Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

"O Último Dia de Pompéia", Karl Bryullov

"O Último Dia de Pompéia", de Karl Bryullov, é a pintura mais famosa do mundo sobre o tema da erupção do Vesúvio.

Após a apresentação da pintura em Milão em 1833, Bryullov tornou-se objeto de culto fanático na Itália, que nenhum artista foi homenageado neste país desde o Renascimento. Quando ele descia a rua - os transeuntes tiravam o chapéu na frente dele, quando ele entrava no teatro - a platéia se levantava. Multidões de pessoas se reuniram perto de sua casa, desejando cumprimentar seu ídolo.

É interessante que Bryullov tenha se retratado em um dos personagens da pintura, e sua amiga condessa Yulia Samoilova aparece na tela três vezes.

"A Nona Onda", I.K. Aivazovsky

O verdadeiro nome de Ivan Konstantinovich Aivazovsky é Hovhannes Gevorgovich Ayvazyan.

Para criar a pintura "A Nona Onda" Aivazovsky usou apenas 4 cores - vermelho, amarelo, verde e marrom. Os efeitos colorísticos mais ricos da tela são criados pela mistura de cores primárias.

Aivazovsky tinha uma memória visual absoluta e criou a maioria de suas pinturas sem natureza, usando apenas esboços condicionais. Ele trabalhou tão rápido que conseguiu pintar uma vista marinha de tamanho médio em 2 horas. Durante sua vida, o artista pintou mais de 6 mil quadros.

"Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco", I. E. Repin

Poucas pessoas sabem que a pintura "Cossacos escrevem uma carta ao sultão turco" não está sozinha. Existem três versões que diferem ligeiramente na composição e nos personagens. A versão de 1887 está em exposição no Galeria Tretyakov, versão de 1891 (básica) no Museu Estatal Russo em São Petersburgo. O terceiro, que o artista chamou de "o mais confiável historicamente", está localizado na terra natal de I.E. Repin, no Museu de Arte de Kharkov.

Como modelos para os seis personagens dos Zaporozhians, Repin usou seus conhecidos e amigos, adequados para o tipo. Em particular, um cossaco corpulento de chapéu branco, que muitos comparam com Taras Bulba, é Vladimir Gilyarovsky (“Tio Gilyai”), viajante famoso e escritor.

"Sadko", I. E. Repin

"Sadko" - a única pintura de Repin em história de fadas, e um dos poucos em que usou a técnica dos impressionistas. O artista conheceu o impressionismo na França, para onde viajou como pensionista da Academia de Artes. Repin chegou a pintar várias pinturas usando suas técnicas (“Sadko”, “Last Ray”, etc.), mas o resultado do mestre iniciante não foi satisfeito. E embora ele fosse previsto para ser um grande sucesso nos círculos impressionistas, ele abandonou resolutamente o estilo, que ele considerava "tecnicamente interessante, mas decididamente vazio em significado".

O modelo para criar a imagem de Sadko era um amigo de I. E. Repin, artista V. M. Vasnetsov (autor de Bogatyrs, Alyonushka, etc.)

"O Cavaleiro na Encruzilhada", V.M. Vasnetsov

Três pinturas "O Cavaleiro na Encruzilhada" foram pintadas. Nas duas primeiras versões, o herói está de frente para o público. A versão de 1878 é mantida no Museu Histórico e de Arte de Serpukhov. A versão de 1879 foi exibida na primeira exposição da "União dos Artistas Russos" em 1903-1904. e foi comprado por um colecionador americano. 110 anos depois, em 2013, a pintura retornou à Rússia e foi apresentada em Moscou na vernissage "Rússia: a tentação da história". A versão de 1882, na qual o cavaleiro está de costas para o público, pode ser vista no Museu Estatal Russo.

« Noite de luar no Dnieper”, A. I. Kuindzhi

Em 1880, foi realizada uma exposição em São Petersburgo, na qual uma única pintura foi exibida. Mesmo assim, ela fez barulho, filas se formaram na exposição e muitos visitantes vieram ver a foto mais de uma vez. Era "Moonlight Night on the Dnieper" de Arkhip Ivanovich Kuindzhi. O inusitado luar apresentado na tela foi enfatizado pelo fato de a pintura ter sido exposta em sala escura. Muitos visitantes não acreditavam que fosse possível pintar a luz da lua de forma tão realista e olhavam para trás do quadro em busca de uma lâmpada escondida.

"Suvorov Atravessando os Alpes", V. I. Surikov

Tendo concebido a pintura “Suvorov Atravessando os Alpes”, V. I. Surikov foi à Suíça e visitou todas as passagens, onde em 1799 passou o exército do famoso generalíssimo. Ele não apenas pintou esboços de paisagens para a imagem futura nesses lugares, mas também rolou a neve e o gelo, determinando a velocidade dos personagens em diferentes estágios da descida.

O quadro foi pintado e exibido em 1899 - por ocasião do 100º aniversário da façanha militar incomparável de A. Suvorov.

Os diretores famosos Andrei Konchalovsky e Nikita Mikhalkov são descendentes diretos de V.I. Surikov.

Se você encontrar um erro de digitação ou erro, selecione o fragmento de texto que o contém e pressione Ctrl + ↵

Descrição

A história da criação do museu remonta a século XIX. Prédio Palácio Mikhailovsky, no qual o Museu Russo foi posteriormente fundado, foi construído de acordo com o projeto do arquiteto Carl Rossi em 1819-1825, cuja aparência arquitetônica é reconhecida como um excelente exemplo de conjunto palaciano no estilo alto classicismo. O primeiro proprietário do palácio foi Grão-Duque Mikhail Pavlovich - o quarto filho do imperador Paulo I.

NO Europa XIX séculos, já existem museus públicos de belas artes, a ideia de abrir um museu estatal de arte nacional também está sendo discutida entre a elite educada da sociedade russa.

Em 1889, o imperador Alexandre III adquiriu a pintura de I. Repin “Nicholas de Mirlikisky salva três inocentemente condenados da morte” - este evento está associado à ideia do soberano, que ele expressou sobre a fundação de um museu nacional nacional.
O plano de Alexandre III foi realizado por seu sucessor, o imperador Nicolau II, em 1895, o Museu Russo do imperador Alexandre III foi estabelecido. No mesmo ano, começou a reconstrução das salas do Palácio Mikhailovsky para as exposições do museu, sob a orientação do arquiteto V.F. Svinin.

A grande inauguração do "Museu Russo do Imperador Alexandre III" ocorreu em 7 de março de 1898.
A coleção do museu era composta por obras de arte doadas do Hermitage, da Academia de Artes, dos palácios Gatchina e Tsarskoye Selo Alexander, além de coleções doadas de colecionadores particulares.

De acordo com o plano, a exposição do museu seria representada por três departamentos:
- departamento memorial dedicado à memória Imperador Alexandre III;
- departamento etnográfico e arte-industrial;
- Departamento de Arte.
A construção das dependências do Memorial foi adiada e nunca foi inaugurada.

A coleção do departamento etnográfico foi exibida no Museu Russo, mas em 1934 foi transferida para o museu aberto Museu do Estado etnografia dos povos da URSS.
A coleção do departamento de arte foi ativamente reabastecida e desenvolvida, como resultado, o Museu Russo tornou-se a maior coleção de belas artes nacionais.

Em 1914, os salões do Palácio Mekhailovsky não continham mais toda a coleção do Museu Russo e, em 1914-1919, um novo prédio de exposições foi erguido de acordo com o projeto dos arquitetos L. Benois e S. Ovsyannikov, em homenagem ao nome do autor - o edifício Benois.
Os salões do Museu Estatal Russo estão amplamente representados arte nacional, começando com Rússia antiga e até o nosso tempo.

Antigos ícones russos da coleção do Museu Russo, cuja exposição começou a se formar mesmo na fundação do museu e foi reabastecida durante o século 20, não são apenas monumentos da antiga arte russa, mas obras-primas de importância mundial.

Ao formar uma coleção pintura de cavalete as melhores obras de artistas dos séculos XVIII-XIX serviram de base. Isso são telas pintura de retrato I. Vishnyakova, D. Levitsky, V. Borovikovsky, pinturas de temas antigos de F. Bruni, G. Ugryumov, a obra-prima mundialmente famosa de K. Bryullov “O Último Dia de Pompeia” e suas outras grandes telas, pinturas do pintor marinho insuperável I. Aivazovsky e sua famosa "Nona Onda". Lugar especial na coleção do Museu Russo é ocupado por muitos artistas do segundo semestre XIX início Séculos XX - A. Ivanov, V. Vasnetsov, K. Makovsky, I. Repin, K. Savitsky, V. Polenov, V. Vereshchagin, V. Surikov, M. Vrubel. Excelentes pintores de paisagens russos estão amplamente representados no museu - o conhecido I. Shishkin, I. Levitan, A. Kuindzhi. De particular interesse são as obras de artistas da associação "Mundo da Arte", que trabalharam não só na direção da arte de cavalete, mas também na arte teatral, criando cenários e figurinos teatrais.

No período pós-revolucionário, a coleção do Museu Russo é reabastecida por coleções particulares nacionalizadas e obras criadas por artistas das "novas tendências".

No primeiro andar Corpo de Benois exibido grande coleção funciona período soviético e exposições temáticas.
Atualmente, o acervo do museu é constantemente reabastecido não apenas por meio de compras governamentais, mas também por meio de doações de coleções particulares ao museu.

Hoje o Museu Estatal Russo é complexo de museus e inclui os palácios Mikhailovsky, Mármore e Stroganov, o castelo Mikhailovsky (Engenharia), a Casa de Pedro I, conjuntos de jardins e parques - Jardim de verão com o Palácio de Verão de Pedro I e o Jardim Mikhailovsky.

A última vez que estive no Museu Russo foi há muito tempo, quando estava na escola. E agora, quase vinte anos depois, amadureci para ir até lá conscientemente.

Acabou sendo bastante difícil para um simples russo entrar no Museu Russo. E absolutamente razão banal: eles ficaram sem números no guarda-roupa. A entrada foi bloqueada por uma tia estrita com um walkie-talkie e apenas grupos de excursão e cidadãos com crianças foram autorizados a entrar. Depois de quase uma hora parados e sem nos mexermos, demos um passo desesperado - juramos publicamente que nem olharíamos na direção do guarda-roupa. E, vejam só, perdemos.
Com tal organização, por exemplo, a linha para os Museus do Vaticano daria voltas ao redor do Vaticano. Mas não somos o Vaticano, de repente sentimos frio lá fora.

Para tirar fotos no museu, a câmera teve que comprar um ingresso separado pelo mesmo preço que eu - 250 rublos (para estrangeiros, a entrada é cem rublos mais cara).

Eu sou uma pessoa distante da arte, então para mim o principal critério para avaliar qualquer trabalho é "gostar" (bonito) / "não gostar" (feio). Por exemplo, eu absolutamente não gosto da imagem na foto do título.
O que eu gostei, vou mostrar abaixo.

K. Briullov. O último dia de Pompéia. 1833.
A imagem, que se tornou uma crônica documental evento histórico. Tem um tamanho enorme, e se você se aproximar, seu olhar repousa sobre as pedras do pavimento cobertas de cinzas, coisas espalhadas sob os pés dos heróis – algo que você não vê nas ilustrações. Isso aumenta muito o realismo do que está acontecendo. Quando andava por Pompeia, era absolutamente impossível tirar esta imagem da minha cabeça: o céu vermelho, tudo desmoronando e figuras congeladas de horror.

Erupção do Vesúvio com muitas fotos elemento do mar Aivazovsky se equilibra na parede oposta do salão.

Esquadrão russo na enseada de Sebastopol. 1846.
Real. A julgar pela exposição do museu, a Crimeia era um tema muito popular para artistas russos em geral.

Aceno. 1899.
Um fragmento muito pequeno de um quadro com um mar tempestuoso, onde um navio está afundando no canto e marinheiros em um mastro quebrado navegam quase sobre a borda da tela sem chance de salvação.

Nas primeiras salas com arte do início do século XIX, é interessante, você pode ficar meio dia sentado, pois há sofás. As seguintes salas do século XVIII começam a cansar-se um pouco com retratos e interiores de palácios.

Teto:

Treliça:


Luta de animais no charco. Manufatura de Tapeçaria de São Petersburgo. 1757.

Mosaico:


Ust-Rudnitskaya fábrica M.V. Lomonossov. Retrato de Catarina II. 1762.
Apresentado à Imperatriz na festa da coroação.

As últimas salas do andar são ocupadas pela arte russa antiga, ou seja, pintura de ícones:


Parece-me que foi aqui que M. Larionov se inspirou.

cabeça de Pedro Cavaleiro de Bronze na escada da frente.

V. Perov. Caçadores em repouso. 1877.
Repetição da imagem. A primeira versão está pendurada na Galeria Tretyakov.

I. Shishkin. Puta-grama. Pargolovo. 1885.
Surpreendentemente - uma erva daninha no contexto de uma cerca torta e pendurada no Museu Russo. Piada.

A. Savrasov. Descongelamento. Yaroslavl. 1874.
É hora de ir para Yaroslavl - uma lacuna na minha geografia.

Um pouco sobre o exterior em telas de grande porte:


V. Smirnov. Morte de Nero. 1888.
As mulheres vieram buscar o cadáver do imperador que se matara. Parede vermelha - como personagem principal.

G. Semiradsky. Frine na festa de Poseidon em Elêusis. 1889.
Sobre uma mulher que se imagina uma deusa e, com base nisso, ela se despiu em público. Imagem muito ensolarada e positiva.

V. Surikov:

O velho jardineiro. 1882.
Sobre a Rússia não lavada.

Vista do monumento a Pedro I na Praça do Senado em São Petersburgo. 1870.
Sobre a capital.

Suvorov cruzando os Alpes. 1899.
A iluminação em algumas salas do museu é organizada de uma maneira única: as pinturas brilham nelas para que simplesmente não sejam visíveis. Você tem que estudar fragmentos mudando o ângulo de visão.

A captura da cidade nevada e do rio, entre os quais se espreita a colunata do Salão Redondo do Palácio Mariinsky.

Telas grandiosas de I. Repin:


Reunião cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901 em homenagem ao centenário de sua criação. 1903.
81 pessoas são retratadas, cada uma posando individualmente. Como ele conseguiu fazer a composição para que ninguém caísse? Nicholas II senta-se sob um retrato de Nicholas II por Repin. Recursão.

Outro retrato de Nikolai está pendurado em frente à foto:

Retrato de Nicolau II. 1896.

Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco. 1891. Na direita Bielorrússia. 1892, deixei Retrato de S. M. Dragomirova. 1889.

Barcaças de transporte no Volga. 1873.
Um fragmento diretamente com transportadores de barcaças - personagens muito coloridos.

No final do tema de Repin:


Negra. 1876.

Num banco de relva. 1876.

A. Kuindzhi:


Mar. Crimeia. 1908.

Noite. 1908.

Pensamentos sobre o destino da Rússia:


M. Antokolsky. Mefistófeles. 1883.

Cortador:


G. Myasoedov. Tempo de sofrimento (corta-relvas). 1887. Fragmento.

É sempre interessante observar os detalhes das pinturas em que o enredo é uma cena de Vida real distante e não tão passado, há alguma ação, muita gente:

K. Savitsky. Para a guerra. 1888.
Vendo fora os soldados para o vitorioso para nós búlgaros guerra russo-turca de 1877-1878.

K. Makovsky. Transferência do tapete sagrado para o Cairo. 1876.
Sobre o encontro de peregrinos do Hajj. As impressões de um turista ao visitar o Egito eram claramente mais interessantes antes.

V. Polenov. Cristo e o pecador. 1888. Fragmento com um pecador e um burro. O burro, por assim dizer, nos diz: "de novo, agora eles vão apedrejá-los tanto quanto possível".

Finalizando o tema oriental:


V. Vereschagin. Na porta da mesquita. 1873.
Padrão de qualidade de foto na porta. Apesar do fato de a imagem estar quase em tamanho real, eu involuntariamente queria tocá-la - não é de madeira. A marca da mão na parede chama a atenção. By the way, a porta é um pouco translúcida através da figura direita.

Outra versão dos pensamentos sobre o destino da Rússia de Antokolsky:


Ivan, o Terrível. 1871.
Por algum motivo ao lado da loja de souvenirs.

Vamos dar um passo atrás da pintura.
Arte folclórica:


Concha. 1753.

Cobertura de retalhos.

"Mossos". Começo do século XX.
Brinquedos sombrios do camponês Vyatka.

Valência. Final do século XVIII
Padrão intrincado.

Fábrica de porcelana imperial/estatal/leningrado:


Um leão. 1911.
Ele realmente se parece com Lenin? O que ele está fazendo com a pata dianteira direita...

"Quem trabalha e come."
A porcelana de propaganda da década de 1920 é simplesmente linda.

Serviço com ornamento suprematista. 1932.

Continuamos sobre as fotos.
O século 20 começa:


I. Levitan. Lago. Rus. 1900. Fragmento.
A última pintura inacabada do artista.

K. Yuon. Dia ensolarado de primavera. Sérgio Posad. 1910.

M. Vrubel. Bogatyr. 1898.
Fragmento com um pássaro.

M. Nesterov. Reverendo Sérgio Radonej. 1899.

V. Serov. Banhando o Cavalo. 1905.

B. Kustodiev. Comerciante de chá. 1918.

N. Goncharova. Ciclista. 1913.

P. Filonov. Fórmula da mola e forças atuantes. 1928.
Pequeno trecho.

V. Kuptsov. ANT-20 "Maxim Gorky". 1934.
Acima de Strelka V.O., onde nunca voou.
A maior aeronave do mundo, construída apenas em 1934, cairá um ano depois sobre Moscou em um voo de demonstração com membros das famílias de construtores de aeronaves. E seis meses depois, Kuptsov cometeria suicídio.

A. Samokhvalov. Regente. 1928.
Rússia soviética como ela é.

Eles tiraram selfies muito antes de se tornarem populares:

K. Petrov-Vodkin. Auto-retrato. 1927.

L. Kirillova. Auto-retrato. 1974.

Crimeia novamente:


A. Deineka. Defesa de Sebastopol. 1942.

E isso é sobre o meu tempo:


V. Ovchinnikov. Pombal. 1979.

Geralmente bom museu. Eu gostei.
______________________________

Criatividade I.E. Repin (1844-1930) é um dos fenômenos mais significativos da arte russa. Em suas obras, capturou história e modernidade, criou toda uma galeria de retratos pessoas maravilhosas de sua época.

Ilya Efimovich Repin. Alexander Glazunov (1865 - 1936)

Ilya Efimovich Repin. Retrato de Shishkin

Ilya Efimovich Repin. Retrato de Yefim Repin

Suas obras se distinguem por uma caracterização vívida de imagens, autenticidade de vida e surpreendem com incrível habilidade pictórica. Grande talento o artista já apareceu na pintura “A Ressurreição da Filha de Jairo” (1871), criada como programa de graduação no final da Repin Academy of Arts.

Ilya Efimovich Repin. Ressurreição da filha de Jairo

A versatilidade do talento do artista já se manifestava no fato de que, ao mesmo tempo em que trabalhava nesta tela, ele trabalhava em um trabalho completamente diferente em tramas e tarefas pictóricas.

Ilya Efimovich Repin. Barcaças de transporte no Volga

Eram "barcaças no Volga" (1870-1873). trabalho inovador na arte russa. Primeiro fechar-se pessoas do povo apareciam na tela, cada uma com seu personagem, magistralmente transmitido pelo artista.

Ilya Efimovich Repin. Sadko

A tela “Sadko” (1876) exposta no salão foi criada durante uma viagem ao exterior após se formar na Academia de Artes como trabalho de reportagem, pelo qual o pintor recebeu o título de acadêmico.
Sala 34

Um de obras centrais na obra de Repin, obra à qual deu grande importância, é a pintura "Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco" (1880-1891). Concretizando a ideia, o artista estudou documentos históricos, visitou Zaporozhye e Kuban. Esse assunto cativou tanto Repin que ele não largou por mais de dez anos. Repin, com incrível liberdade e habilidade, retratou os vários personagens das pessoas e os tons de riso em seus rostos - de um sorriso fino no rosto inteligente do ataman Ivan Serko ao riso rolante de um cossaco bigodudo em um casaco vermelho.

IE Repin. Cossacos escrevem uma carta ao sultão turco

Na mesma sala estão as pinturas de Repin "Vendo o Recruta" e "Nikolai Mirlikisky Salva a Morte de Três Inocentemente Condenados", retratos do crítico V.V. Stasov, do compositor A.G. Rubinshtein e do fisiologista I.R. Tarkhanov.

IE Repin. Vendo um recruta

Repin Ilya Efimovich. Nikolai Mirlikisky salva três inocentes condenados da morte

Repin Ilya Efimovich. Retrato do artista S.M. Dragomirova

Ilya Efimovich Repin. Retrato do cantor A.N.Molas. 1883

IE Repin - Retrato do crítico V.V. Stasov.

Repin I.E. Retrato do fisiologista I.R. Tarkhanov. 1892.

Repin Ilya Efimovich. Retrato do compositor A.G. Rubinstein

A sala exibe as telas “Que espaço!”, “Belorus”, retratos do compositor N.A. Rimsky-Korsakov, Condessa N.A. Golovina, comerciante de madeira e propagandista da música russa M.P. Belyaev.

IE Repin. Que espaço!

Repin Ilya Efimovich. bielorrusso

IE Repin retrato do compositor N.A. Rimsky-Korsakov

IE Repin retrato de M.P. Belyaev

IE Repin. Retrato da Condessa N.P. Golovina

A pintura "17 de outubro de 1905" - uma resposta ao manifesto de Nicolau II de 17 de outubro de 1905 "Sobre a melhoria ordem pública”, publicado nos dias do levante revolucionário no país.

Repin escreveu: “A imagem retrata a procissão do movimento de libertação da sociedade progressista russa... principalmente estudantes, alunas, professores e trabalhadores com bandeiras vermelhas, entusiasmados; com o canto de canções revolucionárias... levantadas sobre os ombros dos anistiados e uma multidão de milhares movendo-se pela praça cidade grande no êxtase do júbilo geral.
Salão 36 e mais

Coletânea de obras de V.I. Surikov é um dos mais significativos da coleção do Museu Russo. Peça de conversa“A Captura da Cidade da Neve” (1891), pintada pelo artista em casa em Krasnoyarsk, abre novo período em sua obra, associada à criação de três telas monumentais sobre temas história heróica Rússia. “Dois elementos se encontram” - é assim que Surikov define a ideia principal da pintura épica “A conquista da Sibéria por Yermak” (1895), cuja criação ele parecia afirmar sua conexão com a Sibéria, com os cossacos. A pintura "Suvorov Atravessando os Alpes" (1899) é dedicada a evento lendário 1799. “O principal no quadro”, disse Surikov, “é o movimento. Coragem altruísta, - obediente à palavra do comandante, eles vão ... ".

DENTRO E. Surikov. Tomando a cidade de neve

DENTRO E. Surikov. Conquista da Sibéria por Yermak

DENTRO E. Surikov. Suvorov cruzando os Alpes

Na última grande tela de Surikov, Stepan Razin (1907), pode-se sentir as tendências do novo realismo pictórico russo - a ausência de eventos, a poetização da história, a atividade extrema da paisagem e a busca de formas monumentais de expressão.

Nos salões dedicado à criatividade pintor, além de pinturas históricas e trabalho preparatório para eles, você pode ver tanto as primeiras composições acadêmicas quanto retratos magníficos período tardio. “Retrato de uma mulher desconhecida em um fundo amarelo”, “Mulher Siberiana” é a personificação do tipo favorito de beleza feminina cheia de harmonia de Surikov. "Auto-retrato" de 1915 é a última das quatorze imagens criadas pelo artista.

Surikov Vasily Ivanovich Stepan Razin

DENTRO E. Surikov. Retrato de uma mulher desconhecida em um fundo amarelo

DENTRO E. Surikov. siberiano

DENTRO E. Surikov. Velho jardineiro 1882

Surikov Vasily Ivanovich Vista do monumento a Pedro I Praça do Senado Em Petersburgo

Surikov Vasily Ivanovich Festa de Belsazar

V.M. Vasnetsov combinou em suas convicções o humanismo democrático característico dos Andarilhos com profunda religiosidade e sentimento nacional.

O artista não encontrou imediatamente seu tema. A pintura "Showrooms nas proximidades de Paris" (1876) dá uma ideia de Período inicial criatividade, aproxima-se das obras dos pintores de gênero das décadas de 1860-1870 com sua orientação crítica e acusatória.

V.M. Vasnetsov. Estandes perto de Paris

No início da década de 1880, Vasnetsov criou as primeiras telas de batalha de contos de fadas: A Batalha dos Citas com os Eslavos (1881) e O Cavaleiro na Encruzilhada (1882). Tendo escolhido temas histórico-nacionais para suas pinturas, o artista combina o conhecimento da epopeia folclórica com a habilidade de um pintor de gênero, transforma o russo gênero histórico mergulhando os motivos Rússia medieval na atmosfera de uma lenda poética ou conto de fadas.

Vasnetsov Victor Mikhailovich Batalha dos citas com os eslavos

Vasnetsov Victor Mikhailovich Cavaleiro na encruzilhada

Vasnetsov Victor Mikhailovich Acordeão

Vasnetsov Victor Mikhailovich Na livraria (1876)

Vasnetsov Victor Mikhailovich Retrato de Tatyana Vasnetsova, filha do artista

Na mesma sala, é apresentada a imagem da Mãe de Deus com o Menino Jesus nos braços - um dos esboços para os murais da Catedral de Vladimir em Kyiv, nos quais Vasnetsov trabalhou por mais de dez anos.

Vasnetsov Victor Mikhailovich Nossa Senhora

Para as obras mais significativas Repin possui a pintura monumental “A Reunião Cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901, no dia do centenário de sua fundação” (1903), um grandioso retrato de grupo pintado por ordem do governo em 1901-1903. Repin atraiu dois de seus alunos para sua performance - B.M. Kustodiev e I.S. Kulikov. Na foto, Repin decidiu brilhantemente tarefa difícil colocação natural e livre de mais de sessenta figuras de participantes na reunião (representada é uma rodada salão de colunas Palácio Mariinsky em Petersburgo).

No processo de preparação da pintura, Repin pintou muitos estudos de retratos de membros do Conselho de Estado, alguns dos quais também estão colocados no salão.

Citação de Matrioska Leia na íntegra Para seu bloco de citações ou comunidade!
passeios virtuais no Museu Russo. São Petersburgo. Parte 7

Museu Estatal Russo

O Museu Estatal Russo em São Petersburgo é o maior museu de arte russa do mundo. Foi fundada por Nicolau II em 1895 e aberta solenemente aos visitantes em 19 de março de 1898.

Até 1917 era chamado "Museu Russo do Imperador Alexandre III". O imperador Alexandre III (pai de Nicolau II) era um colecionador apaixonado; nesse sentido, ele só pode ser comparado a Catarina II. O castelo Gatchina do imperador literalmente se transformou em um depósito de tesouros inestimáveis. As aquisições de Alexandre não cabem mais nas galerias do Palácio de Inverno, Anichkov e outros palácios - eram pinturas, objetos de arte, tapetes ... A extensa coleção de pinturas, gráficos, objetos de arte decorativa, esculturas coletadas por Alexandre III após sua morte foi transferida para o museu russo fundado pelo imperador Nicolau II em memória de seu pai.

Museu Estatal Russo

Inicialmente, o museu estava localizado nos corredores Palácio Mikhailovsky. A coleção do museu na época consistia em 1880 obras de pintura, escultura, gráficos e arte russa antiga, transferidas dos Palácios Imperiais, do Hermitage e da Academia de Artes.

História do Palácio Mikhailovsky

O edifício foi construído no estilo Império. A ideia de construir uma nova residência para o príncipe Mikhail Pavlovich pertencia a seu pai, o imperador Paulo I. Mas Paul I não precisava ver a concretização de sua ideia, porque como resultado golpe palaciano ele morreu. Apesar disso, a ordem do imperador foi cumprida. Quando Mikhail tinha 21 anos, o imperador Alexandre I decidiu começar a construir o palácio.

O arquiteto planejou não apenas o palácio, mas também a praça em frente a ele e duas novas ruas (Inzhenernaya e Mikhailovskaya).

Palácio Mikhailovsky

A colocação cerimonial do edifício ocorreu em 14 de julho e a construção propriamente dita começou em 26 de julho. Do lado do Campo de Marte, um jardim apareceu no palácio - também Mikhailovsky. Em 11 de setembro de 1825, o palácio foi consagrado.

Filiais do museu

O Museu Russo hoje está localizado, além do Palácio Mikhailovsky, em edifícios que são monumentos arquitetônicos dos séculos XVIII e XIX:

Palácio de verão de Pedro I
palácio de mármore
Palácio Stroganov
Casa de Pedro I

O espaço do museu é complementado pelo Mikhailovsky e pelos Jardins de Verão.

Palácio de verão de PetraEU

Palácio de verão de Pedro I

O Palácio de Verão foi construído em estilo barroco de acordo com o projeto Domenico Trezzini em 1710-1714. Este é um dos edifícios mais antigos da cidade. O palácio de dois andares é bastante modesto e é composto por apenas catorze quartos e duas cozinhas.

A residência foi projetada para uso apenas na estação quente: de maio a outubro, então as paredes são bastante finas e as janelas têm caixilhos únicos. A decoração das instalações foi criada pelos artistas A. Zakharov, I. Zavarzin, F. Matveev.

A fachada do palácio é decorada com 29 baixos-relevos, que retratam eventos de forma alegórica. guerra do norte. Os baixos-relevos foram feitos pelo arquiteto e escultor alemão Andreas Schlüter.

palácio de mármore

palácio de mármore

O Palácio de Mármore foi construído em 1768-1785. projetado por um arquiteto italiano Antonio Rinaldi. Ele completa uma série de edifícios cerimoniais adjacentes à Palácio de inverno. O notável arquiteto A. Rinaldi, autor de mais de vinte e cinco grandes edifícios em São Petersburgo e seus subúrbios, foi considerado mestre consumado"fachadas de mármore". Suas técnicas e soluções arquitetônicas são sempre facilmente reconhecíveis.

Rinaldi veio para a Rússia a convite do Conde K.G. Razumovsky, e em 1754 ele recebeu o cargo de arquiteto na corte do príncipe Peter Fedorovich e sua esposa, a futura imperatriz Catarina II. Ele construiu o Palácio Chinês em Oranienbaum, o palácio do Conde G.A. Orlov em Gatchina, etc. Mas o Palácio de Mármore é talvez a mais significativa de todas as suas estruturas. O palácio foi destinado a Grigory Orlov, o favorito de Catarina II, o principal organizador de sua ascensão ao trono. O edifício recebeu esse nome por causa do incomum para decoração de fachadas de São Petersburgo com pedra natural. Naquela época, ricos depósitos de mármore foram encontrados na Rússia. Trinta e duas variedades de mármore do norte e italiano foram usadas para a decoração interior e exterior do palácio. A aparência estrita do edifício é típica do classicismo inicial.

A fachada principal do Palácio de Mármore está voltada para o Campo de Marte. É decorado com colunas e a fachada oposta - pilastras da ordem coríntia. famoso escultor F.I. Shubin fez duas estátuas no sótão e uma composição de armadura militar. Em colaboração com M. I. Kozlovsky, ele participou da criação da decoração escultural e decorativa do interior do palácio. A decoração da escadaria principal e o primeiro nível das paredes do Salão de Mármore sobreviveram até nossos dias. Uma elegante cerca feita de lanças e pilares com vasos e troféus cerca o vasto jardim da frente. Mais tarde, um edifício de serviços foi construído na parte leste, perto do Palácio de Mármore. O baixo-relevo "Serving a Horse to Man" do escultor P.K. Klodt adorna a fachada ocidental do edifício.

Na década de 1990, o palácio tornou-se uma filial do Museu Russo.

Castelo de engenharia (Mikhailovsky)

Castelo de engenharia (Mikhailovsky)

Foi construído por ordem do imperador Paulo I na virada dos séculos XVIII-XIX e tornou-se o local de sua morte.

O Castelo Mikhailovsky deve seu nome à igreja de Miguel Arcanjo, patrono da dinastia Romanov, localizada nele, e ao capricho de Paulo I, que recebeu o título de Grão-Mestre da Ordem de Malta, para chamar todos os seus palácios “castelos”; o segundo nome - "Engenharia" veio da Escola de Engenharia Principal (Nikolaev), que estava localizada lá desde 1823, agora VITU.

O projeto do palácio foi desenvolvido arquiteto V. I. Bazhenov em nome do imperador Paulo I, que queria torná-lo sua residência principal. Construção liderada arquiteto V. Brenna(que o por muito tempo erroneamente considerado o autor do projeto). Brenna reformulou o projeto original do palácio e criou a decoração artística de seus interiores.

Além de Bazhenov e Brenn, o próprio imperador participou da criação do projeto, tendo composto vários desenhos para ele. Os assistentes de Brenna também incluíam Fyodor Svinin e Karl Rossi. Paulo I acelerou a construção, Charles Cameron e Giacomo Quarenghi foram enviados para ajudá-lo. Por ordem do imperador, a construção foi realizada dia e noite (à luz de lanternas e tochas), pois ele exigia que o castelo fosse reconstruído no mesmo ano.

21 de novembro de 1800, no dia de São Miguel Arcanjo, o castelo foi solenemente consagrado, mas as obras nele decoração de interior continuou até março de 1801. Após o assassinato do imperador, 40 dias após a inauguração, o castelo Mikhailovsky foi abandonado pelos Romanov e caiu em ruínas por duas décadas. Quando Alexandre I precisou de prata para um serviço luxuoso - um presente de casamento para sua irmã Anna Pavlovna, rainha da Holanda, os portões de prata da igreja do palácio foram derretidos. Nicolau I ordenou aos arquitetos que “extraíssem” mármore no palácio para a construção do Novo Hermitage.

Em 1823 o castelo foi ocupado pela Escola Principal de Engenharia.

Em 1991, um terço das instalações do castelo foi doado ao Museu do Estado Russo; em 1995, todo o castelo foi doado ao museu.

Palácio Stroganov

Palácio Stroganov

O Palácio Stroganov, construído de acordo com o projeto arquiteto Francesco Bartolomeo Rastrelli em 1753-1754, um dos exemplos do barroco russo.

Além de F.B. Rastrelli, A.N. Voronikhin, I.F. Kolodin, K. Rossi, I. Charlemagne, P.S. Sadovnikov.

Stroganov (Strogonov) - uma família de comerciantes e industriais russos, da qual grandes proprietários de terras e estadistas séculos XVI-XX. Nativos dos ricos camponeses da Pomerânia. A partir do século 18 - barões e condes Império Russo. A família morreu em 1923.

O edifício é uma filial do Museu Russo desde 1988.

casa de PetraEU

Casa de Pedro I

O primeiro edifício em São Petersburgo, a casa de verão do czar Pedro I no período de 1703 a 1708. Esta pequena casa de madeira de 60 m² foi construída por soldados carpinteiros perto da Praça da Trindade em apenas três dias. Aqui, em 27 de maio de 1703, ocorreu uma festa por ocasião da anexação de terras e da fundação de uma nova cidade.

A casa foi construída a partir de troncos de pinho cortados à maneira de uma cabana russa. O dossel divide-o em duas partes. Além desse recurso, bem como portas decoradas com placas metálicas ornamentais, são características típicas inerentes ao russo arquitetura XVII século - tudo na casa lembra a paixão do rei pela arquitetura holandesa. Então, Pedro, querendo dar à casa a aparência de uma estrutura de pedra, ordenou que as toras fossem cortadas e pintadas para parecerem tijolos vermelhos, o telhado alto coberto com telhas de telhas e janelas extraordinariamente grandes para serem feitas com pequenas desvitrificação. Não havia fogões e chaminés na casa, pois Peter morava nela apenas durante a estação quente. A casa foi preservada quase em sua forma original.

Coleções do Museu Russo

A coleção mais completa é Artes XVIII- a primeira metade do século XIX. Basta listar apenas alguns nomes para se ter uma ideia da riqueza artística do museu: A. Matveev, I. Nikitin, Carlo Rastrelli, F. Rokotov, V. Borovikovsky, A. Losenko, D. Levitsky, F. Shubin, M. Kozlovsky, e Martos, S. Shchedrin, O. Kiprensky, A. Venetsianov, F. Bruni, K. Bryullov, P. Fedotov, A. Ivanov.

Pintura de K. Bryullov "O Último Dia de Pompéia"

K. Bryullov "O Último Dia de Pompéia"

Bryullov visitou Pompéia em 1828, fazendo muitos esboços para uma futura pintura sobre o famoso O Monte Vesúvio entrou em erupção em 79 dC. uh. e a destruição da cidade de Pompeia perto de Nápoles. A pintura foi exibida em Roma, recebeu elogios da crítica e foi transferida para o Louvre. "O Último Dia de Pompéia" representa o romantismo na pintura russa, misturado ao idealismo. A imagem do artista no canto esquerdo da imagem é um autorretrato do autor. A tela também retrata a condessa Yulia Pavlovna Samoilova três vezes - uma mulher com um jarro na cabeça, de pé em um estrado no lado esquerdo da tela, uma mulher que caiu até a morte, esparramada na calçada e ao lado dela um criança viva - ambas, presumivelmente, foram jogadas de uma carruagem quebrada - no centro das telas, e uma mãe atraindo suas filhas para si, no canto esquerdo do quadro.

Em 1834, a pintura "O Último Dia de Pompéia" foi enviada para São Petersburgo. AI Turgenev disse que esta imagem era a glória da Rússia e da Itália. E. A. Baratynsky compôs nesta ocasião famoso aforismo: "O último dia de Pompéia tornou-se o primeiro dia para o pincel russo!". A. S. Pushkin também deixou uma crítica poética:

K. Bryullov "Retrato de A. Demidov"

Vesúvio zev aberto - fumaça jorrou em um clube - chama
Amplamente desenvolvido como uma bandeira de batalha.
A terra se preocupa - de colunas impressionantes
Os ídolos estão caindo! Um povo movido pelo medo
Sob a chuva de pedra, sob as cinzas inflamadas,
Multidões, velhos e jovens, fogem da cidade.

A propósito, a famosa pintura foi pintada por Karl Bryullov por encomenda Anatoly Demidov, um filantropo russo e francês, que esteve na embaixada russa, primeiro em Paris, depois em Roma e Viena. Ele herdou de seu pai riqueza e coleção colossais trabalhos maravilhosos pintura, escultura, bronze, etc. Anatoly Demidov, seguindo o exemplo de seu pai, foi generoso com grandes doações: doou 500.000 rublos para a construção de uma casa em São Petersburgo para a caridade dos trabalhadores, que levava o nome do doador; junto com seu irmão Pavel Nikolaevich, ele doou capital, para o qual um hospital infantil foi construído em São Petersburgo; na Academia de Ciências de São Petersburgo estabeleceu um prêmio de 5.000 rublos para melhor trabalho em russo; em 1853 ele enviou 2000 rublos de Paris para decorar a igreja do Liceu Demidov em Yaroslavl, doou todas as suas publicações e vários outros livros valiosos para a biblioteca do Liceu livros franceses, e também cientistas e artistas generosamente patrocinados. Assim, foi Anatoly Demidov quem apresentou a pintura de Bryullov "O Último Dia de Pompéia" a Nicolau I, que exibiu a pintura na Academia de Artes como guia para pintores iniciantes. Após a abertura do Museu Russo em 1895, a tela foi transferida para lá e o público em geral teve acesso a ela.

A segunda metade do século XIX é representada pelas obras dos artistas: F. Vasiliev, R. Felitsyn, A. Goronovich, E. Sorokin, F. Bronnikov, I. Makarov, V. Khudyakov, A. Chernyshev, P. Rizzoni , L. Lagorio, N. Loseva, A. Naumov, A. Volkov, A. Popov, V. Pukirev, N. Nevrev, I. Pryanishnikov, L. Solomatkina, A. Savrasov, A. Korzukhin, F. Zhuravlev, N Dmitriev-Orenburgsky, A. Morozov, N. Koshelev, A. Shurygin, P. Chistyakov, Ivan Aivazovsky.

Pintura de I. Aivazovsky "A Nona Onda"

I. Aivazovsky "A Nona Onda"

A Nona Onda é uma das mais pinturas famosas Ivan Aivazovsky, o mundialmente famoso pintor marinho russo.

Retrata o mar após a tempestade mais forte da noite e pessoas que naufragaram. Os raios do sol iluminam as ondas enormes. O maior deles - o nono eixo, está pronto para cair sobre as pessoas que tentam escapar nos destroços do mastro.

Tudo fala da grandeza e do poder do elemento mar e do desamparo do homem diante dele. Os tons quentes da imagem tornam o mar não tão áspero e dão ao espectador a esperança de que as pessoas serão salvas.

O tamanho da pintura é 221 × 332 cm.

O museu também apresenta pinturas de Andarilhos: G. Myasoedov, V. Perov, A. Bogolyubov, K. Makovsky, N. Ge, I. Shishkin, I. Kramskoy, V. Maksimov, I. Repin, V. Vasnetsov, V. Surikova, N. Abutkova.

Pintura de Nicholas Ge "A Última Ceia"

N. Ge "A Última Ceia"

A pintura do artista retrata um episódio da vida terrena de Cristo, descrita no Evangelho de João (cap. 13). Era o evangelho favorito de Ge. Um trecho deste texto coincide em detalhes com o retratado na imagem.

Jesus se levantou da ceia... derramou água na pia e começou a lavar os pés dos discípulos e enxugá-los com uma toalha... Depois de lavar os pés deles... então, deitando-se, disse-lhes novamente: Você sabe o que eu fiz com você? ... se eu, o Senhor e Mestre, lavei seus pés, então vocês também devem lavar os pés uns dos outros. Pois eu te dei um exemplo para que você faça como eu fiz por você...

…Jesus ficou perturbado no espírito e disse: Em verdade, em verdade vos digo que um de vós me trairá.

Então os discípulos se entreolharam, perguntando-se de quem ele estava falando. Um de seus discípulos, a quem Jesus amava, estava reclinado no peito de Jesus. Simão Pedro fez-lhe sinal para perguntar quem era... ele, agachado sobre o peito de Jesus, disse-lhe: Senhor! Quem é esse? Jesus respondeu: aquele a quem, depois de molhar um pedaço de pão, eu darei. E, tendo embebido um pedaço, deu-o a Judas Simonov Iscariotes. E depois desta peça, Satanás entrou nele. Então Jesus disse-lhe: tudo o que fizeres, faze-o depressa. Mas nenhum dos que estavam reclinados entendeu por que Ele disse isso a ele... Ele, pegando um pedaço, saiu imediatamente; mas era noite.

Uma ânfora com água, um lavatório com toalha na "Última Ceia" de Ge são o tema do amor sacrificial de Cristo. Após a partida de Judas foram pronunciadas palavras famosas dirigida aos apóstolos: « dou-vos um novo mandamento, que vos ameis uns aos outros; como vos amei... Portanto, todos saberão que sois meus discípulos, se vos amardes uns aos outros”.

O final do início do século 19 é representado pelos artistas I. Levitan, P. Trubetskoy, M. Vrubel, V. Serov.

Pintura de I. Levitan “Crepúsculo. Lua"

I. Levitan "Crepúsculo. Lua"

No final de sua vida, era especialmente característico para Levitan se voltar para paisagens crepusculares cheias de silêncio, farfalhar, luar e sombras. Um de os melhores trabalhos este período é esta imagem da coleção do Museu Russo.

Obras da associação "Mundo da Arte"

"Mundo da Arte"(1898-1924) - uma associação de arte formada na Rússia no final da década de 1890. Os fundadores do "Mundo da Arte" foram o artista de São Petersburgo A. N. Benois e a figura do teatro S. P. Diaghilev. Os artistas do "Mundo da Arte" consideravam prioritário o princípio estético na arte e buscavam a modernidade e o simbolismo, contrariando as ideias dos Andarilhos. A arte, na opinião deles, deve expressar a personalidade do artista.

A associação incluiu artistas: Bakst, N. Roerich, Dobuzhinsky, Lansere, Mitrokhin, Ostroumova-Lebedeva, Chambers, Yakovlev, Somov, Zionglinsky, Purvit, Syunnerberg.

Na seção do russo antigo, os ícones dos séculos XII e XV são amplamente representados (por exemplo, o Anjo do Cabelo Dourado, a Ternura da Mãe de Deus, Dmitry Thessalonica, o Milagre de George sobre a serpente, Boris e Gleb, etc.), obras de Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e outros mestres. A coleção total do Museu Russo é cerca de 5 mil ícones do século XII - início do século XX.

Andrey Rublev

Andrei Rublev "O Apóstolo Paulo"

Andrey Rublev(falecido em 1430) - pintor de ícones, aluno de Teófano, o grego, reverendo.

No início ele era um noviço no Monge Nikon de Radonej, e depois um monge no Mosteiro Spaso-Andronikov em Moscou, onde morreu e foi enterrado.

Atualmente, a coleção do Museu Russo inclui os seguintes departamentos: russo e pintura soviética, escultura, gráficos, artes e ofícios e Arte folclórica (móveis, porcelanas, vidros, talha, vernizes, produtos metálicos, tecidos, bordados, rendas, etc.). O acervo do museu inclui mais de 400 mil itens.