Renascimento(Renascimento)

Renascença (Renascença), uma era de florescimento intelectual e artístico que começou na Itália no século XIV, culminando no século XVI e tendo um impacto significativo na Cultura europeia. O termo "Renascimento", que significava um retorno aos valores do mundo antigo (embora o interesse pelos clássicos romanos surgisse no século XII), surgiu no século XV e recebeu justificativa teórica no século XVI nas obras de Vasari , dedicado ao trabalho de artistas, escultores e arquitetos famosos. Nessa época, formou-se uma ideia sobre a harmonia que reina na natureza e sobre o homem como a coroa de sua criação.

Entre os destacados representantes desta época está o artista Alberti;

Os pintores renascentistas criaram um conceito coerente de mundo com unidade interna e preencheram temas religiosos tradicionais com conteúdo terreno (Nicola Pisano, final do século XIV; Donatello, início do século XV). A representação realista do homem tornou-se o principal objetivo dos artistas do início da Renascença, como evidenciado pelas obras de Giotto e Masaccio. A invenção de uma forma de transmitir perspectiva contribuiu para uma reflexão mais verdadeira da realidade. Um dos principais temas das pinturas renascentistas (Gilbert, Michelangelo) foi a trágica irreconciliabilidade dos conflitos, a luta e a morte do herói.

Por volta de 1425, Florença tornou-se o centro da Renascença (arte florentina), mas no início do século XVI ( Alta Renascença) o lugar de liderança foi ocupado por Veneza (arte veneziana) e Roma. Os centros culturais foram as cortes dos duques de Mântua, Urbino e Ferrada. Os principais patronos das artes foram os Médici e os papas, especialmente Júlio II e Leão X. Os maiores representantes "renascimento do norte“Havia Dürer, Cranach, o Velho, Holbein. Os artistas do Norte imitavam principalmente os melhores modelos italianos, e apenas alguns, por exemplo Jan van Scorel, conseguiram criar um estilo próprio, que se distinguia pela elegância e graça especiais, mais tarde denominado maneirismo .

Artistas da Renascença:

Pinturas famosas de artistas renascentistas

Monalisa

Conteúdo do artigo

RENASCIMENTO, um período da história cultural da Europa Ocidental e Central dos séculos XIV a XVI, cujo conteúdo principal foi a formação de uma nova imagem do mundo, “terrena”, inerentemente secular, radicalmente diferente da medieval. Nova foto o mundo encontrou expressão no humanismo, principal corrente ideológica da época, e na filosofia natural, manifestada na arte e na ciência, que passaram por mudanças revolucionárias. Material de construção Para edifício original nova cultura serviu como a antiguidade, que foi voltada para a Idade Média e que, por assim dizer, “renasceu” para uma nova vida - daí o nome da época - “Renascença”, ou “Renascença” (em Maneira francesa), dado a ela posteriormente. Nasceu na Itália, a nova cultura no final do século XV. passa pelos Alpes, onde, como resultado da síntese do italiano e do local tradições nacionais Nasce a cultura da Renascença do Norte. Durante o Renascimento, a nova cultura renascentista coexistiu com a cultura final da Idade Média, o que é especialmente típico dos países localizados ao norte da Itália.

Arte.

Com o teocentrismo e o ascetismo da imagem medieval do mundo, a arte na Idade Média serviu principalmente à religião, transmitindo o mundo e o homem na sua relação com Deus, em formas convencionais, e concentrou-se no espaço do templo. Nem o mundo visível nem o homem poderiam ser objetos de arte valiosos por si só. No século 13 V cultura medieval observam-se novas tendências (o ensinamento alegre de São Francisco, a obra de Dante, precursor do humanismo). Na segunda metade do século XIII. marca o início de uma era de transição no desenvolvimento da arte italiana - o Proto-Renascimento (durou até o início do século XV), que preparou o caminho para o Renascimento. A obra de alguns artistas desta época (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini, etc.), bastante medieval na iconografia, está imbuída de um início mais alegre e secular, as figuras adquirem volume relativo. Na escultura, supera-se a etereidade gótica das figuras, reduz-se a emotividade gótica (N. Pisano). Pela primeira vez, uma ruptura clara com as tradições medievais surgiu no final do século XIII - primeiro terço do século XIV. nos afrescos de Giotto di Bondone, que introduziu na pintura uma sensação de espaço tridimensional, pintou figuras mais volumosas, prestou mais atenção ao cenário e, o mais importante, mostrou um realismo especial, alheio ao gótico exaltado, na representação humana experiências.

No solo cultivado pelos mestres do Proto-Renascimento, surgiram Renascença italiana, que passou por diversas fases em sua evolução (Early, High, Late). Associada a uma nova visão de mundo, essencialmente secular, expressa pelos humanistas, perde a sua ligação inextricável com a pintura e a estátua espalhadas para além do templo; Com a ajuda da pintura, o artista dominou o mundo e o homem tal como apareciam aos olhos, utilizando um novo método artístico(transferência do espaço tridimensional através da perspectiva (linear, aérea, colorida), criando a ilusão de volume plástico, mantendo a proporcionalidade das figuras). Interesse pela personalidade traços individuais aliada à idealização do homem, a busca pela “beleza perfeita”. Os temas da história sagrada não deixaram a arte, mas a partir de agora a sua representação esteve indissociavelmente ligada à tarefa de dominar o mundo e encarnar o ideal terreno (daí as semelhanças entre Baco e João Baptista de Leonardo, Vénus e a Mãe de Deus de Botticelli). A arquitetura renascentista perde a aspiração gótica ao céu e ganha equilíbrio e proporcionalidade “clássica”, proporcionalidade ao corpo humano. O antigo sistema de ordem está sendo revivido, mas os elementos da ordem não eram partes da estrutura, mas sim uma decoração que adornava tanto os edifícios tradicionais (templo, palácio das autoridades) quanto os novos tipos (palácio da cidade, vila de campo).

O fundador do início do Renascimento é considerado o pintor florentino Masaccio, que retomou a tradição de Giotto, alcançou uma tangibilidade quase escultural das figuras, utilizou os princípios da perspectiva linear e afastou-se das convenções de representação da situação. Maior desenvolvimento da pintura no século XV. frequentou escolas em Florença, Úmbria, Pádua, Veneza (F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli e muitos outros). No século 15 A escultura renascentista nasce e se desenvolve (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio e outros, Donatello foi o primeiro a criar uma estátua redonda autônoma não relacionada à arquitetura, o primeiro a retratar um nu corpo com expressão de sensualidade) e arquitetura (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, etc.). Mestres do século 15 (principalmente L.B. Alberti, P. della Francesco) criou a teoria artes plásticas e arquitetura.

O Renascimento do Norte foi preparado pelo surgimento nas décadas de 1420-1430, baseado no gótico tardio (não sem a influência indireta da tradição giotiana), de um novo estilo de pintura, a chamada “ars nova” - “nova arte” (Termo de E. Panofsky). A sua base espiritual, segundo os investigadores, era, em primeiro lugar, a chamada “Nova Piedade” dos místicos do norte do século XV, que pressupunha um individualismo específico e uma aceitação panteísta do mundo. As origens do novo estilo foram os pintores holandeses Jan van Eyck, que também aprimorou tintas a óleo, e o Mestre de Flemall, seguido por G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans, I. Bosch e outros (meados - segunda metade do século XV). A nova pintura holandesa recebeu ampla repercussão na Europa: os primeiros exemplos apareceram já nas décadas de 1430-1450 nova pintura na Alemanha (L. Moser, G. Mulcher, especialmente K. Witz), na França (Mestre da Anunciação de Aix e, claro, J. Fouquet). O novo estilo caracterizou-se por um realismo especial: a transferência do espaço tridimensional através da perspectiva (embora, via de regra, aproximadamente), o desejo de volume. A “arte nova”, profundamente religiosa, interessava-se pelas experiências individuais, pelo caráter de uma pessoa, valorizando nela, antes de tudo, a humildade e a piedade. Sua estética é alheia ao pathos italiano do perfeito no homem, à paixão pelas formas clássicas (os rostos dos personagens não são perfeitamente proporcionais, são góticos angulares). A natureza e a vida cotidiana eram retratadas com especial amor e detalhes; as coisas cuidadosamente pintadas tinham, via de regra, um significado religioso e simbólico.

Na verdade, a arte da Renascença do Norte nasceu na virada dos séculos XV para XVI. como resultado da interação das tradições artísticas e espirituais nacionais dos países transalpinos com a arte renascentista e o humanismo da Itália, com o desenvolvimento do humanismo do norte. O primeiro artista do tipo renascentista pode ser considerado o notável mestre alemão A. Durer, que involuntariamente, porém, manteve a espiritualidade gótica. Uma ruptura completa com o gótico foi alcançada por G. Holbein, o Jovem, com sua “objetividade” de estilo de pintura. A pintura de M. Grunewald, ao contrário, estava imbuída de exaltação religiosa. A Renascença Alemã foi obra de uma geração de artistas e fracassou na década de 1540. Na Holanda, no primeiro terço do século XVI. As correntes orientadas para o Alto Renascimento e o Maneirismo da Itália começaram a se espalhar (J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley, etc.). O mais interessante sobre Pintura holandesa século 16 - este é o desenvolvimento dos gêneros de pintura de cavalete, cotidiana e paisagística (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky). O artista mais original nacionalmente das décadas de 1550 a 1560 foi P. Bruegel, o Velho, que possuía pinturas da vida cotidiana e gêneros paisagísticos, bem como pinturas de parábolas, geralmente associadas ao folclore e a uma visão amargamente irônica da vida do próprio artista. O Renascimento na Holanda termina na década de 1560. Renascença Francesa, de natureza inteiramente cortês (na Holanda e na Alemanha, a arte estava mais associada aos burgueses) foi talvez a mais clássica da Renascença do Norte. A nova arte renascentista, ganhando força gradativamente sob a influência da Itália, atingiu a maturidade em meados da segunda metade do século na obra dos arquitetos P. Lescot, criador do Louvre, F. Delorme, escultores J. Goujon e J. . Pilon, pintores F. Clouet, J. Primo Sênior. Grande influência os pintores e escultores acima mencionados foram influenciados pela “escola de Fontainebleau”, fundada na França Artistas italianos Rosso e Primaticcio, que trabalharam no estilo maneirista, mas os mestres franceses não se tornaram maneiristas, tendo aceitado o ideal clássico escondido sob a roupagem maneirista. O Renascimento na arte francesa termina na década de 1580. Na segunda metade do século XVI. Arte renascentista da Itália e outros Países europeus gradualmente dá lugar ao maneirismo e ao barroco inicial.

Ciência.

A condição mais importante para a escala e as conquistas revolucionárias da ciência renascentista foi uma visão de mundo humanista, na qual a atividade de explorar o mundo era entendida como um componente do destino terreno do homem. A isto devemos acrescentar o renascimento da ciência antiga. As necessidades de navegação, o uso de artilharia, a criação de estruturas hidráulicas, etc. desempenharam um papel significativo no desenvolvimento. Espalhando conhecimento científico, a troca deles entre cientistas teria sido impossível sem a invenção da impressão ca. 1445.

As primeiras conquistas no campo da matemática e da astronomia datam de meados do século XV. e estão amplamente associados aos nomes de G. Peyerbach (Purbach) e I. Muller (Regiomontanus). Müller criou novas tabelas astronômicas mais avançadas (substituindo as tabelas alfonsianas do século XIII) - “Efemérides” (publicadas em 1492), que foram utilizadas por Colombo, Vasco da Gama e outros navegadores em suas viagens. Uma contribuição significativa para o desenvolvimento da álgebra e da geometria foi feita pelo matemático italiano da virada do século L. Pacioli. No século 16 Os italianos N. Tartaglia e G. Cardano descobriram novas formas de resolver equações de terceiro e quarto graus.

O evento científico mais importante do século XVI. foi a revolução copernicana na astronomia. O astrônomo polonês Nicolau Copérnico em seu tratado Sobre a revolução das esferas celestes(1543) rejeitou a imagem geocêntrica dominante ptolomaico-aristotélica do mundo e não apenas postulou a rotação corpos celestes em torno do Sol, e a Terra ainda em torno de seu eixo, mas também mostrada em detalhes pela primeira vez (o geocentrismo como suposição nasceu em Grécia Antiga), como, com base em tal sistema, se pode explicar – muito melhor do que antes – todos os dados das observações astronômicas. No século 16 o novo sistema mundial, em geral, não recebeu apoio da comunidade científica. Apenas Galileu forneceu provas convincentes da veracidade da teoria de Copérnico.

Com base na experiência, alguns cientistas do século XVI (entre eles Leonardo, B. Varchi) expressaram dúvidas sobre as leis da mecânica aristotélica, que reinavam supremas até então, mas não ofereceram soluções próprias para os problemas (mais tarde Galileu faria isso) . A prática do uso da artilharia contribuiu para a formulação e solução de novos problemas científicos: Tartaglia no tratado Nova ciência considerou questões de balística. A teoria das alavancas e pesos foi estudada por Cardano. Leonardo da Vinci tornou-se o fundador da hidráulica. Sua pesquisa teórica esteve relacionada à construção de estruturas hidráulicas, obras de recuperação de terrenos, construção de canais e melhoria de eclusas. O médico inglês W. Gilbert iniciou o estudo dos fenômenos eletromagnéticos publicando um ensaio Sobre o ímã(1600), onde descreveu suas propriedades.

Uma atitude crítica em relação às autoridades e a confiança na experiência manifestaram-se claramente na medicina e na anatomia. Flamengo A. Vesalius em sua famosa obra Sobre o prédio corpo humano (1543) descreveu detalhadamente o corpo humano, baseando-se em suas numerosas observações ao dissecar cadáveres, criticando Galeno e outras autoridades. No início do século XVI. Junto com a alquimia surgiu a iatroquímica - a química medicinal, que desenvolveu novos medicamentos medicinais. Um de seus fundadores foi F. von Hohenheim (Paracelsus). Rejeitando as conquistas de seus antecessores, ele, de fato, não se afastou deles em teoria, mas como praticante introduziu uma série de novos medicamentos.

No século 16 Desenvolveram-se mineralogia, botânica e zoologia (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondelet, Belona), que no Renascimento estavam em fase de coleta de fatos. Um papel importante no desenvolvimento dessas ciências foi desempenhado por relatórios de pesquisadores de novos países, contendo descrições da flora e da fauna.

No século 15 A cartografia e a geografia desenvolveram-se ativamente, os erros de Ptolomeu foram corrigidos, com base em dados medievais e modernos. Em 1490, M. Beheim cria o primeiro globo. No final do século XV - início do século XVI. A busca dos europeus pela rota marítima entre a Índia e a China, os avanços na cartografia e geografia, na astronomia e na construção naval culminaram com a descoberta da costa da América Central por Colombo, que acreditava ter chegado à Índia (o continente chamado América apareceu pela primeira vez no reinado de Waldseemüller mapa em 1507). Em 1498, o português Vasco da Gama chegou à Índia, circunavegando a África. A ideia de chegar à Índia e à China pela rota ocidental foi concretizada pela expedição espanhola de Magalhães - El Cano (1519-1522), que circunavegou a América do Sul e fez a primeira viagem ao redor do mundo (a esfericidade da Terra foi comprovada na prática!). No século 16 Os europeus estavam confiantes de que “o mundo hoje está completamente aberto e todo o mundo raça humana conhecido." Grandes descobertas transformaram a geografia e estimularam o desenvolvimento da cartografia.

A ciência da Renascença teve pouco impacto nas forças produtivas que se desenvolveram ao longo do caminho da melhoria gradual da tradição. Ao mesmo tempo, os sucessos da astronomia, geografia e cartografia serviram como o pré-requisito mais importante para o Grande descobertas geográficas, que levou a mudanças fundamentais no comércio mundial, à expansão colonial e a uma revolução de preços na Europa. As conquistas da ciência durante o Renascimento tornaram-se uma condição necessária para a gênese da ciência clássica nos tempos modernos.

Dmitry Samotovinsky

Arte Renascentista

Renascimento- este é o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais plenamente expressou o espírito de sua época, foram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o facto de os artistas terem deixado de se contentar com o enquadramento do estilo “bizantino” dominante e, em busca de modelos para a sua criatividade, foram os primeiros a recorrer a para a antiguidade. O termo “Renascença” foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari (“Biografias de Pintores, Escultores e Arquitetos Famosos”). Foi assim que ele nomeou o período de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, foi uma época de renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade surge como uma imagem ideal.

Posteriormente, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento passou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o surgimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições igreja católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - renascimento) - uma das maiores épocas, ponto de viragem no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os tempos modernos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu o seu nome - Renascença (ou Renascença) em conexão com o renascimento do interesse por arte antiga. No entanto, os artistas desta época não apenas copiaram modelos antigos, mas também colocaram neles conteúdos qualitativamente novos. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou movimento artístico, pois nesta época existiram vários estilos, tendências e tendências artísticas. O ideal estético da Renascença foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais elevado: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da personalidade criativa aumentou especialmente.

Pathos humanístico da época da melhor maneira possível consubstanciado na arte, que, como nos séculos anteriores, pretendia fornecer uma imagem do universo. A novidade foi que eles tentaram combinar o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas deu-se preferência às artes plásticas e à arquitetura.

Pintura italiana do século XV. principalmente monumental (afrescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de “imitar a natureza”. Um novo sistema pictórico está sendo desenvolvido baseado no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume e sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. A descoberta e a justificação científica das leis da perspectiva linear e aérea influenciaram significativamente o destino futuro da pintura europeia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, cujo fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, os princípios do antigo sistema de ordem são ressuscitados, a importância das proporções é elevada, novos tipos de edifícios são formados (palácio da cidade, vila de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são desenvolvidos . O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade imaginativa da arquitetura desconhecida pelos antigos. Durante a Alta Renascença, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI. chamado final da Renascença. Neste momento, uma crise envolve a arte. Torna-se regimentado, cortês e perde seu calor e naturalidade. No entanto, alguns grandes artistas - Ticiano, Tintoretto - continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve uma enorme influência na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte na Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascença do Norte. As obras dos pintores Jan van Eyck e P. Bruegel, o Velho, são o ápice deste período de desenvolvimento artístico. Na Alemanha, o maior artista do Renascimento alemão foi A. Durer.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte europeia nos séculos subsequentes. O interesse por eles continua em nosso tempo.

O Renascimento na Itália passou por várias fases: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença se tornou o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O primeiro a criar pinturas em vez de ícones maior mestre Proto-Renascença Gioto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação de espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto Capela del Arena em Pádua Você pode ver personagens muito inusitados ao lado dos santos: pastores ou fiandeiros. Cada pessoa em Giotto expressa experiências muito específicas, um caráter específico.

Na época início da Renascença na arte, o antigo patrimônio artístico está sendo dominado, novos ideais éticos estão sendo formados, os artistas estão se voltando para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início da Renascença é desempenhado por Florença. As imagens criadas por mestres como Donatello e Verrocchio são dominadas pela estátua equestre do condottiere Gattamelata David "os princípios heróicos e patrióticos de Donatello ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

O fundador da pintura renascentista é Masaccio(pinturas da Capela Brancacci, “Trindade”), Masaccio soube transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com um único conceito composicional e deu expressividade retratista aos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, está associada aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

O trabalho do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espirituais e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “Nascimento de Vênus”). Um dos escritores da vida de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de. perda, evocando em nós um sentimento de tristeza indelével... Alguns perderam o céu, outros perderam a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

O ponto culminante no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano é Alta Renascença. Leonardo da Vinci é considerado o fundador da arte da Alta Renascença. grande artista e cientista.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras de A escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolvia o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem para o observador com atenção e calma, graças ao sombreamento das órbitas oculares, pode-se pensar que estão ligeiramente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas perto dos cantos há sombras sutis que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir e falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso nos lábios dá a ideia da inconsistência de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida vibrante. Não foi à toa que Vasari pensou que uma veia pulsava no pescoço de Gioconda.

No retrato de Gioconda, Leonardo não só transmitiu perfeitamente o corpo e o envolvente ambiente aéreo. Ele também investiu nisso a compreensão do que o olho exige para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece como se as formas nascessem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando a dissonância tensa é resolvida por um acorde eufônico. . Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia figura forma algo inteiro, suas mãos postas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não poderia haver dúvida dos cachos fantasiosos da antiga “Anunciação”. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo de Mona Lisa está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre seu ombro encontra eco nos sinuosos suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo demonstra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Do ponto de vista da técnica de execução, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo utilizou a técnica “sfumato” que desenvolveu (do italiano “sfumato”, literalmente “desapareceu como fumaça”). A técnica é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve se transformar suavemente, os contornos dos objetos devem ser suavizados com a ajuda da névoa leve que os rodeia. A principal dificuldade desta técnica reside nos menores esfregaços (cerca de um quarto de milímetro), que não são reconhecíveis nem ao microscópio nem aos raios X. Assim, foram necessárias centenas de sessões para pintar a pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em aproximadamente 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para esse trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo que levou para completar o retrato – quase 4 anos.

, "Última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador a um mundo de harmonia e visões majestosas, o antigo drama evangélico da confiança traída se desenrola. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido à personagem principal - um marido de rosto triste que aceita o que se passa como inevitável. Cristo acabou de dizer aos seus discípulos: “Um de vocês me trairá”. O traidor senta-se com outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo trazia à tona seu isolamento sombrio de maneira muito mais convincente, envolvendo suas feições em sombras. Cristo está submisso ao seu destino, cheio da consciência do sacrifício da sua façanha. Sua cabeça baixa com olhos baixos e o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma linda paisagem se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo o redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma parecem eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele procurou fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas foi ele quem N. Berdyaev considera responsável pelo vindouro processo de mecanização. e a mecanização da vida humana, que separou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens friamente distantes das Madonas da Úmbria (“Madonna Conestabile”) para o mundo do “Cristianismo feliz” das obras florentinas e romanas. “Madonna e o Pintassilgo” e “Madonna na Poltrona” são suaves, humanos e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da “Madona Sistina” é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Rafael é conhecido como o criador de imagens ternas de Madonas. Mas na pintura ele incorporou tanto o ideal do homem universal da Renascença (retrato de Castiglione) quanto o drama dos acontecimentos históricos. “A Madona Sistina” (c. 1513, Dresden, Galeria de Imagens) é uma das obras mais inspiradas do artista. Pintado como imagem de altar para a igreja do mosteiro de S. Sixta em Piacenza, esta pintura em conceito, composição e interpretação da imagem difere significativamente das “Madonas” do período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela observando condescendentemente as diversões de duas crianças, aqui vemos uma visão maravilhosa aparecendo de repente nos céus por trás de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um brilho dourado, a solene e majestosa Maria caminha pelas nuvens, segurando o menino Cristo à sua frente. À esquerda e à direita, St. ajoelha-se diante dela. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à “Madona Sistina” uma grandeza especial.

Nesta pintura, Rafael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu aliar a veracidade vital da imagem com os traços da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e heróica prontidão para o sacrifício. Este heroísmo liga a imagem de Nossa Senhora às melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta imagem nos faz relembrar as famosas palavras de Rafael em uma carta ao amigo B. Castiglione. “E vou te dizer”, escreveu Rafael, “que para pintar uma beleza preciso ver muitas belezas... mas pela falta... de mulheres bonitas, estou usando uma ideia que me vem à cabeça. Não sei se tem alguma perfeição, mas me esforço muito para alcançá-la.” Estas palavras esclarecem método criativo artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ele ao mesmo tempo se esforça para elevar a imagem acima de tudo que é aleatório e transitório.

Miguel Ângelo(1475-1564) é sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, juntamente com Leonardo Da Vinci, a figura mais poderosa da Alta Renascença italiana. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência nos seus contemporâneos e na subsequente arte ocidental em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua vida adulta em Roma, trabalhando por ordem dos papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo fez uma escultura em mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra no seu local original - a Basílica de São Pedro. Este é um dos mais obras famosas na história da arte mundial. A Pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos. Esta é a única obra que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto ajoelhado, imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Esse ponto mais alto a obra do jovem Michelangelo.

Não menos significativa obra do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m). Davi(Accademia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. Herói Antigo Testamento

Michelangelo é retratado como um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem terá que lutar. A expressão viva e intensa no rosto de David é característica de muitas das obras de Michelangelo - este é um sinal de seu estilo escultural individual. David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocada na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a Câmara Municipal de Florença. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade. Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em um andaime alto logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para alguns contos bíblicos entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo completou um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou figuras de assistentes em diversas poses. Estas imagens majestosas e poderosas demonstram a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humanos, o que deu impulso a um novo movimento na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, O prisioneiro acorrentado e a morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras ficam simplesmente encerradas em um bloco de mármore, e a tarefa do artista é libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou esculturas inacabadas - seja porque se tornaram desnecessárias, ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto do túmulo de Júlio II exigiu elaboração arquitetônica, mas o trabalho sério de Michelangelo na área arquitetônica começou apenas em 1519, quando foi contratado para a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, para onde o artista retornou. novamente (este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520 projetou também o elegante hall de entrada da Biblioteca, adjacente à Igreja de San Lorenzo. Estas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou na guerra contra os Medici em 1527-29. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução de fortificações em Florença.

Capelas Médici. Tendo vivido bastante tempo em Florença, Michelangelo executou, entre 1519 e 1534, uma encomenda da família Médici para a construção de dois túmulos na nova sacristia da Igreja de San Lorenzo. Num salão com alta abóbada abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De' Medici, duque de Urbino e a Giuliano De' Medici, duque de Nemours. As duas sepulturas complexas foram concebidas como representação de tipos opostos: Lorenzo - uma pessoa fechada em si mesmo, uma pessoa pensativa e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo e aberto. O escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite sobre o túmulo de Lorenzo, e alegorias do Dia e da Noite sobre o túmulo de Giuliano. O trabalho nos túmulos dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Último Julgamento

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo em sua mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo para o de Dante. inferno (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente a sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois um artista puritano as “vestiu” à medida que o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto pode ser facilmente visto na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora Michelangelo tenha recebido outras encomendas de pintura neste período, como a pintura da Capela de São Paulo Apóstolo (1940), ele procurou antes de tudo dedicar toda a sua energia à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da construção da Basílica de São Pedro no Vaticano. O edifício foi construído de acordo com os planos de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou por ser o responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da engenharia e do desenho artístico da cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo De' Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, bem como de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista e sua posição de vida são difíceis de compreender claramente através de suas obras - são tão diversas. Somente na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo abordou com mais frequência e profundidade as questões da criatividade e de seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dedicado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes daquela época. poetas famosos Renascentista Ludovico Ariosto escreveu um epitáfio para este artista famoso: “Michele é mais que mortal, ele é um anjo divino.”

A Itália é um país com interessantes e rica história. Em seu território foi formado pelos impérios militares mais poderosos do mundo - Roma Antiga. Também havia cidades de antigos gregos e etruscos aqui. Não é à toa que dizem que a Itália é o berço do Renascimento, pois ocupa o primeiro lugar na Europa apenas em número de monumentos arquitetônicos. Leonardo da Vinci, Michelangelo, Ticiano, Rafael, Petrarca, Dante - este é apenas o menor e está longe de ser lista completa todos aqueles nomes de pessoas que trabalharam e viveram neste lindo país.

Pré-requisitos gerais

As características das ideias do humanismo na cultura italiana já são evidentes em Dante Alighieri, o antecessor do Renascimento, que viveu na virada dos séculos XIII e XIV. O novo movimento manifestou-se mais plenamente em meados do século XIV. A Itália é o berço de tudo Renascença Europeia, uma vez que os pré-requisitos socioeconómicos para isso estavam maduros aqui, em primeiro lugar. Na Itália, as relações capitalistas começaram a se formar cedo, e as pessoas interessadas no seu desenvolvimento tiveram que deixar o jugo do feudalismo e a tutela da igreja. Eram burgueses, mas não eram pessoas limitadas pela burguesia, como nos séculos subsequentes. Eram pessoas de mente aberta que viajavam, falavam várias línguas e eram participantes ativos em quaisquer eventos políticos.

Aurora (1614) - pintura renascentista

As figuras culturais da época lutaram contra a escolástica, o ascetismo, o misticismo e a subordinação da literatura e da arte à religião e se autodenominavam humanistas; Os escritores da Idade Média pegaram a “carta” dos autores antigos, ou seja, informações individuais, passagens, máximas tiradas do contexto. Os escritores da Renascença leram e estudaram obras inteiras, prestando atenção à essência das obras. Eles também se voltaram para o folclore, arte popular, sabedoria popular. Os primeiros humanistas são Francesco Petrarca, autor de uma série de sonetos em homenagem a Laura, e Giovanni Boccaccio, autor de O Decameron, uma coleção de contos.

Máquina voadora - Leonardo da Vinci

Os traços característicos da cultura daquele novo tempo são os seguintes:

• O principal tema da representação na literatura é uma pessoa.
• Ele é dotado de um caráter forte.
• O realismo renascentista mostra amplamente a vida com uma reprodução completa de suas contradições.
• Os autores começam a perceber a natureza de maneira diferente. Se para Dante ainda simboliza a gama psicológica de humores, para autores posteriores a natureza traz alegria com seu verdadeiro encanto.

3 razões pelas quais a Itália se tornou o berço do Renascimento?

1. Na época do Renascimento, a Itália revelou-se um dos países mais fragmentados da Europa; aqui uma política unificada e centro nacional. Educação estado único foi dificultado pela luta que ocorreu durante toda a Idade Média entre papas e imperadores pelo seu domínio. Portanto, o desenvolvimento económico e político áreas diferentes A Itália era desigual. As áreas das partes central e norte da península faziam parte das possessões papais; no sul estava o Reino de Nápoles; a Itália central (Toscana), que incluía cidades como Florença, Pisa, Siena e cidades individuais do norte (Gênova, Milão, Veneza) eram centros independentes e ricos do país. Na verdade, a Itália era um conglomerado de territórios desunidos, em constante competição e em guerra.
2. Foi em Itália que surgiram condições verdadeiramente únicas para sustentar o surgimento de uma nova cultura. A falta de poder centralizado, bem como de uma posição geográfica vantajosa nas rotas do comércio europeu com o Oriente, contribuíram para desenvolvimento adicional cidades independentes, o desenvolvimento de uma nova estrutura capitalista e política nelas. Nas principais cidades da Toscana e da Lombardia já nos séculos XII-XIII. Ocorreram revoluções comunais e surgiu um sistema republicano, dentro do qual ocorria constantemente uma feroz luta partidária. Principal forças políticas financistas, comerciantes ricos e artesãos atuaram aqui.

Nestas condições, a actividade pública dos cidadãos que procuravam apoiar os políticos que contribuíam para o enriquecimento e prosperidade da cidade era muito elevada. Assim o apoio público em várias cidades-repúblicas contribuiu para a promoção e fortalecimento do poder de várias famílias ricas: os Visconti e Sforza em Milão e em toda a Lombardia os banqueiros Medici em Florença e em toda a Toscana Grande Conselho Doges - em Veneza. E embora as repúblicas tenham gradualmente se transformado em tiranias com características óbvias de uma monarquia, ainda dependiam fortemente da popularidade e da autoridade. Portanto, os novos governantes italianos procuraram garantir o consentimento opinião pública e de todas as maneiras possíveis demonstraram seu compromisso com o crescente movimento social - o humanismo. Eles atraíram mais pessoas excepcionais o tempo - cientistas, escritores, artistas - eles próprios tentaram desenvolver sua educação e gosto.

1. Nas condições de surgimento e crescimento da autoconsciência nacional, foram os italianos que se sentiram descendentes diretos da grande Roma Antiga. O interesse pelo passado antigo, que não desapareceu ao longo da Idade Média, significava agora simultaneamente interesse pelo passado nacional, ou mais precisamente, pelo passado do seu povo, pelas tradições da sua antiguidade nativa. Nenhum outro país da Europa tem tantos vestígios da grande civilização antiga como na Itália. E embora na maioria das vezes fossem apenas ruínas (por exemplo, o Coliseu foi usado como pedreira durante quase toda a Idade Média), agora eram eles que davam a impressão de grandeza e glória. Assim, a antiguidade antiga foi interpretada como o grande passado nacional do país natal.

Do meu jeito localização geográfica A Itália, antes de outros países da Europa Ocidental, estabeleceu relações comerciais estreitas com o Oriente, o que enriqueceu enormemente as cidades italianas. Génova, Veneza e Florença tornaram-se centros comerciais, industriais e bancários e entraram na arena das relações económicas internacionais como cidades-estado independentes. A burguesia (terceiro estado) desempenhou um papel importante na vida dessas cidades-estado. Ela poderia estabelecer suas próprias regras nas cidades. Isso finalmente quebrou a ditadura da igreja. Conseqüentemente, surgiram condições para o surgimento cultura secular, isto é, aparece intelectualidade burguesa (cientistas e filósofos não são mais ministros da igreja). Surge uma intelectualidade cujas atividades estão ligadas à cultura e à arte.

A cultura do humanismo implica educação secular, em oposição à educação teológica.

Em muitos países europeus, a luta contra os senhores feudais terminou com a unificação do país, e neles foi estabelecido um forte poder monárquico centralizado. Na Itália foi diferente: a centralização e a transição para uma monarquia absoluta não aconteceram. Isso significa que as atividades do terceiro estado não foram restringidas por nada e estabeleceu regras próprias nas cidades. Assim, Florença tornou-se a cidade mais importante, tal como Atenas na Grécia antiga. O desenvolvimento da indústria, do comércio e da banca deu força e confiança à classe de artesãos, comerciantes e cambistas. Eles se revelaram tão fortes politicamente que privaram os nobres do voto e dos direitos políticos em geral. Esses eventos duraram um século inteiro (durante o século XIV). Na atmosfera desses acontecimentos, formou-se o gênio de Dante.

A nova classe burguesa emergente era alheia à tragédia da visão de mundo, ao pathos do sofrimento, ao culto à pobreza (isto é, a tudo o que se refletia na arte medieval). O respeito por quem vence cresceu. O homem sentiu a plenitude da vida em tudo - na luta cotidiana, na ciência, nas questões de comércio e enriquecimento, nos prazeres mundanos.

As pessoas retratadas por artistas da Renascença parecem completamente vivas e extraordinárias. No entanto, os temas modernos não penetraram na arte. Seu conteúdo permaneceu na mitologia antiga. Mas os antigos heróis “divinos” foram retratados como pessoas reais. O homem - a coroa de todas as coisas do mundo - foi comparado a Deus, e Deus foi dotado dos traços de uma pessoa real contemporânea dos artistas.

O Renascimento não é apenas uma coleção de obras de cultura artística, mas em primeiro lugar novo tipo pensamento e religiosidade, uma constituição espiritual e um modo de vida especiais.

A Renascença combinou uma nova leitura da antiguidade com uma nova leitura do Cristianismo.

A base da arte renascentista é a busca pela individualidade. Desde o Renascimento inicia-se a afirmação do princípio da singularidade e originalidade de cada indivíduo. Renascença conectada homem natural antiguidade e a compreensão cristã do indivíduo, dotado desde cima de liberdade de escolha.

O ideal ético e estético da Renascença é a imagem de uma pessoa criativa, livre e universal, criando a si mesma.

A arte renascentista dirigia-se ao homem comum, mas reconhecia cavaleiros, santos, reis e personagens mitológicos como heróis. Mas, ao mesmo tempo, a igreja desempenhou um papel importante na formação da cultura renascentista - na pintura, na arquitetura, na música.

Durante o Renascimento, nasceu uma nova visão de mundo, substituindo o modo de pensar medieval. Explicou a vida de uma nova maneira e, especialmente, o lugar do homem nela. Esta nova visão de mundo foi dirigida ao homem e à criação das suas mãos (humana studia). Desta palavra formaram-se os nomes “humanista” e “humanismo”. (Mas os conceitos de “humanista” e “ homem humano"têm significados diferentes).

Os humanistas da Renascença não eram filósofos profissionais. São poetas, artistas, escritores, políticos, filantropos. Os humanistas da Renascença são pessoas que pensam de uma maneira nova. Entre eles estavam o tirano Lorenzo Medici, o calculista e astuto político Niccolo Machiavelli e o insidioso e cruel César Borgia. Eles estavam engajados em filosofia, política, retórica, ética, pesquisa histórica, etc., e no processo de sua vida ativa, um novo tipo de pensamento foi criado - o humanismo renascentista.

Os humanistas acreditavam que a ciência deveria estar aberta às pessoas, a fim de aproximá-las do conhecimento da natureza e do próprio homem. A ciência renascentista não se rebela contra Deus, ela estuda o mundo criado por ele e sua principal criação - o homem. E a ciência se torna um fenômeno cultura XIV– séculos XV

A arte renascentista é literatura, artes plásticas, arquitetura eótimo teatro.