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O período que marcou época na história da cultura mundial, que precedeu a Idade Moderna e recebeu o nome de Renascimento ou Renascimento. A história da época começa no início da Itália. Vários séculos podem ser caracterizados como o tempo de formação de um novo, humano e imagem terrena mundo, que é inerentemente secular por natureza. As ideias progressistas encontraram sua concretização no humanismo.

Anos e conceito da Renascença

É muito difícil definir um prazo específico para este fenômeno na história da cultura mundial. Isto é explicado pelo facto de todos os países europeus terem entrado no Renascimento em épocas diferentes. Alguns mais cedo, outros mais tarde, devido ao atraso no desenvolvimento socioeconómico. As datas aproximadas incluem o início do século XIV e o final do século XVI. Os anos do Renascimento são caracterizados pela manifestação do caráter secular da cultura, pela sua humanização e pelo florescimento do interesse pela antiguidade. Aliás, o nome desse período está ligado ao último. Há um renascimento da sua introdução no mundo europeu.

Características gerais do Renascimento

Esta revolução no desenvolvimento da cultura humana ocorreu como resultado de mudanças na sociedade europeia e nas relações nela. Um papel importante é desempenhado pela queda de Bizâncio, quando os seus cidadãos fugiram em massa para a Europa, trazendo consigo bibliotecas e várias fontes antigas, até então desconhecidas. O aumento do número de cidades levou a um aumento da influência das classes simples de artesãos, comerciantes e banqueiros. Vários centros de arte e ciência começaram a aparecer ativamente, cujas atividades a igreja não controlava mais.

Os primeiros anos do Renascimento são geralmente contados com o seu início na Itália; Os seus sinais iniciais tornaram-se perceptíveis nos séculos XIII-XIV, mas assumiu uma posição forte no século XV (década de 20), atingindo o seu máximo florescimento no final. A era do Renascimento (ou Renascença) é dividida em quatro períodos. Vamos examiná-los com mais detalhes.

Proto-Renascença

Este período remonta aproximadamente à segunda metade dos séculos XIII-XIV. Vale ressaltar que todas as datas referem-se à Itália. Essencialmente, este período representa fase preparatória Renascimento. É convencionalmente dividido em duas etapas: antes e depois da morte (1137) de Giotto di Bondone (escultura na foto), figura chave na história da arte ocidental, arquiteto e artista.

Os últimos anos do Renascimento deste período estão associados à epidemia de peste que atingiu a Itália e toda a Europa como um todo. O Proto-Renascimento está intimamente ligado à Idade Média, às tradições gótica, românica e bizantina. Figura centralÉ geralmente aceito que Giotto delineou as principais tendências da pintura e indicou o caminho ao longo do qual ocorreu o seu desenvolvimento.

Período do início da Renascença

Com o tempo, demorou oitenta anos. Primeiros anos que se caracterizam de duas maneiras, ocorreram em 1420-1500. A arte ainda não renunciou completamente às tradições medievais, mas está adicionando ativamente elementos emprestados da antiguidade clássica. Como se gradativamente, ano após ano, sob a influência das mudanças nas condições do ambiente social, houvesse uma rejeição completa por parte dos artistas do antigo e uma transição para Arte antiga como conceito principal.

Período da Alta Renascença

Este é o auge, o auge da Renascença. Nesta fase, o Renascimento (1500-1527) atingiu o seu apogeu, e o centro de influência de toda a arte italiana mudou-se de Florença para Roma. Isso aconteceu em conexão com a ascensão ao trono papal de Júlio II, que tinha visões muito progressistas e ousadas, era um homem empreendedor e ambicioso. Ele atraiu mais melhores artistas e escultores de toda a Itália. Foi nessa época que os verdadeiros titãs da Renascença criaram suas obras-primas, que o mundo inteiro admira até hoje.

Renascença tardia

Abrange o período de 1530 a 1590-1620. O desenvolvimento da cultura e da arte neste período é tão heterogêneo e diverso que mesmo os historiadores não o reduzem a um denominador. Segundo estudiosos britânicos, o Renascimento finalmente morreu no momento em que ocorreu a queda de Roma, nomeadamente em 1527. mergulhou na Contra-Reforma, que pôs fim a todo pensamento livre, incluindo a ressurreição de tradições antigas.

A crise de ideias e as contradições na visão de mundo eventualmente resultaram no maneirismo em Florença. Um estilo que se caracteriza pela desarmonia e artificialidade, pela perda de equilíbrio entre os componentes espirituais e físicos, característico do Renascimento. Por exemplo, Veneza teve o seu próprio caminho de desenvolvimento; mestres como Ticiano e Palladio trabalharam lá até o final da década de 1570. O seu trabalho manteve-se afastado dos fenómenos de crise característicos da arte de Roma e Florença. A foto mostra a pintura "Isabella de Portugal" de Ticiano.

Grandes Mestres do Renascimento

Três grandes italianos são os titãs do Renascimento, sua digna coroa:

Todas as suas obras são as melhores pérolas selecionadas da arte mundial que o Renascimento colecionou. Os anos passam, os séculos mudam, mas as criações dos grandes mestres são atemporais.

O conteúdo do artigo

RENASCIMENTO, um período da história cultural da Europa Ocidental e Central dos séculos XIV a XVI, cujo conteúdo principal foi a formação de uma nova imagem do mundo, “terrena”, inerentemente secular, radicalmente diferente da medieval. Nova foto o mundo encontrou expressão no humanismo, principal corrente ideológica da época, e na filosofia natural, manifestada na arte e na ciência, que passaram por mudanças revolucionárias. Material de construção Para edifício original a nova cultura foi servida pela antiguidade, que foi voltada para a cabeça da Idade Média e que, por assim dizer, “renasceu” para uma nova vida - daí o nome da época - “Renascença”, ou “Renascença” (em Maneira francesa), dado a ela posteriormente. Nascido na Itália, nova cultura no final do século XV. passa pelos Alpes, onde, como resultado da síntese do italiano e do local tradições nacionais nasce a cultura Renascença do Norte. Durante o Renascimento, a nova cultura renascentista coexistiu com a cultura final da Idade Média, o que é especialmente típico dos países localizados ao norte da Itália.

Arte.

Com o teocentrismo e o ascetismo da imagem medieval do mundo, a arte na Idade Média serviu principalmente à religião, transmitindo o mundo e o homem na sua relação com Deus, em formas convencionais, e concentrou-se no espaço do templo. Nem o mundo visível nem o homem poderiam ser objetos de arte valiosos por si só. No século 13 V cultura medieval observam-se novas tendências (o ensinamento alegre de São Francisco, a obra de Dante, precursor do humanismo). Na segunda metade do século XIII. marca o início de uma era de transição no desenvolvimento da arte italiana - o Proto-Renascimento (durou até o início do século XV), que preparou o caminho para o Renascimento. A obra de alguns artistas desta época (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini, etc.), bastante medieval na iconografia, está imbuída de um início mais alegre e secular, as figuras adquirem volume relativo. Na escultura, supera-se a etereidade gótica das figuras, reduz-se a emotividade gótica (N. Pisano). Pela primeira vez, uma ruptura clara com as tradições medievais surgiu no final do século XIII - primeiro terço do século XIV. nos afrescos de Giotto di Bondone, que introduziu na pintura uma sensação de espaço tridimensional, pintou figuras mais volumosas, prestou mais atenção ao cenário e, o mais importante, mostrou um realismo especial, alheio ao gótico exaltado, na representação humana experiências.

No solo cultivado pelos mestres do Proto-Renascimento, surgiu o Renascimento italiano, que passou por várias fases na sua evolução (Inicial, Alto, Tardio). Associada a uma nova visão de mundo, essencialmente secular, expressa pelos humanistas, perde a sua ligação inextricável com a pintura e a estátua espalhadas para além do templo; Com a ajuda da pintura, o artista dominou o mundo e o homem tal como apareciam aos olhos, utilizando um novo método artístico(transferência do espaço tridimensional através da perspectiva (linear, aérea, colorida), criando a ilusão de volume plástico, mantendo a proporcionalidade das figuras). Interesse pela personalidade traços individuais aliada à idealização do homem, a busca pela “beleza perfeita”. Os temas da história sagrada não deixaram a arte, mas a partir de agora a sua representação esteve indissociavelmente ligada à tarefa de dominar o mundo e encarnar o ideal terreno (daí as semelhanças entre Baco e João Baptista de Leonardo, Vénus e a Mãe de Deus de Botticelli). A arquitetura renascentista perde a aspiração gótica ao céu e ganha equilíbrio e proporcionalidade “clássica”, proporcionalidade ao corpo humano. O antigo sistema de ordem está sendo revivido, mas os elementos da ordem não eram partes da estrutura, mas sim uma decoração que adornava tanto os edifícios tradicionais (templo, palácio das autoridades) quanto os novos tipos (palácio da cidade, vila de campo).

O fundador do início do Renascimento é considerado o pintor florentino Masaccio, que retomou a tradição de Giotto, alcançou uma tangibilidade quase escultural das figuras, utilizou os princípios da perspectiva linear e afastou-se das convenções de representação da situação. Desenvolvimento adicional pintura no século XV frequentou escolas em Florença, Úmbria, Pádua, Veneza (F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli e muitos outros). No século 15 A escultura renascentista nasce e se desenvolve (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio e outros, Donatello foi o primeiro a criar uma estátua redonda autônoma não relacionada à arquitetura, o primeiro a retratar um nu corpo com expressão de sensualidade) e arquitetura (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, etc.). Mestres do século XV (principalmente L.B. Alberti, P. della Francesco) criou a teoria das artes plásticas e da arquitetura.

O Renascimento do Norte foi preparado pelo surgimento nas décadas de 1420-1430, baseado no gótico tardio (não sem a influência indireta da tradição giotiana), de um novo estilo de pintura, a chamada “ars nova” - “nova arte” (Termo de E. Panofsky). A sua base espiritual, segundo os investigadores, era, em primeiro lugar, a chamada “Nova Piedade” dos místicos do norte do século XV, que pressupunha um individualismo específico e uma aceitação panteísta do mundo. As origens do novo estilo foram os pintores holandeses Jan van Eyck, que também aprimorou pinturas à óleo, e o Mestre de Flemall, seguido por G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans, I. Bosch e outros (meados - segunda metade do século XV). A nova pintura holandesa recebeu ampla repercussão na Europa: já nas décadas de 1430-1450 apareceram os primeiros exemplos nova pintura na Alemanha (L. Moser, G. Mulcher, especialmente K. Witz), na França (Mestre da Anunciação de Aix e, claro, J. Fouquet). O novo estilo caracterizou-se por um realismo especial: a transferência do espaço tridimensional através da perspectiva (embora, via de regra, aproximadamente), o desejo de volume. A “arte nova”, profundamente religiosa, interessava-se pelas experiências individuais, pelo caráter de uma pessoa, valorizando nela, antes de tudo, a humildade e a piedade. Sua estética é alheia ao pathos italiano do perfeito no homem, à paixão pelas formas clássicas (os rostos dos personagens não são perfeitamente proporcionais, são góticos angulares). A natureza e a vida cotidiana eram retratadas com especial amor e detalhes; as coisas cuidadosamente pintadas tinham, via de regra, um significado religioso e simbólico.

Na verdade, a arte da Renascença do Norte nasceu na virada dos séculos XV para XVI. como resultado da interação das tradições artísticas e espirituais nacionais dos países transalpinos com a arte renascentista e o humanismo da Itália, com o desenvolvimento do humanismo do norte. O primeiro artista do tipo renascentista pode ser considerado o notável mestre alemão A. Durer, que involuntariamente, porém, manteve a espiritualidade gótica. Uma ruptura completa com o gótico foi alcançada por G. Holbein, o Jovem, com sua “objetividade” de estilo de pintura. A pintura de M. Grunewald, ao contrário, estava imbuída de exaltação religiosa. A Renascença Alemã foi obra de uma geração de artistas e fracassou na década de 1540. Na Holanda, no primeiro terço do século XVI. correntes orientadas para Alta Renascença e maneirismo da Itália (J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley, etc.). O mais interessante sobre Pintura holandesa século 16 - este é o desenvolvimento dos gêneros de pintura de cavalete, cotidiana e paisagística (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky). O artista mais original nacionalmente das décadas de 1550 a 1560 foi P. Bruegel, o Velho, que possuía pinturas da vida cotidiana e gêneros paisagísticos, bem como pinturas de parábolas, geralmente associadas ao folclore e a uma visão amargamente irônica da vida do próprio artista. O Renascimento na Holanda termina na década de 1560. O Renascimento francês, de natureza inteiramente cortês (na Holanda e na Alemanha, a arte estava mais associada aos burgueses), foi talvez o mais clássico do Renascimento do Norte. A nova arte renascentista, ganhando força gradativamente sob a influência da Itália, atingiu a maturidade em meados da segunda metade do século na obra dos arquitetos P. Lescot, criador do Louvre, F. Delorme, dos escultores J. Goujon e J. .Pilon, pintores F. Clouet, J. Primo Sênior. A “Escola de Fontainebleau”, fundada na França, teve grande influência nos pintores e escultores acima mencionados. Artistas italianos Rosso e Primaticcio, que trabalharam no estilo maneirista, mas os mestres franceses não se tornaram maneiristas, tendo aceitado o ideal clássico escondido sob a roupagem maneirista. Renascença durante Arte francesa termina na década de 1580. Na segunda metade do século XVI. Arte renascentista italiana e outras países europeus gradualmente dá lugar ao maneirismo e ao barroco inicial.

A ciência.

A condição mais importante para a escala e as conquistas revolucionárias da ciência renascentista foi uma visão de mundo humanista, na qual a atividade de explorar o mundo era entendida como um componente do destino terreno do homem. A isto devemos acrescentar o renascimento da ciência antiga. As necessidades de navegação, o uso de artilharia, a criação de estruturas hidráulicas, etc. desempenharam um papel significativo no desenvolvimento. A divulgação do conhecimento científico e o seu intercâmbio entre cientistas teria sido impossível sem a invenção da impressão ca. 1445.

As primeiras conquistas no campo da matemática e da astronomia datam de meados do século XV. e estão amplamente associados aos nomes de G. Peyerbach (Purbach) e I. Muller (Regiomontanus). Müller criou novas tabelas astronômicas mais avançadas (substituindo as tabelas alfonsianas do século XIII) - “Efemérides” (publicadas em 1492), que foram utilizadas por Colombo, Vasco da Gama e outros navegadores em suas viagens. Uma contribuição significativa para o desenvolvimento da álgebra e da geometria foi feita pelo matemático italiano da virada do século L. Pacioli. No século 16 Os italianos N. Tartaglia e G. Cardano descobriram novas formas de resolver equações de terceiro e quarto graus.

O evento científico mais importante do século XVI. foi a revolução copernicana na astronomia. O astrônomo polonês Nicolau Copérnico em seu tratado Sobre a revolução das esferas celestes(1543) rejeitou a imagem geocêntrica dominante ptolomaico-aristotélica do mundo e não apenas postulou a rotação corpos celestiais em torno do Sol, e a Terra ainda em torno de seu eixo, mas também mostrada em detalhes pela primeira vez (o geocentrismo como uma suposição nasceu em Grécia antiga), como, com base em tal sistema, se pode explicar – muito melhor do que antes – todos os dados das observações astronômicas. No século 16 o novo sistema mundial, em geral, não recebeu apoio da comunidade científica. Apenas Galileu forneceu provas convincentes da veracidade da teoria de Copérnico.

Com base na experiência, alguns cientistas do século XVI (entre eles Leonardo, B. Varchi) expressaram dúvidas sobre as leis da mecânica aristotélica, que reinavam supremas até então, mas não ofereceram soluções próprias para os problemas (mais tarde Galileu faria isso) . A prática do uso da artilharia contribuiu para a formulação e solução de novos problemas científicos: Tartaglia no tratado Nova ciência considerou questões de balística. A teoria das alavancas e pesos foi estudada por Cardano. Leonardo da Vinci tornou-se o fundador da hidráulica. Sua pesquisa teórica esteve relacionada à construção de estruturas hidráulicas, obras de recuperação de terrenos, construção de canais e melhoria de eclusas. O médico inglês W. Gilbert iniciou o estudo dos fenômenos eletromagnéticos publicando um ensaio Sobre o ímã(1600), onde descreveu suas propriedades.

Uma atitude crítica em relação às autoridades e a confiança na experiência manifestaram-se claramente na medicina e na anatomia. Flamengo A. Vesalius em sua famosa obra Sobre o prédio corpo humano (1543) descreveu detalhadamente o corpo humano, baseando-se em suas numerosas observações ao dissecar cadáveres, criticando Galeno e outras autoridades. No início do século XVI. Junto com a alquimia surgiu a iatroquímica - a química medicinal, que desenvolveu novos medicamentos medicinais. Um de seus fundadores foi F. von Hohenheim (Paracelsus). Rejeitando as conquistas de seus antecessores, ele, de fato, não se afastou deles em teoria, mas como praticante introduziu uma série de novos medicamentos.

No século 16 Desenvolveram-se mineralogia, botânica e zoologia (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondelet, Belona), que no Renascimento estavam em fase de coleta de fatos. Um papel importante no desenvolvimento dessas ciências foi desempenhado por relatórios de pesquisadores de novos países, contendo descrições da flora e da fauna.

No século 15 A cartografia e a geografia desenvolveram-se ativamente, os erros de Ptolomeu foram corrigidos, com base em dados medievais e modernos. Em 1490, M. Beheim cria o primeiro globo. No final do século XV - início do século XVI. A busca dos europeus pela rota marítima entre a Índia e a China, os avanços na cartografia e geografia, na astronomia e na construção naval culminaram com a descoberta da costa da América Central por Colombo, que acreditava ter chegado à Índia (o continente chamado América apareceu pela primeira vez no reinado de Waldseemüller mapa em 1507). Em 1498, o português Vasco da Gama chegou à Índia, circunavegando a África. A ideia de chegar à Índia e à China pela rota ocidental foi concretizada pela expedição espanhola de Magalhães - El Cano (1519-1522), que circunavegou a América do Sul e fez a primeira viagem ao redor do mundo (a esfericidade da Terra foi comprovada na prática!). No século 16 Os europeus estavam confiantes de que “o mundo hoje está completamente aberto e todo o mundo raça humana"é conhecido." Grandes descobertas transformaram a geografia e estimularam o desenvolvimento da cartografia.

A ciência da Renascença teve pouco impacto nas forças produtivas que se desenvolveram ao longo do caminho da melhoria gradual da tradição. Ao mesmo tempo, os sucessos da astronomia, geografia e cartografia serviram como o pré-requisito mais importante para o Grande descobertas geográficas, que levou a mudanças fundamentais no comércio mundial, à expansão colonial e a uma revolução de preços na Europa. As conquistas da ciência durante o Renascimento tornaram-se uma condição necessária para a gênese da ciência clássica nos tempos modernos.

Dmitry Samotovinsky

Arte Renascentista

Renascimento- este é o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais plenamente expressou o espírito de sua época, foram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o facto de os artistas terem deixado de se contentar com o enquadramento do estilo “bizantino” dominante e, em busca de modelos para a sua criatividade, foram os primeiros a recorrer a para a antiguidade. O termo “Renascença” foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari (“Biografias de Pintores, Escultores e Arquitetos Famosos”). Foi assim que ele nomeou o período de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, foi uma época de renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece como uma imagem ideal.

Posteriormente, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento passou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o surgimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - renascimento) - uma das maiores épocas, ponto de inflexão no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os tempos modernos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu o seu nome - Renascença (ou Renascença) em conexão com o renascimento do interesse pela arte antiga. No entanto, os artistas desta época não apenas copiaram modelos antigos, mas também colocaram neles conteúdos qualitativamente novos. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou movimento artístico, pois nesta época existiram vários estilos, tendências e tendências artísticas. O ideal estético da Renascença foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais elevado: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da personalidade criativa aumentou especialmente.

Pathos humanístico da época a melhor maneira consubstanciado na arte, que, como nos séculos anteriores, pretendia fornecer uma imagem do universo. A novidade foi que eles tentaram combinar o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas deu-se preferência às artes plásticas e à arquitetura.

Pintura italiana do século XV. principalmente monumental (afrescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de “imitar a natureza”. Um novo sistema pictórico está sendo desenvolvido baseado no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume e sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. Descoberta e justificativa científica das leis de linear e perspectiva aérea influenciou significativamente o destino futuro da pintura europeia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, cujo fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, os princípios do antigo sistema de ordem são ressuscitados, a importância das proporções é elevada, novos tipos de edifícios são formados (palácio da cidade, vila de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são desenvolvidos . O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade imaginativa da arquitetura desconhecida pelos antigos. Durante a Alta Renascença, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI. chamada de Renascença tardia. Neste momento, uma crise envolve a arte. Torna-se regimentado, cortês e perde seu calor e naturalidade. No entanto, alguns grandes artistas - Ticiano, Tintoretto - continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve uma enorme influência na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte na Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascença do Norte. As obras dos pintores Jan van Eyck e P. Bruegel, o Velho, são o ápice deste período de desenvolvimento artístico. O maior artista da Alemanha Renascença Alemã foi A. Durer.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte europeia nos séculos subsequentes. O interesse por eles continua em nosso tempo.

O Renascimento na Itália passou por várias fases: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença se tornou o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O maior mestre do Proto-Renascimento foi o primeiro a criar pinturas em vez de ícones Gioto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação de espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto Capela del Arena em Pádua Você pode ver personagens muito inusitados ao lado dos santos: pastores ou fiandeiros. Cada pessoa em Giotto expressa experiências muito específicas, um caráter específico.

Na época início da Renascença na arte, o antigo patrimônio artístico está sendo dominado, novos ideais éticos estão sendo formados, os artistas estão se voltando para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início da Renascença é desempenhado por Florença. Nas imagens criadas por mestres como Donatello, Verrocchio, a estátua equestre do David do condottiere Gattamelata é dominada pelos princípios heróicos e patrióticos de Donatello ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

O fundador da pintura renascentista é Masaccio(pinturas da Capela Brancacci, “Trindade”), Masaccio soube transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com um único conceito composicional e deu expressividade retratista aos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, está associada aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

O trabalho do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espirituais e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “Nascimento de Vênus”). Um dos escritores da vida de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de. perda, evocando em nós um sentimento de tristeza indelével... Alguns perderam o céu, outros perderam a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

O ponto culminante no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano é Alta Renascença. Leonardo da Vinci é considerado o fundador da arte da Alta Renascença. grande artista e cientista.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras de A escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolve o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem para o observador com atenção e calma, graças ao sombreamento das órbitas oculares, pode-se pensar que estão ligeiramente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas perto dos cantos há sombras sutis que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir e falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso nos lábios dá a ideia da inconsistência de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida vibrante. Não foi à toa que Vasari pensou que uma veia pulsava no pescoço de Gioconda.

No retrato de Gioconda, Leonardo não só transmitiu perfeitamente o corpo e o envolvente ambiente aéreo. Ele também investiu nisso a compreensão do que o olho exige para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece como se as formas nascessem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando a dissonância tensa é resolvida por um acorde eufônico. . Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia figura forma algo inteiro, suas mãos postas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não poderia haver dúvida dos cachos fantasiosos da antiga “Anunciação”. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo de Mona Lisa está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre seu ombro encontra eco nos sinuosos suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo demonstra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Do ponto de vista da técnica de execução, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo utilizou a técnica “sfumato” que desenvolveu (do italiano “sfumato”, literalmente “desapareceu como fumaça”). A técnica é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve se transformar suavemente, os contornos dos objetos devem ser suavizados com a ajuda da névoa leve que os rodeia. A principal dificuldade desta técnica reside nos menores esfregaços (cerca de um quarto de milímetro), que não são reconhecíveis nem ao microscópio nem aos raios X. Assim, foram necessárias centenas de sessões para pintar a pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em aproximadamente 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para esse trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo que levou para trabalhar no retrato - quase 4 anos.

, "Última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador a um mundo de harmonia e visões majestosas, desenrola-se o antigo drama evangélico da confiança traída. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido à personagem principal - um marido de rosto triste que aceita o que se passa como inevitável. Cristo acabou de dizer aos seus discípulos: “Um de vocês me trairá”. O traidor senta-se com outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo revelava seu isolamento sombrio de maneira muito mais convincente, envolvendo suas feições nas sombras. Cristo está submisso ao seu destino, cheio da consciência do sacrifício da sua façanha. Sua cabeça baixa com olhos baixos e o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma linda paisagem se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo o redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma parecem eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele procurou fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas foi ele quem N. Berdyaev considera responsável pelo vindouro processo de mecanização. e a mecanização da vida humana, que separou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens friamente distantes das Madonas da Úmbria (“Madonna Conestabile”) para o mundo do “Cristianismo feliz” das obras florentinas e romanas. “Madonna e o Pintassilgo” e “Madonna na Poltrona” são suaves, humanos e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da “Madona Sistina” é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Rafael é conhecido como o criador de imagens suaves de Madonas. Mas na pintura ele incorporou tanto o ideal do homem universal da Renascença (retrato de Castiglione) quanto o drama dos acontecimentos históricos. “A Madona Sistina” (c. 1513, Dresden, Galeria de Imagens) é uma das obras mais inspiradas do artista. Pintado como imagem de altar para a igreja do mosteiro de S. Sixta em Piacenza, esta pintura em conceito, composição e interpretação da imagem é significativamente diferente das “Madonas” Período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela observando condescendentemente as diversões de duas crianças, aqui vemos uma visão maravilhosa aparecendo de repente nos céus por trás de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um brilho dourado, a solene e majestosa Maria caminha pelas nuvens, segurando o menino Cristo à sua frente. À esquerda e à direita, St. ajoelha-se diante dela. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à “Madona Sistina” uma grandeza especial.

Nesta pintura, Rafael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu aliar a veracidade vital da imagem com os traços da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e heróica prontidão para o sacrifício. Este heroísmo liga a imagem de Nossa Senhora às melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta imagem nos faz relembrar as famosas palavras de Rafael em uma carta ao amigo B. Castiglione. “E vou te dizer”, escreveu Rafael, “que para pintar uma beleza preciso ver muitas belezas... mas pela falta... de mulheres bonitas, estou usando uma ideia que me vem à cabeça. Não sei se tem alguma perfeição, mas me esforço muito para alcançá-la.” Estas palavras esclarecem método criativo artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ele ao mesmo tempo se esforça para elevar a imagem acima de tudo que é aleatório e transitório.

Miguel Ângelo(1475-1564) é sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, juntamente com Leonardo Da Vinci, a figura mais poderosa da Alta Renascença italiana. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência nos seus contemporâneos e na subsequente arte ocidental em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura, e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua vida adulta em Roma, trabalhando por ordem dos papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo fez uma escultura em mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra no seu local original - a Basílica de São Pedro. Esta é uma das obras mais famosas da história da arte mundial. A Pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos. Esta é a única obra que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto ajoelhado, imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Este é o ponto alto da obra do jovem Michelangelo.

Não menos significativa obra do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m). Davi(Accademia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. Herói Antigo Testamento Michelangelo é retratado como um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem terá que lutar. A expressão viva e intensa no rosto de David é característica de muitas das obras de Michelangelo - este é um sinal de seu estilo escultural individual. David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocada na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a Câmara Municipal de Florença. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintando a abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em um andaime alto logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para alguns contos bíblicos entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo completou um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou figuras de assistentes em diversas poses. Estas imagens majestosas e poderosas demonstram a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humanos, o que deu impulso a um novo movimento na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, O prisioneiro algemado e a morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras ficam simplesmente encerradas em um bloco de mármore, e a tarefa do artista é libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou esculturas inacabadas - seja porque se tornaram desnecessárias, ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto do túmulo de Júlio II exigiu elaboração arquitetônica, mas o trabalho sério de Michelangelo na área arquitetônica começou apenas em 1519, quando foi contratado para a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, para onde o artista retornou. novamente (este projeto nunca foi realizado). Na década de 1520 projetou também o elegante hall de entrada da Biblioteca, adjacente à Igreja de San Lorenzo. Estas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou na guerra contra os Medici em 1527-29. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução de fortificações em Florença.

Capelas Médici. Tendo vivido bastante tempo em Florença, Michelangelo executou, entre 1519 e 1534, uma encomenda da família Médici para a construção de dois túmulos na nova sacristia da Igreja de San Lorenzo. Num salão com alta abóbada abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De' Medici, duque de Urbino e a Giuliano De' Medici, duque de Nemours. As duas sepulturas complexas foram concebidas como representação de tipos opostos: Lorenzo - uma pessoa fechada em si mesmo, uma pessoa pensativa e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo e aberto. O escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite sobre o túmulo de Lorenzo, e alegorias do Dia e da Noite sobre o túmulo de Giuliano. O trabalho nos túmulos dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Último Julgamento

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo em sua mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo para o de Dante. inferno (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente a sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois um artista puritano as “vestiu” à medida que o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto pode ser facilmente visto na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante este período Michelangelo tenha recebido outras encomendas de pintura, como a pintura da Capela de São Paulo Apóstolo (1940), antes de mais nada procurou dedicar toda a sua energia à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da construção da Basílica de São Pedro no Vaticano. O edifício foi construído de acordo com os planos de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou por ser o responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da engenharia e do desenho artístico da cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo De' Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, bem como de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender claramente por meio de suas obras - elas são tão diversas. Somente na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo abordou com mais frequência e profundidade as questões da criatividade e de seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dedicado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes daquela época. poetas famosos Renascentista Ludovico Ariosto escreveu um epitáfio para este artista famoso: “Michele é mais que mortal, ele é um anjo divino.”

Sua terra natal era Itália, que no final da Idade Média deu origem à cultura mais desenvolvida da Europa.

Pela sua localização, a Itália foi herdeira direta da antiga cultura romana, cujo impacto se fez sentir ao longo da sua história. Desde a Antiguidade, sua vida espiritual também foi influenciada por Cultura grega, especialmente após a queda de Constantinopla em 1453, quando as pessoas se mudaram para a Itália um grande número de Cientistas bizantinos.

Contudo, o Renascimento não se reduziu à simples cópia de tradições antigas; foi um fenômeno mais complexo e profundo da história mundial, novo em sua escala e visão de mundo. A cultura refinada e complexa da Idade Média desempenhou um papel não menos importante na sua origem do que a cultura tempos antigos Portanto, em muitos aspectos, o Renascimento foi uma continuação direta da Idade Média.

A Itália permaneceu politicamente fragmentada em vários Estados concorrentes, mas economicamente muitos deles eram os mais países desenvolvidos Europa. Durante muito tempo, os estados italianos ocuparam posições de liderança no comércio entre o Oriente e o Ocidente. Está nas cidades Norte da Itália Novas formas de produção industrial e bancária, atividade política e arte diplomática estavam surgindo. Alto nível desenvolvimento económico, por um lado, e ricos vida intelectual- por outro lado, transformaram essas cidades em centros de formação de uma nova Cultura europeia. italiano cultura urbana tornou-se o terreno fértil no qual os pré-requisitos da Renascença poderiam se tornar realidade.

A primeira capital do Renascimento italiano foi principal cidade Toscana Florença, onde se desenvolveu uma combinação única de circunstâncias que contribuíram para o rápido crescimento da cultura. No auge da Renascença, o centro da arte renascentista mudou-se para Roma. Os Papas Júlio II e Leão X fizeram então grandes esforços para restaurar a antiga glória Cidade Eterna, graças ao qual se tornou verdadeiramente um centro da arte mundial. O terceiro maior centro do Renascimento italiano foi Veneza, onde a arte renascentista adquiriu um colorido único, determinado pelas características locais.

arte

Uma das figuras mais proeminentes do Renascimento italiano foi Leonardo da Vinci(1452-1519). Ele combinou muitos talentos - pintor, escultor, arquiteto, engenheiro, pensador original. Sua pintura representa um dos ápices do desenvolvimento da arte mundial. Com suas observações experimentais, o grande Leonardo enriqueceu quase todas as áreas da ciência de sua época.

Um artista igualmente grande competiu com o gênio de Leonardo da Vinci Miguel Ângelo(1475-1564), que também se destacou pela diversidade de talentos. Michelangelo tornou-se famoso como escultor e arquiteto, pintor e poeta. Os afrescos da Capela Sistina do Vaticano, onde Michelangelo pintou 600 metros quadrados, trouxeram-lhe fama eterna. m cenas do Antigo Testamento. De acordo com seu projeto, foi construída a grandiosa cúpula da Catedral de São Pedro, que até hoje não foi superada nem em tamanho nem em grandiosidade. A aparência arquitetônica de todo o centro histórico de Roma ainda está intimamente ligada ao nome de Michelangelo.

Um papel especial no desenvolvimento da pintura renascentista pertenceu a Sandro Botticelli(1445-1510). Ele entrou para a história da cultura mundial como criador de imagens sutis e espiritualizadas, combinando a sublimidade da pintura medieval tardia com muita atenção à personalidade humana, que caracterizou os tempos modernos.

O auge da arte italiana daquela época é a criatividade Rafael(1483-1520). Em suas obras, os cânones pictóricos da Alta Renascença atingiram o seu apogeu.

A escola veneziana de pintura também ocupa um lugar de destaque na história da arte renascentista, cujo representante mais destacado é Ticiano(1470/80 - 1576). Ticiano trouxe à perfeição tudo o que aprendeu com seus antecessores, e o estilo livre de pintura que ele criou teve uma grande influência no desenvolvimento subsequente da pintura mundial. Matéria do site

Arquitetura

A arquitetura também experimentou uma verdadeira revolução durante o Renascimento. O aprimoramento da tecnologia construtiva permitiu aos mestres do Renascimento resolver problemas arquitetônicos inacessíveis aos arquitetos de épocas anteriores. Os fundadores do novo estilo arquitetônico tornar-se mestres excepcionais Florença em primeiro lugar F. Brunelleschi, que criou a cúpula monumental da Catedral de Santa Maria del Fiore. Mas o tipo principal estrutura arquitetônica Durante este período, já não é um edifício de igreja, mas sim secular - palácio(castelo). O estilo renascentista na arquitetura é caracterizado pela monumentalidade e enfatiza a simplicidade das fachadas e a conveniência dos interiores espaçosos.

Século XIV-XV. Uma nova e turbulenta era começa nos países europeus - o Renascimento (Renascimento - do Renascimento Francês). O início da era está associado à libertação do homem da servidão feudal, ao desenvolvimento das ciências, das artes e dos ofícios.

O Renascimento começou na Itália e continuou seu desenvolvimento em países Norte da Europa: França, Inglaterra, Alemanha, Holanda, Espanha e Portugal. Renascença tardia remonta a meados dos anos 16-90 do século XVI.

A influência da Igreja na vida da sociedade enfraqueceu, o interesse pela antiguidade está a ser reavivado com a sua atenção ao indivíduo, à sua liberdade e às oportunidades de desenvolvimento. A invenção da impressão contribuiu para a difusão da alfabetização entre a população, o crescimento da educação, o desenvolvimento das ciências e das artes, incluindo ficção. A burguesia não ficou satisfeita com a visão de mundo religiosa que dominou a Idade Média, mas criou uma nova ciência secular baseada no estudo da natureza e na herança de escritores antigos. Assim começou o “renascimento” da ciência e filosofia antigas (gregas e romanas antigas). Os cientistas começaram a procurar e estudar monumentos literários antigos armazenados em bibliotecas.

Surgiram escritores e artistas que ousaram falar contra a igreja. Eles estavam convencidos: o mais grande valor representa o homem na terra, e todos os seus interesses devem estar voltados para a vida terrena, para vivê-la de forma plena, feliz e significativa. Essas pessoas que dedicaram sua arte às pessoas passaram a ser chamadas de humanistas.

A literatura renascentista é caracterizada por ideais humanísticos. Esta época está associada ao surgimento de novos géneros e à formação do realismo inicial, denominado “realismo renascentista” (ou Renascimento), em contraste com as fases posteriores, educativas, críticas, socialistas. As obras do Renascimento dão-nos uma resposta à questão da complexidade e importância do enunciado personalidade humana, seu começo criativo e eficaz.

A literatura renascentista é caracterizada por vários gêneros. Mas certo formas literárias prevaleceu. Giovanni Boccaccio torna-se o legislador de um novo gênero - o conto, que é chamado de conto renascentista. Este gênero nasceu do sentimento de admiração pela inesgotabilidade do mundo e pela imprevisibilidade do homem e de suas ações, característica do Renascimento.

Na poesia, o soneto (estrofe de 14 versos com rima específica) torna-se a forma mais característica. Grande desenvolvimento recebe dramaturgia. Os dramaturgos mais proeminentes da Renascença são Lope de Vega na Espanha e Shakespeare na Inglaterra.

O jornalismo é difundido e prosa filosófica. Na Itália, Giordano Bruno denuncia a igreja em suas obras e cria seus próprios novos conceitos filosóficos. Na Inglaterra, Thomas More expressa as ideias do comunismo utópico em seu livro Utopia. Autores como Michel de Montaigne ("Experimentos") e Erasmo de Rotterdam ("Em Elogio da Estupidez") também são amplamente conhecidos.

Entre os escritores da época estavam cabeças coroadas. O duque Lorenzo de' Medici escreve poesia, e Margarida de Navarra, irmã do rei Francisco I da França, é conhecida como autora da coleção "Heptameron".

EM belas-Artes Durante o Renascimento, o homem apareceu como a mais bela criação da natureza, forte e perfeito, raivoso e gentil, atencioso e alegre.

O mundo do homem renascentista é representado de forma mais vívida na Capela Sistina do Vaticano, pintada por Michelangelo. Histórias da Bíblia formam a abóbada da capela. Seu principal motivo é a criação do mundo e do homem. Esses afrescos estão cheios de grandeza e ternura. Na parede do altar há um afresco "O Juízo Final", criado em 1537-1541. Aqui Michelangelo não vê no homem a “coroa da criação”, mas Cristo é apresentado como irado e punitivo. O teto e a parede do altar da Capela Sistina representam um choque de possibilidade e realidade, a sublimidade do plano e a tragédia da sua implementação. “O Juízo Final” é considerada a obra que completou o Renascimento na arte.