A era do romantismo na música e seus grandes compositores românticos. Resumo “Obras para piano de compositores românticos Qual compositor foi um romântico
Ensaio na disciplina acadêmica "Culturologia"
sobre o tema: “Romantismo na música”.
Plano
1. Introdução.
2. Traços característicos da era do romantismo na música.
3. Geografia da música romântica.
5. Conclusão.
6. Lista de referências.
1. Introdução.
O Romantismo é uma nova arte durante o século XIX século. Substituiu o classicismo e seus signos começaram a aparecer já no final do século XVIII. O berço do romantismo é a Alemanha, mas rapidamente se espalhou e penetrou em outros países europeus, bem como na Rússia e na América. O próprio termo “romantismo” apareceu pela primeira vez na literatura, graças à obra do escritor alemão Novalis (1772 - 1801). Foi introduzido na música por E.T. A. Hoffmann (1776 - 1882). O romantismo desenvolveu-se em luta e ao mesmo tempo em estreita interação com seus antecessores - o classicismo e o sentimentalismo. Nas profundezas destes tendências literárias nasceu. Os escritores clássicos estavam convencidos de que somente aqueles que o compreendem claramente, que são capazes de refrear suas paixões - interesses e aspirações pessoais, podem cumprir seu dever cívico. Mas isso, eles acreditavam, era o destino de apenas algumas pessoas “nobres”, principalmente nobres. Eles tinham que estar prontos para servir desinteressadamente e sacrificialmente sua pátria. O dever cívico, em sua opinião, consiste, antes de tudo, em nobre honra e virtude.
Os românticos procuraram romantizar tudo ao seu redor, todos os fenômenos da vida. Eles adotaram alguns princípios da era anterior do classicismo, mas a própria essência do romantismo é um protesto contra os princípios do Iluminismo, uma decepção com eles. Os representantes do romantismo não podiam aceitar o culto da razão, do racionalismo, da lógica e da praticidade. Para eles, a alma e a individualidade de uma pessoa, seus sentimentos eram importantes.
A originalidade do romantismo reside também no fato de não buscarem uma divisão clara da arte em tipos e gêneros. Eles ficaram impressionados com a ideia de uma síntese das artes e a implementaram com sucesso. O Romantismo pertence a uma das épocas culturais mais interessantes e fecundas.
2. Traços característicos da era do romantismo na música.
O romantismo reinou na cultura musical por mais de cem anos (1800 - 1910). Foi nesta arte que ele se revelou um fígado longo, enquanto na literatura e na pintura só conseguiu durar cinquenta anos. Isso não pode ser chamado de acidente. Na compreensão dos românticos, a música é a arte mais espiritual e de maior liberdade. Uma das características mais importantes da música da era romântica é a sua síntese com outras formas de arte. Além disso, os românticos não apoiavam divisões de gênero rígidas e claras.
As categorias estéticas também foram misturadas. A tragédia coexistiu facilmente com a comédia; o feio com o belo; o mundano com o sublime. Tais contrastes não pareciam pouco convincentes ou antinaturais. Chefe dispositivo artístico - ironia romântica- permitido conectar o incompatível. Graças a ela surgiu uma imagem especial do mundo, inerente ao romantismo.
Apesar da tendência à mistura de gêneros, muitos deles, é claro, tiveram direito à existência independente e conseguiram desenvolver-se significativamente nesse período; Gêneros específicos também surgiram. Em primeiro lugar, este é um gênero de poema musical romântico e balada ( o representante mais brilhante-F.Schubert); canções; miniaturas de piano.
Menção especial deve ser feita à miniatura do piano. A intenção era transmitir alguma imagem que impressionasse o autor, ou seu humor. Uma miniatura de piano poderia ter uma especificação de gênero: valsa, canto, canto sem letra, mazurca, noturno. Os compositores frequentemente recorriam música do programa, combinaram seus trabalhos em ciclos.
Característico da era do romantismo é o famoso ciclo de piano de R. Schumann “Carnaval”, refletindo a natureza livre da estética do romantismo. "Carnaval" contém vinte e um números. São esboços que se substituem, diferindo entre si em humor, fotos, retratos, mas muitos deles estão unidos por um único enredo. O compositor pinta um feriado imaginário para o qual são convidados convidados mascarados. Entre eles estão os personagens habituais do carnaval - o tímido Pierrô, o travesso Arlequim, Columbine e Pantalone resmungando um com o outro (tudo isso é soberbamente transmitido por meios musicais).
“Carnival” está repleto de um conceito muito original. O próprio compositor chamou seu ciclo de “cenas em miniatura em 4 notas”, já que toda a melodia é construída sobre elas. O compositor tomou quatro notas em várias sequências e combinações e como resultado formaram uma aparência de tema subjacente a cada peça.
Do ponto de vista composicional, o Carnaval demonstra o mais alto grau de habilidade composicional. Todas as músicas do ciclo se distinguem pelo acabamento perfeito, brilho e virtuosismo. Em geral, todo o ciclo é um exemplo de combinação harmoniosa e integridade.
Se falarmos mais detalhadamente sobre música de programa, podemos destacar aqui uma característica como a conexão com outros gêneros: literatura, pintura. A forma do ensaio passa a depender do enredo. Nesse sentido surgem poemas sinfônicos, concertos de um movimento e sonatas; sinfonias multimovimentos. Assim, na era do romantismo, a música de câmara também se desenvolveu. Música vocal e instrumental de câmara.
A ópera também se tornou especial nesse período. Ela começa a gravitar em torno do sinfonismo; existe uma ligação estreita e justificável entre texto e música; A ação cênica tinha igual significado para eles.
Os românticos tinham temas favoritos. Os enredos baseavam-se maioritariamente no tema da solidão e do amor, porque no centro da estética do romantismo estava uma pessoa orgulhosa e solitária, em cuja alma assolavam fortes paixões. Herói romântico sempre se opôs à sociedade, ao mundo inteiro. Portanto, é bastante lógico que durante o período do romantismo os autores se voltassem para temas próximos à imagem de tal herói: o tema da morte, o tema da estrada e das andanças, o tema da natureza. Nas obras românticas, muito espaço foi dedicado a elementos de fantasia que invadem o enfadonho mundo material.
Os compositores que atuaram na era do romantismo possuíam uma linguagem musical própria. Prestaram muita atenção à melodia, enfatizando o significado da palavra, expressão artística(a última observação também se aplica ao acompanhamento).
A harmonia foi visivelmente transformada e enriquecida. Através da harmonia, foram transmitidas paixões, langor, contraste de humores, tensão e o fantástico início das obras. Assim, melodia, textura e harmonia são iguais em importância.
Assim, as principais características da música da era romântica podem ser chamadas de síntese de artes e gêneros; expressividade especial e estreita relação entre melodia, acompanhamento e harmonia; contraste; fantástico; aumento da emotividade e expressão.
3. Geografia da música romântica.
O romantismo cobriu uma área bastante ampla: da Europa e da Rússia à América, e em todos os lugares o seu desenvolvimento foi realizado especificamente. Na Europa arte musical durante este período, em alguns países, havia semelhanças e diferenças culturais. Por exemplo, a música da Áustria e da Alemanha desenvolveu-se aproximadamente na mesma direção. O romantismo musical destes países foi influenciado pela Escola de Música de Viena, que demonstrou poderosamente a sua literatura. os aproximou e linguagem mútua. O romantismo germano-austríaco distinguiu-se não apenas por obras avançadas de vários gêneros, mas também por um iluminismo ativo. A característica definidora do romantismo alemão e austríaco é a canção.
O romantismo na Polónia é uma combinação de vocalidade e instrumentalidade - característica polonês música folclórica. Assim, nas entonações de F. Chopin podem-se ouvir claramente os ecos do gênero épico da música folclórica polonesa - a Duma polonesa. Este gênero é período maduro Seu desenvolvimento é caracterizado por um refrão épico lento, muitas vezes de tom triste. E subsequentes episódios dramaticamente intensos, alternados com o retorno da melodia do refrão inicial. Não há dúvida de que foram as dumas eslavas ocidentais que serviram de protótipo para as baladas e obras semelhantes de Chopin. Assim, a base do romantismo polaco reside Arte folclórica.
O romantismo italiano é um florescimento sem precedentes da arte da ópera; Decolagem do Bel Canto. Assim, a ópera italiana tornou-se líder nessa direção em todo o mundo. Também na França a ópera adquire um dos significados principais. Muito crédito por isso pertence a G. Berlioz (1803 - 1869), que é o criador de tal fenômeno interessante, como uma ópera cômica que refletia diretamente as especificidades nacionais deste país.
Na Rússia, o romantismo desenvolveu-se sob a influência das ideias dos dezembristas, da Grande Revolução Francesa e da Guerra Napoleônica de 1812, ou seja, foi associado a acontecimentos sociais globais. Os princípios da cidadania e do serviço à pátria foram transferidos para a arte da música, onde se ouvia claramente a ideia de consciência nacional. Assim, o romantismo musical de todos os países se uniu características comuns: o desejo de elevada espiritualidade, sonhos de beleza, um reflexo da esfera sensorial de uma pessoa.
4. Grandes compositores e músicos da época romântica.
O romantismo deu à cultura musical muitos compositores magníficos: F. Liszt (1811 - 1886, Hungria), R. Schumann (1810 - 1856, Alemanha), F. Schubert (1797 - 1828, Áustria), K. Weber (1786 - 1826, Alemanha). ), R. Wagner (1813 - 1883, Alemanha), J. Bizet (1838 - 1875, França), N. Paganini (1782 - 1840, Itália), E. Grieg (1843 - 1907, Noruega), G. Verdi ( 1813 - 1901, Itália), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (última etapa da criatividade, Alemanha), etc.
Franz Liszt, como W.A. Mozart, era um jovem virtuoso e desde muito cedo fez a Europa falar de si, apresentando-se perante o público como pianista. Seu dom como compositor se manifestou igualmente cedo. Posteriormente, F. Liszt combinou atividades de turnê e composição. Ele também fez transcrições de música sinfônica para piano e pode ser considerado um grande educador.
As obras originais de F. Liszt são caracterizadas pelo virtuosismo e profundidade, expressão e frenesi. Estas são as suas famosas obras cíclicas: “Anos de andanças”, “Etudos de Performance Transcendental”, “Grandes Estudos após os Caprichos de Paganini”, “Rapsódias Húngaras”. F. Liszt deu um enorme contributo para a popularização e desenvolvimento da cultura musical húngara.
Franz Schubert é considerado o primeiro compositor da era romântica a figurar entre os grandes compositores. Sua música é pura, alegre, poética e ao mesmo tempo triste, fria, desesperada. Como é típico dos românticos, a música de F. Schubert é contrastante, mas surpreende pela liberdade e facilidade, pela beleza das melodias.
F. Schubert escreveu um grande número de canções que são verdadeiras obras-primas. Isto é especialmente verdadeiro para obras escritas em poemas de V.I. Goethe (“O Rei da Floresta”, “Gretchen na Roda”) e muitos outros.
O compositor também trabalhou em outros gêneros: óperas, obras vocais de câmara e instrumentais. E ainda, antes de tudo, o nome de F. Schubert está associado às suas canções e vários ciclos: “The Beautiful Miller's Wife”, “ jornada de inverno", "Um canto do cisne".
O compositor francês Georges Bizet entrou para a história da cultura mundial como autor da insuperável ópera Carmen. Já aos dez anos tornou-se aluno do Conservatório de Paris. O jovem compositor no início de sua caminho criativo experimentei-me gêneros diferentes, mas sua verdadeira paixão era a ópera. Além de Carmen, ele escreveu óperas como The Pearl Fishers, The Beauty of Perth e Jamile. Destaca-se também a música que escreveu para o drama de A. Daudet com o mesmo nome “Arlesian”. J. Bizet é considerado um notável compositor francês.
Edvard Grieg é o compositor mais famoso da Noruega, um dos símbolos deste país. A sua música é um fenómeno distinto e original, demonstrando a individualidade única do pensamento criativo deste compositor. Obras de E. Grieg, incluindo “ Concerto de piano", romances, "Lyric Pieces", "Second Violin Sonata" e, claro, "Peer Gynt" - a música da peça de G. Ibsen - tornaram-se propriedade não só da norueguesa, mas também da música mundial.
Uma das personificações do romantismo é o violinista e compositor italiano Niccolo Paganini. A maioria definições precisas sua arte é brilho, brilho, fúria, rebelião. Escreveu obras virtuosas e apaixonadas, que ainda hoje estão presentes no repertório de violinistas famosos. Estamos a falar dos Concertos para Primeiro e Segundo Violino, “24 Capricci”, “Carnaval de Veneza” e “Movimento Perpétuo”. Além disso, N. Paganini foi um excelente improvisador e fez arranjos e variações de fragmentos de óperas para violino solo. Ele foi uma inspiração para muitas figuras da era romântica.
Falando da música do destacado compositor polaco Fryderyk Chopin (1810 - 1849), antes de mais nada, vale dizer que esta é a “alma do povo polaco”, que encontrou expressão variada na arte de Chopin. Sua música contém páginas de grandeza épica e ascensão heróica. Nos episódios trágicos da música de Chopin pode-se ouvir a tristeza de um coração corajoso. A arte de Chopin é uma arte profundamente popular de um artista patriótico, um artista humanista, inspirado nos ideais progressistas da época em que viveu e criou.
A carreira de Chopin como compositor começou com a composição de danças cotidianas polonesas (mazurca, polonaise, valsa). Ele também se voltou para os noturnos. Suas “Balada em Sol menor”, “Scherzo em Si menor” e “Etude em Dó menor” revelaram-se revolucionárias para a música para piano. Os estudos e prelúdios de F. Chopin (junto com os estudos de F. Liszt) são o auge da técnica pianística da era romântica.
O romantismo enraizou-se muito bem em solo russo. A nova visão de mundo encontrou uma resposta nas mentes e nas almas da intelectualidade. Seu conceito de resistência ao mal que tomou conta do mundo inteiro revelou-se muito próximo da arte e da literatura russas.
Uma das manifestações do romantismo foi a prosa romântica russa. Tendo surgido na primeira metade do século XIX, tornou-se ele próprio um fenómeno único. Apresentado com nomes não apenas de grandes escritores russos, mas também de autores de segunda linha. Algumas obras desses autores demonstram claramente uma afinidade com a fantasia, uma atmosfera incomum e surreal, uma reviravolta mágica na trama e personagens estranhos. Nessas obras pode-se sentir o traço de Hoffmann, mas refratado pela realidade russa. Tal como na Alemanha, a música russa deste período estava intimamente ligada à literatura. Isso pode ser visto no exemplo do trabalho de V.F. Odoevsky (1804 - 1869), que teve sucesso em ambas as áreas.
Em geral, a era romântica produziu uma galáxia de compositores notáveis. Estes são P. I. Tchaikovsky (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabin (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninov (1873 - 1943). Claro, a maioria dos compositores listados eram apenas românticos. Eles deram uma enorme contribuição para o desenvolvimento do realismo na cultura russa, mas certos períodos de sua obra caíram no palco do romantismo.
O expoente da ideia russa na música foi M.I. Glinka. Sua aparição na cultura musical russa obrigou-a a seguir um caminho diferente. Em seu trabalho, ele conseguiu combinar as tradições nacionais europeias e russas. O período romântico da criatividade de M.I. Os de Glinka são lindos romances cheios de harmonia, lirismo e paixão, perfeitos na forma e no conteúdo.
Além das atividades de compositores, um grande papel foi desempenhado nesse período por associações criativas. Em geral, esta foi uma época de grandes e significativas mudanças para a Rússia, inclusive na vida musical. Há um desenvolvimento da ciência e da literatura, que traz consigo Arte russa. Os seus melhores representantes começam a perceber o grande poder social da arte. Assim, as tendências da época também captam a música, aumenta a influência da literatura sobre ela e, consequentemente, sua interação. O âmbito das suas relações com outras formas de arte está a expandir-se, várias comunidades musicais estão a surgir: o círculo de Dargomyzhsky, o círculo de Rubinstein, o círculo de Belyaev e, finalmente, a comunidade musical de Balakirev, chamada de “Punhado Poderoso”.
A expressão “The Mighty Handful” foi cunhada pelo crítico V.V. Stasov (1824 - 1906). Esta expressão oximorónica tornou-se posteriormente popular e foi repetida tanto em contextos respeitosos como irónicos, referindo-se aos músicos agrupados em torno de M.A. Balakireva.
Em primeiro lugar, procuraram reavivar o interesse pela arte popular russa. Dando grande importância identidade nacional música, eles acreditavam, com razão, que isso só poderia ser alcançado se o compositor se voltasse para as origens da canção folclórica. Quem é educado apenas em composições de salão, mesmo as melhores, não conseguirá criar nada que valha a pena. Até agora, os membros acreditavam Círculo Balakirevsky, a música profissional, com raras exceções (ou seja, M.I. Glinka, 1804 - 1857) estava longe da arte popular. No entendimento dos “kuchkistas”, o compositor é obrigado a imbuir-se do espírito da música folclórica. Assim, o romantismo russo é a arte nacional russa.
5. Conclusão.
Uma visão nova e romântica do mundo na arte europeia na virada dos séculos XVIII para XIX. No romantismo, o mundo cotidiano é adjacente ao mundo fantástico, por onde corre o herói dramático, na esperança de escapar da vida cotidiana. Os românticos acreditavam que a arte é uma só; Poesia e música estão especialmente próximas. A música é capaz de “recontar” o pensamento do poeta, de pintar a imagem de um herói literário, e a poesia muitas vezes surpreende pela sua musicalidade. A tendência da nova arte também se refletiu na obra dos grandes compositores românticos.
O romantismo musical tinha os seus próprios heróis, os seus próprios temas, os seus próprios princípios estéticos e linguagem artística. Seu objetivo era a forma livre, não limitada por gênero ou tipo. O romantismo musical existe há muito tempo e trouxe frutos ricos.
Porém, chegou o momento de sua crise. Isto aconteceu num momento em que a aproximação do século XX, com as suas tendências peculiares, começou a destruir os ideais do romantismo. E embora tenha sido eventualmente substituído pelo modernismo, o romantismo não afundou na eternidade e as suas tradições continuaram a viver na arte do novo século e até nos nossos tempos modernos.
6. Lista de referências.
1. Belousova S.S. Romantismo. - M.: Rosman, 2004. - 115 p.
2. Galatsky V.S. O compositor alemão Robert Schumann/W.S. Galatskaia. - M.: Conhecimento, 1956. - 33 p.
3. Gordeeva E.M. Grupo poderoso / E.M. Gordeeva. - M.: Música. - 270 segundos.
4.Solovtsov A.A. Fryderyk Chopin. Vida e arte. - Editora Estadual de Música/A.A. Solovtsov. - Moscou, 1960. - 504 p.
A música levou lugar especial na estética do romantismo. Foi declarado modelo e norma para todas as áreas da arte, pois, pela sua especificidade, é capaz de expressar da forma mais plena os movimentos da alma.“A música começa quando as palavras terminam” (G. Heine).
O romantismo musical como movimento surgiu no inícioXIXséculo e desenvolveu-se em estreita ligação com diversos movimentos da literatura, pintura e teatro. A fase inicial do romantismo musical é representada pelas obras de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; a fase subsequente (1830-50) - a obra de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. O Romantismo Tardio se estende até o fimXIXséculo. Assim, se na literatura e na pintura direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em meadosXIXséculo, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa.
No romantismo musical, assim como em outras formas de arte e literatura, a oposição entre o mundo dos ideais belos e inatingíveis e a vida cotidiana permeada pelo espírito do filistinismo e do filistinismo deu origem, por um lado, ao conflito dramático, ao domínio de motivos trágicos de solidão, desesperança, peregrinação, etc., por outro lado, idealização e poetização do passado distante, vida popular, natureza. Ecoando o estado de espírito humano, a natureza nas obras dos românticos costuma ser colorida por um sentimento de desarmonia.
Como outros românticos, os músicos estavam convencidos de que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a razão:“a mente se perde, os sentimentos nunca” (R.Schumann).
O interesse especial inerente à música romântica personalidade humana expresso na predominância neletom pessoal . A revelação do drama pessoal muitas vezes assumia a conotação deautobiográfico, que trouxe uma sinceridade especial à música. Por exemplo, muitas das obras para piano de Schumann estão relacionadas com a história de seu amor por Clara Wieck. Berlioz escreveu a autobiográfica Symphony Fantastique. Wagner enfatizou de todas as maneiras possíveis a natureza autobiográfica de suas óperas.
Muitas vezes entrelaçado com o tema da “confissão lírica”tema natureza .
Uma verdadeira descoberta de compositores românticos foitema de fantasia. A música aprendeu pela primeira vez a incorporar imagens fabulosas e fantásticas através de meios puramente musicais. Em óperasXVII - XVIIIDurante séculos, personagens “sobrenaturais” (como a Rainha da Noite de “A Flauta Mágica” de Mozart) falavam em uma linguagem musical “geralmente aceita”, pouco se destacando do fundo pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir mundo da fantasia como algo completamente específico (usando cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a “Cena no Desfiladeiro do Lobo” em “The Magic Shooter” de Weber.
Se XVIIIséculo foi a era dos improvisadores virtuosos de tipo universal, igualmente proficientes em cantar, compor e tocar vários instrumentos, entãoXIXséculo foi uma época de paixão sem precedentes pela arte de pianistas virtuosos (K.M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, J. Brahms).
A era do romantismo mudou completamente a “geografia musical do mundo”. Sob a influência do despertar activo da autoconsciência nacional dos povos da Europa, os jovens escolas de compositores Rússia, Polónia, Hungria, República Checa, Noruega. Compositores desses países, incorporando imagens literatura nacional, história, natureza nativa, contava com as entonações e ritmos do folclore nativo.
Altamente característico do romantismo musical é o interesse emArte folclórica . Tal como os poetas românticos, que enriqueceram e actualizaram a linguagem literária através do folclore, os músicos recorreram amplamente ao folclore nacional - músicas folk, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Incorporando imagens da literatura nacional, da história e da natureza nativa, eles confiaram nas entonações e ritmos do folclore nacional e reviveram antigos modos diatônicos.Sob a influência do folclore, o conteúdo da música europeia foi dramaticamente transformado.
Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento do românticonovos meios de linguagem musical e princípios de construção de forma, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música (trastes naturais, comparações coloridas de maior e menor, etc.).
Como o foco dos românticos não está mais na humanidade como um todo, mas pessoa especial com seu sentimento único, respectivamentee nos meios de expressão, o geral dá cada vez mais lugar ao individual, ao individualmente único. A participação de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas em harmonia, padrões típicos em diminuições de textura - todos esses meios são individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.
O ponto mais importanteestética o romantismo musical foiideia de síntese artística , que encontrou sua expressão mais marcante em criatividade operística Wagner emúsica do programa Berlioz, Schumann, Liszt.
Gêneros musicais nas obras de compositores românticos
Na música romântica, emergem claramente três grupos de gênero:
- gêneros que ocupavam um lugar subordinado na arte do classicismo (principalmente música e miniatura de piano);
- gêneros adotados pelos românticos da época anterior (ópera, oratório, ciclo sonata-sinfônico, abertura);
- gêneros poéticos livres (baladas, fantasias, rapsódias, poemas sinfônicos). O interesse por eles é explicado pelo desejo dos compositores românticos de livre expressão e transformação gradual das imagens.
Na cultura musical do romantismo vem à tonacanção como o gênero mais adequado para expressar os pensamentos mais íntimos do artista (enquanto no trabalho profissional dos compositoresXVIIIséculos, a canção lírica recebeu um papel modesto - servia principalmente para preencher o tempo de lazer). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg e outros trabalharam na área da canção.
Um típico compositor romântico cria de forma muito direta, espontânea, a pedido de seu coração. A compreensão romântica do mundo não é uma aceitação filosófica consistente da realidade, mas um registo instantâneo de tudo o que tocou a alma do artista. Nesse sentido, o gênero floresceu na era do romantismominiaturas (independente ou combinada com outras miniaturas de um ciclo). Esta não é apenas uma música e um romance, mas também composições instrumentais -momentos musicais, improvisados, prelúdios, estudos, noturnos, valsas, mazurcas (devido à dependência da arte popular).
Muitos gêneros românticos devem sua origem à poesia e às suas formas poéticas. São sonetos, canções sem palavras, contos, baladas.
Uma das principais ideias da estética romântica - a ideia de uma síntese das artes - naturalmente trouxe o problema da ópera para o centro das atenções. PARA gênero de ópera Quase todos os compositores românticos foram convertidos, com raras exceções (Brahms).
O tom de expressão pessoal e confidencial inerente ao romantismo transforma completamente gêneros clássicos sinfonias, sonatas, quartetos. Eles recebeminterpretação psicológica e lírico-dramática. O conteúdo de muitas obras românticas está relacionado aProgramas (Ciclos de piano de Schumann, "Anos de peregrinação" de Liszt, sinfonias de Berlioz, aberturas de Mendelssohn).
Durante a era do romantismo, a música ocupou um lugar de destaque no sistema artístico. Isso se explica pela sua especificidade, que permite refletir da forma mais completa as experiências emocionais utilizando todo o arsenal de meios expressivos.
O romantismo na música aparece no século XIX nas obras de F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Um pouco mais tarde, esse estilo se refletiu nas obras de F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi e outros compositores.
O romantismo originou-se na Europa no início do século XIX. Tornou-se uma espécie de oposição ao classicismo. O romantismo permitiu ao ouvinte penetrar mundo mágico lendas, canções e contos. Princípio orientador esta direção- oposição (sonhos e vida cotidiana, mundo perfeito e vida cotidiana) criado imaginação criativa compositor. Este estilo era popular entre pessoas criativas até a década de quarenta do século XIX.
O romantismo na música reflete problemas homem moderno, seu conflito com o mundo exterior e sua solidão. Esses temas tornam-se centrais no trabalho dos compositores. Sendo talentoso e diferente dos outros, uma pessoa constantemente se sente incompreendida pelos outros. Seu talento se torna a razão de sua solidão. É por isso que os heróis favoritos dos compositores românticos são poetas, músicos e artistas (R. Schumann “O Amor de um Poeta”; Berlioz - o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista” para a “Sinfonia Fantástica”, etc. ).
Transmitindo o mundo das experiências interiores de uma pessoa, o romantismo na música muitas vezes tem um toque de autobiografia, sinceridade e lirismo. Temas de amor e paixão são amplamente utilizados. Por exemplo, o famoso compositor R. Schumann dedicou muitas peças para piano à sua amada Clara Wieck.
O tema da natureza também é bastante comum nas obras dos românticos. Freqüentemente, os compositores contrastam isso com o estado de espírito de uma pessoa, colorindo-o com tons de desarmonia.
O tema da fantasia tornou-se uma verdadeira descoberta para os românticos. Eles estão trabalhando ativamente na criação de personagens de contos de fadas e fantasia e na transmissão de suas imagens por meio de vários elementos da linguagem musical (Mozart " flauta mágica" - Rainha da Noite).
Freqüentemente, o romantismo na música também se volta para a arte popular. Os compositores usam uma variedade de materiais em suas obras elementos folclóricos(ritmos, entonações, modos antigos) retirados de canções e baladas. Isso permite enriquecer significativamente o conteúdo das peças musicais.
O uso de novas imagens e temas exigiu a busca de formas adequadas. Assim, nas obras românticas aparecem entonações de fala, modos naturais, contrastes de diferentes tonalidades e partes solo (vozes).
O romantismo na música incorporou a ideia de uma síntese das artes. Exemplo disso são as obras programáticas de Schumann, Berlioz, Liszt e outros compositores (a sinfonia “Harold in Italy”, o poema “Preludes”, o ciclo “Years of Wandering”, etc.).
O romantismo russo refletiu-se vividamente nas obras de M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky e outros.
Em suas obras, A. Dargomyzhsky transmite imagens psicológicas multifacetadas (“Sereia”, romances). Na ópera “Ivan Susanin”, M. Glinka pinta quadros da vida do povo russo comum. As obras dos compositores do famoso “Mighty Handful” são legitimamente consideradas o auge. Eles usam meios expressivos e entonações características inerentes ao russo canção popular, música doméstica, discurso coloquial.
Posteriormente, A. Scriabin (prelúdio “Dreams”, poema “To the Flame”) e S. Rachmaninov (estudos-fotos, ópera “Aleko”, cantata “Spring”) também se voltaram para este estilo.
Skryabina Svetlana Anatolevna
MBOU DOD DSHI Uvarovo, região de Tambov.
Professor
Ensaio
« Obras de piano Compositores românticos"
Introdução.
2. Romantismo na música.
4. Influência estilo romântico na obra para piano de F. Liszt.
5. Conclusão.
6. Lista de referências.
Introdução.
O romantismo como movimento artístico formou-se no final do século XVIII. início do século XIX séculos, primeiro na literatura (na Alemanha, Grã-Bretanha e outros países da Europa e América), depois na música e outras formas de arte. O estilo romântico é original, fantástico e sublime.
A era do romantismo desempenhou um papel importante no desenvolvimento da cultura musical. O romantismo abrangeu todas as esferas da cultura: filosofia, estética, teatro, literatura, música e outras. ciências humanitárias. Devido às diferentes tradições nacionais e aspectos históricos, romantismo, evoluindo para países diferentes, adquiriu peculiar traços nacionais: entre os alemães - no misticismo, entre os britânicos - numa personalidade que se oporá ao comportamento razoável, entre os franceses - em histórias incomuns. O estilo romântico é caracterizado por um apelo ao mundo interior de uma pessoa, um desejo de emotividade, o que determinou a primazia da literatura e da música no romantismo.
Relevância Este tema reside no facto de o Romantismo ter sido um suporte para muitos compositores, ter desempenhado um papel importante no desenvolvimento da cultura musical e também ter impulsionado o desenvolvimento da criatividade pianística dos compositores românticos.
O objetivo deste trabalho– identificar as principais características do romantismo e estudar o seu reflexo na obra pianística de compositores românticos através da resolução dos seguintes problemas:
- Considere as principais características do romantismo;
- Identificar manifestações do romantismo na música;
- Estudar as características estilísticas do romantismo na música para piano;
- Descreva a obra para piano de F. Liszt.
Para dar vida às suas ideias, os compositores românticos recorreram a novas formas: miniaturas de piano, baladas, noturnos, polonaises, canções improvisadas e programas líricos adquiriram um grande papel; Um uso mais livre da sonata-sinfônica e formas variacionais, a criação de novas grandes formas de movimento único - sonata, concerto, poema sinfônico, o uso de técnicas especiais de desenvolvimento - leitmotifs, monotematismo, recitação vocal, colorismo.
1. As origens do romantismo e suas características.
Devido a revolução burguesa na França, as opiniões e ideias do povo mudaram. Eventos históricos deixaram sua marca na alma de todos que testemunharam as convulsões revolucionárias. As ideias de igualdade, fraternidade e liberdade tornaram-se próximas de artistas, escritores e músicos. Assim, a Era do Iluminismo terminou. Mas a nova ordem social não correspondeu às expectativas daquela sociedade e a desilusão instalou-se e a emergência de um novo sistema ideológico - o Romantismo - tornou-se irreversível.
O Romantismo é um movimento ideológico e direção artística na cultura espiritual europeia e americana do final do século XVIII - primeira metade do século XIX, que substituiu o classicismo. Estão a ocorrer mudanças profundas no conteúdo da arte, no movimento do pensamento estético e na natureza das imagens artísticas.
No centro do mundo do romantismo está a personalidade humana, que busca a total liberdade interior, perfeição e renovação. Ele expressa sua atitude perante a vida e o mundo ao seu redor por meio de letras de experiências e sentimentos emocionais. O lirismo das imagens artísticas refletiu-se na virada da arte, que direcionou seu desenvolvimento, conexões com o passado e movimento para o futuro.
A base do romantismo era o conceito de mundos duais (o mundo dos sonhos e o mundo real). A discórdia entre ideal e realidade, característica de movimentos anteriores, adquire extraordinária nitidez e intensidade no romantismo.
A principal tarefa do romantismo era retratar o mundo interior, a vida mental. É com o romantismo que o verdadeiro psicologismo começa a aparecer. A contenção e a humildade foram rejeitadas, foram substituídas por emoções fortes, muitas vezes chegando a extremos. Entre os românticos, a psicologia humana estava revestida de misticismo; era dominada por momentos de irracionalidade, obscuridade e mistério.
Os românticos voltaram-se para o misterioso, enigmático, até mesmo terrível, crenças populares, contos de fadas. Rejeitando vida cotidiana a sociedade civilizada moderna é tão incolor e prosaica, os românticos lutavam por tudo que era incomum. Eles foram atraídos pela ficção científica, pelas lendas populares e pela arte popular em geral.
O herói do romantismo é, antes de tudo, um super-homem individualista. Para os românticos, uma pessoa é um pequeno universo, um microcosmo. O intenso interesse pelos sentimentos fortes e vívidos, pelas paixões que tudo consomem, pelos movimentos secretos da alma, pelo seu lado “noturno”, um desejo pelo intuitivo e pelo inconsciente são as características essenciais da arte romântica.
2. Romantismo na música.
Na segunda década do século XIX surgiu o romantismo musical, que surgiu sob a influência da arte literária. Este foi um fenómeno historicamente novo, embora tenham sido reveladas profundas ligações com “clássicos” musicais. Estudando e executando obras de compositores românticos, sente-se exaltação da estrutura espiritual e sublimidade de sentimentos, contraste dramático, pathos profundo, lirismo sincero.
Os fundadores da era do romantismo são compositores como: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. Num período posterior, surgiu o “impressionismo” musical de Debussy, Ravel e Scriabin.
As miniaturas de piano de Schubert, as "Canções sem Palavras" de Mendelssohn, os ciclos de piano, os noturnos, os prelúdios de Schumann, as baladas de Chopin - toda essa riqueza transformou antigos gêneros e formas, entrou no tesouro musical do mundo e ganhou importância na música clássica.
O lugar dominante é ocupado pelo tema do amor; é esse estado de espírito que reflete de forma mais abrangente e completa todas as profundezas e nuances da psique humana. O amor de uma pessoa pela sua casa, pela sua pátria, pelo seu povo corre como um fio condutor na obra de todos os compositores românticos.
Os românticos têm uma imagem da natureza que está intimamente e inextricavelmente entrelaçada com o tema da confissão lírica. Assim como as imagens do amor, a imagem da natureza personifica o estado de espírito do herói, muitas vezes colorido por um sentimento de desarmonia com a realidade.
O tema da fantasia muitas vezes compete com imagens da natureza e isso é gerado pelo desejo de escapar do cativeiro Vida real. Entre os compositores da escola romântica, as imagens de contos de fadas e fantásticas adquirem um colorido nacional único. As baladas de Chopin são inspiradas nas baladas de Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn, criam obras de um plano fantástico e grotesco, simbolizando, por assim dizer, o reverso da fé, esforçando-se por reverter as ideias de medo das forças do mal.
O período tardio da vida e obra do último grande compositor clássico, Ludwig van Beethoven, coincidiu com o apogeu da obra do primeiro grande compositor romântico, Franz Schubert. Esta coincidência significativa demonstra a estreita ligação entre a arte musical clássica e romântica. Apesar da continuidade entre estas duas heranças, existem diferenças importantes típicas da relação entre a obra dos compositores clássicos e dos compositores românticos. A principal diferença é a ênfase especial na música romântica na personificação de imagens e humores líricos sonhadores e lírico-patéticos excitados.
Compositores românticos começaram a mostrar grande interesseà identidade nacional da música russa, bem como da música de outros povos. Nesse sentido, um estudo cuidadoso do folk criatividade musical - folclore musical. Ao mesmo tempo, aumentou o interesse pelo passado histórico nacional, lendas antigas, lendas, lendas, que serviram de base para o surgimento de fascinantes imagens fantásticas. Ao dominar novos temas e imagens, a música romântica aumentou a sua interação com a poesia romântica e o teatro romântico. Isso determinou o grande florescimento da ópera romântica no século XIX, gênero em que ocorre uma síntese de todos os tipos de arte. Um dos mais brilhantes óperas românticas- “The Magic Shooter” do compositor alemão Carl Maria von Weber.
A arte musical romântica produziu muitos compositores notáveis, que muitas vezes também eram concertistas maravilhosos.
3. Características estilísticas da era do romantismo na música para piano.
No estilo musical da era romântica, os meios modais e harmônicos desempenham um papel muito importante. O primeiro desses processos - a dinâmica - é a saturação dos acordes nas peças com alterações e dissonâncias, o que exacerba sua instabilidade e aumenta a tensão que exige resolução na execução posterior. Tais propriedades da execução de obras de compositores românticos expressavam o “langor” típico desse estilo, o fluxo de sentimentos em desenvolvimento “infinito”, que foi especialmente incorporado nas obras de Chopin, Schumann e Grieg. Uma variedade de cores e sons coloridos foram extraídos dos modos naturais, com a ajuda dos quais o caráter folclórico ou arcaico da música foi enfatizado. Ao representar imagens fantásticas, fabulosas ou caprichosas, um grande papel foi atribuído aos tons inteiros e às escalas cromáticas.
As seguintes tendências estavam em ação na música melódica romântica: o desejo de amplitude e a continuidade do desenvolvimento do fraseado. Muitos compositores da era romântica têm “melodias infinitas” com enormes ligas multi-compassos em suas obras. Isto é especialmente evidente nas obras de Chopin, Tchaikovsky, Período inicial Anos 80 - 90 Rachmaninov (“Elegia”, “Melodia”, “Romance”, “Serenata” e suas outras obras).
Ao conhecer a música de compositores românticos, a produção sonora e o sentido de “estilo” são de grande importância aqui é muito importante notar que ao trabalhar o fraseado de uma determinada peça é necessário que as frases escolham uma; outro, agarram-se um ao outro, formando guirlandas, mas juntos, ao mesmo tempo, não se sobrepõem.
Falando sobre as características estilísticas da execução de obras musicais de compositores românticos ao piano, o professor do Conservatório de Leningrado V.Kh Razumovskaya escreveu: “Eu luto com a simetria, tento superar a métrica e esconder as “costuras sintáticas”, graças a isso. fraseado e nuance, obtém-se a fluidez e melodiosidade do som e legato de sentimentos."
É preciso sentir a respiração ao executar obras líricas; ela pode ser sentida pelo toque: um fundo cheio de ar, um baixo respiratório, um pedal elegante.
Sobre as características estilísticas da música de F. Chopin, Liszt disse o seguinte: “Sua música lembra uma flor de trepadeira, que balança suas corolas em um caule extraordinariamente fino. Essas corolas de extraordinária beleza são feitas de um tecido tão perfumado e delicado que são. rasgar ao menor toque.”Chopin é o “pináculo” das artes cênicas da era romântica.
Atuando obras musicais era do romantismo, devemos lembrar que para alcançar o “som” desejado - aveludado e sobrenatural, são necessários um dom especial, muito trabalho e um senso de estilo. Como disse Neuhaus: “O som é um santuário, cuide do som como o ouro, como uma joia, ele se origina em uma atmosfera pré-sônica, seu nascimento é um mistério, é muito importante encontrar a “medida de som” necessária.
Vem à tona melos. A melodia é atualizada em termos de entonação e composição. Dois aparecem fontes diferentes renovação entoacional: folclore e entonações da fala. O que foge da norma clássica é o que antes de tudo chama a atenção. Os classicistas tinham recitação (oratória), mas entre os românticos era mais íntima, lírica, aberta e emocional.
5. A influência do estilo romântico na obra para piano de F. Liszt.
“Liszt, como um virtuoso, um fenômeno entre aqueles
que aparecem uma vez a cada poucos séculos”,
Serov escreveu
Na obra de F. Liszt, as obras para piano constituem a melhor parte de sua herança criativa.
As personalidades artísticas de Liszt como pianista e compositor combinaram-se para ajudar a abrir novos caminhos na arte da música.
Ele confiou todos os seus pensamentos, sonhos, sofrimentos e alegrias ao piano. E é por isso que Liszt foi o primeiro a encontrar novos métodos de composição e meios de expressão no campo da música para piano.
F. Liszt foi um pianista brilhante e com sua atuação conseguiu convencer e cativar milhares de ouvintes. Da mesma forma, na prática do compositor, buscou uma apresentação clara e inteligível do pensamento musical. Por outro lado, como um artista em constante busca, dotado de um talento criativo brilhante, ele atualizou toda a estrutura e caráter do som do piano, tornando-o, como disse Stasov com propriedade, “uma coisa desconhecida e inédita - uma coisa orquestra inteira.”
O compositor introduziu uma interpretação sinfônica do piano na performance e na criatividade modernas. Em seus desenvolvimentos, ele alcançou um poderoso som orquestral do instrumento e o enriqueceu com capacidades colorísticas. Numa das suas cartas, Liszt indicou que o seu objetivo era “... introduzir o espírito do pianista intérprete nos efeitos orquestrais e, dentro dos limites limitados do piano, tornar sensíveis uma variedade de instrumentos instrumentais. efeitos sonoros e sombras." Liszt conseguiu isso saturando suas obras para piano com timbres e estrutura melódica. Nas peças para piano de Liszt, as instruções do autor são frequentemente encontradas - quase tromba (como se fosse uma trombeta), quase flauto (como se fosse uma flauta), etc., imitação de um violoncelo (por exemplo, em “The Valley of Oberman”), chifres (estudo “Hunt”), sinos (“Geneva Bells”), órgão, etc. Liszt expandiu os recursos expressivos do pianismo, trazendo à tona o poder, o brilho e o colorido do som.
F. Liszt descobriu novas técnicas na técnica pianística. Procurou usar todos os registros do piano: usou graves que soavam ricos e profundos, transferiu a melodia para o registro médio, “violoncelo”, e no registro superior revelou um som transparente e cristalino. Ao comparar registros, o compositor utilizou passagens, saturou-as com complexos de acordes em um amplo arranjo. Liszt fez uso extensivo de efeitos de tremolo orquestral, trinados de acordes ou oitavas martellato, para transmitir de forma mais proeminente momentos dramáticos ou dinâmicos. Ele prestou especial atenção à distribuição do material sonoro entre as duas mãos, sua transferência e transferência para os diferentes registros do piano. Entre outras técnicas técnicas favoritas de Liszt estão passagens em oitavas, notas duplas e técnicas de ensaio usadas com maestria. Essas técnicas influenciaram o desenvolvimento da textura multicamadas das obras de Liszt. O seu desenvolvimento dá-se em diversos planos dinâmicos e colorísticos, como nas obras orquestrais.
Liszt, como grande reformador da forma de tocar piano, ensinou os pianistas a “acostumar-se a fazer sotaques e agrupar motivos, apresentando o que é mais importante e subordinando o que é menos importante, numa palavra, fazendo da orquestra a sua norma”.
Características estilo piano As folhas não se formaram imediatamente; podem ser divididas em quatro estágios. A primeira fase (anos 20 - meados dos anos 30) está associada ao estudo das capacidades do piano, com a imitação do estilo de bravura dos virtuosos modernos, na segunda (final dos anos 30 - 40), Liszt desenvolve; estilo individual, enriquecendo sua técnica e linguagem musical com as últimas conquistas de compositores românticos (Paganini, Berlioz, Chopin). A terceira fase (final dos anos 40 - 60) - o auge do domínio de Liszt - é caracterizada pela justificação de todas as técnicas técnicas pelas exigências de expressividade e conteúdo, pela ausência de "excessos" virtuosos, a quarta fase (70-80) é marcado por novas buscas: recusa de desenhos monumentais, busca por som de câmara, cores sutis.
A tradição do pianismo de concerto “Listov” foi desenvolvida na arte de A.G. Rubinstein, A. Siloti e especialmente S. Rachmaninov.
Conclusão.
O romantismo como método e direção na arte foi um fenômeno complexo e contraditório. Em todos os países teve uma forte expressão nacional. Na literatura, na música, na pintura e no teatro não é fácil encontrar características que unam Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.
As áreas mais importantes da criatividade dos compositores românticos incluem: letra, fantasia, originalidade na execução de motivos nacionais característicos (exemplo de E. Grieg). Começando com Schubert e Weber, os compositores envolveram na linguagem musical pan-europeia os padrões de entonação do folclore antigo, predominantemente camponês, dos seus países.
O novo conteúdo da música exigia novos meios de expressão. Trata-se, antes de mais, da enorme riqueza melódica, bem como da riqueza melódica da apresentação textural desenvolvida, do aumento da complexidade e do colorido da linguagem harmónica.
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