Classicismo musical e as principais etapas do seu desenvolvimento

Classicismo (do latim classicus - exemplar) - estilo em arte XVII- séculos XVIII O nome “classicismo” vem de um apelo à antiguidade clássica como o mais alto padrão de perfeição estética. Representantes do classicismo extraíram seu ideal estético de exemplos Arte antiga. O classicismo baseava-se na crença na racionalidade da existência, na presença de ordem e harmonia na natureza e mundo interior pessoa. A estética do classicismo contém uma soma de regras estritas obrigatórias que devem ser cumpridas peça de arte. Os mais importantes deles são a exigência de um equilíbrio entre beleza e verdade, clareza lógica, harmonia e integridade de composição, proporções estritas e uma distinção clara entre gêneros.

Existem 2 estágios no desenvolvimento do classicismo:

Classicismo do século XVII, que se desenvolveu em parte na luta contra a arte barroca, em parte em interação com ela.

Educacional classicismo XVIII século.

O classicismo do século XVII é, em muitos aspectos, a antítese do barroco. Recebe sua expressão mais completa na França. Este foi o apogeu da monarquia absoluta, que proporcionou o mais alto patrocínio à arte da corte e exigiu dela pompa e esplendor. O topo Classicismo francês no campo da arte teatral estavam as tragédias de Corneille e Racine, bem como as comédias de Molière, em cuja obra Lully se baseou. Suas “tragédias líricas” trazem a marca da influência do classicismo (lógica estrita de construção, heroísmo, caráter sustentado), embora também tenham características barrocas – a pompa de suas óperas, a abundância de danças, procissões e coros.

O classicismo do século XVIII coincidiu com o Iluminismo. O Iluminismo é um amplo movimento na filosofia, literatura, arte, abrangendo tudo países europeus. O nome “Iluminismo” explica-se pelo facto de os filósofos desta época (Voltaire, Diderot, Rousseau) procurarem esclarecer os seus concidadãos e tentarem resolver questões de estrutura. sociedade humana, natureza humana, seus direitos. Os iluministas partiram da ideia da onipotência da mente humana. A fé no homem, em sua mente, determina a atitude brilhante e otimista inerente às visões das figuras do Iluminismo.

A ópera está no centro dos debates musicais e estéticos. Os enciclopedistas franceses consideravam-no um gênero em que deveria ser restaurada a síntese das artes que existia no teatro antigo. Esta ideia formou a base da reforma da ópera de K.V. Gluck.

A grande conquista do classicismo educacional é a criação do gênero sinfonia (ciclo sonata-sinfônico) e da forma sonata, que está associada à obra dos compositores da escola de Mannheim. Escola de Mannheim, formada em Mannheim (Alemanha) em meados do século 18 século baseado na capela da corte, onde trabalhavam principalmente músicos tchecos ( maior representante- Tcheco Jan Stamitz). Na obra dos compositores da escola de Mannheim, foram estabelecidas a estrutura de 4 movimentos da sinfonia e a composição clássica da orquestra.

A Escola de Mannheim tornou-se a antecessora da Escola Clássica Vienense - Direção musical, denotando a obra de Haydn, Mozart, Beethoven. Na criatividade Clássicos vienenses Formou-se finalmente o ciclo sonata-sinfônico, que se tornou clássico, assim como os gêneros conjunto de câmara e concerto.

Entre os gêneros instrumentais, vários tipos de música de entretenimento doméstico eram especialmente populares - serenatas, divertissements, tocadas ao ar livre à noite. Divertimento (entretenimento francês) - obras instrumentais multimovimento para conjunto de câmara ou orquestra, combinando características de sonata e suíte e próximas de serenata e noturno.

K. V. Gluck - o grande reformador da ópera

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - Alemão de nascimento (nascido em Erasbach (Baviera, Alemanha)), porém, é um dos mais destacados representantes da escola clássica vienense.

As atividades reformistas de Gluck ocorreram em Viena e Paris e foram realizadas de acordo com a estética do classicismo. No total, Gluck escreveu cerca de 40 óperas - italiana e francesa, buffa e seria, tradicional e inovadora. Foi graças a este último que garantiu um lugar de destaque na história da música.

Os princípios da reforma de Gluck são expostos no prefácio da partitura da ópera Alceste. Eles se resumem ao seguinte:

A música deve expressar texto poéticoópera, ela não pode existir por si só, fora da ação dramática. Assim, Gluck aumenta significativamente o papel de base literária e dramática da ópera, subordinando a música ao drama.

A ópera deve ter um impacto moral sobre uma pessoa, daí o apelo a histórias antigas com seu alto pathos e nobreza (“Orfeu e Eurídice”, “Paris e Helena”, “Ifigênia em Áulis”). G. Berlioz chamou Gluck de “Ésquilo da música”.

A ópera deve obedecer “aos três grandes princípios da beleza em todas as formas de arte” – “simplicidade, verdade e naturalidade”. É necessário livrar a ópera do excessivo virtuosismo e da ornamentação vocal (inerente à ópera italiana) e dos enredos intrincados.

Não deve haver um contraste acentuado entre a ária e o recitativo. Gluck substitui o recitativo secco por um acompanhado, pelo que se aproxima de uma ária (na ópera séria tradicional, os recitativos serviam apenas como ligação entre os números dos concertos).

Gluck também interpreta as árias de uma nova maneira: introduz características de liberdade de improvisação e conecta o desenvolvimento do material musical com uma mudança no estado psicológico do herói. Árias, recitativos e coros são combinados em grandes cenas dramáticas.

A abertura deve antecipar o conteúdo da ópera e introduzir os ouvintes na sua atmosfera.

O balé não deve ser um número inserido que não esteja relacionado com a ação da ópera. A sua introdução deve ser condicionada pelo desenrolar da acção dramática.

A maioria desses princípios foi incorporada na ópera “Orfeu e Eurídice” (estreia em 1762). Esta ópera marca o início de uma nova etapa não só na obra de Gluck, mas também na história de toda a ópera europeia. "Orfeu" foi seguido por outro ópera inovadora- “Alceste” (1767).

Em Paris, Gluck escreveu outras óperas reformistas: Ifigênia em Aulis (1774), Armida (1777), Ifigênia em Tauris (1779). A produção de cada um deles se transformou em um acontecimento grandioso na vida de Paris, causando acirradas polêmicas entre os “Gluckistas” e os “Piccinistas” - partidários da ópera tradicional italiana, personificada pelo compositor napolitano Nicolo Piccini (1728 - 1800). ). A vitória de Gluck nesta controvérsia foi marcada pelo triunfo de sua ópera Ifigênia em Tauris.

Assim, Gluck transformou a ópera em uma arte de elevados ideais educacionais, imbuiu-a de profundo conteúdo moral e revelou sentimentos humanos genuínos no palco. Reforma da ópera Gluck teve uma influência frutífera sobre seus contemporâneos e gerações subsequentes compositores (especialmente clássicos vienenses).

Universidade Estadual de Perm

Departamento de História Nova e Contemporânea

Resumo sobre o tema

Música da França durante o Iluminismo

Concluído por: aluno do 3º ano

1 grupo IPF

Marina Efimova

Introdução

Iluminismo - um movimento intelectual e espiritual do final do século XVII - início do século XIX. na Europa e América do Norte. Foi uma continuação natural do humanismo da Renascença e do racionalismo do início da era moderna, que lançou as bases da cosmovisão iluminista: a rejeição de uma cosmovisão religiosa e um apelo à razão como único critério para o conhecimento do homem e da sociedade .

No século XVIII, a França tornou-se o centro do movimento educacional. Na primeira fase do Iluminismo francês, as figuras principais foram Montesquieu (1689 - 1755) e Voltaire (1694 - 1778). Nas obras de Montesquieu recebeu desenvolvimento adicional A doutrina de Locke sobre o Estado de Direito. Voltaire aderiu a outros Ideologia política. Ele era um ideólogo do absolutismo esclarecido e procurou incutir as ideias do Iluminismo nos monarcas da Europa. Ele se distinguiu por suas atividades anticlericais claramente expressas, se opôs ao fanatismo e à hipocrisia religiosa, ao dogmatismo da igreja e à supremacia da igreja sobre o estado e a sociedade. Na segunda fase do Iluminismo francês, o papel principal foi desempenhado por Diderot (1713 - 1784) e pelos enciclopedistas. A Enciclopédia, ou Dicionário Explicativo de Ciências, Artes e Ofícios, 1751-1780 foi a primeira enciclopédia científica, que delineou os conceitos básicos no campo das ciências físicas e matemáticas, ciências naturais, economia, política, engenharia e arte. Na maioria dos casos, os artigos eram completos e refletiam o estado mais recente do conhecimento.

O terceiro período apresentou a figura de J.-J. Rousseau (1712 - 1778). Ele se tornou o mais proeminente divulgador das ideias do Iluminismo. Rousseau propôs sua própria forma de estruturação política da sociedade. As ideias de Rousseau encontraram seu desenvolvimento na teoria e na prática dos ideólogos da Grande Revolução Francesa.

O Iluminismo influenciou grandemente a arte e a cultura de toda a Europa e, em particular, a música da França como centro do Iluminismo.

O objetivo deste resumo é Revisão geral música da França naquela época.

XVII e início Século XVIII- um dos períodos significativos e brilhantes da história da música francesa. Todo um período de desenvolvimento da arte musical associado ao “antigo regime” estava a tornar-se coisa do passado; a era do último Luís, a era do classicismo e do rococó, estava chegando ao fim. A Era do Iluminismo começou. Os estilos, por um lado, foram demarcados; por outro lado, eles se sobrepunham e se fundiam, formando estranhos híbridos difíceis de analisar. A aparência da entonação e a estrutura figurativa da música francesa eram mutáveis ​​​​e variadas. Mas a tendência dominante, que caminhava na direcção da revolução iminente, emergiu com inexorável clareza 1 .

No final do século XVII - início do século XVIII. quintal e se tornou o principal cliente para escrever e executar música (aparece um monopólio) e, como resultado, função principal A música francesa da era do Iluminismo deveria servir às necessidades da corte francesa - danças e apresentações diversas.

A ópera francesa foi, em alguns aspectos, filha do classicismo. Seu nascimento foi evento importante na história da cultura nacional do país, que até a segunda metade do século XVII quase não conhecia outra arte operística, exceto a italiana importada. No entanto, o solo francês cultura artística não lhe parecia estranho e estéril. A ópera baseou-se em premissas histórico-gênero nacionais e assimilou de forma bastante orgânica suas aquisições 2 .

Pai ópera francesa Jean Baptiste Lully (1632 - 1687) pode ser considerado com razão um compositor, violinista, dançarino, maestro e professor de origem italiana; Conselheiro e Secretário do Rei, da Casa Real e da Coroa de França; Sur-Intendente da Música de Sua Majestade.

Em 3 de março de 1671, a primeira ópera francesa Pomona, escrita por Pierre Perrin e Robert Cambert, estreou em Paris. Não foi nem uma ópera, mas sim uma pastoral, mas foi um sucesso fantástico de público, concorrendo a 146 apresentações na Academia de Ópera, para as quais Perrin teve o privilégio de 15 anos do rei. Apesar disso, Perrin faliu e foi mandado para a prisão. Lully, o colaborador próximo do rei, sentiu com muita sensibilidade o humor do público e, mais importante, do rei. Ele abandona Molière, em 1672 compra o privilégio de Perrin e, tendo recebido uma série de patentes especiais do rei, recebe poder total sobre o palco da ópera francesa.

A primeira “tragédia musicada” foi a tragédia “Cadmo e Hermione”, escrita com poemas de Philip Kino. O enredo foi escolhido pelo rei. A estreia da ópera ocorreu em 27 de abril de 1673] no Palais Royal, após a morte de Molière, dada a Lully. Característica principal suas óperas tornaram-se particularmente expressivas nas melodias: enquanto as compunha, Lully ia assistir às atuações de grandes atores trágicos. Ele observa sua recitação dramática e depois a reproduz em suas composições. Ele seleciona seus próprios músicos e atores e os treina ele mesmo. Ele mesmo ensaia suas óperas e as rege com um violino nas mãos. No total, compôs e encenou 13 “tragédias na música” no teatro: “Cadmo e Hermione” (1673), “Alceste” (1674), “Teseu” (1675), “Atis” (1676), “Ísis” (1677), Psiquê (1678, versão ópera da comédia-balé 1671), Belerofonte (1679), Prosérpina (1680), Perseu (1682), Faetonte (1683), Amadis (1684), "Roland" (1685) e "Armid" (1687). A ópera “Aquiles e Polixena” (1687) foi concluída por Pascal Colas 3 após a morte de Lully.

Primeiro terço do século XVIII. foi muito difícil para a arte da ópera. Podem ser chamados de tempos de atemporalidade, de confusão estética, de uma espécie de descentralização da ópera - tanto no sentido de gestão da casa de ópera quanto no sentido de artisticamente. Praticamente não aparecem grandes indivíduos criativos 4 . Entre os muitos compositores que atuaram na ópera, o mais significativo é André Campra (1660 - 1744). Depois de Lully, este foi o único compositor que conseguiu substituí-lo, pelo menos até certo ponto. Apenas a aparição de Rameau relegou um pouco as obras de Kampra para segundo plano. Os pasticcios de Campra (isto é, óperas compostas por trechos de óperas de vários compositores de maior sucesso) - “Fragments de Lulli”, “Telemaque ou les fragments des modernes” - tiveram enorme sucesso. De obras originais Campra destaca “La séyrénade vénétienne ou le jaloux trompé”. Campra escreveu 28 obras para palco; Também compôs cantatas e motetos. 5

Durante a época de Luís XV, a ópera francesa foi influenciada por forças completamente diferentes e até mesmo dirigidas de forma oposta: a inércia do heroísmo criado classicismo XVII século; a influência de joias requintadamente elegantes e finas e, muitas vezes, do rococó idílico; o novo classicismo cívico e polemicamente didático do dramaturgo Voltaire e sua escola; finalmente, ideias estéticas enciclopedistas (D'Alembert, Diderot e outros). O chamado “estilo Versalhes” consolidou-se no teatro da capital, preservando o enredo e o esquema do classicismo, mas dissolvendo-os num divertissement brilhante e elegante e distinguido por um luxo de produção particularmente requintado: cenários, adereços, figurinos e decoração arquitetônica auditório. Um fator importante a formação do “estilo Versalhes” com sua hegemonia característica do balé, foi a formação e aperfeiçoamento da nova escola francesa na primeira metade do século XVIII arte coreográfica- uma escola que se tornou uma força cultural e artística extremamente influente e teve um impacto intenso na ópera 6.

Outro Compositor francês, que influenciou significativamente a música da França durante o Iluminismo, é Jean Philippe Rameau. O tipo de ópera de Rameau é francês, não italiano: o desenvolvimento musical não é interrompido, a transição dos números vocais completos para os recitativos é suavizada. Nas óperas de Rameau, o virtuosismo vocal não ocupa um lugar central; eles contêm muitos interlúdios orquestrais e, em geral, grande atenção é dada à parte orquestral o tempo todo; Refrões e cenas prolongadas de balé também são essenciais. Comparado ao modelo operístico clássico posterior, Rameau tem menos vocais e aproximadamente o mesmo número de orquestra e coro. A melodia de Rameau acompanha o texto o tempo todo, transmitindo seu significado com mais precisão do que a ária italiana; embora fosse um excelente melodista, a linha vocal em suas óperas é, em princípio, mais próxima do recitativo do que da cantilena. Principal meios expressivos torna-se não uma melodia, mas um uso rico e expressivo da harmonia - esta é a originalidade do estilo operístico de Rameau. O compositor utilizou em suas partituras as capacidades da orquestra contemporânea da Ópera de Paris: cordas, instrumentos de sopro, trompas e percussão, e Atenção especial prestou atenção aos instrumentos de sopro, cujos timbres criam a originalidade da cor orquestral nas óperas de Rameau. A escrita coral varia dependendo das situações de palco; os refrões são sempre dramáticos e muitas vezes têm um caráter de dança; Suas intermináveis ​​​​danças e cenas de balé são caracterizadas por uma combinação de beleza plástica com expressividade emocional; São precisamente os fragmentos coreográficos das óperas de Rameau que cativam imediatamente o ouvinte. O mundo imaginativo deste compositor é muito rico, e qualquer um dos estados emocionais apresentados no libreto se reflete na música. Assim, a saudade apaixonada é captada, por exemplo, nas peças para teclado Tímido (La timide) e Conversa das Musas (L "Entretien des Muses), bem como em muitas cenas pastorais de suas óperas e óperas-ballets 7.

A maioria das obras do compositor são escritas em formas antigas, agora extintas, mas isso não afeta de forma alguma a alta avaliação de seu patrimônio. Rameau pode ser colocado ao lado de G. Purcell e, quanto aos seus contemporâneos, ele perde apenas para Bach e Handel. 8

O legado de Rameau consiste em várias dezenas de livros e vários artigos sobre música e teoria acústica; quatro volumes de peças para cravo (um deles, Peças de Concerto, para cravo e flauta com viola da gamba); vários motetos e cantatas solo; 29 obras teatrais - óperas, ópera-balés e pastorais.

Rameau explicou o uso contemporâneo dos acordes com a ajuda de um sistema harmonioso baseado na natureza física do som e, nesse aspecto, foi além do famoso acústico J. Sauveur. É verdade que a teoria de Rameau, ao mesmo tempo que ilumina a essência da consonância, deixa inexplicável a dissonância, que não se forma a partir dos elementos da série harmônica, bem como a possibilidade de reduzir todos os sons temperados a uma oitava.

Hoje valor mais alto Não é a pesquisa teórica de Rameau que importa, mas a sua música. O compositor trabalhou ao mesmo tempo com J. S. Bach, G. F. Handel, D. Scarlatti e sobreviveu a todos eles, mas a obra de Rameau difere da música de seus grandes contemporâneos. Hoje em dia, suas peças para teclado são as mais famosas, mas o principal campo de atuação do compositor era a ópera. Teve a oportunidade de trabalhar em gêneros cênicos já aos 50 anos e aos 12 anos criou suas principais obras-primas - as tragédias líricas “Hipólito e Arisia” (1733), “Castor e Pólux” (1737) e “Dardan” ( duas edições - 1739 e 1744); óperas e balés “Gallant India” (1735) e “The Celebrations of Hebe” (1739); comédia lírica "Platea" (1745). Rameau compôs óperas até os 80 anos e cada uma delas contém fragmentos que confirmam sua fama de grande dramaturgo musical 9 .

As ideias dos enciclopedistas também desempenharam um papel papel importante em preparação para a reforma de K.V. Gluck, que levou à criação de um novo estilo operístico que incorporava os ideais estéticos do terceiro estado às vésperas da Grande Revolução Francesa. A produção em Paris das óperas Ifigênia em Aulis (1774), Armida (1777) e Ifigênia em Tauris (1779) de Gluck intensificou a luta entre direções. Os adeptos da antiga ópera francesa, bem como os defensores da ópera italiana, que se opunham a Gluck, contrastaram-na com a obra tradicional de N. Piccinni. A luta entre os “Gluckistas” e os “Piccinnistas” (Gluck saiu vitorioso) reflectiu as profundas mudanças ideológicas que ocorreram em França na 2ª metade do século XVIII.

Nas óperas de Lully e Rameau, desenvolveu-se um tipo especial de abertura, mais tarde chamada de francesa. Esta é uma peça orquestral grande e colorida composta por três partes. Os movimentos extremos são lentos, solenes, com abundância de passagens curtas e outras decorações requintadas do tema principal. Para o meio da peça, via de regra, optou-se por um andamento rápido (era óbvio que os autores possuíam um domínio brilhante de todas as técnicas da polifonia). Tal abertura não era mais um número casual ao qual os retardatários se sentavam ruidosamente, mas um trabalho sério que colocava o ouvinte em ação e revelava as ricas possibilidades do som da orquestra. Das óperas, a abertura francesa logo passou para a música de câmara e mais tarde foi frequentemente usada nas obras dos compositores alemães G. F. Handel e J. S. Bach. No campo da música instrumental na França, as principais conquistas estão associadas ao cravo. A música para teclado é representada em dois gêneros. Uma delas são as peças em miniatura, simples, elegantes, sofisticadas. Eles são importantes peças pequenas, tenta representar uma paisagem ou cena com sons. Os cravistas franceses criaram um estilo melódico especial, cheio de decorações requintadas - melismas (do grego “melos” - “canção”, “melodia”), que são uma “renda” de sons curtos que podem até formar uma pequena melodia. Havia muitas variedades de melismas; foram indicados no texto musical com sinais especiais. Como o som do cravo não dura, muitas vezes são necessários melismas para criar um som contínuo. melodia sonora ou frase. Outro gênero de música francesa para teclado é a suíte (da suíte francesa - “linha”, “sequência”). Tal trabalho consistia em várias partes - peças de dança, de caráter contrastante; eles seguiram um ao outro. Para cada suíte eram exigidas quatro danças principais: allemande, courante, sarabande e gigue. A suíte pode ser chamada de gênero internacional, pois incluía danças de diferentes culturas nacionais. Allemande (do francês allemande - “alemão”), por exemplo, de origem alemã, o carrilhão (do francês courante - “correndo”) - italiano, berço da sarabande (zarabanda espanhola) - Espanha, gabaritos (inglês, gabarito) - Inglaterra. Cada uma das danças tinha seu próprio caráter, tamanho, ritmo, andamento. Aos poucos, além dessas danças, outros números passaram a ser incluídos na suíte - minueto, gavota, etc. O gênero suíte encontrou sua encarnação madura nas obras de Handel e Bach 10.

A Revolução Francesa também influenciou muito a música. Durante esses anos, generalizou-se ópera cômica(embora as primeiras óperas cômicas tenham surgido no final do século XVII 11) - principalmente performances de um ato baseadas em música folclórica. Esse gênero era muito popular entre as pessoas - os motivos e as palavras dos versos eram facilmente lembrados. A ópera cômica se difundiu no século XIX. Mesmo assim, o gênero mais popular foi, sem dúvida, a música. A nova função social da música, nascida da situação revolucionária, deu origem a géneros de massa, incluindo marchas e canções (“Canção do 14 de Julho” de Gossec), composições para vários coros e orquestras (Lesueur, Megul). Canções patrióticas foram criadas. Durante os anos da revolução (1789 - 1794), surgiram mais de 1.500 novas canções. A música foi parcialmente emprestada de óperas cômicas e canções folclóricas dos séculos XVI a XVII. 4 canções foram especialmente apreciadas: “Saera” (1789), “Marching Song” (1794), “Carmagnola” (1792) - o nome provavelmente vem do nome da cidade italiana de Carmagnola, onde a maior parte da população trabalhava. pobre, o hino revolucionário da “Marselhesa”; agora o hino nacional; composto e musicado por Rouget de Lisle em Estrasburgo após a declaração de guerra em abril de 1792. Sob a influência da ideologia revolucionária, novos gêneros surgiram - performances de propaganda usando grandes massas corais (“O Escolhido Republicano, ou a Festa da Razão” por Grétry, 1794; “O Triunfo da República, ou Acampamento em Grandpre” de Gossec. 1793), bem como a “ópera da salvação”, colorida pelo romance da luta revolucionária contra a tirania (“Lodoiska”, 1791, e "Portador de Água", 1800, Cherubini; "A Caverna" de Lesueur, 1793) 12. Mudanças revolucionárias também afetaram o sistema de educação musical. As escolas religiosas (metriz) foram abolidas em 1793 em Paris com base na fusão Escola de música O Instituto Nacional de Música (desde 1795 - Conservatório de Música e Declamação) foi criado pela Guarda Nacional e pela Escola Real de Canto e Declamação. Paris tornou-se o centro mais importante de educação musical.

Conclusão

A música francesa do Iluminismo desenvolveu-se de acordo com a própria época. Assim, a ópera cômica francesa, de uma comédia justa com música, tornou-se um gênero musical e teatral consagrado. significado independente, apresentado por grandes figuras artísticas de diferentes personalidades, muitas variedades de gênero, grande quantia trabalhos interessantes e influentes.

A música, como antes, desenvolveu-se simultaneamente em diversas direções - oficial e folclórica. O absolutismo foi ao mesmo tempo um catalisador e um inibidor do desenvolvimento da música oficial - isto é, da ópera, do balé, em geral, teatral - por um lado, havia uma ordem estatal para a escrita e execução da música, por outro,; monopólios estatais, que quase não permitiram o desenvolvimento de novos compositores e movimentos.

A música folclórica difundiu-se graças à Grande Revolução Francesa em hinos, marchas e canções, cuja autoria da maior parte é agora quase impossível de estabelecer, mas que não perderam o seu valor cultural.

Lista de literatura usada

1. 
   K. K. Rosenshield Música em França XVII- início do século XVIII, - M.: “Música”, 1979
2. 
   Dicionário Enciclopédico de Brockhaus e Efron (1890-1907).
3. 
   Grande Enciclopédia Soviética

Recursos da Internet:

35. Arte musical durante a Era do Iluminismo

A arte musical pode ser equiparada ao teatro e à arte literária. Óperas e outras obras musicais foram escritas sobre temas de obras de grandes escritores e dramaturgos.

O desenvolvimento da arte musical está principalmente associado aos nomes de grandes compositores como JS Bach, GF Handel, J. Haydn, WA Mozart, LV Beethoven e etc.

O compositor, organista e cravista alemão foi um mestre insuperável da polifonia. Johann Sebastian Bach(1685–1750). Suas obras estavam imbuídas de profundo significado filosófico e elevada ética. Ele foi capaz de resumir as conquistas na arte musical que seus antecessores alcançaram. Suas obras mais famosas são “O Cravo Bem Temperado” (1722-1744), “A Paixão de São João” (1724), “A Paixão de São Mateus” (1727 e 1729), muitos concertos e cantatas, e a Missa menor (1747-1749) etc.

Ao contrário de J. S. Bach, que não escreveu uma única ópera, o compositor e organista alemão George Frideric Handel (1685–1759) pertencem a mais de quarenta óperas. Bem como obras sobre temas bíblicos (oratórios “Israel no Egito” (1739), “Saulo” (1739), “Messias” (1742), “Sansão” (1743), “Judas Macabeu” (1747), etc.) , concertos de órgão, sonatas, suítes, etc.

O grande compositor austríaco era um mestre em gêneros instrumentais clássicos, como sinfonias, quartetos e também formas sonatas.

José Haydn (1732–1809). Foi graças a ele que se formou a composição clássica da orquestra. É dono de vários oratórios (“As Estações” (1801), “A Criação do Mundo” (1798)), 104 sinfonias, 83 quartetos, 52 sonatas para piano, 14 messitas, etc.

Outro compositor austríaco, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), foi uma criança prodígio, graças à qual se tornou famoso na primeira infância. Ele escreveu mais de 20 óperas, incluindo as famosas “As Bodas de Fígaro” (1786), “Don Giovanni” (1787), “ flauta mágica"(1791), mais de 50 sinfonias, muitos concertos, obras de piano(sonatas, fantasias, variações), “Requiem” inacabado (1791), canções, missas, etc.

Um destino difícil, que deixou sua marca em toda criatividade, foi Compositor alemão Ludwig van Beethoven (1770-1827). Sua genialidade se manifestou já na infância e não o deixou nem no terrível problema de qualquer compositor e músico - a perda auditiva. Suas obras têm caráter filosófico. Muitas obras foram influenciadas por suas visões republicanas como compositor. Beethoven possui nove sinfonias, sonatas instrumentais (Moonlight, Pathétique), dezesseis quartetos de cordas, conjuntos, a ópera Fidelio, aberturas (Egmont, Coriolanus), concertos para piano e orquestra e outras obras.

Sua famosa expressão: “A música deveria acender o fogo no coração das pessoas”. Ele seguiu essa ideia pelo resto da vida.