Fotos em estilo romântico.
O romantismo como movimento na pintura foi formado em Europa Ocidental no final do século XVIII. O romantismo atingiu o seu apogeu na arte da maioria dos países da Europa Ocidental nos anos 20-30. Século XIX.
O próprio termo “romantismo” origina-se da palavra “romance” (no século XVII, os romances eram obras literárias escritas não em latim, mas em línguas derivadas dele - francês, inglês, etc.). Mais tarde, tudo o que era incompreensível e misterioso passou a ser chamado de romântico.
Como fenômeno cultural, o romantismo foi formado a partir de uma visão de mundo especial gerada pelos resultados do Grande revolução francesa. Desiludidos com os ideais do Iluminismo, os românticos, buscando harmonia e integridade, criaram novos ideais estéticos e valores artísticos. O principal objeto de sua atenção foram personagens marcantes com todas as suas experiências e desejo de liberdade. O herói das obras românticas é uma pessoa extraordinária que, pela vontade do destino, se encontra em circunstâncias difíceis da vida.
Embora o romantismo tenha surgido como um protesto contra a arte do classicismo, esteve em muitos aspectos próximo deste último. Os românticos eram em parte representantes do classicismo como N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.
Os românticos introduziram ideias únicas na pintura traços nacionais, isto é, o que faltava à arte dos classicistas.
O maior representante do romantismo francês foi T. Gericault.
Theodore Géricault
Theodore Gericault, o grande pintor, escultor e artista gráfico francês, nasceu em 1791 em Rouen em uma família rica. Seu talento como artista se manifestou bem cedo. Muitas vezes, em vez de frequentar as aulas na escola, Géricault sentava-se no estábulo e desenhava cavalos. Mesmo assim, ele procurou não apenas transferir para o papel recursos externos animais, mas também para transmitir sua disposição e caráter.
Depois de se formar no Liceu em 1808, Géricault tornou-se aluno do então famoso mestre da pintura Carl Vernet, famoso por sua habilidade de retratar cavalos em telas. Porém, o jovem artista não gostou do estilo de Vernet. Logo ele sai da oficina e vai estudar com outro pintor não menos talentoso que Vernet, P. N. Guerin. Aprendendo com dois artistas famosos No entanto, Géricault não deu continuidade às suas tradições na pintura. Seus verdadeiros professores provavelmente deveriam ser considerados J. A. Gros e J. L. David.
Os primeiros trabalhos de Géricault distinguem-se pelo facto de serem o mais próximos possível da vida. Essas pinturas são extraordinariamente expressivas e pretensiosas. Eles mostram o entusiasmo do autor ao avaliar o mundo ao seu redor. Um exemplo é a pintura intitulada “Oficial dos Caçadores de Cavalos Imperiais durante um Ataque”, criada em 1812. Esta pintura foi vista pela primeira vez pelos visitantes do Salão de Paris. Eles aceitaram o trabalho com admiração jovem artista, valorizando o talento do jovem mestre.
A obra foi criada durante aquele período da história francesa, quando Napoleão estava no auge de sua glória. Seus contemporâneos o idolatravam, um grande imperador que conseguiu conquistar a maior parte da Europa. Foi neste estado de espírito, sob a impressão das vitórias do exército de Napoleão, que o quadro foi pintado. A tela mostra um soldado galopando a cavalo para atacar. Seu rosto expressa determinação, coragem e destemor diante da morte. Toda a composição
extraordinariamente dinâmico e emocional. O espectador tem a sensação de que ele próprio se torna um verdadeiro participante dos acontecimentos retratados na tela.
A figura do bravo soldado aparecerá mais de uma vez nas obras de Géricault. Entre essas imagens, destacam-se os heróis das pinturas “Oficial Carabinieri”, “Oficial Cuirassier Antes de um Ataque”, “Retrato de um Carabinieri”, “Cuirassier Ferido”, criadas em 1812-1814. O último trabalho destaca-se por ter sido apresentado na próxima exposição realizada no Salão no mesmo ano. Porém, esta não é a principal vantagem da composição. Mais importante ainda, mostrou as mudanças ocorridas no estilo criativo do artista. Se suas primeiras pinturas refletiam sentimentos patrióticos sinceros, então em suas obras que datam de 1814, o pathos na representação dos heróis dá lugar ao drama.
Tal mudança no humor do artista foi novamente associada aos acontecimentos que aconteciam na França naquela época. Em 1812, Napoleão foi derrotado na Rússia e, portanto, ele, que já foi um herói brilhante, adquiriu entre seus contemporâneos a fama de um líder militar malsucedido e de um homem arrogante e orgulhoso. Géricault personifica a decepção ideal na pintura “O Cuirassier Ferido”. A tela retrata um guerreiro ferido tentando sair rapidamente do campo de batalha. Ele se apoia em um sabre – uma arma que, talvez apenas alguns minutos atrás, ele segurava, erguida bem alto no ar.
Foi a insatisfação de Géricault com as políticas de Napoleão que ditou a sua entrada ao serviço de Luís XVIII, que assumiu o trono francês em 1814. Os sentimentos pessimistas também estavam associados ao facto de, após a segunda tomada do poder por Napoleão em França (período dos Cem Dias), o jovem artista deixou seu país natal com os Bourbons. Mas mesmo aqui ele ficou desapontado. O jovem não pôde assistir com calma enquanto o rei destruía tudo o que havia sido conquistado durante o reinado de Napoleão. Além disso, sob Luís XVIII, a reação feudal-católica se intensificou, o país retrocedeu cada vez mais rápido, retornando à antiga estrutura estatal. Isto não poderia ser aceite pelos jovens e progressistas homem pensante. Muito em breve, o jovem, tendo perdido a fé nos seus ideais, deixa o exército liderado por Luís XVIII e retoma pincéis e tintas. Esses anos não podem ser chamados de brilhantes ou nada marcantes na obra do artista.
Em 1816, Géricault fez uma viagem à Itália. Tendo visitado Roma e Florença e estudado as obras-primas mestres famosos, o artista está interessado pintura monumental. Sua atenção é especialmente ocupada pelos afrescos de Michelangelo que decoravam Capela Sistina. Nessa época, Géricault criou obras cuja escala e majestade lembravam em muitos aspectos as pinturas de pintores. Alta Renascença. Entre eles, os mais interessantes são “O Rapto de uma Ninfa por um Centauro” e “O Homem Derrubando o Touro”.
Os mesmos traços do jeito dos antigos mestres são visíveis na pintura “Corrida de Cavalos Livres em Roma”, escrita por volta de 1817 e representando cavaleiros competindo em um dos carnavais que aconteciam em Roma. A peculiaridade dessa composição é que ela foi compilada pelo artista a partir de desenhos naturais previamente realizados. Além disso, a natureza dos esboços difere marcadamente do estilo de toda a obra. Se as primeiras são cenas que descrevem a vida dos romanos - contemporâneos do artista, então na composição geral há imagens de corajosos heróis antigos, como se saísse de histórias antigas. Nisso, Géricault segue o caminho de J. L. David, que, para dar à imagem um pathos heróico, vestiu seus heróis com formas antigas.
Logo após pintar esta pintura, Géricault retornou à França, onde se tornou membro do círculo de oposição formado em torno do pintor Horace Vernet. Ao chegar a Paris, o artista se interessou especialmente pela gráfica. Em 1818, ele criou uma série de litografias sobre tema militar, entre as quais a mais significativa foi “Retorno da Rússia”. A litografia retrata soldados derrotados do exército francês vagando por um campo nevado. As figuras de pessoas aleijadas e cansadas da guerra são retratadas de maneira realista e verdadeira. Não há pathos ou pathos heróico na composição, o que era característico dos primeiros trabalhos de Géricault. O artista se esforça para refletir a real situação, todos os desastres que os soldados franceses abandonados por seu comandante tiveram que suportar em uma terra estrangeira.
Na obra “Retorno da Rússia”, o tema da luta do homem contra a morte foi ouvido pela primeira vez. No entanto, aqui este motivo ainda não é expresso tão claramente como nas obras posteriores de Géricault. Um exemplo de tais pinturas é a pintura chamada “A Jangada da Medusa”. Foi pintado em 1819 e exibido no Salão de Paris no mesmo ano. A tela retrata pessoas lutando contra os elementos da água em fúria. O artista mostra não apenas seu sofrimento e tormento, mas também seu desejo de sair vitorioso na batalha contra a morte a todo custo.
O enredo da composição é ditado por um acontecimento ocorrido no verão de 1816 e que emocionou toda a França. A então famosa fragata “Medusa” atingiu um recife e afundou na costa da África. Das 149 pessoas que estavam no navio, apenas 15 conseguiram escapar, entre elas o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar. Ao chegarem em casa, publicaram um pequeno livro contando suas aventuras e feliz salvação. Foi a partir dessas lembranças que os franceses souberam que o infortúnio aconteceu por culpa do inexperiente capitão do navio, que embarcou graças ao patrocínio de um nobre amigo.
As imagens criadas por Géricault são invulgarmente dinâmicas, flexíveis e expressivas, o que foi conseguido pelo artista através de um trabalho longo e minucioso. Para retratar com veracidade acontecimentos terríveis na tela, para transmitir os sentimentos das pessoas que morrem no mar, o artista se encontra com testemunhas oculares da tragédia, muito tempo estuda os rostos de pacientes exaustos em tratamento em um dos hospitais de Paris, bem como de marinheiros que conseguiram escapar após naufrágios. Nesta época, o pintor criou um grande número de retratos.
O mar revolto, como se tentasse engolir uma frágil jangada de madeira com gente, também está repleto de um significado profundo. Esta imagem é extraordinariamente expressiva e dinâmica. Assim como as figuras humanas, foi copiada da vida: o artista fez vários esboços retratando o mar durante uma tempestade. Enquanto trabalhava na composição monumental, Géricault recorreu mais de uma vez a esboços previamente elaborados para refletir plenamente a natureza dos elementos. É por isso que a imagem impressiona muito o espectador, convencendo-o do realismo e da veracidade do que está acontecendo.
“A Jangada da Medusa” apresenta Géricault como um notável mestre da composição. Por muito tempo o artista estava pensando em como organizar as figuras da pintura para expressar da forma mais completa a intenção do autor. Várias mudanças foram feitas ao longo do caminho. Os esboços que antecedem a pintura indicam que inicialmente Géricault queria retratar a luta das pessoas na jangada entre si, mas depois abandonou tal interpretação do acontecimento. Na versão final, a tela representa o momento em que pessoas já desesperadas avistam o navio Argus no horizonte e estendem as mãos para ele. A última adição à pintura foi uma figura humana colocada abaixo, no lado direito da tela. Foi ela quem deu o toque final da composição, que depois adquiriu um caráter profundamente trágico. Vale ressaltar que essa alteração foi feita quando o quadro já estava exposto no Salão.
Com a sua monumentalidade e elevada emotividade, a pintura de Géricault lembra em muitos aspectos o trabalho dos mestres da Alta Renascença (em em maior medida « Último Julgamento"Michelangelo), que o artista conheceu durante uma viagem à Itália.
A pintura “A Jangada da Medusa”, que se tornou uma obra-prima da pintura francesa, foi um enorme sucesso nos círculos de oposição, que viram nela um reflexo ideais revolucionários. Pelas mesmas razões o trabalho não foi aceito entre a mais alta nobreza e representantes oficiais belas artes da França. É por isso que naquela época a pintura não foi comprada pelo Estado ao autor.
Decepcionado com a recepção dada à sua criação na sua terra natal, Géricault parte para Inglaterra, onde apresenta aos ingleses a sua obra preferida. Em Londres, os conhecedores de arte receberam a famosa pintura com grande alegria.
Géricault aproxima-se dos artistas ingleses, que o cativam pela capacidade de retratar a realidade com sinceridade e veracidade. Géricault dedica uma série de litografias à vida e ao quotidiano da capital de Inglaterra, entre as quais as mais interessantes são as obras denominadas “A Grande Suite Inglesa” (1821) e “O Velho Mendigo Morrendo à Porta da Padaria” ( 1821). EM artista mais recente retratava um vagabundo londrino, cuja imagem refletia as impressões que o pintor recebeu no processo de estudo da vida das pessoas dos bairros operários da cidade.
O mesmo ciclo incluiu litografias como “O Ferreiro de Flandres” e “Nos Portões do Estaleiro Adelphin”, que apresentam ao espectador uma imagem da vida das pessoas comuns em Londres. Interessantes nessas obras são as imagens de cavalos pesados e pesados. Eles são visivelmente diferentes daqueles animais graciosos e graciosos que foram pintados por outros artistas - contemporâneos de Géricault.
Enquanto estava na capital da Inglaterra, Géricault criou não apenas litografias, mas também pinturas. Uma das obras mais marcantes desse período foi a tela “Racing at Epsom”, criada em 1821. Na pintura, o artista retrata cavalos correndo a toda velocidade, e seus pés não tocam o chão. O mestre utiliza esta técnica astuta (a fotografia provou que tal posição das patas dos cavalos durante a corrida é impossível; esta é a imaginação do artista) para dar dinamismo à composição, para criar no espectador a impressão do movimento relâmpago de os cavalos. Este sentimento é reforçado pela representação precisa da plasticidade (posturas, gestos) das figuras humanas, bem como pelo uso de cores brilhantes e ricas. combinações de cores(cavalos vermelhos, baios, brancos; jaquetas de jóquei em azul rico, vermelho escuro, branco-azul e amarelo dourado).
O tema das corridas de cavalos, que há muito chamava a atenção do pintor pela sua expressão especial, foi repetido mais de uma vez nas obras criadas por Géricault após a conclusão dos trabalhos sobre “As Corridas de Epsom”.
Em 1822, o artista deixou a Inglaterra e retornou à sua França natal. Aqui ele cria grandes telas semelhantes às obras dos mestres da Renascença. Entre eles estão “O Comércio Negro”, “Abrindo as Portas da Prisão da Inquisição na Espanha”. Essas pinturas permaneceram inacabadas - a morte impediu Géricault de concluir a obra.
De particular interesse são os retratos, cuja criação pelos historiadores da arte remonta ao período de 1822 a 1823. A história da sua pintura merece atenção especial. O fato é que esses retratos foram encomendados por um amigo do artista, que trabalhava como psiquiatra em uma das clínicas de Paris. Eles deveriam se tornar uma espécie de ilustração demonstrando várias doenças mentais humanas. Assim foram pintados os retratos “Velha Louca”, “Louco”, “Louco que se imagina Comandante”. Para o mestre da pintura, era importante não tanto mostrar os sinais e sintomas externos da doença, mas transmitir o estado mental interno do doente. Nas telas, imagens trágicas de pessoas aparecem diante do espectador, cujos olhos estão cheios de dor e tristeza.
Entre os retratos de Géricault, um lugar especial é ocupado pelo retrato de um homem negro, atualmente no acervo do Museu de Rouen. Um homem determinado e obstinado olha para o espectador da tela, pronto para lutar até o fim com forças que lhe são hostis. A imagem é extraordinariamente brilhante, emocional e expressiva. O homem desta foto é muito parecido com aqueles heróis obstinados que foram anteriormente mostrados por Géricault em grandes composições (por exemplo, na tela “A Jangada da Medusa”).
Géricault não foi apenas um mestre da pintura, mas também um excelente escultor. Seus trabalhos nesta forma de arte são início do século XIX séculos representaram os primeiros exemplos de esculturas românticas. Entre essas obras, a composição invulgarmente expressiva “Ninfa e Sátiro” é de particular interesse. As imagens congeladas em movimento transmitem com precisão a plasticidade do corpo humano.
Theodore Gericault morreu tragicamente em 1824 em Paris, caindo de um cavalo. Sua morte precoce foi uma surpresa para todos os contemporâneos do famoso artista.
A obra de Géricault marcou uma nova etapa no desenvolvimento da pintura não só na França, mas também na arte mundial - o período do romantismo. Em suas obras, o mestre supera a influência das tradições classicistas. Suas obras são extraordinariamente coloridas e refletem a diversidade do mundo natural. Ao introduzir figuras humanas na composição, o artista se esforça para revelar as experiências e emoções internas de uma pessoa da forma mais completa e clara possível.
Após a morte de Géricault, suas tradições arte romântica foram escolhidos pelo jovem contemporâneo do artista, E. Delacroix.
Eugène Delacroix
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, o famoso artista e artista gráfico francês, sucessor das tradições do romantismo que se desenvolveram na obra de Géricault, nasceu em 1798. Sem completar a sua formação no Liceu Imperial, em 1815 Delacroix ingressou no mestre famoso Guerin. No entanto métodos artísticos O jovem pintor não atendia às exigências do professor e, sete anos depois, o jovem o abandonou.
Estudando com Guerin, Delacroix dedicou muito tempo ao estudo da obra de David e dos mestres da pintura do Renascimento. Ele considera a cultura da antiguidade, cujas tradições David seguiu, fundamental para o desenvolvimento da arte mundial. Portanto, os ideais estéticos de Delacroix eram as obras de poetas e pensadores da Grécia Antiga, entre eles, o artista valorizava especialmente as obras de Homero, Horácio e Marco Aurélio;
As primeiras obras de Delacroix foram telas inacabadas, onde o jovem pintor procurou refletir a luta dos gregos com os turcos. No entanto, faltava ao artista habilidade e experiência para criar uma imagem expressiva.
Em 1822, Delacroix expôs sua obra intitulada “Dante e Virgílio” no Salão de Paris. Esta tela, extraordinariamente emocional e de cores brilhantes, lembra em muitos aspectos a obra de Géricault, “A Jangada da Medusa”.
Dois anos depois, outra pintura de Delacroix, “O Massacre de Chios”, foi apresentada ao público do Salão. Foi aqui que o plano de longa data do artista de mostrar a luta dos gregos com os turcos foi concretizado. A composição geral da imagem consiste em várias partes que formam grupos de pessoas separados, cada uma delas com seu próprio conflito dramático. No geral, a obra dá a impressão de uma tragédia profunda. A sensação de tensão e dinamismo é potencializada pela combinação de linhas suaves e nítidas que formam as figuras dos personagens, o que leva a uma mudança nas proporções da pessoa retratada pelo artista. No entanto, é precisamente por isso que a imagem adquire um caráter realista e uma capacidade de persuasão realista.
O método criativo de Delacroix, plenamente expresso em “O Massacre de Chios”, está longe do estilo classicista então aceito nos círculos oficiais da França e entre os representantes das artes plásticas. Portanto, a pintura do jovem artista foi recebida com duras críticas no Salão.
Apesar do fracasso, o pintor permanece fiel ao seu ideal. Em 1827, apareceu outra obra dedicada ao tema da luta do povo grego pela independência - “Grécia sobre as ruínas de Missolonghi”. A figura de uma mulher grega determinada e orgulhosa retratada aqui na tela personifica a Grécia invicta.
Em 1827, Delacroix executou duas obras que refletiam as pesquisas criativas do mestre no campo dos meios e métodos de expressão artística. São as pinturas “A Morte de Sardanapalus” e “Marino Faliero”. Na primeira delas, a tragédia da situação é transmitida no movimento das figuras humanas. Apenas a imagem do próprio Sardanapalo é estática e calma aqui. Na composição “Marino Faliero” apenas a figura do personagem principal é dinâmica. O resto dos heróis parecia congelado de horror ao pensar no que estava para acontecer.
Na década de 20 Século XIX Delacroix completou uma série de obras cujos enredos foram retirados de obras literárias famosas. Em 1825, o artista visitou a Inglaterra, terra natal de William Shakespeare. No mesmo ano, sob a influência desta viagem e da tragédia do famoso dramaturgo Delacroix, foi realizada a litografia “Macbeth”. No período de 1827 a 1828, criou a litografia “Fausto”, dedicada à obra homônima de Goethe.
Em conexão com os acontecimentos ocorridos na França em 1830, Delacroix pintou o quadro “A Liberdade Guiando o Povo”. A França revolucionária apresenta-se na imagem de uma mulher jovem, forte, poderosa, decidida e independente, liderando com ousadia a multidão, na qual se destacam as figuras de um trabalhador, de um estudante, de um soldado ferido, de um gamen parisiense (uma imagem que antecipou Gavroche, que mais tarde apareceu em Les Miserables, de V. Hugo).
Este trabalho diferia visivelmente de trabalhos semelhantes de outros artistas que estavam interessados apenas na transmissão verdadeira deste ou daquele acontecimento. As pinturas criadas por Delacroix foram caracterizadas por um alto pathos heróico. As imagens aqui são símbolos generalizados da liberdade e independência do povo francês.
Com a chegada ao poder de Louis Philippe, o rei burguês, o heroísmo e os sentimentos sublimes pregados por Delacroix não encontraram lugar na vida moderna. Em 1831, o artista empreendeu uma viagem a países africanos. Visitou Tânger, Meknes, Oran e Argel. Ao mesmo tempo, Delacroix visita a Espanha. A vida do Oriente fascina literalmente o artista com seu fluxo rápido. Ele cria esboços, desenhos e uma série de trabalhos em aquarela.
Depois de visitar Marrocos, Delacroix pintou telas dedicadas ao Oriente. As pinturas em que o artista mostra corridas de cavalos ou batalhas de cavaleiros mouros são invulgarmente dinâmicas e expressivas. Em comparação, a composição “Mulheres Argelinas em Suas Câmaras”, criada em 1834, parece calma e estática. Não possui o rápido dinamismo e a tensão característicos dos trabalhos anteriores do artista. Delacroix aparece aqui como um mestre da cor. O esquema de cores utilizado pelo pintor reflete plenamente a brilhante diversidade da paleta, que o espectador associa às cores do Oriente.
A tela “Casamento Judaico em Marrocos”, pintada por volta de 1841, distingue-se pela mesma natureza descontraída e comedida. Uma misteriosa atmosfera oriental é criada aqui graças à representação precisa do artista sobre a singularidade do interior nacional. A composição parece surpreendentemente dinâmica: o pintor mostra como as pessoas sobem as escadas e entram na sala. A luz que entra na sala faz com que a imagem pareça realista e convincente.
Os motivos orientais ainda estiveram presentes nas obras de Delacroix durante muito tempo. Assim, na exposição organizada no Salão de 1847, das seis obras que apresentou, cinco foram dedicadas à vida e ao modo de vida do Oriente.
Nos anos 30-40. No século XIX, novos temas surgiram na obra de Delacroix. Neste momento, o mestre cria obras de temas históricos. Entre elas, merecem especial atenção as pinturas “O Protesto de Mirabeau contra a Dissolução dos Estados Gerais” e “Boissy d’Anglas”. O esboço deste último, exibido em 1831 no Salão, é um exemplo marcante de composições sobre o tema de uma revolta popular.
As pinturas “A Batalha de Poitiers” (1830) e “A Batalha de Taibourg” (1837) são dedicadas à imagem do povo. A dinâmica da batalha, o movimento das pessoas, sua fúria, raiva e sofrimento são mostrados aqui com todo o realismo. O artista se esforça para transmitir as emoções e paixões de uma pessoa dominada pela vontade de vencer a qualquer custo. São as figuras das pessoas as principais na transmissão do caráter dramático do acontecimento.
Muitas vezes, nas obras de Delacroix, o vencedor e o vencido se opõem fortemente. Isso é especialmente visível na tela “A Captura de Constantinopla pelos Cruzados”, pintada em 1840. Em primeiro plano está um grupo de pessoas dominadas pela dor. Atrás deles há uma paisagem encantadora e encantadora. Aqui também são colocadas figuras de cavaleiros vitoriosos, cujas silhuetas ameaçadoras contrastam com as figuras tristes em primeiro plano.
A Captura de Constantinopla pelos Cruzados apresenta Delacroix como um colorista notável. Cores vivas e saturadas, porém, não realçam o princípio trágico, cujos expoentes são figuras tristes localizadas próximas ao espectador. Pelo contrário, a rica paleta cria a sensação de um feriado organizado em homenagem aos vencedores.
Não menos colorida é a composição “A Justiça de Trajano”, criada na mesma década de 1840. Os contemporâneos do artista reconheceram esta pintura como uma das melhores entre todas as pinturas do artista. De particular interesse é o fato de que durante o trabalho o mestre faz experiências no campo da cor. Até suas sombras assumem uma variedade de tonalidades. Todas as cores da composição correspondem exatamente à natureza. A execução da obra foi precedida por longas observações do pintor sobre as mudanças nas tonalidades da natureza. O artista os escreveu em seu diário. Então, segundo os registros, os cientistas confirmaram que as descobertas feitas por Delacroix no campo da tonalidade eram totalmente consistentes com a doutrina da cor que nascia naquela época, cujo fundador foi E. Chevreuil. Além disso, o artista compara suas descobertas com a paleta utilizada Escola veneziana, que foi um exemplo de habilidade de pintura para ele.
Entre as pinturas de Delacroix, os retratos ocupam um lugar especial. O mestre raramente recorreu a esse gênero. Ele pintou apenas aquelas pessoas que conhecia há muito tempo, cujo desenvolvimento espiritual ocorreu diante dos olhos do artista. Portanto, as imagens dos retratos são muito expressivas e profundas. Estes são os retratos de Chopin e Georges Sand. A tela dedicada ao famoso escritor (1834) retrata uma mulher nobre e obstinada que encanta seus contemporâneos. O retrato de Chopin, pintado quatro anos depois, em 1838, apresenta uma imagem poética e espiritual do grande compositor.
Um retrato interessante e extraordinariamente expressivo do famoso violinista e compositor Paganini, pintado por Delacroix por volta de 1831. O estilo musical de Paganini era em muitos aspectos semelhante ao método de pintura do artista. A obra de Paganini é caracterizada pela mesma expressão e intensa emotividade que caracterizavam as obras do pintor.
As paisagens ocupam um lugar pequeno na obra de Delacroix. No entanto, revelaram-se muito significativos para o desenvolvimento da pintura francesa no segundo semestre. Século XIX. As paisagens de Delacroix são marcadas pelo desejo de transmitir com precisão a luz e a vida indescritível da natureza. Exemplos vívidos disso são as telas “Céu”, onde uma sensação de dinâmica é criada graças às nuvens brancas como a neve flutuando no céu, e “O mar visível das margens de Dieppe” (1854), em que o pintor transmite com maestria o deslizamento de veleiros leves na superfície do mar.
Em 1833, o artista recebeu a encomenda do rei francês para pintar o salão do Palácio Bourbon. Trabalhe na criação obra monumental durou quatro anos. Ao executar a encomenda, o pintor orientou-se principalmente pelo fato de as imagens serem extremamente simples e concisas, compreensíveis ao espectador.
A última obra de Delacroix foi a pintura da Capela dos Santos Anjos na Igreja de Saint-Sulpice em Paris. Foi executado no período de 1849 a 1861. Utilizando cores vivas e ricas (rosa, azul brilhante, lilás, colocadas sobre fundo azul cinza e marrom amarelo), o artista cria um clima alegre nas composições, causando ao espectador sentir uma alegria entusiasmada. A paisagem, incluída na pintura “A Expulsão de Iliodor do Templo” como uma espécie de fundo, aumenta visualmente o espaço da composição e as instalações da capela. Por outro lado, como se tentasse enfatizar o espaço fechado, Delacroix introduz na composição uma escada e uma balaustrada. As figuras de pessoas colocadas atrás dele parecem silhuetas quase planas.
Eugène Delacroix morreu em 1863 em Paris.
Delacroix foi o mais culto entre os pintores da primeira metade do século XIX. Muitos dos temas de suas pinturas são retirados de obras literárias famosos mestres da caneta. Um fato interessante é que na maioria das vezes o artista pintava seus personagens sem usar modelo. Ele procurou ensinar o mesmo aos seus seguidores. Segundo Delacroix, a pintura é algo mais complexo do que uma cópia primitiva de linhas. O artista acreditava que a arte, antes de tudo, reside na capacidade de expressar o humor e a intenção criativa do mestre.
Delacroix é autor de diversos trabalhos teóricos, dedicado a questões cores, método e estilo do artista. Essas obras serviram para pintores gerações subsequentes um farol na busca pelo nosso próprio meios artísticos, usado para criar composições.
O romantismo nas artes plásticas baseou-se em grande parte nas ideias de filósofos e escritores. Na pintura, como em outras formas de arte, os românticos foram atraídos por tudo o que é inusitado, desconhecido, sejam os países distantes com seus costumes e trajes exóticos (Delacroix), o mundo das visões místicas (Blake, Friedrich, os pré-rafaelitas) e sonhos mágicos (Runge) ou profundezas sombrias do subconsciente (Goya, Fusli). A fonte de inspiração para muitos artistas foi a herança artística do passado: o Antigo Oriente, a Idade Média e o Proto-Renascimento (Nazarenos, Pré-Rafaelitas).
Em contraste com o classicismo, que exaltava o claro poder da razão, os românticos cantavam sentimentos apaixonados e tempestuosos que capturavam inteiramente a pessoa. Os primeiros a responder às novas tendências foram os retratos e as paisagens, que se tornaram os gêneros favoritos da pintura romântica.
Auge gênero retrato estava associado ao interesse dos românticos pela brilhante individualidade humana, beleza e riqueza de seu mundo espiritual. A vida do espírito humano prevalece no retrato romântico sobre o interesse pela beleza física, pela plasticidade sensual da imagem.
Num retrato romântico (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) a singularidade de cada pessoa é sempre revelada, a dinâmica, a batida intensa da vida interior e a paixão rebelde são transmitidas.
Os românticos também estão interessados na tragédia de uma alma quebrada: os heróis de suas obras são muitas vezes pessoas com doenças mentais (Gericault “Uma louca que sofre de um vício em drogas”) jogatina", "Ladrão de crianças", "Insano, imaginando-se comandante").
Cenário concebido pelos românticos como a personificação da alma do universo; a natureza, como a alma humana, aparece em dinâmica, em constante variabilidade. As paisagens ordenadas e enobrecidas características do classicismo foram substituídas por imagens de uma natureza espontânea, rebelde, poderosa e em constante mudança, correspondendo à confusão de sentimentos heróis românticos. Os românticos gostavam especialmente de escrever tempestades, trovoadas, erupções vulcânicas, terremotos, naufrágios que pudessem ter um forte impacto emocional no espectador (Gericault, Friedrich, Turner).
A poetização da noite, característica do romantismo - um mundo estranho e irreal que vive de acordo com suas próprias leis - levou ao florescimento do “gênero noturno”, que se tornou um favorito na pintura romântica, especialmente entre os artistas alemães.
Um dos primeiros países em cujo romantismo das artes plásticas se desenvolveu foiAlemanha .
A criatividade teve uma influência notável no desenvolvimento do gênero paisagem românticaGaspar David Friedrich (1774-1840). O seu património artístico é dominado por paisagens que retratam picos de montanhas, florestas, o mar, a costa marítima, bem como ruínas de antigas catedrais, abadias abandonadas, mosteiros (“Cruz nas Montanhas”, “Catedral”, “Abadia entre os Carvalhos Árvores”). Eles geralmente contêm um sentimento de tristeza constante pela consciência da perda trágica de uma pessoa no mundo.
O artista amou aqueles estados da natureza que mais correspondem à sua percepção romântica: madrugada, pôr do sol, nascer da lua (“Dois Contemplando a Lua”, “Cemitério do Mosteiro”, “Paisagem com Arco-Íris”, “Nascer da Lua sobre o Mar”, “ Chalk Cliffs” na ilha de Rügen”, “Em um veleiro”, “Porto à noite”).
Os personagens constantes em suas obras são sonhadores solitários, imersos na contemplação da natureza. Olhando para as vastas distâncias e alturas infinitas, eles se familiarizam com os segredos eternos do universo, levados para dentro mundo lindo sonhos. Friedrich transmite este mundo maravilhoso com a ajuda de uma luz que brilha magicamente- solar radiante ou lunar misterioso.
O trabalho de Friedrich despertou a admiração de seus contemporâneos, incluindo I. W. Goethe e W. A. Zhukovsky, graças a quem muitas de suas pinturas foram adquiridas pela Rússia.
Pintor, artista gráfico, poeta e teórico da artePhilip Otto Runge (1777-1810), dedicou-se principalmente ao gênero retrato. Em suas obras, ele poetizou imagens de pessoas comuns, muitas vezes de seus entes queridos (“Nós três” - um autorretrato com sua noiva e irmão, não sobreviveu; “Filhos da família Huelsenbeck”, “Retrato do artista pais”, “Autorretrato”). A profunda religiosidade de Runge foi expressa em pinturas como “Cristo nas margens do Lago Tiberíades” e “Descanso na Fuga para o Egito” (inacabada). O artista resumiu seus pensamentos sobre arte em seu tratado teórico “The Color Sphere”.
O desejo de reviver os fundamentos religiosos e morais da arte alemã está associado às atividades criativas dos artistas. Escola Nazarena (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornélio). Tendo-se unido numa espécie de irmandade religiosa (“União de São Lucas”), os “Nazarenos” viviam em Roma segundo o modelo de comunidade monástica e pintavam quadros sobre temas religiosos. Eles consideraram a pintura italiana e alemã como modelo para suas buscas criativas.XIV - XVséculos (Perugino, antigo Rafael, A. Durer, H. Holbein, o Jovem, L.Cranach). No filme “O Triunfo da Religião na Arte”, Overbeck imita diretamente “ Escola de Atenas"Rafael e Cornélio em" Cavaleiros do Apocalipse " - gravura de Durer com o mesmo nome.
Os membros da irmandade consideravam a pureza espiritual e a fé sincera as principais virtudes do artista, acreditando que “só a Bíblia fez de Rafael um gênio”. Levando uma vida solitária nas celas de um mosteiro abandonado, elevaram o seu serviço à arte à categoria de serviço espiritual.
Os “nazarenos” gravitaram em torno de grandes formas monumentais e tentaram incorporar altos ideais com a ajuda da técnica de afrescos recentemente revivida. Algumas das pinturas foram concluídas por eles juntos.
Nas décadas de 1820 e 30, membros da irmandade se dispersaram pela Alemanha, recebendo cargos de liderança em diversas academias de arte. Apenas Overbeck viveu na Itália até sua morte, sem alterar seus princípios artísticos. As melhores tradições dos “Nazarenos” foram preservadas durante muito tempo na pintura histórica. Deles busca ideológica e moral influenciou os pré-rafaelitas ingleses, bem como o trabalho de mestres como Schwind e Spitzweg.
Moritz Schwind (1804-1871), austríaco de nascimento, trabalhou em Munique. Em obras de cavalete, ele retrata principalmente a aparência e a vida das antigas cidades provinciais alemãs com seus habitantes. Isso foi feito com muita poesia e lirismo, com amor pelos seus personagens.
Carl Spitzweg (1808-1885) - Pintor de Munique, artista gráfico, brilhante desenhista, caricaturista, também não desprovido de sentimentalismo, mas com muito humor, fala da vida da cidade (“Pobre Poeta”, “Café da Manhã”).
Schwind e Spitzweg são geralmente associados ao movimento da cultura alemã conhecido como Biedermeier.Biedermeier- este é um dos estilos mais populares da época (principalmente no campo da vida cotidiana, mas também na arte) . Ele trouxe à tona os burgueses, o homem comum da rua. Tema central A pintura de Biedermeier tornou-se vida cotidiana uma pessoa fluindo em uma conexão inextricável com seu lar e família. O interesse de Biedermeier não pelo passado, mas pelo presente, não pelo grande, mas pelo pequeno, contribuiu para a formação de uma tendência realista na pintura.
Escola romântica francesa
A escola de romantismo mais consistente em pintura desenvolveu-se na França. Surgiu como uma oposição ao classicismo, que degenerou em um academicismo frio e racional, e trouxe à tona grandes mestres que determinaram a influência dominante escola francesa durante todo o século XIX.
Os artistas românticos franceses gravitavam em torno de temas cheios de drama e pathos, de tensão interna, longe da “monótona vida cotidiana”. Ao incorporá-los, reformaram os meios pictóricos e expressivos:
Os primeiros sucessos brilhantes do romantismo na pintura francesa estão associados ao nomeTheodora Géricault (1791-1824), que, antes de outros, conseguiu expressar um sentimento puramente romântico de conflito no mundo. Já em seus primeiros trabalhos pode-se perceber sua vontade de mostrar os acontecimentos dramáticos do nosso tempo. Por exemplo, as pinturas “Oficial de rifle montado indo para o ataque” e “Cuirassier ferido” refletiam o romance da era napoleônica.
A pintura de Géricault “A Jangada da Medusa”, dedicada a um acontecimento recente da vida moderna - a morte de um navio de passageiros por culpa de uma companhia marítima, teve uma enorme ressonância. . Géricault criou uma tela gigante de 7x5 m, na qual retratou o momento em que pessoas à beira da morte avistaram um navio de resgate no horizonte. A tensão extrema é enfatizada pela dura e sombria esquema de cores, composição diagonal. Esta pintura tornou-se um símbolo da moderna França Géricault, que, como as pessoas que fogem de um naufrágio, experimentava esperança e desespero.
O tópico do seu último quadro geral- “Epsom Races” - o artista encontrou na Inglaterra. Retrata cavalos voando como pássaros (imagem preferida de Géricault, que se tornou um excelente cavaleiro na adolescência). A impressão de rapidez é reforçada por uma certa técnica: os cavalos e os jóqueis são pintados com muito cuidado e o fundo é amplo.
Após a morte de Géricault (ele morreu tragicamente, no auge de sua força e talento), seu jovem amigo tornou-se o reconhecido chefe dos românticos francesesEugène Delacroix (1798-1863). Delacroix era extremamente talentoso, possuindo talento musical e literário. Seus diários e artigos sobre artistas são os documentos mais interessantes da época. Seus estudos teóricos das leis da cor tiveram enorme influência nos futuros impressionistas e especialmente em V. Van Gogh.
A primeira pintura de Delacroix, que lhe trouxe fama, foi “Dante e Virgílio” (“O Barco de Dante”), baseada no enredo de “A Divina Comédia”. Ela surpreendeu seus contemporâneos com seu pathos apaixonado e o poder de sua coloração sombria.
O auge da criatividade do artista foi “Freedom on the Barricades” (“Freedom Leading the People”). A autenticidade do facto real (o quadro foi criado no auge da Revolução de Julho de 1830 em França) funde-se aqui com o sonho romântico de liberdade e com o simbolismo das imagens. Uma bela jovem torna-se um símbolo da França revolucionária.
Em resposta aos acontecimentos modernos, houve mais pintura antiga"Massacre de Chios", dedicado à luta do povo grego contra o domínio turco .
Depois de visitar Marrocos, Delacroix descobriu o mundo exótico do Oriente Árabe, ao qual dedicou muitas pinturas e esboços. Em "Mulheres da Argélia", o mundo do harém muçulmano apareceu pela primeira vez perante o público europeu.
O artista também criou uma série de retratos de representantes da intelectualidade criativa, muitos dos quais eram seus amigos (retratos de N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, etc.)
No período posterior de sua obra, Delacroix gravitou em torno de temas históricos, atuando como monumentalista (pinturas na Câmara dos Deputados, Senado) e como artista gráfico (ilustrações para obras de Shakespeare, Goethe, Byron).
Os nomes dos pintores ingleses da era romântica - R. Benington, J. Constable, W. Turner - estão associados ao gênero paisagem. Neste âmbito abriram verdadeiramente uma nova página: a sua natureza nativa encontrou no seu trabalho um reflexo tão amplo e amoroso que nenhum outro país conhecia naquela época.
John Constable (1776-1837) foi um dos primeiros na história da paisagem europeia a escrever esboços inteiramente a partir da vida, voltando-se para a observação direta da natureza. Suas pinturas são simples em seus motivos: vilas, fazendas, igrejas, uma faixa de praia fluvial ou marítima: “Hay Wagon”, Detham Valley”, “Salisbury Cathedral from the Bishop’s Garden”. As obras de Constable serviram de impulso para o desenvolvimento da paisagem realista na França.
Willian Turner (1775-1851) - pintor marinho . Ele foi atraído pelo mar tempestuoso, aguaceiros, trovoadas, inundações, tornados: “A última viagem do navio “Bravo”, “Trovoada sobre a Piazzetta”. Explorações colorísticas ousadas e efeitos de iluminação raros às vezes transformam suas pinturas em espetáculos fantasmagóricos brilhantes: “Fogo do Parlamento de Londres”, “Blizzard. O navio sai do porto e envia sinais de socorro quando entra em águas rasas.” .
Turner possui a primeira pintura de uma locomotiva a vapor sobre trilhos - um símbolo da industrialização. No filme "Rain, Steam and Speed", uma locomotiva a vapor corre ao longo do Tâmisa em meio a uma neblina de chuva. Todos os objetos materiais parecem se fundir em uma imagem miragem que transmite perfeitamente a sensação de velocidade.
O estudo único de Turner sobre efeitos de luz e cor antecipou em grande parte as descobertas dos artistas impressionistas franceses.
Em 1848, surgiu na Inglaterrairmandade pré-rafaelita (do latim prae - “antes” e Rafael), que uniu artistas que não aceitavam a sociedade contemporânea e a arte da escola acadêmica. Eles viram seu ideal na arte da Idade Média e do início da Renascença (daí o nome). Os principais membros da irmandade sãoWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Em seu primeiros trabalhos esses artistas usaram a abreviatura RV em vez de assinaturas .
O amor da antiguidade era semelhante ao dos românticos dos pré-rafaelitas. Eles abordaram histórias bíblicas(“Lâmpada do Mundo” e “O Pastor Infiel” de W. H. Hunt; “A Infância de Maria” e “A Anunciação” de D. G. Rossetti), enredos da história da Idade Média e peças de W. Shakespeare (“Ophelia ”de Millais).
Para pintar figuras e objetos humanos em seu tamanho natural, os pré-rafaelitas aumentaram o tamanho das telas, esboços de paisagens feito da vida. Os personagens de suas pinturas tinham protótipos entre pessoas reais. Por exemplo, D. G. Rossetti retratou a sua amada Elizabeth Siddal em quase todas as suas obras, continuando, como um cavaleiro medieval, a permanecer fiel à sua amada mesmo após a sua morte prematura (“Vestido de Seda Azul”, 1866).
O ideólogo dos pré-rafaelitas foiJohn Ruskin (1819-1900) - escritor inglês, crítico de arte e teórico da arte, autor da famosa série de livros Artistas Modernos.
O trabalho dos pré-rafaelitas influenciou significativamente muitos artistas e tornou-se um prenúncio de simbolismo na literatura (W. Pater, O. Wilde) e nas artes plásticas (O. Beardsley, G. Moreau, etc.).
O apelido “Nazarenos” pode ter vindo do nome da cidade de Nazaré, na Galiléia, onde Jesus Cristo nasceu. Segundo outra versão, surgiu por analogia com o nome da antiga comunidade religiosa judaica dos Nazarenos. Também é possível que o nome do grupo venha do nome tradicional do penteado “Alla Nazarena”, comum na Idade Média e conhecido pelo autorretrato de A. Dürer: a maneira de vestir cabelo comprido, divididos ao meio, foram reintroduzidos por Overbeck.
Biedermeier(Alemão “bravo Meyer”, filisteu) - sobrenome personagem fictício da coleção de poesia do poeta alemão Ludwig Eichrodt. Eichrodt criou uma paródia de cara real- Samuel Friedrich Sauter, um antigo professor que escreveu poesia ingênua. Eichrodt, em seu cartoon, enfatizou o primitivismo filisteu do pensamento de Biedermeier, que se tornou uma espécie de símbolo de paródia da época. pinceladas amplas nas cores preta, marrom e esverdeada transmitem a fúria da tempestade. O olhar do espectador parece estar no centro de um redemoinho; o navio parece um brinquedo de ondas e vento.
A arte do período do romantismo, em sua essência, tem o valor espiritual e criativo do indivíduo, como tema principal da filosofia e da reflexão. Surgiu no final do século XVIII e caracteriza-se por motivos românticos associados a diversas esquisitices e acontecimentos ou paisagens pitorescas. No fundo, o surgimento desta tendência opôs-se ao classicismo, e o prenúncio do seu aparecimento foi o sentimentalismo, que se expressou com bastante clareza na literatura da época.
No início do século XIX, o Romantismo floresceu e ficou completamente imerso em imagens sensuais e emocionais. Além disso, muito fato importante Houve um repensar da atitude em relação à religião nesta época, bem como o surgimento do ateísmo expresso na criatividade. Os valores dos sentimentos e das experiências sinceras são colocados em primeiro plano, e há também um reconhecimento público gradual da presença da intuição em uma pessoa.
Romantismo na pintura
A direção se caracteriza pela ênfase em um tema sublime, fundamental para esse estilo em qualquer atividades criativas. A sensualidade se expressa de todas as formas possíveis e aceitáveis, e esse é o diferencial mais importante dessa direção.
(Christiano Banti "Galileu antes da Inquisição Romana")
Entre os fundadores do romantismo filosófico, destacam-se Novalis e Schleiermacher, mas Theodore Gericault se destacou na pintura nesse aspecto. Na literatura, podemos notar escritores particularmente brilhantes do período do romantismo - os irmãos Grimm, Hoffmann e Heine. Em muitos Países europeus este estilo desenvolveu-se sob forte influência alemã.
As principais características são:
- notas românticas claramente expressas na obra;
- notas de contos de fadas e mitológicas, mesmo em prosa completamente diferente de contos de fadas;
- reflexões filosóficas sobre o sentido da vida humana;
- aprofundando-se no tema do desenvolvimento da personalidade.
(Friedrich Caspar David "Nascer da lua sobre o mar")
Podemos dizer que o romantismo é caracterizado por notas de cultivo da natureza e da naturalidade da natureza humana, e da sensualidade natural. A unidade do homem com a natureza também é glorificada, e as imagens da época da cavalaria, rodeadas por uma aura de nobreza e honra, assim como os viajantes que embarcam facilmente em viagens românticas, também são muito populares.
(John Martin "Macbeth")
Os acontecimentos na literatura ou na pintura se desenvolvem em torno das paixões mais fortes vivenciadas pelos personagens. Os heróis sempre foram indivíduos propensos ao aventureirismo, brincando com o destino e a predeterminação do destino. Na pintura, o romantismo é perfeitamente caracterizado por fenômenos fantásticos que demonstram o processo de formação da personalidade e desenvolvimento espiritual de uma pessoa.
Romantismo na arte russa
Na cultura russa, o romantismo foi especialmente pronunciado na literatura, e acredita-se que as primeiras manifestações dessa tendência se expressem na poesia romântica de Zhukovsky, embora alguns especialistas acreditem que suas obras se aproximem do sentimentalismo clássico.
(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")
O romantismo russo é caracterizado pela liberdade das convenções clássicas, e esse movimento é caracterizado por enredos dramáticos românticos e longas baladas. Na verdade, esta é a ideia mais recente sobre a essência do homem, bem como sobre a importância da poesia e da criatividade na vida das pessoas. Nesse sentido, a mesma poesia adquire um significado mais sério e significativo, embora anteriormente escrever poesia fosse considerado uma diversão vazia comum.
(Fedor Aleksandrovich Vasiliev "Descongelamento")
Na maioria das vezes, no romantismo russo, a imagem do personagem principal é criada como uma pessoa solitária e profundamente sofredora. É ao sofrimento e às experiências emocionais que os autores prestam maior atenção, tanto na literatura como na pintura. Em essência, este é um movimento eterno junto com vários pensamentos e reflexões, e a luta de uma pessoa com as constantes mudanças no mundo que a rodeia.
(Orest Kiprensky "Retrato da Vida Hussardo Coronel E.V. Davydov")
O herói geralmente é bastante egocêntrico e constantemente se rebela contra os objetivos e valores vulgares e materiais das pessoas. Promove-se a eliminação dos valores materiais em favor dos espirituais e pessoais. Entre os personagens russos mais populares e coloridos criados no âmbito deste direção criativa, podemos destacar o personagem principal do romance “Um Herói do Nosso Tempo”. É este romance que demonstra com muita clareza os motivos e notas do romantismo daquele período.
(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Pescadores à beira-mar")
A pintura é caracterizada por motivos de contos de fadas e folclore, românticos e repletos de sonhos diversos. Todas as obras são o mais esteticamente agradáveis possíveis e possuem estruturas e formas corretas e bonitas. Nessa direção não há lugar para linhas duras e formas geométricas, bem como tons excessivamente brilhantes e contrastantes. Neste caso, são utilizadas estruturas complexas e muitos detalhes pequenos e muito importantes na imagem.
Romantismo na arquitetura
A arquitetura da era romântica é semelhante aos castelos de contos de fadas e é incrivelmente luxuosa.
(Palácio de Blenheim, Inglaterra)
Os edifícios mais marcantes e famosos desta época são caracterizados por:
- a utilização de estruturas metálicas, que foram uma invenção recente neste período e representaram uma inovação bastante singular;
- silhuetas e designs complexos que envolvem combinações incríveis de belos elementos, incluindo torres e janelas salientes;
- riqueza e diversidade de formas arquitetônicas, abundância várias combinações tecnologias de utilização de ligas de ferro com pedra e vidro;
- o edifício adquire leveza visual, formas delgadas permitem criar até edifícios muito grandes com volume mínimo.
Maioria ponte famosa deste período foi criado em 1779 na Inglaterra e foi lançado através do rio Severn. Tem comprimento bastante curto, pouco mais de 30 metros, mas foi a primeira estrutura desse tipo. Posteriormente, foram criadas pontes com mais de 70 metros e, após alguns anos, estruturas de ferro fundido começaram a ser utilizadas na construção de edifícios.
Os edifícios tinham até 4 a 5 andares e a disposição interior era caracterizada por formas assimétricas. A assimetria também pode ser vista nas fachadas desta época, e as barras de ferro forjado nas janelas ajudam a enfatizar o clima correspondente. Você também pode usar vitrais, o que é especialmente importante para igrejas e catedrais.
No final do século XVIII e início do século XIX, as ideias do classicismo e do Iluminismo perderam atratividade e relevância. O novo, que, em resposta às técnicas canônicas do classicismo e às teorias morais sociais do Iluminismo, voltou-se para o homem, seu mundo interior, ganhou força e tomou posse das mentes. O romantismo tornou-se muito difundido em todas as áreas vida cultural e filosofia. Músicos, artistas e escritores em suas obras buscaram mostrar o elevado propósito do homem, seu rico mundo espiritual, a profundidade de sentimentos e experiências. A partir de agora, o homem com a sua luta interior, buscas e experiências espirituais, e não as ideias “turvas” de bem-estar e prosperidade geral, tornou-se o tema dominante nas obras de arte.
Romantismo na pintura
Os pintores transmitem a profundidade das ideias e das suas experiências pessoais através das suas criações, utilizando composição, cor e acentos. Diferentes países europeus tinham características próprias na interpretação de imagens românticas. Isto se deve às tendências filosóficas, bem como à situação sócio-política, à qual a arte foi uma resposta viva. A pintura não foi exceção. A Alemanha, fragmentada em pequenos principados e ducados, não passou por sérias convulsões sociais; os artistas não criaram telas monumentais representando heróis titânicos; mundo espiritual homem, sua beleza e grandeza, buscas morais. Portanto, o romantismo na pintura alemã é mais plenamente representado em retratos e paisagens. As obras de Otto Runge são exemplos clássicos desse gênero. Nos retratos feitos pelo pintor, através da elaboração sutil dos traços fisionômicos, dos olhos, através do contraste de luz e sombra, é transmitida a vontade do artista de mostrar a inconsistência da personalidade, seu poder e profundidade de sentimento. Através da paisagem, uma imagem um tanto fantástica e exagerada de árvores, flores e pássaros, o artista também procurou descobrir a versatilidade personalidade humana, sua semelhança com a natureza, diversa e desconhecida. Um representante brilhante O romantismo na pintura foi o paisagista K. D. Friedrich, que enfatizou a força e o poder da natureza, das paisagens montanhosas e marítimas, em consonância com o homem.
O romantismo na pintura francesa desenvolveu-se segundo princípios diferentes. Convulsões revolucionárias, tempestuosas vida social manifestaram-se na pintura pela tendência dos artistas em retratar temas históricos e fantásticos, com pathos e excitação “nervosa”, o que foi conseguido pelo contraste de cores vivas, expressão de movimentos, algum caos e espontaneidade da composição. As ideias românticas são representadas de forma mais completa e vívida nas obras de T. Gericault e E. Delacroix. Os artistas usaram com maestria a cor e a luz, criando uma profundidade pulsante de sentimento, um impulso sublime em direção à luta e à liberdade.
Romantismo na pintura russa
O pensamento social russo respondeu muito vigorosamente às novas direções e tendências emergentes na Europa. e depois a guerra com Napoleão - aqueles significativos eventos históricos, que influenciou seriamente as buscas filosóficas e culturais da intelectualidade russa. O romantismo na pintura russa foi representado em três paisagens principais, a arte monumental, onde a influência do classicismo era muito forte, e as ideias românticas estavam intimamente ligadas aos cânones acadêmicos.
No início do século XIX, foi dada cada vez mais atenção à representação da intelectualidade criativa, poetas e artistas da Rússia, bem como pessoas comuns e camponeses. Kiprensky, Tropinin, Bryullov com muito amor tentaram mostrar a profundidade e a beleza da personalidade de uma pessoa, através de um olhar, um giro da cabeça e detalhes de um traje para transmitir a busca espiritual e o caráter amante da liberdade de seus “modelos. ” Grande interesse para a personalidade de uma pessoa, o seu lugar central na arte contribuiu para o florescimento do gênero do autorretrato. Além disso, os artistas não pintavam autorretratos por encomenda; era um impulso criativo, uma espécie de autorrelato para os seus contemporâneos.
As paisagens nas obras dos românticos também se distinguiram pela originalidade. O romantismo na pintura refletia e transmitia o humor de uma pessoa; a paisagem tinha que estar em sintonia com ele. É por isso que os artistas tentaram retratar a natureza rebelde da natureza, o seu poder e espontaneidade. Orlovsky, Shchedrin, representando o elemento mar, árvores poderosas, cadeias de montanhas, por um lado, transmitiam beleza e multicolorida paisagens reais, por outro lado, criou um certo clima emocional.
