volkostrelov, que não recebeu um diploma de direção, encenou a peça “The Locked Door” baseada na peça de Pavel Pryazhko. Portanto, há uma ideia muito claramente expressa de que a imitação é um diagnóstico sociedade moderna. Imitação de tudo: atividades, sentimentos, a vida como tal.

LD: Sim, ouvi dizer que foi uma performance interessante, mas ainda não vi. Este é um programa juvenil?

ZhZ: Todos os seus alunos trabalham lá - colegas de Volkostrelova: Alena Starostina, Ivan Nikolaev, Pavel Chinarev, Dmitry Lugovkin e outros. Eles continuam juntos – e obviamente se entendem.

LD: Graças a Deus. Estou feliz. Acho que a ideia de que você está falando não é sem sentido. Stanislávski faz uma distinção muito nítida entre os conceitos de “ritmo” e “tempo”. É por isso que surge o conceito de “ritmo tempo”. Muitas vezes o andamento pode ser muito rápido, mas o ritmo é zero. E vice-versa, o andamento pode ser muito lento, mas o ritmo - isto é, a tensão da vida espiritual, o batimento cardíaco - pode ser muito alto. Não quero parecer um falso patriota de São Petersburgo, mas uma vez trabalhei dois anos em Moscou, que sempre amei muito, e ainda amo, e de repente descobri que havia um ritmo de vida frenético com um ritmo muito baixo. Além disso, isso só pode ser entendido por dentro, porque por fora tudo parece viver ativamente, se movimentar, discutir entre si. Mas descobriu-se que internamente tudo ficou parado. Este é um problema da cultura actual em geral - quando problemas sociais substituir questões artísticas. Por exemplo, em Inglaterra (ou em França - não importa) é muito mais fácil conseguir uma subvenção para uma peça onde estão envolvidos dois africanos, dois japoneses e dois judeus do que para uma peça onde todos os ingleses estão envolvidos e eles estão encenando Shakespeare ou Chekhov.

ZhZ: Existem outros critérios: os diretores de cinema, por exemplo, garantem que é muito fácil conseguir dinheiro dos produtores se você os convencer de que vai fazer um filme de arte.

LD: Mas, você deve admitir, é muito estranho dizer conscientemente que estou fazendo uma arte. Eu faço oque faço. Estou aprendendo alguma coisa. O que isso levará é imprevisível. Como você sabe, o cheiro de uma rosa é descrito de mil maneiras. Para encontrar um novo, há duas opções: ou descobrir essas mil maneiras e encontrar as mil e primeira, ou não conhecer nenhuma delas e acidentalmente deixar escapar algo até então invisível. Penso que a segunda tendência está agora a suprimir fortemente a primeira.

JZ: Lev Abramovich, do que você acabou de dizer, decorre que os diretores devem ser treinados no teatro de palavras - e se eles puderem realizar profissionalmente este trabalho, relativamente falando, tradicional, então eles poderão então com calma procurar outra coisa, novo ?

LD: Eu diria não ao teatro das palavras, mas ao teatro da grande literatura, grande tópico. Afinal, não é à toa que a literatura foi criada durante séculos e não foi à toa que apresentou ao mundo tantos titãs do pensamento. Hoje tenho a honra de ser membro do júri do Big Book. O livro de Dmitry Bykov sobre Pasternak e o livro de Pavel Basinsky sobre Leo Tolstoy vencem quase consecutivamente. Parece que não se trata de figuras modernas e muito difíceis de analisar do ponto de vista da vida atual. Mas pelo fato de existir um herói poderoso, sua personalidade eleva os próprios autores. Diria mesmo o seguinte: existem três hipóstases do grande teatro - a grande literatura, a grande pintura e a grande música. É por isso que precisamos estudar. A própria necessidade de aprender já indica a presença de um começo pessoal. Uma personalidade mesquinha geralmente está satisfeita consigo mesma. Quem não está satisfeito consigo mesmo, que entende que existe um mundo ao seu redor que ele não conhece, está pronto para ser aprendiz, para ser segundo. Afinal, em essência, o discipulado ocorre ao longo da vida. Como Tsvetaeva: “A hora do aprendizado é solenemente inevitável na vida de todos”.

ZhZ: Por que seus alunos te incomodaram tanto que você até decidiu abandonar a ideia de treinar diretores?

LD: Não, não decidi recusar. Estou até pensando Próximo ano faça um curso de direção. Porque tanto uma como a outra geração dos meus formandos descobriram agora algumas deficiências que eu não poderia prever.

JZ: São deficiências geracionais?

LD: Não, pessoal. Como resultado, descobriu-se que era pessoal. Porque as pessoas assimilam muito rapidamente as coisas externas e a tecnologia, mas encontram o interno com grande dificuldade. Até Tovstonogov, que sabia ensinar diretores, disse isso. Em cada curso teve diversas figuras notáveis, e hoje seus alunos ainda determinam muito em teatro moderno. Mas Tovstonogov também reclamou várias vezes comigo que não poderia ir às apresentações de seus alunos, porque nunca esperava que crescesse assim. Talvez às vezes ele estivesse errado - na verdade, um aluno só é importante quando refuta algo ao professor. Meu professor Boris Vulfovich Zon também nunca foi a apresentações com a participação de seus alunos famosos. E eu entendo do que ele tinha medo: perder a energia da ilusão - ele pensa que aprendeu, e então verá o diabo. Uma vez ele foi, porque era um convite pessoal - o artista Leonid Dyachkov fez uma performance independente baseada em “ Almas Mortas" No dia seguinte, lembro-me, Boris Vulfovich chegou ao público chocado. “Acontece que é uma coisa boa”, disse ele. “Eu nunca esperei isso.” Esse ceticismo saudável de professor é extremamente necessário, sinto falta.

JZ: Você gosta dos seus alunos?

LD: Eu gosto dos atores. Sim, e os diretores estão se desenvolvendo. Nós apenas temos que esperar. É o que você diz, Dima Volkostrelov teve uma boa atuação. Durante todos os cinco anos ele aspirou a dirigir - embora durante o curso não tenha se mostrado realmente diretor, mas estudou com afinco, isso é verdade. E fico feliz se crescer agora. Fico feliz com o sucesso dos meus alunos.

ZhZ: Dima, ao contrário de muitos jovens diretores, visita regularmente a biblioteca.

LD: Parece-me que foi exatamente isso que eles aprenderam - a ler livros: sobre a vida e sobre arte. Isso por si só não é tão pouco, mas quero mais.

ZhZ: Seus dois cursos de direção diferiram em princípios ou formas de treinamento?

LD: O primeiro curso foi direção e atuação: primeiro recrutamos um grupo de diretores de 9 pessoas, e Próximo ano recrutavam artistas, e este último curso era de atuação e direção, ou seja, todos os alunos foram recrutados ao mesmo tempo e estudaram durante cinco anos, mas alguns deles se candidataram para direção. E aqui é interessante: no curso em que recrutaram primeiro os diretores e depois os atores, os artistas acabaram sendo a parte um tanto lesada, porque muito esforço foi dedicado aos diretores e havia um grande elo de ligação entre mim e o aluno atores - o curso de direção. Como resultado, os atores, parece-me, perderam alguma coisa. Mas no curso de atuação e direção, quem tentou aprender direção perdeu muito, porque eu não trabalhei muito com eles, pensei que se eles entendessem tudo o que a gente faz com os artistas na hora de escrever uma peça, então eles vão, quer queira quer não, aprenda alguma coisa. Foi assim que estudei com Boris Vulfovich Zon: ele não me ensinou uma única lição de direção. eu entrei curso de atuação, desde o primeiro ano comecei a fazer testes independentes e, no final do segundo ano, Boris Vulfovich me transferiu para a direção. Fiquei, claro, feliz por ter todo um curso de atuação à minha disposição: poderia tentar qualquer coisa com eles e ajudar Boris Vulfovich nas apresentações de formatura. Mas Boris Vulfovich foi muito irônico sobre a profissão de diretor, por incrível que pareça. Afinal, ele próprio já foi um diretor brilhante, mas acreditava tanto na arte de atuar segundo Stanislávski que considerava a direção profundamente secundária. Ele consolou minha mãe, contando-lhe sobre mim: “Bom, se ele não conseguir dirigir, leitura artística ele sempre pode estudar.”

ZhZ: Eu entendi corretamente que de última edição Você não deu a ninguém um diploma de diretor?

LD: Emitimos um diploma para Sergei Shchipitsin depois que ele realizou três apresentações. Mas todos têm o direito de recebê-lo. Aqui, Lena Solomonova mostra inclinações de direção, e eu gostaria de ajudá-la de alguma forma a avançar.

JZ: Há algum trabalho de seus primeiros diretores graduados que o impressione?

LD: Bem, por exemplo, vejo como Igor Konyaev está crescendo - sim, na verdade, ele já cresceu. Ele se esforçou com muita energia para dirigir, foi muito trabalhador - Igor escreveu enorme trabalhos de conclusão de curso. Estávamos então trabalhando em “Uma Peça Sem Título”, e os alunos tinham uma tarefa: encontrar materiais sobre a vida de um proprietário de terras, a vida de um latifundiário final do século XIX século. Então Konyaev escreveu uma dissertação inteira. Ele é uma pessoa muito meticulosa. Agora ele dirige o Teatro Russo em Riga, e acho isso justo. Estou satisfeito com o crescimento de Oleg Dmitriev: felizmente, parece-me, ele combina seu crescimento como ator (ele desempenhou muitos papéis sérios no palco) com seu crescimento como diretor. Oleg fundou seu pequeno teatro, o que não o impede de trabalhar no MDT. Oleg Dmitriev tem certos gostos, preferências artísticas, é muito educado - e, como Konyaev, trabalhador e pedante. Parece-me que de performance em performance isso traz cada vez mais frutos. Estou muito interessado no desenvolvimento de Yura Kordonsky, que já se tornou professora em tempo integral (e esta é uma posição muito séria) na Universidade de Stanford, na minha opinião. Yuri faz apresentações em todo o mundo, na Romênia eles simplesmente o carregam nos braços. Mas, ao mesmo tempo, ele permaneceu uma pessoa muito suave, sutil e aparentemente discreta. Yura trabalhou conosco de maneira muito interessante em “A Casa de Bernarda Alba”. Então é só esperar - o talento do diretor se manifesta aos poucos.

Em 1966, Dodin estreou com o teleplay “First Love” baseado na história de Ivan Turgenev.
Uma de suas primeiras e mais significativas obras foi a peça baseada na peça de Alexander Ostrovsky “Nosso povo - vamos ser numerados” (1973) no Teatro Juvenil de Leningrado, graças à qual o nome de Dodin foi verdadeiramente ouvido pela primeira vez no teatro de Leningrado (St. . Petersburgo).

Em 1975-1979 o diretor trabalhou em Leningradsky teatro regional drama e comédia (agora State Drama Theatre em Liteiny).
Em 1974, a colaboração de Lev Dodin com o Maly Drama Theatre (MDT) começou com a peça “The Robber” de Karel Capek.
A produção de “Home” baseada no romance de Fyodor Abramov no MDT em 1980 determinou o destino criativo subsequente do diretor.

Desde 1983, Dodin é diretor artístico do acadêmico Maly Drama Theatre, e desde 2002 - diretor .
Em setembro de 1998, o teatro recebeu o status de Teatro da Europa - o terceiro depois do Teatro Odeon em Paris e do Teatro Piccolo em Milão. Lev Dodin é membro da assembleia geral da União dos Teatros Europeus. Em 2012 foi eleito presidente honorário da União dos Teatros Europeus.
As apresentações de Lev Dodin foram realizadas em muitos países ao redor do mundo - Austrália, Grã-Bretanha, Alemanha, Itália, EUA, Finlândia, França, República Tcheca, Suíça, Japão, etc. No outono de 1999, um festival de apresentações de Dodin foi realizado em Itália.

No total, Lev Dodin é autor de 70 produções dramáticas e de ópera. Seus créditos criativos incluem as performances “The Golovlev Gentlemen” (1984) baseadas no romance de Mikhail Saltykov-Shchedrin no Moscow teatro de arte com Innokenty Smoktunovsky em papel de liderança, “The Meek” baseado na história de Fyodor Dostoevsky com Oleg Borisov no papel-título nos palcos do Teatro Dramático Bolshoi em São Petersburgo (1981) e do Teatro de Arte de Moscou (1985), “Irmãos e Irmãs” (1985) ) baseado na trilogia de Fyodor Abramov, “Demons” (1991) baseado no romance de Dostoiévski e “King Lear” (2006) de William Shakespeare no Maly Drama Theatre de São Petersburgo.
Entre suas últimas produções no MDT estão “Três Irmãs” (2010) de Anton Chekhov, “Retrato com Chuva” (2011) de Alexander Volodin, “Astúcia e Amor” (2012) de Friedrich Schiller, “Um Inimigo do Povo” ( 2013) de Henrik Ibsen, “ GAUDEAMUS" (2014) baseado na história de S. Kaledin, "Hamlet" (2016) de acordo com S. Grammar, R. Holinshed, W. Shakespeare, B. Pasternak, “Medo. Amor. Desespero" (2017) baseado nas peças de B. Brecht.
Em dezembro de 2014, em Moscou, no Teatro de Arte de Moscou. A primeira turnê de A.P. Chekhov com a peça “The Cherry Orchard” de Lev Dodin foi um triunfo. Três noites seguidas auditório O teatro estava superlotado. O desempenho foi mostrado dentro festival de teatro"Temporada de Stanislávski".

Lev Dodin encenou a ópera Electra de Richard Strauss no Festival Musical de Páscoa de Salzburgo (Áustria, 1995) e no festival de Maio Musical de Florença (Itália, 1996), Lady Macbeth de Mtsensk de Dmitry Shostakovich no festival de Maio Musical de Florença (1998), "A Dama de Espadas" de Pyotr Tchaikovsky na Ópera Holandesa em Amsterdã (1998) e Paris ópera nacional(1999, 2005, 2012), em Teatro Bolshoi(2015), a ópera “Mazeppa” de Pyotr Tchaikovsky no La Scala (1999), a ópera “Salomé” de Richard Strauss na Ópera da Bastilha em Paris (2003), a ópera “Khovanshchina” na Ópera Estatal de Viena (2014). ) e outros.

Desde 1967, Dodin ensina atuação e direção no LGITMiK (hoje Instituto Estatal Russo de Artes Cênicas) e treinou mais de uma geração de atores e diretores. Hoje ele é professor, chefe do departamento de direção da Universidade de São Petersburgo Academia Estadual arte teatral.
Dodin é acadêmico honorário da Academia Russa de Artes, doutor honorário da Universidade Humanitária de Sindicatos de São Petersburgo.

Lev Dodin é autor dos livros “Ensaios de uma peça sem título” (2004), “Livro de reflexões” (2004) e da publicação em vários volumes “Journey Without End” (2009-2011). Publicou também vários livros sobre línguas estrangeiras. Dodin é membro permanente do júri do concurso literário profissional “Northern Palmyra”. Ele é o diretor artístico do Festival Internacional de Teatro de Inverno.

As atividades teatrais de Lev Dodin e suas performances foram notadas por diversos públicos estaduais e internacionais prêmios e premiações. Em 1993, ele recebeu o título de Artista do Povo da Federação Russa. Ele é um laureado Prêmio Estadual URSS (1986), Prêmio de Estado da Federação Russa (1993, 2003), Prêmio do Presidente da Federação Russa (2001), Prêmio do Governo de São Petersburgo no campo da cultura, literatura e arquitetura (2004). Agraciado com a Ordem do Mérito da Pátria, graus IV (2004) e III (2009).
O diretor também foi laureado com o Prêmio Laurence Olivier (1988), o Prêmio Francês de Críticos de Teatro e Música (1992), o Prêmio Regional de Teatro Inglês (1992), o Prêmio UBU Italiano (1994), o Prêmio Abbiati da Crítica Italiana de Melhor Performance de ópera (1998). Em 2000, Lev Dodin recebeu o maior prémio de teatro europeu “Europa - Teatro”.

Em 1994, Dodin foi condecorado com a Ordem Francesa das Artes e Letras com dignidade de oficial “Por sua enorme contribuição para a cooperação das culturas russa e francesa”.
Entre Prêmios russos diretor - “Triumph” (1992), “Golden Mask” (1997, 1999 e 2004), “The Seagull” (2003), “Golden Spotlight” (1996, 2007, 2008, 2011, 2013, 2014, 2016), “ Breakthrough "(2011), Prêmio Andrei Mironov "Figaro" (2013), Prêmio de Arte Tsarskoye Selo (2013).
Em 1996 ele foi laureado com o prêmio da Fundação K. S. Stanislavsky “Por realizações notáveis ​​​​em pedagogia”, em 2008 - “Pela contribuição para o desenvolvimento do teatro russo”.

Lev Dodin é casado com a Artista do Povo da Rússia Tatyana Shestakova, atriz e diretora do MDT. Sua primeira esposa foi a atriz Natalya Tenyakova. O irmão do diretor é Doutor em Ciências Geológicas e Mineralógicas, Membro Correspondente Academia Russa Ciência David Dodin.

O grande diretor Lev Abramovich Dodin em 1993 recebeu o título honorário de Artista do Povo da Rússia e três Prêmios de Estado do nosso país (1992, 2002, 2015), e ainda antes, em 1986, tornou-se laureado com o Prêmio de Estado da URSS. Tem 16 no total prêmios estaduais. A vida pessoal de Lev Dodin está intimamente ligada ao seu trabalho. O talentoso diretor se casou duas vezes e ambas as esposas são atrizes.

Vida pessoal de Lev Dodin, suas esposas e filhos

O famoso petersburguense nasceu em 14 de maio de 1944, em Stalinsk, atual Novokuznetsk. Desde 1983 é diretor artístico do MDT e, de 2002 até hoje, seu diretor. Além disso, Lev Abramovich leciona no Instituto Estadual de Artes Cênicas Federação Russa, onde formou uma galáxia de artistas e encenadores reconhecidos, a quem trata com carinho e se orgulha deles como mestres da arte teatral.

Irmão do diretor de 58 espetáculos teatrais, seis dos quais estrangeiros (Ópera Holandesa, Teatro nacional, Helsinque, etc.) - Doutor em Ciências Geológicas e Mineralógicas, Membro Correspondente da Academia Russa de Ciências David Dodin. E sua filha, deputada diretor artistico Academic Maly Drama Theatre - Teatro da Europa Dina Dodin, que trabalha no MDT junto com seu tio e sob sua liderança geral.

Lev Dodin hoje é membro honorário do júri de teatro e prêmios literários e ministra master classes em sua terra natal e em outros países. O diretor artístico do Maly Drama Theatre de São Petersburgo também é laureado com muitos prêmios de prestígio, tanto russos quanto estrangeiros, vencedor dos prêmios Golden Mask e Golden Soffit. Sua primeira esposa é a atriz Natalya Tenyakova (nascida em 1944).

A primeira esposa de Lev Dodin

Para Natalya, Leningrado é sua cidade natal e querida, onde nasceu, se formou na escola e, como o próprio famoso encenador, ingressou no Instituto Estadual de Teatro, Música e Cinema. Natasha e seu futuro marido se conheceram nela anos de estudante, quando a menina estudava na LGITMiK, onde leciona com sucesso desde 1967. Depois de receber seu diploma, Natalya Maksimovna foi aceita no Teatro de Leningrado. Lenin Komsomol, onde se origina biografia criativa. Seu marido era Lev Dodin.

No entanto, a biografia de duas pessoas subordinadas grande poder a criatividade mudou dramaticamente no final dos anos sessenta. Enquanto trabalhava em uma peça de televisão, Natalya conheceu seu “ídolo intelectual” Sergei Yursky, por quem ela imediatamente se apaixonou... Como resultado, sua relação de trabalho cresceu para algo mais, apesar do fato de ela ser casada com Lev Dodin, e Yursky já era casado há vários anos com a incomparável Zinaida Sharko. Em 1970, Natalya Tenyakova casou-se pela segunda vez.

Biografia de uma atriz talentosa - esposa de Lev Dodin

Tatyana Borisovna Shestakova (nascida em 23 de outubro de 1948, Leningrado) conheceu seu destino quando ainda era estudante do departamento de atuação do Instituto de Artes Cênicas, onde lecionou futuro marido. Após receber o diploma, em 1972, foi convidada para fazer seu primeiro papel no filme de comédia “Salty Dog”, onde a graduada teve a sorte de interpretar personagem principal este filme. A partir de 1984, começou a trabalhar no MDT, onde ainda atua, atuando periodicamente em curtas-metragens, bem como em filmes dramáticos e de animação.

Os cônjuges não divulgam suas vidas e relacionamentos pessoais. É sabido que Lev Abramovich e Tatyana Borisovna não têm filhos próprios. A sobrinha de Dodin, Dina, que seguiu os passos do tio famoso, praticamente substituindo a filha, hoje trabalha como vice-diretora artística do MDT. Fotos e vídeos sobre o maravilhoso casal criativo podem ser vistos no site pessoal de Lev Dodin.

Os espectadores se apaixonaram pela esposa de Lev Dodin, única em seu talento artístico, em filmes como “Tsarevich Prosha”; “Queime, queime claramente...”; "Cão Salgado"; "O homem que teve sorte" “Réu”; "Meu amado"; “Vá e olhe”; “A guerra está acontecendo em algum lugar” e outros. No total, Tatyana Borisovna interpretou mais de sessenta personagens no teatro e no cinema e hoje continua seu trabalho com sucesso. Seu trabalho foi reconhecido com prêmios como “Artista Homenageado da Rússia” e “ Artista do Povo Federação Russa".

Ela também é laureada com: Prêmio do Estado Russo; Prêmios "Triunfo"; o maior prêmio de teatro da cidade de São Petersburgo “Golden Sofit”, recebido na indicação “Melhor papel feminino" Artista Popular e Homenageada da Rússia, Tatyana Shestakova, vivia com o marido como uma ratazana. Durante este tempo em biografia de família Os cônjuges tiveram muitos acontecimentos significativos, mas mantiveram o amor e os sentimentos calorosos e ternos pelo resto da vida.