Romantismo. Pinturas de artistas do movimento Romantismo
O Romantismo, tendo substituído o Iluminismo e passando pelo sentimentalismo, estabeleceu-se em Cultura europeia final do XVIII - primeira metade do século XIX.
Isso é ideológico direção artística era o oposto do classicismo e do Iluminismo. E o prenúncio do romantismo foi o sentimentalismo. O berço do romantismo é a Alemanha.
Filosofia do Romantismo
O Romantismo afirmou o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. Mas, você pode objetar, isso é também o que o sentimentalismo afirmava. Então, qual é a diferença entre eles?
Sim, o protesto contra a falta de espiritualidade e o egoísmo já se reflete no sentimentalismo. O romantismo expressa esta rejeição de forma mais aguda. O romantismo em geral é um fenômeno mais complexo e contraditório que o sentimentalismo. Se no sentimentalismo o ideal é a alma homem comum, que os sentimentalistas consideram não apenas igual à alma de um aristocrata, mas às vezes mais elevada e mais nobre, então o romantismo está interessado não apenas na virtude, mas também no mal, que até tenta enobrecer; ele também está interessado na dialética do bem e do mal no homem (lembre-se do personagem principal do romance de M.Yu. Lermontov, “Um Herói do Nosso Tempo”).
M. Vrubel. Ilustração para o romance “Herói do Nosso Tempo” de Lermontov. Duelo entre Pechorin e Grushnitsky
Os poetas românticos começaram a usar imagens de anjos, especialmente os caídos, em suas obras. Por exemplo, interesse pela imagem de um demônio: vários poemas e o poema “Demônio” de Lermontov; um ciclo de pinturas dedicadas ao demônio de M. Vrubel.
M. Vrubel “O Demônio Sentado”
Os românticos procuraram desvendar o mistério da existência humana, voltando-se para a natureza, confiando nos seus sentimentos religiosos e poéticos. Mas, ao mesmo tempo, o romantismo tenta até repensar a religião.
O herói romântico é uma personalidade complexa e apaixonada, com um mundo interior profundo, mas contraditório - este é um universo inteiro. M.Yu. Lermontov disse isso em seu romance: “A história da alma humana, mesmo a menor alma, é quase mais curiosa e não mais útil que a história um povo inteiro." Características O romantismo estava interessado em sentimentos fortes e vívidos, em paixões que tudo consumiam e nos movimentos secretos da alma.
Outra característica do romantismo é o interesse pelo folclore, mitos e contos de fadas. No romantismo russo, os gêneros especialmente populares são as baladas, drama romântico. Graças às traduções de Zhukovsky, os leitores russos conheceram as baladas, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott e depois disso muitos poetas recorreram ao gênero balada: A.S. Pushkin (“Canção do Profético Oleg”, “O Afogado”), M.Yu. Lermontov (“Dirigível”, “Sereia”), A.K. Tolstoi e outros E outro gênero de literatura se estabeleceu na Rússia, graças a V. Zhukovsky - a elegia.
Os românticos estavam interessados em vários eras históricas, sua originalidade, bem como países e circunstâncias exóticas e misteriosas. A criação do gênero romance histórico também é mérito do romantismo. O fundador do romance histórico é W. Scott, mas este gênero é desenvolvido nas obras de F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo e outros.
E outra característica do romantismo (de forma alguma a única) é a criação de um mundo próprio e especial, mais belo e real que a realidade. O herói romântico vive neste mundo, defendendo apaixonadamente a sua liberdade e acreditando que não obedece às regras do mundo exterior, mas apenas às suas próprias regras.
Durante a era do romantismo, a literatura floresceu. Mas, ao contrário da literatura do sentimentalismo, esta literatura não se isolou dos problemas sociais e políticos.
Eu.K. Aivazovsky, I.E. Repin “Adeus ao Mar de Pushkin” (1877)
Um lugar significativo na obra dos românticos (em todos os tipos de arte) é ocupado pela paisagem - antes de mais nada, o mar, as montanhas, o céu, elementos tempestuosos com os quais o herói mantém relações complexas. A natureza pode ser semelhante natureza apaixonada herói romântico, mas também pode resistir-lhe, revela-se uma força hostil com a qual é forçado a lutar.
I. Aivazovsky “A Nona Onda” (1850). Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
EM países diferentes O destino do romantismo teve características próprias.
Romantismo na pintura
T. Géricault
Muitos artistas de diferentes países europeus pintaram no estilo do romantismo. Mas por muito tempo o romantismo lutou com o classicismo. E somente após o aparecimento da pintura “A Jangada da Medusa” de Theodore Gericault, considerada inovadora, os adeptos do estilo acadêmico reconheceram o romantismo como uma nova direção artística na arte, embora a pintura tenha sido inicialmente recebida com desaprovação. Mas foi esse quadro que marcou o início do romantismo francês. As tradições do classicismo eram fortes na França, e a nova direção teve que superar a oposição.
T. Gericault “A Jangada da Medusa” (1819). Lona, óleo. Louvre (Paris) 491 x 716 cm.
O enredo do filme é a história da fragata "Medusa", que, por incompetência do capitão, caiu na costa do Senegal em 1816. 140 passageiros e tripulantes tentaram escapar pousando na jangada. Somente no 12º dia foram recolhidos pelo brigue Argus, mas apenas 15 pessoas sobreviveram. Em 1817, dois deles, o engenheiro Correard e o cirurgião Henri Savigny, escreveriam um livro sobre esta tragédia.
Theodore Gericault, como muitos outros, ficou chocado com o que aconteceu com a Medusa. Ele conversa com testemunhas oculares do evento, faz esboços dos executados e moribundos e escreve centenas de esboços do mar revolto. E embora a pintura se diferencie pela cor monocromática, sua principal vantagem é o profundo psicologismo da situação retratada na tela.
Outro líder do movimento romântico na pintura europeia foi o pintor e artista gráfico francês Eugene Delacroix.
Eugène Delacroix "Autorretrato" (1837)
A sua pintura “A Liberdade Guiando o Povo” (1830) foi criada com base na Revolução de Julho de 1830, que pôs fim ao regime da Restauração da monarquia Bourbon.
A mulher retratada no centro da imagem simboliza a liberdade. Na cabeça ela usa um boné frígio (símbolo de liberdade ou revolução), em mão direita bandeira da França Republicana, à esquerda - uma arma. O peito nu simboliza a dedicação dos franceses da época, que com “ peito nu“Estávamos indo em direção ao inimigo. Em torno da Liberdade está um trabalhador, um burguês, um adolescente, que simboliza a unidade do povo francês durante a Revolução de Julho. Alguns historiadores e críticos de arte sugerem que na forma de um homem de cartola à esquerda de personagem principal o artista se retratou.
O. Kiprensky “Auto-retrato” (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - famoso artista russo, artista gráfico e pintor, mestre do retrato.
O. Kiprensky “Retrato de A.S. Pushkin" (1827). Lona, óleo. 63 x 54 cm. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Este é talvez o retrato mais famoso de Pushkin, encomendado ao artista pelo amigo de Pushkin, Delvig. Na tela, Pushkin é retratado até a cintura, com os braços cruzados sobre o peito. Uma manta escocesa xadrez está pendurada no ombro direito do poeta – é com esse detalhe que o artista denota a ligação de Pushkin com Byron, o ídolo da era do romantismo.
K. Bryullov “Auto-retrato” (1848)
A obra do artista russo K. Bryullov é classificada como acadêmica, mas algumas de suas pinturas são o auge do romantismo russo tardio, com seu senso de tragédia e conflito na vida, interesse por paixões fortes, temas e situações extraordinárias, e no destinos de enormes massas humanas.
K. Bryullov “O Último Dia de Pompéia” (1830-1833). Lona, óleo. 465,5 x 651 cm. Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
Bryullov combinou na imagem ação dramática, efeitos de iluminação românticos e plasticidade de figuras esculturais e classicamente perfeitas.
A pintura retrata a famosa erupção do Monte Vesúvio em 79 DC. e. e a destruição da cidade de Pompéia, perto de Nápoles. “O Último Dia de Pompéia” ilustra o romantismo da pintura russa, misturado com idealismo, aumento do interesse pelo plein air e gravitando em torno de temas históricos semelhantes. O profundo psicologismo característico do romantismo ajuda a ver uma personalidade em cada personagem: respeitável e altruísta (um grupo de pessoas no canto inferior direito da imagem carregando um homem idoso), ganancioso (uma figura vestida de branco carregando bens de alguém roubados às escondidas). ), amoroso (o jovem do lado direito pintando, tentando salvar sua amada), devoto (mãe abraçando as filhas no canto inferior esquerdo da pintura), etc.
A imagem do artista no canto esquerdo da pintura é um autorretrato do autor.
E aqui está o irmão do artista, Bryullov Alexander Pavlovich, foi um representante do romantismo na arquitetura (embora também fosse artista).
A. Bryullov “Auto-retrato” (1830)
Ele criou projetos para edifícios em São Petersburgo e arredores.
O edifício do Teatro Mikhailovsky também foi construído de acordo com o projeto de A. Bryullov.
Igreja Ortodoxa dos Santos Apóstolos Pedro e Paulo na aldeia de Pargolovo (hoje território de São Petersburgo)
Romantismo na música
M. Wodzinskaya “Retrato de F. Chopin” (1835)
Tendo se desenvolvido na década de 1820, o romantismo na música capturou todo o século XIX. e é representado por toda uma galáxia de compositores talentosos, dos quais é até difícil destacar um ou mais, para não ofender os outros. Portanto, tentaremos citar o maior número possível de nomes. Os representantes mais proeminentes do romantismo na música são Franz Schubert, Franz Liszt e românticos tardios Anton Bruckner e Gustav Mahler (Áustria-Hungria); Ludwig van Beethoven (parcialmente) Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Alemanha); Frederic Chopin (Polónia); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, antigo Giuseppe Verdi (Itália); A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, PI Tchaikovsky (Rússia).
J. Kriehuber “Retrato de R. Schumann” (1849)
Compositores românticos tentaram usar meios musicais expressar a profundidade e a riqueza do mundo interior de uma pessoa. A música se torna mais proeminente e individual. Gêneros musicais estão sendo desenvolvidos, incluindo baladas.
O problema principal música românticaé o problema do indivíduo em seu conflito com o mundo exterior. O herói romântico está sempre solitário. O tema da solidão é o mais popular em toda a arte romântica. Muitas vezes, o pensamento de uma personalidade criativa está associado a isso: uma pessoa se sente solitária quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os heróis preferidos nas obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, “Symphony Fantastique” de Berlioz com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”, o poema sinfônico de Liszt “Tasso”).
PI Chaikovsky
Música romântica, como outros tipos arte romântica, tem um profundo interesse em personalidade humana, a predominância do tom pessoal na música. Muitas vezes obras musicais estavam com um toque de autobiografia, que trouxe uma sinceridade especial à música. Por exemplo, muitas das obras para piano de Schumann estão relacionadas com a história de seu amor por Clara Wieck. Personagem autobiográfico Wagner enfatizou suas óperas. A música de Chopin, que expressou sua saudade de sua terra natal (Polônia) em suas mazurcas, polonaises e baladas, também pode ser chamada de autobiográfica. P.I., que amava profundamente a Rússia e a natureza russa. Tchaikovsky pinta quadros da natureza em muitas de suas obras, e o ciclo de peças para piano “As Estações” é inteiramente dedicado a ela.
Romantismo na literatura
Irmãos Grimm: Wilhelm e Jacob
O romantismo surgiu pela primeira vez na Alemanha, entre os escritores e filósofos da escola de Jena. Trata-se de um grupo de figuras do movimento romântico que se reuniram em 1796 na cidade universitária de Jena (irmãos August Wilhelm e Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Começam a publicar a revista Athenaeum, onde formulam suas próprias programa estético romantismo. Posteriormente, o romantismo alemão se destacou por seu interesse por motivos mitológicos e de contos de fadas (as obras dos irmãos Wilhelm e Jacob Grimm, Hoffmann).
R. Westall "Retrato de Byron"
Um representante proeminente do romantismo inglês é D.G. Byron, que, nas palavras de A.S. Pushkin estava “revestido de um romantismo monótono e de um egoísmo desesperado”. A sua obra está imbuída do pathos da luta e do protesto contra o mundo moderno, glorificando a liberdade e o individualismo.
O romantismo inglês inclui as obras de Shelley, John Keats e William Blake.
Próspero Merimee
O romantismo se difundiu em outros países europeus. Na França, seus representantes são Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. Na Itália - N.U. Foscolo, A. Manzoni. Na Polónia - Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki e outros, nos EUA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow e outros.
Adam Mickiewicz
Romantismo na literatura russa
K. Bryullov “Retrato de V. Zhukovsky”
Os poetas românticos incluem K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. A poesia inicial de A. S. Pushkin enquadra-se no quadro do romantismo. A poesia de M. Yu Lermontov, chamado de “Byron russo”, é considerada o auge do romantismo russo.
P. Zabolotsky. “Retrato de M.Yu. Lermontov na mentique do Regimento de Hussardos da Guarda Vida" (1837)
Personalidade e alma são as principais realidades da existência de Lermontov, o estudo da personalidade e da alma humana é o tema principal de suas obras. Explorando as origens do bem e do mal, Lermontov chega à conclusão de que tanto o bem quanto o mal existem não fora da pessoa, mas dentro dela. Portanto, é impossível esperar que uma pessoa mude para melhor como resultado da mudança do mundo. Daí a quase completa ausência do poeta de apelos à luta por Justiça social. A principal atenção de Lermontov está voltada para a alma humana e seu caminho espiritual.
As letras filosóficas de F. I. Tyutchev completam o romantismo na Rússia.
F. I. Tyutchev (1860-1861). Foto de S. Levitsky
F.I. Tyutchev não se considerava um poeta (atuou como diplomata), mas toda a sua poesia é autobiográfica e repleta de reflexões filosóficas sobre o mundo e o homem nele, sobre as contradições que atormentam a alma humana, sobre o sentido da vida e da morte. .
Fique em silêncio, esconda-se e esconda-se
E seus sentimentos e sonhos -
Deixe estar nas profundezas da sua alma
Eles se levantam e entram
Silenciosamente, como estrelas na noite, -
Admire-os - e fique em silêncio.
Como o coração pode se expressar?
Como outra pessoa pode entender você?
Ele entenderá para que você vive?
Um pensamento falado é uma mentira.
Explodindo, você perturbará as chaves, -
Alimente-se deles - e fique em silêncio.
Apenas saiba como viver dentro de você -
Existe um mundo inteiro em sua alma
Pensamentos misteriosamente mágicos;
Eles ficarão ensurdecidos com o barulho externo,
Os raios da luz do dia se dispersarão, -
Ouça o canto deles - e fique em silêncio!..
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*Silêncio! (lat.)
Já dissemos mais de uma vez que um artista, poeta ou compositor nem sempre trabalha num determinado estilo artístico. Além disso, o estilo artístico nem sempre se enquadra em uma determinada época. Assim, características de qualquer estilo artístico podem ser encontradas a qualquer momento. Às vezes é a moda (por exemplo, recentemente o estilo Império tornou-se subitamente popular novamente), às vezes é a necessidade do artista apenas desta forma de auto-expressão.
1.1 Principais características do romantismo
Romantismo - (romantismo francês, do romance francês medieval) é uma direção de arte que se formou no quadro de um movimento literário geral na virada dos séculos XVIII para XIX. Na Alemanha. Tornou-se difundido em todos os países da Europa e da América. O pico mais alto do romantismo ocorreu no primeiro quartel do século XIX.
A palavra francesa romantismo remonta ao romance espanhol (na Idade Média era o nome dos romances espanhóis, e depois do romance de cavalaria), ao romântico inglês, que se transformou no século XVIII. em romantique e então significando “estranho”, “fantástico”, “pitoresco”. EM início do século XIX V. O romantismo passa a ser a designação de uma nova direção, oposta ao classicismo.
Entrando na antítese do “classicismo” - “romantismo”, o movimento sugeriu a oposição da exigência classicista de regras à liberdade romântica das regras. O centro do sistema artístico do romantismo é o indivíduo, e seu principal conflito é o indivíduo e a sociedade. O pré-requisito decisivo para o desenvolvimento do romantismo foram os acontecimentos da Grande revolução Francesa. O surgimento do romantismo está associado ao movimento anti-iluminista, cujas razões residem na decepção com a civilização, com o progresso social, industrial, político e científico, cujo resultado foram novos contrastes e contradições, nivelamento e devastação espiritual do indivíduo .
O Iluminismo pregava a nova sociedade como a mais “natural” e “razoável”. As melhores mentes da Europa fundamentaram e prenunciaram esta sociedade do futuro, mas a realidade acabou por estar fora do controlo da “razão”, o futuro tornou-se imprevisível, irracional e a ordem social moderna começou a ameaçar a natureza humana e a sua liberdade pessoal. A rejeição desta sociedade, o protesto contra a falta de espiritualidade e o egoísmo já se refletem no sentimentalismo e no pré-romantismo. O Romantismo expressa esta rejeição de forma mais aguda. O Romantismo também se opôs ao Iluminismo em termos verbais: a linguagem das obras românticas, que se esforçava por ser natural, “simples”, acessível a todos os leitores, era algo oposto aos clássicos com os seus temas nobres, “sublimes”, característicos, por exemplo , da tragédia clássica.
Entre os românticos tardios da Europa Ocidental, o pessimismo em relação à sociedade adquire proporções cósmicas e torna-se a “doença do século”. Os heróis de muitas obras românticas são caracterizados por estados de desesperança e desespero, que adquirem um caráter humano universal. A perfeição está perdida para sempre, o mundo é governado pelo mal, o caos antigo é ressuscitado. O tema do “mundo terrível”, característico de toda literatura romântica, foi mais claramente corporificado no chamado “gênero negro” (no “romance gótico” pré-romântico - A. Radcliffe, C. Maturin, no “ drama do rock”, ou “tragédia do rock” - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), bem como nas obras de Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe e N. Hawthorne.
Ao mesmo tempo, o romantismo baseia-se em ideias que desafiam " mundo assustador", - em primeiro lugar, as ideias de liberdade. A decepção do romantismo é uma decepção na realidade, mas o progresso e a civilização são apenas um lado dela. A rejeição deste lado, a falta de fé nas possibilidades da civilização proporcionam outro caminho, o caminho para o ideal, para o eterno, para o absoluto. Este o caminho deve resolver todas as contradições, mudar completamente a vida. Este é o caminho para a perfeição, “em direção a uma meta cuja explicação deve ser buscada do outro lado. o visível” (A. De Vigny) Para alguns românticos, o mundo é dominado por forças incompreensíveis e misteriosas que devem ser obedecidas e obedecidas para não tentar mudar o destino (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). protesto, exigia vingança, luta (os primeiros A.S. Pushkin tinham em comum que todos viam uma única essência no homem, cuja tarefa não se limita de forma alguma a resolver os problemas do quotidiano, pelo contrário, sem negar a vida quotidiana, os românticos procuravam). desvendar o mistério da existência humana, voltando-se para a natureza, confiando nos seus sentimentos religiosos e poéticos.
Um herói romântico é uma personalidade complexa e apaixonada, cujo mundo interior é extraordinariamente profundo e infinito; é todo um universo cheio de contradições. Os românticos estavam interessados em todas as paixões, altas e baixas, que se opunham entre si. A paixão elevada é o amor em todas as suas manifestações, a paixão baixa é a ganância, a ambição, a inveja. Os românticos contrastavam a vida do espírito, especialmente a religião, a arte e a filosofia, com a prática material básica. O interesse por sentimentos fortes e vívidos, paixões que tudo consomem e movimentos secretos da alma são traços característicos do romantismo.
Podemos falar do romance como um tipo especial de personalidade - uma pessoa de fortes paixões e grandes aspirações, incompatível com o mundo cotidiano. Esta natureza é acompanhada por circunstâncias excepcionais. Fantasia, música folclórica, poesia, lendas tornam-se atraentes para os românticos - tudo o que durante um século e meio foi considerado gênero menor, não vale a pena atenção. O romantismo é caracterizado pela afirmação da liberdade, da soberania do indivíduo, do aumento da atenção ao indivíduo, do único no homem e do culto ao indivíduo. A confiança na autoestima de uma pessoa transforma-se num protesto contra o destino da história. Freqüentemente, o herói de uma obra romântica torna-se um artista capaz de perceber a realidade de forma criativa. A “imitação da natureza” classicista se contrasta com a energia criativa do artista que transforma a realidade. Cria-se um mundo especial, mais bonito e real do que a realidade percebida empiricamente. É a criatividade o sentido da existência; ela representa o valor mais elevado do universo. Os românticos defenderam apaixonadamente a liberdade criativa do artista, sua imaginação, acreditando que o gênio do artista não obedece às regras, mas as cria.
Os românticos voltaram-se para várias épocas históricas, foram atraídos pela sua originalidade, atraídos por países e circunstâncias exóticas e misteriosas. O interesse pela história tornou-se uma das conquistas duradouras do sistema artístico do romantismo. Ele se expressou na criação do gênero do romance histórico, cujo fundador é considerado W. Scott, e do romance em geral, que adquiriu posição de destaque na época em questão. Os românticos reproduzem detalhadamente e com precisão os detalhes históricos, os antecedentes e o sabor de uma época específica, mas os personagens românticos são dados fora da história, eles, via de regra, estão acima das circunstâncias e não dependem delas; Ao mesmo tempo, os românticos perceberam o romance como um meio de compreender a história e, a partir da história, penetraram nos segredos da psicologia e, consequentemente, da modernidade. O interesse pela história também se refletiu nas obras de historiadores da escola romântica francesa (A. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).
Foi na época do Romantismo que se deu a descoberta da cultura da Idade Média, e a admiração pela antiguidade, característica da época anterior, também não diminuiu no final do século XVIII - início do século XVIII. Séculos XIX A diversidade de características nacionais, históricas e individuais também teve um significado filosófico: a riqueza de um único todo mundial consiste na totalidade dessas características individuais, e o estudo da história de cada povo separadamente permite traçar, como Burke dito isso, vida ininterrupta através de novas gerações que se sucedem uma após a outra.
A era do Romantismo foi marcada pelo florescimento da literatura, uma das propriedades distintivas da qual era a paixão pelos problemas sociais e políticos. Tentando compreender o papel do homem nos eventos históricos em curso, os escritores românticos gravitaram em torno da precisão, da especificidade e da autenticidade. Ao mesmo tempo, a ação das suas obras ocorre frequentemente em ambientes que são incomuns para um europeu - por exemplo, no Oriente e na América, ou, para os russos, no Cáucaso ou na Crimeia. Assim, os poetas românticos são principalmente letristas e poetas da natureza e, portanto, em suas obras (assim como em muitos prosadores), a paisagem ocupa um lugar significativo - antes de tudo, o mar, as montanhas, o céu, os elementos tempestuosos com os quais o herói está associado a relacionamentos complexos. A natureza pode ser semelhante à natureza apaixonada de um herói romântico, mas também pode resistir a ele, revelando-se uma força hostil com a qual ele é forçado a lutar.
Imagens incomuns e vívidas da natureza, da vida, do modo de vida e dos costumes de países e povos distantes também inspiraram os românticos. Procuravam os traços que constituem a base fundamental do espírito nacional. A identidade nacional se manifesta principalmente na oral Arte folclórica. Daí o interesse pelo folclore, pelo processamento de obras folclóricas, pela criação de obras próprias baseadas na arte popular.
O desenvolvimento dos gêneros do romance histórico, da história fantástica, do poema lírico-épico, da balada é mérito dos românticos. A sua inovação também se manifestou nas letras, em particular, no uso da polissemia das palavras, no desenvolvimento da associatividade, da metáfora e nas descobertas no campo da versificação, da métrica e do ritmo.
O romantismo é caracterizado por uma síntese de gêneros e gêneros, sua interpenetração. O sistema de arte romântica baseava-se numa síntese de arte, filosofia e religião. Por exemplo, para um pensador como Herder, a pesquisa linguística, as doutrinas filosóficas e as notas de viagem servem à procura de formas de revolucionar a cultura. Muitas das conquistas do romantismo foram herdadas pelo realismo do século XIX. – uma propensão para a fantasia, o grotesco, uma mistura de alto e baixo, trágico e cômico, a descoberta do “homem subjetivo”.
Na era do romantismo, não apenas a literatura floresceu, mas também muitas ciências: sociologia, história, ciência política, química, biologia, doutrina evolutiva, filosofia (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, filosofia natural, a essência de o que se resume ao fato de que a natureza é uma das vestimentas de Deus, “a vestimenta viva do Divino”).
O romantismo é um fenômeno cultural na Europa e na América. Em diferentes países, seu destino teve características próprias.
1.2 Romantismo na Rússia
No início da segunda década do século XIX, o romantismo ocupava um lugar fundamental na arte russa, revelando mais ou menos plenamente a sua identidade nacional. É extremamente arriscado reduzir essa singularidade a qualquer característica ou mesmo a uma soma de características; O que vemos é antes a direção do processo, bem como o seu ritmo, a sua aceleração – se compararmos o romantismo russo com os “romantismos” mais antigos da literatura europeia.
Já observamos esta aceleração do desenvolvimento na pré-história do romantismo russo - na última década do século XVIII. - nos primeiros anos do século XIX, quando houve um entrelaçamento invulgarmente próximo de tendências pré-românticas e sentimentais com as tendências do classicismo.
A revalorização da razão, a hipertrofia da sensibilidade, o culto à natureza e ao homem natural, a melancolia elegíaca e o epicurismo aliaram-se a momentos de sistematismo e racionalidade, especialmente manifestados no campo da poética. Estilos e gêneros foram simplificados (principalmente através dos esforços de Karamzin e seus seguidores), e houve uma luta contra metáforas excessivas e floreios do discurso em prol de sua “precisão harmônica” (a definição de Pushkin da característica distintiva da escola fundada por Zhukovsky e Batyushkov).
A velocidade do desenvolvimento também deixou sua marca no estágio mais maduro do romantismo russo. A densidade da evolução artística também explica o fato de que no romantismo russo é difícil reconhecer estágios cronológicos claros. Os historiadores literários dividem o romantismo russo nos seguintes períodos: o período inicial (1801 - 1815), o período de maturidade (1816 - 1825) e o período de seu desenvolvimento pós-outubro. Este é um diagrama aproximado, porque pelo menos dois desses períodos (o primeiro e o terceiro) são qualitativamente heterogêneos e não são caracterizados por pelo menos uma relativa unidade de princípios que distinguiram, por exemplo, os períodos do romantismo de Jena e de Heidelberg na Alemanha.
Movimento romântico em Europa Ocidental- principalmente na literatura alemã - começou sob o signo da completude e da integridade. Tudo o que foi separado buscava a síntese: na filosofia natural, e na sociologia, e na teoria do conhecimento, e na psicologia - pessoal e social, e, claro, no pensamento artístico, que uniu todos esses impulsos e, por assim dizer, , deu-lhes uma nova vida.
O homem procurou fundir-se com a natureza; personalidade, individual - com o todo, com as pessoas; conhecimento intuitivo - com lógico; os elementos subconscientes do espírito humano - com as mais altas esferas de reflexão e razão. Embora a relação entre momentos opostos às vezes parecesse conflitante, a tendência à unificação deu origem a um espectro emocional especial de romantismo, multicolorido e variado, com predominância de um tom maior e brilhante.
Só gradualmente os elementos conflitantes evoluíram para a sua antinomia; a ideia da síntese desejada dissolveu-se na ideia de alienação e confronto, o clima otimista deu lugar a um sentimento de decepção e pessimismo.
O romantismo russo está familiarizado com ambas as etapas do processo - tanto a inicial quanto a final; porém, ao mesmo tempo, forçou o movimento geral. As formas finais apareceram antes que as formas iniciais atingissem o auge; os intermediários amassaram ou caíram. Comparado com o pano de fundo da literatura da Europa Ocidental, o romantismo russo parecia ao mesmo tempo menos e mais romântico: era inferior a eles em riqueza, ramificações e amplitude do quadro geral, mas superior a eles na certeza de alguns resultados finais .
O fator sociopolítico mais importante que influenciou a formação do romantismo é o dezembrismo. A refração da ideologia dezembrista para o plano da criatividade artística é um processo extremamente complexo e demorado. Não percamos, porém, de vista que adquiriu expressão precisamente artística; que os impulsos dezembristas estavam revestidos de formas literárias muito específicas.
Muitas vezes o “dezembrismo literário” foi identificado com um certo imperativo externo à criatividade artística, quando todos os meios artísticos estavam subordinados a um objetivo extra-literário, que, por sua vez, decorreu da ideologia dezembrista. Este objetivo, esta “tarefa” foi supostamente nivelada ou mesmo deixada de lado “características de sílaba ou características de gênero”. Na verdade, tudo era muito mais complicado.
O caráter específico do romantismo russo é claramente visível nas letras desta época, ou seja, na atitude lírica em relação ao mundo, no tom básico e na perspectiva posição do autor, no que é comumente chamado de “imagem do autor”. Vejamos a poesia russa deste ângulo para ter pelo menos uma ideia rápida de sua diversidade e unidade.
A poesia romântica russa revelou uma gama bastante ampla de “imagens do autor”, ora convergindo, ora, ao contrário, polemizando e contrastando entre si. Mas sempre a “imagem do autor” é uma tal condensação de emoções, humores, pensamentos ou detalhes cotidianos e biográficos (a obra lírica parece conter “restos” da linha de alienação do autor, mais plenamente representada no poema), que decorre da oposição ao meio ambiente. A conexão entre o indivíduo e o todo foi rompida. O espírito de confronto e desarmonia sopra sobre a imagem do autor, mesmo quando ela em si parece perfeitamente clara e completa.
O pré-romantismo conhecia principalmente duas formas de expressão do conflito nas letras, que podem ser chamadas de oposições líricas - a forma elegíaca e a epicurista. A poesia romântica desenvolveu-os em uma série de outros mais complexos, profundos e individualmente diferenciados.
Mas, por mais importantes que sejam as formas acima, elas, é claro, não esgotam toda a riqueza do romantismo russo.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky “Mar. Dia ensolarado" Coleção particular Romantismo
John Constable "Bagas e flores de outono em um vaso marrom" Romantismo
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William Mo Eagly “Assim como o galho está dobrado, a árvore está inclinada”, 1861 Museu de Arte da Filadélfia, EUA Romantismo A pintura é nomeada pelo provérbio “Assim como o galho está dobrado, a árvore está inclinada”. O análogo em russo é “Onde a árvore se apoiou, foi aí que ela caiu”.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky “Vista de Teflis de Seyd-Abad”, 1868 Galeria Nacional da Armênia, Yerevan Romantismo Seyd-Abad é um bairro em Tiflis, famoso por seus banhos de enxofre e atendentes de banho incomparáveis. Ao falar de Seyd-Abad, não se pode deixar de tocar na história do famoso Abanotubani - Bath Quarter. Tinha vários nomes. Há uma lenda de que um certo fugitivo da fronteira pashalyk, tendo pegado um resfriado em...
Karl Pavlovich Bryullov “Retrato da Sereníssima Princesa Elizaveta Pavlovna Saltykova”, 1841 Museu Russo, São Petersburgo Romantismo A princesa é retratada sentada em uma cadeira no terraço de sua propriedade. Nesta tela repleta de notas líricas e emocionantes, Bryullov criou uma imagem poética de sua heroína. Elizaveta Pavlovna Saltykova (nascida Stroganova), filha do Conde Stroganov, filantropo e grande industrial. Bryullov sempre se sentiu atraído por mulheres de famílias nobres...
Remy-Furcy Descarcin "Retrato do Doutor de S. jogando xadrez com a Morte", 1793 Museu da Revolução Francesa, Visium, França Romantismo A julgar pela inscrição na moldura do quadro, a tela foi pintada pelo artista em 1793, em breve antes de sua morte (o artista foi executado por simpatia pela contra-revolução) e é seu Último trabalho. Por muito tempo a pintura foi mantida em coleções particulares e foi...
Ivan Konstantinovich Aivazovsky “Manhã de nevoeiro na Itália”, 1864 Feodosia Galeria de Arte nomeado em homenagem a I.K. Aivazovsky, Feodosia Romantismo Em 1840, Aivazovsky vai para a Itália. Lá ele conhece figuras proeminentes da literatura, arte e ciência russas - Gogol, Alexander Ivanov, Botkin, Panaev. Ao mesmo tempo, em 1841, o artista mudou seu sobrenome Gaivazovsky para Aivazovsky. A atuação do artista em...
Joshua Reynolds “Retrato das Irmãs Waldgrave”, 1780 Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo Romantismo Para o retrato das irmãs Waldgrave, Reynolds escolheu o tradicional gênero de pintura inglesa de “pintura conversacional”. Ele os retratou sentados ao redor de uma mesa fazendo bordados. Mas em sua performance, a cena cotidiana perde sua normalidade. Ele se esforça para elevar suas heroínas acima da vida cotidiana. As senhoras, cheias de encanto juvenil, vestem-se de branco…
Redação de exame
Assunto:“Romantismo como movimento na arte.”
Realizado aluno da 11ª turma “B” da escola nº 3
Boyright Anna
Professor de Arte Mundial
cultura Butsu T.N.
Brest 2002
1. Introdução
2. Razões para o surgimento do romantismo
3. Principais características do romantismo
4. Herói romântico
5. Romantismo na Rússia
a) Literatura
b) Pintura
c) Música
6. Romantismo da Europa Ocidental
uma pintura
b) Música
7. Conclusão
8. Referências
1. INTRODUÇÃO
Se você olhar para Dicionário Língua russa, então você pode encontrar vários significados da palavra “romantismo”: 1. Um movimento na literatura e na arte do primeiro quartel do século XIX, caracterizado por uma idealização do passado, isolamento da realidade, um culto à personalidade e homem. 2. Um movimento na literatura e na arte, imbuído de otimismo e vontade de mostrar imagens brilhantes alto propósito de uma pessoa. 3. Um estado de espírito imbuído de uma idealização da realidade e de uma contemplação sonhadora.
Como se depreende da definição, o romantismo é um fenômeno que se manifesta não só na arte, mas também no comportamento, no vestuário, no estilo de vida, na psicologia das pessoas e surge em momentos decisivos da vida, por isso o tema do romantismo ainda é relevante hoje. Vivemos na viragem do século, estamos numa fase de transição. A este respeito, na sociedade existe uma falta de fé no futuro, uma perda de fé nos ideais, surge um desejo de escapar da realidade circundante para o mundo das próprias experiências e ao mesmo tempo de compreendê-la. São essas características que caracterizam a arte romântica. Por isso escolhi o tema “Romantismo como movimento na arte” para pesquisa.
O romantismo é uma camada muito grande de diferentes tipos de arte. O objectivo do meu trabalho é traçar as condições de origem e as razões para o surgimento do romantismo em diferentes países, explorar o desenvolvimento do romantismo em formas de arte como a literatura, a pintura e a música, e compará-las. A principal tarefa para mim foi destacar as principais características do romantismo, características de todos os tipos de arte, para determinar que influência o romantismo teve no desenvolvimento de outros movimentos artísticos.
Ao desenvolver o tema que usei material didáctico sobre arte, autores como Filimonova, Vorotnikov e outros, publicações enciclopédicas, monografias dedicadas a vários autores era do romantismo, materiais biográficos de autores como Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova e outros.
2. RAZÕES PARA O SURGIMENTO DO ROMANTISMO
Quanto mais nos aproximamos dos tempos modernos, mais curtos se tornam os períodos de domínio de um ou outro estilo. Período do final do XVIII-1º terços do século XIX séculos é considerada a era do romantismo (do francês Romantique; algo misterioso, estranho, irreal)
O que influenciou o surgimento do novo estilo?
São três acontecimentos principais: a Grande Revolução Francesa, as Guerras Napoleónicas, a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa.
O trovão de Paris ecoou por toda a Europa. O slogan “Liberdade, igualdade, fraternidade” teve um enorme poder de atracção para todos os povos europeus. À medida que as sociedades burguesas se formaram, a classe trabalhadora começou a agir contra a ordem feudal como uma força independente. A luta oposta de três classes - a nobreza, a burguesia e o proletariado formou a base do desenvolvimento histórico do século XIX.
O destino de Napoleão e o seu papel na história europeia durante duas décadas, 1796-1815, ocuparam as mentes dos seus contemporâneos. “O governante dos pensamentos”, disse A.S. Pushkin.
Para a França, estes foram anos de grandeza e glória, embora à custa da vida de milhares de franceses. A Itália via Napoleão como seu libertador. Grandes esperanças os poloneses colocaram isso nele.
Napoleão agiu como um conquistador agindo no interesse da burguesia francesa. Para os monarcas europeus, ele não era apenas um adversário militar, mas também um representante do mundo estranho da burguesia. Eles o odiavam. No início das guerras napoleônicas em seu " Grande Exército“Houve muitos participantes diretos na revolução.
A personalidade do próprio Napoleão era fenomenal. O jovem Lermontov respondeu ao 10º aniversário da morte de Napoleão:
Ele é estranho ao mundo. Tudo sobre ele era um segredo
O dia da exaltação – e a hora da queda!
Este mistério atraiu especialmente a atenção dos românticos.
Em ligação com as guerras napoleónicas e o amadurecimento da autoconsciência nacional, este período foi caracterizado pela ascensão do movimento de libertação nacional. Alemanha, Áustria, Espanha lutaram contra a ocupação napoleónica, Itália - contra o jugo austríaco, Grécia - contra a Turquia, na Polónia lutaram contra o czarismo russo, Irlanda - contra os britânicos.
Mudanças surpreendentes ocorreram diante dos olhos de uma geração.
A França estava em ebulição acima de tudo: os tempestuosos cinco anos da Revolução Francesa, a ascensão e queda de Robespierre, as campanhas napoleónicas, a primeira abdicação de Napoleão, o seu regresso da ilha de Elba (“cem dias”) e o final
derrota em Waterloo, o sombrio 15º aniversário do regime de restauração, a Revolução de Julho de 1860, Revolução de fevereiro 1848 em Paris, o que provocou uma onda revolucionária em outros países.
Na Inglaterra, como resultado da revolução industrial da 2ª metade do século XIX. a produção de máquinas e as relações capitalistas foram estabelecidas. A reforma parlamentar de 1832 abriu caminho para a burguesia chegar ao poder estatal.
Nas terras da Alemanha e da Áustria, os governantes feudais mantiveram o poder. Após a queda de Napoleão, eles lidaram duramente com a oposição. Mas mesmo em solo alemão, a locomotiva a vapor, trazida da Inglaterra em 1831, tornou-se um factor de progresso burguês.
As revoluções industriais e as revoluções políticas mudaram a face da Europa. “A burguesia, em menos de cem anos de domínio de classe, criou forças produtivas mais numerosas e colossais do que todas as gerações anteriores juntas”, escreveram os cientistas alemães Marx e Engels em 1848.
Assim, a Grande Revolução Francesa (1789-1794) marcou um marco especial que separa a nova era da Era do Iluminismo. Não apenas as formas do Estado, a estrutura social da sociedade e a organização das classes mudaram. Todo o sistema de ideias, iluminado durante séculos, foi abalado. Os Iluministas prepararam ideologicamente a revolução. Mas eles não podiam prever todas as suas consequências. O “reino da razão” não aconteceu. A revolução, que proclamou a liberdade individual, deu origem à ordem burguesa, ao espírito de aquisição e ao egoísmo. Essa foi a base histórica para o desenvolvimento da cultura artística, que propôs um novo rumo - o romantismo.
3. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO ROMANTISMO
O romantismo como método e direção na cultura artística foi um fenômeno complexo e contraditório. Em todos os países teve uma forte expressão nacional. Na literatura, na música, na pintura e no teatro não é fácil encontrar características que unam Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.
Os românticos ocuparam diferentes posições sociais e políticas na sociedade. Todos se rebelaram contra os resultados da revolução burguesa, mas rebelaram-se de maneiras diferentes, pois cada um tinha o seu ideal. Mas apesar de todas as suas muitas faces e diversidade, o romantismo tem características estáveis.
A desilusão com a modernidade deu origem a uma especial interesse no passado: às formações sociais pré-burguesas, à antiguidade patriarcal. Muitos românticos tinham a ideia de que o pitoresco exotismo dos países do sul e do leste - Itália, Espanha, Grécia, Turquia - era um contraste poético com o enfadonho cotidiano burguês. Nestes países, então pouco tocados pela civilização, os românticos procuravam personagens fortes, estilo de vida original e colorido. O interesse pelo passado nacional gerou muita obras históricas.
Esforçando-se para se elevar acima da prosa da existência, para liberar as diversas habilidades do indivíduo, para alcançar a máxima autorrealização na criatividade, os românticos se opuseram à formalização da arte e à abordagem direta e razoável dela, característica do classicismo. Todos vieram de negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que restringiu a iniciativa criativa do artista, e se o classicismo divide tudo em linha reta, em bom e mau, em preto e branco, então o romantismo não divide nada em linha reta. O classicismo é um sistema, mas o romantismo não. O Romantismo avançou o avanço dos tempos modernos do classicismo ao sentimentalismo, que mostra a vida interior do homem em harmonia com o mundo mais amplo. E o romantismo contrasta a harmonia com o mundo interior. É com o romantismo que o verdadeiro psicologismo começa a aparecer.
O principal objetivo do romantismo era imagem do mundo interior, vida espiritual, e isso poderia ser feito com base em histórias, misticismo, etc. Era preciso mostrar o paradoxo desta vida interior, a sua irracionalidade.
Na sua imaginação, os românticos transformaram a realidade desagradável ou retiraram-se para o mundo das suas experiências. A lacuna entre o sonho e a realidade, a oposição da bela ficção à realidade objetiva, estava no cerne de todo o movimento romântico.
O romantismo levantou pela primeira vez o problema da linguagem da arte. “A arte é uma linguagem completamente diferente da natureza; mas também contém o mesmo poder milagroso, que afeta igualmente secreta e incompreensivelmente a alma humana” (Wackenroder e Tieck). O artista é um intérprete da linguagem da natureza, um mediador entre o mundo do espírito e das pessoas. “Graças aos artistas, a humanidade emerge como uma individualidade completa. Através da modernidade, os artistas unem o mundo do passado com o mundo do futuro. Eles são o órgão espiritual mais elevado no qual se encontram vitalidade sua humanidade exterior e onde a humanidade interior se manifesta antes de tudo” (F. Schlegel).
O romantismo como movimento da pintura formou-se na Europa Ocidental no final do século XVIII. O romantismo atingiu o seu apogeu na arte da maioria dos países da Europa Ocidental nas décadas de 20 e 30. século 19.
O próprio termo “romantismo” origina-se da palavra “romance” (no século XVII, os romances eram obras literárias escritas não em latim, mas em línguas derivadas dele - francês, inglês, etc.). Mais tarde, tudo o que era incompreensível e misterioso passou a ser chamado de romântico.
Como fenômeno cultural, o romantismo foi formado a partir de uma visão de mundo especial gerada pelos resultados da Grande Revolução Francesa. Desiludidos com os ideais do Iluminismo, os românticos, buscando harmonia e integridade, criaram novos ideais estéticos e valores artísticos. O principal objeto de sua atenção foram personagens marcantes com todas as suas experiências e desejo de liberdade. O herói das obras românticas é uma pessoa extraordinária que, pela vontade do destino, se encontra em circunstâncias difíceis da vida.
Embora o romantismo tenha surgido como um protesto contra a arte do classicismo, esteve em muitos aspectos próximo deste último. Os românticos eram em parte representantes do classicismo como N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.
Os românticos introduziram ideias únicas na pintura traços nacionais, isto é, o que faltava à arte dos classicistas.
O maior representante do romantismo francês foi T. Gericault.
Theodore Géricault
Theodore Gericault, o grande pintor, escultor e artista gráfico francês, nasceu em 1791 em Rouen em uma família rica. Seu talento como artista se manifestou bem cedo. Muitas vezes, em vez de frequentar as aulas na escola, Géricault sentava-se no estábulo e desenhava cavalos. Mesmo assim, ele procurou não apenas transferir as características externas dos animais para o papel, mas também transmitir sua disposição e caráter.
Depois de se formar no Liceu em 1808, Géricault tornou-se aluno do então famoso mestre da pintura Carl Vernet, famoso por sua habilidade de retratar cavalos em telas. Porém, o jovem artista não gostou do estilo de Vernet. Logo ele sai da oficina e vai estudar com outro pintor não menos talentoso que Vernet, P. N. Guerin. Tendo estudado com dois artistas famosos, Géricault, no entanto, não deu continuidade às suas tradições na pintura. Seus verdadeiros professores provavelmente deveriam ser considerados J. A. Gros e J. L. David.
Os primeiros trabalhos de Géricault distinguem-se pelo facto de serem o mais próximos possível da vida. Essas pinturas são extremamente expressivas e patéticas. Eles mostram o entusiasmo do autor ao avaliar o mundo ao seu redor. Um exemplo é a pintura intitulada “Oficial dos Caçadores de Cavalos Imperiais durante um Ataque”, criada em 1812. Esta pintura foi vista pela primeira vez pelos visitantes do Salão de Paris. Aceitaram com admiração o trabalho do jovem artista, valorizando o talento do jovem mestre.
A obra foi criada durante aquele período da história francesa, quando Napoleão estava no auge de sua glória. Seus contemporâneos o idolatravam, um grande imperador que conseguiu conquistar a maior parte da Europa. Foi neste estado de espírito, sob a impressão das vitórias do exército de Napoleão, que o quadro foi pintado. A tela mostra um soldado galopando a cavalo para atacar. Seu rosto expressa determinação, coragem e destemor diante da morte. Toda a composição
extraordinariamente dinâmico e emocional. O espectador tem a sensação de que ele próprio se torna um verdadeiro participante dos acontecimentos retratados na tela.
A figura do bravo soldado aparecerá mais de uma vez nas obras de Géricault. Entre essas imagens, destacam-se os heróis das pinturas “Oficial Carabinieri”, “Oficial Cuirassier Antes de um Ataque”, “Retrato de um Carabinieri”, “Cuirassier Ferido”, criadas em 1812-1814. Último trabalho notável por ter sido apresentado na próxima exposição realizada no Salão no mesmo ano. Porém, esta não é a principal vantagem da composição. Mais importante ainda, mostrou as mudanças ocorridas no estilo criativo do artista. Se suas primeiras telas refletiam sentimentos patrióticos sinceros, então em suas obras que datam de 1814, o pathos na representação dos heróis dá lugar ao drama.
Tal mudança no humor do artista foi novamente associada aos acontecimentos que aconteciam na França naquela época. Em 1812, Napoleão foi derrotado na Rússia, pelo que ele, que já foi um herói brilhante, adquiriu entre seus contemporâneos a fama de líder militar malsucedido e de homem arrogante e orgulhoso. Géricault personifica a decepção ideal na pintura “O Cuirassier Ferido”. A tela retrata um guerreiro ferido tentando sair rapidamente do campo de batalha. Ele se apoia em um sabre – uma arma que, talvez apenas alguns minutos atrás, ele segurava, erguida bem alto no ar.
Foi a insatisfação de Géricault com as políticas de Napoleão que ditou a sua entrada ao serviço de Luís XVIII, que assumiu o trono francês em 1814. Os sentimentos pessimistas também estavam associados ao facto de, após a segunda tomada do poder por Napoleão em França (período dos Cem Dias), o jovem artista deixou seu país natal com os Bourbons. Mas mesmo aqui ele ficou desapontado. O jovem não pôde assistir com calma enquanto o rei destruía tudo o que havia sido conquistado durante o reinado de Napoleão. Além disso, sob Luís XVIII, a reação feudal-católica intensificou-se e o país retrocedeu cada vez mais rápido, retornando à antiga estrutura estatal. Isto não poderia ser aceite pelos jovens e progressistas pessoa pensante. Muito em breve, o jovem, tendo perdido a fé nos seus ideais, deixa o exército liderado por Luís XVIII e retoma pincéis e tintas. Esses anos não podem ser chamados de brilhantes ou nada marcantes na obra do artista.
Em 1816, Géricault fez uma viagem à Itália. Tendo visitado Roma e Florença e estudado as obras-primas mestres famosos, o artista está interessado pintura monumental. Sua atenção é especialmente ocupada pelos afrescos de Michelangelo que decoravam Capela Sistina. Nessa época, Géricault criou obras cuja escala e majestade lembravam em muitos aspectos as pinturas de pintores. Alta Renascença. Entre eles maior interesse representam “O estupro de uma ninfa por um centauro” e “O homem matando o touro”.
As mesmas características do jeito dos antigos mestres são visíveis na pintura “Corrida de Cavalos Livres em Roma”, escrita por volta de 1817 e representando competições de cavaleiros em um dos carnavais que acontecem em Roma. A peculiaridade dessa composição é que ela foi compilada pelo artista a partir de desenhos naturais previamente realizados. Além disso, a natureza dos esboços difere marcadamente do estilo de toda a obra. Se as primeiras são cenas que descrevem a vida dos romanos - contemporâneos do artista, então na composição geral há imagens de corajosos heróis antigos, como se saísse de histórias antigas. Nisso, Géricault segue o caminho de J. L. David, que, para dar à imagem um pathos heróico, vestiu seus heróis com formas antigas.
Logo após pintar esta pintura, Géricault retornou à França, onde se tornou membro do círculo de oposição formado em torno do pintor Horace Vernet. Ao chegar a Paris, o artista se interessou especialmente pela gráfica. Em 1818, ele criou uma série de litografias sobre tema militar, entre as quais a mais significativa foi “Retorno da Rússia”. A litografia retrata soldados derrotados do exército francês vagando por um campo nevado. As figuras de pessoas aleijadas e cansadas da guerra são retratadas de maneira realista e verdadeira. Não há pathos ou pathos heróico na composição, o que era característico dos primeiros trabalhos de Géricault. O artista se esforça para refletir a realidade, todos os desastres que os soldados franceses abandonados por seu comandante tiveram que suportar em uma terra estrangeira.
Na obra “Retorno da Rússia” o tema da luta do homem contra a morte foi ouvido pela primeira vez. No entanto, aqui este motivo ainda não é expresso tão claramente como nas obras posteriores de Géricault. Um exemplo de tais pinturas é a pintura chamada “A Jangada da Medusa”. Foi pintado em 1819 e exibido no Salão de Paris no mesmo ano. A tela retrata pessoas lutando contra os elementos da água em fúria. O artista mostra não apenas seu sofrimento e tormento, mas também seu desejo de sair vitorioso na batalha contra a morte a todo custo.
O enredo da composição é ditado por um acontecimento ocorrido no verão de 1816 e que emocionou toda a França. A então famosa fragata “Medusa” atingiu um recife e afundou na costa da África. Das 149 pessoas que estavam no navio, apenas 15 conseguiram escapar, entre elas o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar. Ao chegarem em casa, publicaram um pequeno livro contando suas aventuras e feliz salvação. Foi a partir dessas lembranças que os franceses souberam que o infortúnio aconteceu por culpa do inexperiente capitão do navio, que embarcou graças ao patrocínio de um nobre amigo.
As imagens criadas por Géricault são invulgarmente dinâmicas, flexíveis e expressivas, o que o artista conseguiu através de um longo e minucioso trabalho. Para retratar na tela acontecimentos terríveis com veracidade, para transmitir os sentimentos das pessoas que morrem no mar, o artista se encontra com testemunhas oculares da tragédia, passa muito tempo estudando os rostos de pacientes emaciados em tratamento em um dos hospitais de Paris, como bem como marinheiros que conseguiram escapar após naufrágios. Nesta época o pintor criou um grande número de obras de retrato.
O mar revolto, como se tentasse engolir uma frágil jangada de madeira com gente, também está repleto de um significado profundo. Esta imagem é extraordinariamente expressiva e dinâmica. Assim como as figuras humanas, foi copiada da vida: o artista fez vários esboços retratando o mar durante uma tempestade. Enquanto trabalhava na composição monumental, Géricault recorreu mais de uma vez a esboços previamente elaborados para refletir plenamente a natureza dos elementos. É por isso que a imagem impressiona muito o espectador, convencendo-o do realismo e da veracidade do que está acontecendo.
“A Jangada da Medusa” apresenta Géricault como um notável mestre da composição. Por muito tempo, o artista pensou em como organizar as figuras do quadro para expressar da forma mais plena a intenção do autor. Várias mudanças foram feitas ao longo do caminho. Os esboços que antecedem a pintura indicam que inicialmente Géricault queria retratar a luta das pessoas na jangada entre si, mas depois abandonou tal interpretação do acontecimento. Na versão final, a tela representa o momento em que pessoas já desesperadas avistam o navio Argus no horizonte e estendem as mãos para ele. A última adição à pintura foi uma figura humana colocada na parte inferior, do lado direito da tela. Foi ela quem deu o toque final da composição, que depois adquiriu um caráter profundamente trágico. Vale ressaltar que essa alteração foi feita quando o quadro já estava exposto no Salão.
Com a sua monumentalidade e elevada emotividade, a pintura de Géricault lembra em muitos aspectos o trabalho dos mestres da Alta Renascença (principalmente “O Juízo Final” de Michelangelo), que o artista conheceu durante uma viagem à Itália.
A pintura “A Jangada da Medusa”, que se tornou uma obra-prima da pintura francesa, foi um enorme sucesso nos círculos de oposição, que viam nela um reflexo de ideais revolucionários. Pelas mesmas razões, a obra não foi aceita entre a mais alta nobreza e representantes oficiais das artes plásticas da França. É por isso que naquela época a pintura não foi comprada pelo Estado ao autor.
Decepcionado com a recepção dada à sua criação na sua terra natal, Géricault vai para Inglaterra, onde apresenta aos ingleses a sua obra preferida. Em Londres, os conhecedores de arte receberam a famosa pintura com grande alegria.
Géricault aproxima-se dos artistas ingleses, que o cativam pela capacidade de retratar a realidade com sinceridade e veracidade. Géricault dedica uma série de litografias à vida e ao quotidiano da capital de Inglaterra, entre as quais as mais interessantes são as obras denominadas “A Grande Suite Inglesa” (1821) e “O Velho Mendigo Morrendo à Porta da Padaria” ( 1821). EM artista mais recente retratava um vagabundo londrino, cuja imagem refletia as impressões que o pintor recebeu no processo de estudo da vida das pessoas dos bairros operários da cidade.
O mesmo ciclo incluiu litografias como “O Ferreiro da Flandres” e “Às Portas do Estaleiro Adelfin”, apresentando ao espectador uma imagem da vida pessoas comuns Londres. Interessantes nessas obras são as imagens de cavalos pesados e pesados. Eles são visivelmente diferentes daqueles animais graciosos e graciosos que foram pintados por outros artistas - contemporâneos de Géricault.
Enquanto está na capital da Inglaterra, Géricault se dedica à criação não só de litografias, mas também pinturas. Uma das obras mais marcantes desse período foi a tela “Racing at Epsom”, criada em 1821. Na pintura, o artista retrata cavalos correndo a toda velocidade, e seus pés não tocam o chão. O mestre utiliza esta técnica astuta (a fotografia provou que tal posição das patas dos cavalos durante a corrida é impossível; esta é a imaginação do artista) para dar dinamismo à composição, para criar no espectador a impressão do movimento relâmpago de os cavalos. Esta sensação é potencializada pela transferência precisa de plasticidade (posturas, gestos) figuras humanas, bem como o uso de combinações de cores vivas e ricas (cavalos vermelhos, baios, brancos; jaquetas jóquei em azul rico, vermelho escuro, branco-azul e amarelo dourado).
O tema das corridas de cavalos, que há muito chama a atenção do pintor pela sua expressão especial, foi repetido mais de uma vez nas obras criadas por Géricault após a conclusão dos trabalhos sobre “As Corridas de Epsom”.
Em 1822, o artista deixou a Inglaterra e retornou à sua França natal. Aqui ele cria grandes telas semelhantes às obras dos mestres da Renascença. Entre eles estão “O Comércio Negro”, “Abrindo as Portas da Prisão da Inquisição na Espanha”. Essas pinturas permaneceram inacabadas - a morte impediu Géricault de concluir a obra.
De particular interesse são os retratos, cuja criação pelos historiadores da arte remonta ao período de 1822 a 1823. A história da sua pintura merece atenção especial. O fato é que esses retratos foram encomendados por um amigo do artista, que trabalhava como psiquiatra em uma das clínicas de Paris. Eles deveriam se tornar uma espécie de ilustração demonstrando várias doenças mentais humanas. Assim foram pintados os retratos “Velha Maluca”, “Louco”, “Louco Imaginando-se Comandante”. Para o mestre da pintura, era importante não tanto mostrar os sinais e sintomas externos da doença, mas transmitir o estado mental interno do doente. Aparecem nas telas na frente do espectador imagens trágicas pessoas cujos olhos estão cheios de dor e tristeza.
Entre os retratos de Géricault, um lugar especial é ocupado pelo retrato de um homem negro, atualmente no acervo do Museu de Rouen. Um homem determinado e obstinado olha para o espectador da tela, pronto para lutar até o fim com forças que lhe são hostis. A imagem é extraordinariamente brilhante, emocional e expressiva. O homem desta foto é muito parecido com aqueles heróis obstinados que foram anteriormente mostrados por Géricault em grandes composições (por exemplo, na tela “A Jangada da Medusa”).
Géricault não foi apenas um mestre da pintura, mas também um excelente escultor. Suas obras nesta forma de arte no início Século XIX representou os primeiros exemplos de esculturas românticas. Entre essas obras, a composição invulgarmente expressiva “Ninfa e Sátiro” é de particular interesse. As imagens congeladas em movimento transmitem com precisão a plasticidade do corpo humano.
Theodore Gericault morreu tragicamente em 1824 em Paris, caindo de um cavalo. Dele morte prematura foi uma surpresa para todos os contemporâneos do famoso artista.
O trabalho de Géricault marcado novo palco no desenvolvimento da pintura não só na França, mas também na arte mundial - o período do romantismo. Em suas obras, o mestre supera a influência das tradições classicistas. Suas obras são extraordinariamente coloridas e refletem a diversidade do mundo natural. Ao introduzir figuras humanas na composição, o artista se esforça para revelar as experiências e emoções internas de uma pessoa da forma mais completa e clara possível.
Após a morte de Géricault, as tradições da sua arte romântica foram retomadas pelo mais jovem contemporâneo do artista, E. Delacroix.
Eugène Delacroix
Ferdinand Victor Eugène Delacroix, famoso Artista francês e artista gráfico, sucessor das tradições do romantismo que se desenvolveram na obra de Géricault, nasceu em 1798. Não tendo concluído a sua formação no Liceu Imperial, em 1815 Delacroix iniciou a formação com o famoso mestre Guerin. No entanto métodos artísticos O jovem pintor não atendia às exigências do professor e, sete anos depois, o jovem o abandonou.
Estudando com Guerin, Delacroix dedicou muito tempo ao estudo da obra de David e dos mestres da pintura do Renascimento. Ele considera a cultura da antiguidade, cujas tradições David seguiu, fundamental para o desenvolvimento da arte mundial. Portanto, os ideais estéticos de Delacroix eram obras de poetas e pensadores Grécia antiga, entre eles o artista valorizou especialmente as obras de Homero, Horácio e Marco Aurélio.
As primeiras obras de Delacroix foram telas inacabadas, onde o jovem pintor procurou refletir a luta dos gregos com os turcos. No entanto, faltava ao artista habilidade e experiência para criar uma pintura expressiva.
Em 1822, Delacroix expôs sua obra intitulada “Dante e Virgílio” no Salão de Paris. Esta é uma tela extraordinariamente emocional e brilhante em esquema de cores, lembra em muitos aspectos a obra de Géricault “A Jangada da Medusa”.
Dois anos depois, outra pintura de Delacroix, “O Massacre de Chios”, foi apresentada ao público do Salão. Foi aqui que o plano de longa data do artista de mostrar a luta dos gregos com os turcos foi concretizado. Composição geral A pintura consiste em várias partes que formam grupos de pessoas separados, cada uma delas com seu próprio conflito dramático. No geral, a obra dá a impressão de uma tragédia profunda. A sensação de tensão e dinamismo é potencializada pela combinação de linhas suaves e nítidas que formam as figuras dos personagens, o que leva a uma mudança nas proporções da pessoa retratada pelo artista. No entanto, é precisamente por isso que a imagem adquire um caráter realista e uma capacidade de persuasão realista.
O método criativo de Delacroix, plenamente expresso em “O Massacre de Chios”, está longe do estilo classicista então aceito nos círculos oficiais da França e entre os representantes das artes plásticas. Portanto, a pintura do jovem artista foi recebida com duras críticas no Salão.
Apesar do fracasso, o pintor permanece fiel ao seu ideal. Em 1827 apareceu outra obra, dedicado ao tema a luta do povo grego pela independência - “Grécia sobre as ruínas de Missolonghi”. A figura de uma mulher grega determinada e orgulhosa retratada aqui na tela personifica a Grécia invicta.
Em 1827, Delacroix executou duas obras que refletiam as buscas criativas do mestre no campo dos meios e métodos expressão artística. São as pinturas “A Morte de Sardanapalus” e “Marino Faliero”. Na primeira delas, a tragédia da situação é transmitida no movimento das figuras humanas. Apenas a imagem do próprio Sardanapalo é estática e calma aqui. Na composição “Marino Faliero” apenas a figura do personagem principal é dinâmica. O resto dos heróis parecia congelado de horror ao pensar no que estava para acontecer.
Na década de 20 Século XIX Delacroix completou uma série de obras cujos enredos foram retirados de obras literárias famosas. Em 1825, o artista visitou a Inglaterra, terra natal de William Shakespeare. No mesmo ano, impressionado com esta viagem e tragédia famoso dramaturgo Delacroix fez uma litografia de Macbeth. No período de 1827 a 1828, criou a litografia “Fausto”, dedicada à obra homônima de Goethe.
Em conexão com os acontecimentos ocorridos na França em 1830, Delacroix pintou o quadro “A Liberdade Guiando o Povo”. A França revolucionária apresenta-se na imagem de uma mulher jovem, forte, poderosa, decidida e independente, liderando com ousadia a multidão, na qual se destacam as figuras de um trabalhador, de um estudante, de um soldado ferido, de um gamen parisiense (uma imagem que antecipou Gavroche, que mais tarde apareceu em Les Miserables, de V. Hugo).
Este trabalho era visivelmente diferente de trabalhos semelhantes de outros artistas que estavam interessados apenas na representação verdadeira de um evento específico. As pinturas criadas por Delacroix foram caracterizadas por um alto pathos heróico. As imagens aqui são símbolos generalizados da liberdade e independência do povo francês.
Com a chegada ao poder de Louis Philippe, o rei burguês, não houve lugar para o heroísmo e os sentimentos sublimes pregados por Delacroix. vida moderna. Em 1831, o artista empreendeu uma viagem a países africanos. Visitou Tânger, Meknes, Oran e Argel. Ao mesmo tempo, Delacroix visita a Espanha. A vida do Oriente fascina literalmente o artista com seu fluxo rápido. Ele cria esboços, desenhos e uma série de trabalhos em aquarela.
Depois de visitar Marrocos, Delacroix pintou telas dedicadas ao Oriente. As pinturas em que o artista mostra corridas de cavalos ou batalhas de cavaleiros mouros são invulgarmente dinâmicas e expressivas. Em comparação, a composição “Mulheres Argelinas em Suas Câmaras”, criada em 1834, parece calma e estática. Não tem aquele rápido dinamismo e tensão característicos de países mais trabalhos iniciais artista. Delacroix aparece aqui como um mestre da cor. O esquema de cores utilizado pelo pintor reflete plenamente a brilhante diversidade da paleta, que o espectador associa às cores do Oriente.
A tela “Casamento Judaico em Marrocos”, pintada por volta de 1841, é caracterizada pela mesma lentidão e regularidade. Uma misteriosa atmosfera oriental é criada aqui graças à representação precisa do artista sobre a singularidade do interior nacional. A composição parece surpreendentemente dinâmica: o pintor mostra como as pessoas sobem as escadas e entram na sala. A luz que entra na sala faz com que a imagem pareça realista e convincente.
Os motivos orientais ainda estiveram presentes nas obras de Delacroix durante muito tempo. Assim, na exposição organizada no Salão de 1847, das seis obras que apresentou, cinco foram dedicadas à vida e ao modo de vida do Oriente.
Nos anos 30-40. No século XIX, novos temas surgiram na obra de Delacroix. Neste momento, o mestre cria obras de temas históricos. Entre elas, merecem especial atenção as pinturas “O Protesto de Mirabeau contra a Dissolução dos Estados Gerais” e “Boissy d’Anglas”. O esboço deste último, exibido em 1831 no Salão, é um exemplo marcante de composições sobre o tema de uma revolta popular.
As pinturas “A Batalha de Poitiers” (1830) e “A Batalha de Taibourg” (1837) são dedicadas à imagem do povo. A dinâmica da batalha, o movimento das pessoas, sua fúria, raiva e sofrimento são mostrados aqui com todo o realismo. O artista se esforça para transmitir as emoções e paixões de uma pessoa dominada pela vontade de vencer a qualquer custo. São as figuras das pessoas as principais na transmissão do caráter dramático do acontecimento.
Muitas vezes, nas obras de Delacroix, o vencedor e o vencido se opõem fortemente. Isso é especialmente visível na tela “A Captura de Constantinopla pelos Cruzados”, pintada em 1840. Em primeiro plano está um grupo de pessoas dominadas pela dor. Atrás deles há uma paisagem encantadora e encantadora. Aqui também são colocadas figuras de cavaleiros vitoriosos, cujas silhuetas ameaçadoras contrastam com as figuras tristes em primeiro plano.
A Captura de Constantinopla pelos Cruzados apresenta Delacroix como um colorista notável. As cores vivas e saturadas, porém, não realçam o princípio trágico, cujos expoentes são figuras tristes localizadas próximas ao espectador. Pelo contrário, a rica paleta cria a sensação de um feriado organizado em homenagem aos vencedores.
Não menos colorida é a composição “A Justiça de Trajano”, criada na mesma década de 1840. Os contemporâneos do artista reconheceram esta pintura como uma das melhores entre todas as pinturas do artista. De particular interesse é o fato de que durante o trabalho o mestre faz experiências no campo da cor. Até suas sombras assumem uma variedade de tonalidades. Todas as cores da composição correspondem exatamente à natureza. A execução da obra foi precedida por longas observações do pintor sobre as mudanças nas tonalidades da natureza. O artista os escreveu em seu diário. Então, segundo os registros, os cientistas confirmaram que as descobertas feitas por Delacroix no campo da tonalidade eram totalmente consistentes com a doutrina da cor que nascia naquela época, cujo fundador foi E. Chevreuil. Além disso, o artista compara suas descobertas com a paleta utilizada Escola veneziana, que foi um exemplo de habilidade de pintura para ele.
Entre as pinturas de Delacroix, os retratos ocupam um lugar especial. O mestre raramente recorreu a esse gênero. Ele pintou apenas aquelas pessoas que conhecia há muito tempo, cujo desenvolvimento espiritual ocorreu diante dos olhos do artista. Portanto, as imagens dos retratos são muito expressivas e profundas. Estes são os retratos de Chopin e Georges Sand. A tela dedicada ao famoso escritor (1834) retrata uma mulher nobre e obstinada que encanta seus contemporâneos. O retrato de Chopin, pintado quatro anos depois, em 1838, apresenta uma imagem poética e espiritual do grande compositor.
O retrato do famoso violinista e compositor Paganini, pintado por Delacroix por volta de 1831, é interessante e extremamente expressivo. Estilo musical Paganini era em muitos aspectos semelhante ao método de pintura do artista. A obra de Paganini é caracterizada pela mesma expressão e intensa emotividade que caracterizavam as obras do pintor.
As paisagens ocupam um lugar pequeno na obra de Delacroix. No entanto, revelaram-se muito significativos para o desenvolvimento da pintura francesa na segunda metade do século XIX. As paisagens de Delacroix são marcadas pelo desejo de transmitir com precisão a luz e a vida indescritível da natureza. Exemplos vívidos disso são as telas “Céu”, onde uma sensação de dinâmica é criada graças às nuvens brancas como a neve flutuando no céu, e “O mar visível das margens de Dieppe” (1854), em que o pintor transmite com maestria o deslizamento de veleiros leves na superfície do mar.
Em 1833, o artista recebeu a encomenda do rei francês para pintar o salão do Palácio Bourbon. Trabalhe na criação obra monumental durou quatro anos. Ao executar a encomenda, o pintor orientou-se principalmente pelo fato de as imagens serem extremamente simples e concisas, compreensíveis ao espectador.
A última obra de Delacroix foi a pintura da Capela dos Santos Anjos na Igreja de Saint-Sulpice em Paris. Foi executado no período de 1849 a 1861. Utilizando cores vivas e ricas (rosa, azul brilhante, lilás, colocadas sobre fundo azul-acinzentado e marrom-amarelado), o artista cria um clima alegre nas composições, evocando um sentimento no regozijo entusiasmado do espectador. A paisagem, incluída na pintura “A Expulsão de Iliodor do Templo” como uma espécie de fundo, aumenta visualmente o espaço da composição e as instalações da capela. Por outro lado, como se tentasse enfatizar o espaço fechado, Delacroix introduz na composição uma escada e uma balaustrada. As figuras humanas colocadas atrás dele parecem silhuetas quase planas.
Eugène Delacroix morreu em 1863 em Paris.
Delacroix foi o mais culto entre os pintores da primeira metade do século XIX. Muitos dos temas de suas pinturas são retirados de obras literárias famosos mestres da caneta. Um fato interessante é que na maioria das vezes o artista pintava seus personagens sem usar modelo. Ele procurou ensinar o mesmo aos seus seguidores. Segundo Delacroix, a pintura é algo mais complexo do que uma cópia primitiva de linhas. O artista acreditava que a arte, antes de tudo, reside na capacidade de expressar o humor e a intenção criativa do mestre.
Delacroix é autor de vários trabalhos teóricos, dedicado a questões cores, método e estilo do artista. Essas obras serviram de farol para os pintores das gerações subsequentes na busca por seus próprios meios artísticos, usado para criar composições.
