Exemplos de ciclos musicais do compositor. Formas cíclicas

Seção 5. Formulários cíclicos

A forma musical é chamada cíclico, se for constituído por várias partes, independentes na forma, contrastantes no carácter (principalmente no andamento), mas ligadas pela unidade do conceito ideológico e artístico.

O termo “ciclo” é de origem grega e significa círculo. A forma cíclica é entendida como abrangendo um ou outro círculo de diferentes imagens musicais, gêneros e andamentos. A independência das unidades exprime-se no facto de por vezes permitirem actuações separadas (“Marcha Fúnebre” de sonatas em b menor Chopin, Sonata-livro de memórias do ciclo “Motivos Esquecidos” de Medtner). Os ciclos podem consistir em um número diferente de partes: prelúdio e fuga em dois movimentos, concerto e sonata em três movimentos, quatro movimentos em sonata e sinfonia, sete ou oito movimentos em suíte. As formas cíclicas são encontradas na maioria gêneros diferentes música: vocal e instrumental, solo e orquestral.

Os formulários cíclicos são baseados em funções dramáticas. A conexão de peças com base nelas é o princípio norteador das formas cíclicas. ^ Princípios para combinar peças em um ciclo são divididos em dois tipos:

Princípio da suíte(as antigas sonatas de Bach e Handel também são construídas com base neste princípio) é uma combinação de uma série de obras contrastantes. A suíte é baseada na unidade na pluralidade.
^ Princípio sonata - esta é a divisão de uma única obra em uma série de obras individuais subordinadas ao todo. Baseado na pluralidade da unidade.

Suíte.

Suíteé uma obra cíclica composta por diversas peças diferentes, interligadas por um único conceito, mas não possuindo uma única linha de desenvolvimento sequencial. A suíte pode ser imaginada como uma exibição de diferentes imagens em sua comparação, como diferentes afirmações sobre um assunto.

A suíte como gênero e forma surgiu no século XVI (outros gêneros dos séculos XVI-XVIII também foram escritos em forma de suíte: partita, sonata, concerto).

Com o advento e desenvolvimento da forma e do gênero da sonata, a suíte deixou temporariamente de existir e foi revivida posteriormente, no século XIX, em uma nova forma. A suíte deu origem a muitas técnicas composicionais que receberam seu desenvolvimento adicional mais tarde.

^ Suíte antiga.

A antiga suíte está mais claramente representada nas obras dos compositores da primeira metade do século XVIII: Bach e Handel. Uma suíte antiga é uma série de peças de dança organizadas em um ciclo em uma determinada ordem de acordo com o princípio do contraste (andamento, métrica, ritmo, natureza do movimento). O princípio unificador é uma tonalidade, um gênero comum (todas as peças são danças) e muitas vezes uma base de entonação comum.

A antiga suíte incluía 4 obrigatório(principal ) dança.

1. Alemande(dança alemã) - quatro tempos, moderadamente lento, polifônico. Trata-se de uma procissão de dança de roda realizada ao ar livre quando a nobreza entrava na cidade e entrava no castelo.

2. Kuranta(dança italiana) - três tempos, moderadamente rápido, polifônico. Esta é uma dança solo de pares, comum na vida da corte.

3. Sarabanda (dança espanhola) – estrutura de três tempos, lenta e frequentemente de acordes. Segundo as suas origens, este cortejo-dança fúnebre, tendo posteriormente perdido a sua filiação obrigatória ao rito fúnebre, manteve o seu carácter severamente triste e majestoso. Recursos de gênero sarabandas foram amplamente utilizadas por compositores épocas diferentes(Abertura de Beethoven Egmont, 7ª Sinfonia de Shostakovich, final, episódio intermediário).

4. Zhiga(dança irlandesa) é uma dança cômica coletiva muito rápida com um movimento específico de trio (3/8, 12/8) e muitas vezes tem apresentação de fuga.

Algumas das danças obrigatórias foram repetidas duas vezes com desenvolvimento de variação, uma dupla. A variação reduziu-se principalmente ao canto ornamental de uma das vozes.

Além das danças obrigatórias, a suíte quase sempre incluía adicional(geralmente entre sarabande e gige): minueto, gavota, bure, às vezes foram incluídas peças não dançantes: ária, scherzo, que realçavam o contraste. Freqüentemente, a suíte começava com uma introdução - um prelúdio ou abertura. Em geral, a antiga suíte continha peças de vários tipos e refletia bastante círculo amplo fenômenos da vida, mas não em interação e desenvolvimento, mas em sua comparação.

^ Forma de dança em suíte, via de regra, há uma dança antiga em duas partes (para danças obrigatórias) e uma dança em três partes para as adicionais. Na suíte antiga surgiram algumas estruturas composicionais, que mais tarde se desenvolveram em formas musicais independentes, de modo que a estrutura danças adicionais antecipou a futura forma complexa de três partes (Suíte Inglesa de Bach em sol menor: Gavotte I - Gavotte II - Gavotte I, cada uma em uma forma simples de três partes). As duplas nas suítes contribuíram para o desenvolvimento da forma variação. A natureza do arranjo de danças contrastantes na suíte antecipou o arranjo de partes do ciclo sonata

^ Nova suíte.

No século XIX surgiu uma nova suite, significativamente diferente da antiga no seu conteúdo e características composicionais. A natureza programática da música do século XIX e o desejo de maior concretude das imagens musicais também afetaram a nova suíte. O fundador do novo conjunto de programas foi Schumann (“Borboletas”, “Carnaval”, “Cenas Infantis”). Posteriormente, o conjunto de programas se desenvolve nas obras de compositores de épocas posteriores (Mussorgsky “Pictures at an Exhibition”, “Scheherazade” de Rimsky-Korsakov, “ Canto infantil"Debussy).

Mais tarde, nos séculos XIX e XX. o gênero suíte recebe um desenvolvimento ainda mais amplo, incorporando recursos emprestados de suíte antiga– dançabilidade, da suíte de Schumann – programática, multigênero, do ciclo sonata-sinfônico – elementos de desenvolvimento dramático e escala das partes. A suíte inclui novas danças: valsa, polonaise, nacionais - bolero, tarantela, etc. Os números de dança são intercalados com números não dançantes (scherzo, andante, marcha, noturno).

Os compositores do século 19 usaram o gênero suíte de diversas maneiras. Suítes compostas por números de uma composição principal: balé, música para teatro, além de suítes sobre temas de canções ou danças.

^ Ciclo Sonata.

Um ciclo sonata-sinfônico é uma obra cíclica pertencente a um dos seguintes gêneros: sonata, sinfonia, concerto, trio, quarteto, etc., em que se costuma apresentar pelo menos uma parte (em casos típicos a primeira) em sonata forma.

Da definição segue-se que às vezes há casos em que obras multimovimentos que não possuem forma sonata em nenhum dos movimentos são consideradas ciclos sonatas (11ª sonata de Mozart, 12ª sonata de Beethoven). O significado global do ciclo e a unidade do todo permitiram classificá-los como um ciclo sonata.

A revelação de conteúdos profundos e sérios baseados no desenvolvimento significativo de imagens musicais luminosas, na alternância contrastante de partes de uma obra musical com a unidade do conceito geral e integridade da forma musical - estes são os traços característicos da sonata madura- ciclos sinfônicos. Essas características se unem conceito geral sinfonismo, que significa o tipo mais elevado de pensamento musical, especialmente característico dos ciclos sinfônicos. O nome de sonata é reservado apenas para obras para um ou dois instrumentos mais complexos do tipo sonata são nomeados de acordo com o número de instrumentos (trio, quarteto, quinteto). Uma obra do tipo sonata para orquestra é chamada de sinfonia.

O ciclo sonata distingue-se pelo significado do conteúdo de cada parte e pela sua ligação orgânica interna especial. O ciclo sonata-sinfônico clássico geralmente tem três (sonata, concerto) ou quatro (sinfonia).

eu hora– geralmente tem uma natureza mais eficaz, dramática, contrastante e muitas vezes conflitante, apresentada em forma de sonata desenvolvida e na maioria das vezes em movimento rápido (sonata allegro).

II horas. – geralmente andante ou adágio. Via de regra, esta é a esfera das letras. Transmite os sentimentos e pensamentos de uma pessoa, revela seu mundo interior (muitas vezes tendo como pano de fundo imagens da natureza). Forma do movimento lento: complexo de três partes com episódio, tema com variações, forma sonata sem desenvolvimento (menos frequentemente com desenvolvimento), raramente outras formas.

Parte III– geralmente um minueto ou scherzo. Introduz um elemento característico do gênero ou cotidiano - cenas vida popular. Distingue-se pelo seu movimento animado e caráter alegre. A forma é geralmente tripartida complexa com trio ou sonata.

horas IV. – o final geralmente é em câmera rápida, com músicas e danças. A forma dos finais é sonata, rondó, rondó-sonata, raramente um tema com variações.

A relação clássica das partes tornou-se uma espécie de norma para o ciclo sonata-sinfônico, porque abrange diferentes aspectos da realidade, o principal “ponto de vista” do artista sobre o mundo: drama, lirismo, gênero característico, cotidiano e épico. Por épico no final não queremos dizer a forma calma da narrativa, mas a nacionalidade como conteúdo do final. Essa relação clássica de partes é mais típica de Haydn e Mozart; muitas vezes troca a segunda e a terceira partes.

Existem também outros números de partes em um ciclo. ^ Ciclo de duas partes – Gliere Concerto para voz e orquestra, onde 1 hora é em forma de sonata, mas de andamento moderado, de carácter lírico, que parece combinar a primeira e a lenta parte lírica do ciclo; 2 partes – no gênero valsa, escrita em forma de rondó, combinando as características da terceira parte e do final de um ciclo de quatro partes. Ciclo de cinco partes- 2ª sinfonia de Scriabin, onde o primeiro movimento desempenha o papel de uma introdução extensa.

No ciclo sonata-sinfônico, desenvolveram-se vários padrões que contribuem para a unidade do todo. As partes extremas são geralmente escritas no mesmo tom (em obras menores o final é o mesmo tom maior). O tom do ciclo é determinado pelo tom da primeira parte. As partes intermediárias são escritas em outras tonalidades, mas geralmente em tonalidades próximas à principal. Em geral, as partes lentas são caracterizadas por tonalidades S esferas do mesmo nome ou paralelo maior. A 3ª parte dos clássicos geralmente está no tom principal. Posteriormente, a escolha das teclas para as partes intermediárias ficou mais livre.

Para a unidade do ciclo sonata, as conexões entonacionais entre as partes são muito importantes. Existem conexões entonacionais frequentes entre a parte lateral do primeiro movimento e a parte lenta do ciclo, bem como entre o primeiro movimento e o final. Além das conexões de entonação em partes diferentes o ciclo pode ser realizado pelo mesmo motivo ou tema (o “motivo do destino” de Beethoven da 5ª sinfonia), desempenhando uma função dramática especial.

O ciclo sonata-sinfônico apresenta especificidades em diversos gêneros. Então concerto instrumental geralmente em três movimentos (sem scherzo). Uma característica específica é o princípio da competição entre partes solo e orquestrais. Esta característica, assim como a tradição dos clássicos em repetir a exposição, está associada dupla exposição na primeira parte do concerto (primeiro na orquestra, depois com o solista). As diferenças nestas exposições são muitas vezes de ordem textural, no entanto, há exposições que diferem na temática (1º e 2º concertos de Beethoven), nestes casos os temas de ambas as exposições estão envolvidos no desenvolvimento. Em geral, a primeira parte do concerto tem um carácter virtuoso, que se manifesta mais claramente na cadência tradicional (antes da reprise ou coda).

^ Outros tipos de formas cíclicas.

Freqüentemente, vários romances ou canções são combinados em ciclo vocal, ligados por um único conceito (Schubert “Winterreise”, Schumann “O Amor de um Poeta”, Mussorgsky “Sem o Sol”, Sviridov “Meu Pai é um Camponês”). O grau e a natureza da unidade em tais ciclos podem ser diferentes (a conexão do texto torna desnecessária a unidade tonal). A lógica geral do ciclo vocal tem alguns ciclos instrumentais característicos: o desenvolvimento baseia-se em comparações contrastantes e dirige-se para um clímax, o último romance (música) tem sinais de uma parte final final.

Alguns ciclos vocais têm um desenvolvimento de enredo. Neles a ação se desenrola, novos personagens aparecem, o que é enfatizado meios musicais: mudanças contrastantes de andamento, gênero, tonalidade, textura, etc.

Às vezes, o conceito de “ciclo” é aplicado a uma série de obras independentes, unidas por alguma característica, por exemplo, um gênero ou opus, e produzindo a impressão artística mais favorável quando essas obras são executadas consecutivamente (Prelúdios de Scriabin op. 11 ).

^ Formas compostas contrastantes.

O conceito de “formas compostas de contraste” foi introduzido pelo musicólogo doméstico V. Protopopov na década de 60. Século XX.

Composto de contrasteé uma forma constituída por várias partes contrastantes, em muitos aspectos semelhantes às partes de uma forma cíclica, mas menos independentes, funcionando sem interrupção e, no grau de sua fusão em um todo, formando uma forma próxima a uma parte (não -cíclico).

O que as formas compostas contrastantes cíclicas têm em comum é que contêm uma sequência de várias partes contrastantes. Com peças únicas - a ausência de rupturas entre as peças e a impossibilidade de considerar essas peças como peças independentes, permitindo execução separada.

As formas compostas contrastantes também possuem características específicas. Podem conter 2, 3, 4 ou mais partes, ter ou não reprise, ocorrer em diferentes épocas históricas e em diferentes gêneros. A origem das formas compostas contrastantes remonta ao surgimento da ópera (ária recitativa) e da música instrumental - tocatas e fugas. Na 2ª metade dos séculos XVIII e XIX. com o desenvolvimento do princípio sonata, as formas compostas contrastantes ficam em segundo plano, mas ainda mantêm sua importância para música vocal(muitas árias, conjuntos e finais de ópera são escritos nesta forma). Essa forma foi amplamente utilizada em gêneros como fantasia, rapsódia, poema e, principalmente, nas transcrições de Liszt. As formas compostas de contraste receberam grande desenvolvimento nas obras de Glinka (“Capriccio”, muitos números em óperas), Tchaikovsky (“Italiano”, “Capriccio Espanhol”). Um exemplo notável de forma composta de contraste é a 12ª Sinfonia de Shostakovich.

Protopopov divide as formas compostas de contraste, com toda a sua diversidade, em vários tipos:

dois movimentos (Fantasia in f moll de Chopin),
suítes (Capriccio de Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov),
sonata-sinfônica (quarteto cis menor de Beethoven, 11ª e 12ª sinfonias de Shostakovich).

Módulo 5. Formas musicais de romantismo.

Seção 1. Formas livres e mistas.

Além dos formulários padrão discutidos acima, existem formulários especiais chamados grátis e misto.

Livre são chamadas aquelas formas que não correspondem às estruturas típicas discutidas acima, mas representam construções de uma ordem especial ( desenvolvimento musical realizado em estruturas individuais).

Formas livres originadas na antiga música de órgão e atingiram seu auge na obra de Bach (principalmente no gênero fantasia). Em contraste com as formas estruturais claras da música homofônica, predominam aqui a improvisação, o prelúdio, o desenvolvimento de modulação sequencial livre e a continuidade do desenvolvimento. Dos clássicos vienenses formulários gratuitos são raros. Estas formas atingiram o seu verdadeiro florescimento nas obras de compositores da 2ª metade do século XIX (Chopin, Liszt, Tchaikovsky). Uma das razões para a difusão das formas livres foi o desejo dos compositores românticos de tornar a forma musical mais flexível, capaz de corresponder mais plenamente ao conteúdo individual (muitas vezes programático) de cada obra individual.

É necessário distinguir dois principal tipo de formulários livres:

formulários do sistema, ou seja no seu desenvolvimento contando com um determinado sistema, por exemplo, represália;
formas não sistêmicas com alternância livre de seções.

^ Formulários gratuitos do sistema são chamadas de formas nas quais existe uma ordem conhecida na disposição das peças, diferente de outras estruturas: ABCABC, ABCDCBA, ABCADEAFGA. Estruturas ABCBA E ABCDCBA têm uma moldura dupla ou tripla e são chamados concêntrico. Outra opção para o nome deste formulário foi proposta por M. Roiterstein - retribuindo.

^ Formulários livres não sistêmicos extremamente diverso, de estrutura individual e não pode ser classificado. Eles são usados principalmente em grandes obras instrumentais e contêm grande número tópicos e seções: ^ ABCDA, ABCDB, ABCDAE.

Formas mistas.

Os formulários de parte única que combinam as características de diversas estruturas padrão previamente estabelecidas são chamados formas mistas.

Poemas sinfônicos, sonatas de um movimento, fantasias, baladas e, menos frequentemente, partes individuais de obras cíclicas são frequentemente escritas em formas mistas. O desejo dos compositores de uma maior especificação do conteúdo figurativo e de uma reflexão mais completa e direta dos processos e fenômenos da vida por meio de formas novas e mais plásticas levou a música do programa. A luta pelo conteúdo programático da música e pelas formas que servem a sua expressão mais plena contribui para a aproximação e interpenetração artes diferentes (programa literário em música instrumental, poesia e música em romance), bem como gêneros diferentes dentro de uma arte. Obras que combinam características de lirismo, épico, drama, fantasia (balada) estão se difundindo, o que acarreta interpenetração várias formas , por exemplo, variações de caráter lírico-épico e uma sonata, que oferecem grandes oportunidades de desenvolvimento dramático.

Nas obras de compositores clássicos russos, surgem novas combinações de formas, gêneros e técnicas de desenvolvimento, características da música folclórica com gêneros complexos e formas de trabalho profissional desenvolvido. arte musical. Essas combinações definem um tipo nacionalmente único de formas mistas na música russa.

Dentre as formas mistas, as mais comuns são as seguintes: variedades:

^ Combinação de sonata e variação.

Este tipo de formas mistas foi amplamente desenvolvido pelos clássicos russos. Ao criar ensaios em grande escala em estilo folclórico, compositores russos usaram para isso forma sonata, transformando-a de acordo com novos objetivos ideológicos e artísticos para o desenvolvimento da música nacional variacional métodos de desenvolvimento.

Os compositores russos costumam construir variações duplas(sobre dois tópicos) baseado na criação de seções grandes e contrastantes do formulário, construídas em variações alternadas de tópicos. Se a justaposição de tais seções contrastantes se dá duas vezes (com contraste tonal no início da obra e convergência tonal no final), e há também uma seção onde ambos os temas são desenvolvidos livremente (inclusive por meio de dispositivos polifônicos), então os contornos tornam-se óbvios forma sonata.

Formas de movimento único, combinando variação e sonata, são encontradas não apenas em obras sinfônicas, mas também em obras para piano de compositores russos, baseadas em variações de temas folclóricos (Fantasia “Islamey” de Balakirev).

Os compositores da Europa Ocidental do século XIX, que criaram obras importantes baseadas em variações de temas folclóricos, também combinaram os princípios da sonata e da variação (Liszt, Rapsódia Espanhola). No entanto, na música da Europa Ocidental existe outro tipo de combinação de sonatismo e variação, onde o sonatismo surge com base na variação livre (transformação) um tópico. Liberdade de variação garantida maior grau contraste de seções. Este princípio de construção de grandes obras a partir da transformação de um tema é denominado monotematismo(amplamente distribuído nas obras de Liszt, poemas sinfônicos “Prelúdios”, “Tasso”).

^ Combinação de sonata e formas cíclicas .

Em algumas formas sonatas dos românticos há partes laterais que correm em um andamento diferente do principal e representam uma forma expandida, independente e fechada (6ª sinfonia de Tchaikovsky, 1º movimento), aproximando-se da parte independente do ciclo. Por outro lado, nas formas cíclicas do século XIX, continua o processo de fortalecimento da unidade do ciclo. Isto se expressa no fortalecimento das conexões entre as diferentes partes do ciclo (conexões temáticas, attaca). Tudo isso cria os pré-requisitos para combinar todas as partes do ciclo em uma grande obra única, para comprimir o ciclo em uma parte.

O desejo de completude e concretude na concretização de várias imagens contrastantes, de maior unidade de grandes conceitos ideológicos e artísticos, bem como de continuidade de desenvolvimento leva à criação de obras combinando em você mesmo características do ciclo sonata e uma parte forma sonata.

Combinação de sonata, ou seja, forma reprise com cíclico, ou seja, a não reprise implica uma transformação significativa da reprise da sonata, sem a qual a reprise e a coda não poderiam desempenhar as funções de scherzo e finale da forma cíclica. O papel da parte lenta do ciclo é assumido por um episódio lento no desenvolvimento ou por uma parte lateral da exposição (Liszt Sonata H moll).

Uma forma mista também pode ter características completamente individuais e únicas, combinando as características de várias estruturas padrão (Medtner Sonata-memoir, que combina as características de uma sonata, ciclo sonata e rondó).

^ Módulo 6. Formas especiais de música vocal

A forma sonata com episódio é utilizada em diferentes gêneros: peças individuais, finais de formas cíclicas, movimentos lentos.

Um episódio pode ter um ou outro formulário preenchido.

Em vários casos, aparece um link do episódio para a reprise.

Além disso, existem meios combinados em forma de sonata que utilizam o desenvolvimento com um episódio ou vice-versa.

Dramaturgia em forma sonata. A essência da dramaturgia sonata (sonatismo) não reside na estrutura da forma sonata, mas no próprio processo de desenvolvimento. Este processo se expressa nas relações e funções especiais do material temático. Ao contrário da justaposição ou desenvolvimento completo típico da forma tripartida complexa ou rondó, a forma sonata é caracterizada por uma combinação dinâmica que se expressa na preparação intensiva de temas ou seções subsequentes.

Ainda mais importante para a dramaturgia sonata é o papel e a interação das funções do material na exposição, que são três:

1. o material principal, que desempenha o papel principal na obra e concentra a atenção do ouvinte (temas principais);

2. material preparatório que provoca antecipação do que se segue (introduções, conectivos, predicados);

3. material final de caráter afirmativo (tópicos finais, códigos).

Na relação entre os partidos principal e secundário, há sempre um desequilíbrio a favor do P.P. Isto é facilitado pelo grande tamanho deste último e especialmente pela sua consolidação tonal através de material afirmativo e cadência.

A forma sonata é utilizada no ciclo sonata-sinfônico (primeiro movimento, final, movimento lento), obras individuais de natureza independente, aberturas e, menos frequentemente, em música vocal e cenas de ópera. 41. Conexões entre partes de uma obra instrumental cíclica.

As formas cíclicas na música são formas musicais de uma obra que pressupõem a presença de partes separadas, independentes na estrutura, mas ligadas por uma unidade de conceito. Na história música acadêmica são conhecidos os ciclos de “prelúdio-fuga”, ciclos de suítes e ciclos sonata-sinfônicos. Um ciclo também pode ser chamado de uma série de obras interligadas (cada uma das quais pode ou não ter uma forma cíclica) ou programas de concertos. Na música não acadêmica (jazz, rock), álbuns conceituais e grandes obras individuais podem gravitar em torno de formas cíclicas.

O ciclo de duas partes “prelúdio-fuga” é conhecido desde os tempos barrocos. Envolve a funcionalização do prelúdio como uma introdução improvisada à fuga.

Os ciclos de prelúdio-fuga podem ser combinados em ciclos maiores com base em algum princípio formal ou temático. Maioria exemplo famoso- “O Cravo Bem Temperado” de J. S. Bach, construído sobre o princípio de uma certa alternância de correspondências modo-tom. Um exemplo da música do século 20 é “24 Prelúdios e Fugas” de D. D. Shostakovich.

A suite, conhecida desde o século XVI, caracteriza-se por:

a ligação de partes individuais da obra com gêneros tradicionais aplicados (música, dança), a simplicidade da estrutura das partes;

comparação contrastante de peças;

uma tendência à unidade ou grande semelhança na tonalidade das partes.

Os ápices do gênero na música barroca são as suítes de J. S. Bach e G. F. Handel, no período clássico - W. A. Mozart e J. Haydn. No século XIX, grandes compositores recorreram ao gênero suíte principalmente para fins de estilização (E. Grieg, M. Ravel, etc.).

No século XX, o gênero da suíte foi significativamente repensado, novas técnicas foram aplicadas a ela (por exemplo, as suítes orquestrais dodecafônicas de A. Schoenberg e A. Berg), novo material foi coberto (por exemplo, em P. Hindemith's suíte “1922”, danças da moda da época correspondente: shimmy, boston, ragtime).

Algumas obras de música não acadêmica (principalmente rock progressivo) também gravitam em torno da forma suíte. Os exemplos incluem "Lizard" do álbum de mesmo nome da banda de rock King Crimson e "Atom Heart Mother" do álbum de mesmo nome do Pink Floyd. No entanto, “suítes de rock” também são frequentemente chamadas de composições que gravitam mais em torno de formas livres e mistas (na terminologia teórica musical tradicional).

O ciclo sonata-sinfônico inclui os gêneros mais abstratos da música acadêmica, como sinfonia, sonata, quarteto e concerto. É caracterizado por:

abstração da natureza aplicada da música (mesmo que o material aplicado seja usado como material para qualquer parte);

a possibilidade de contrastes figurativos e semânticos entre partes individuais (até sua oposição direta);

desenvolvimento tonal complexo;

funções e formas estabelecidas de partes individuais (características de certos gêneros de música sonata-sinfônica).

A sonata clássica foi formada durante o século XVIII e atingiu seu auge de desenvolvimento em Clássicos vienenses e permanece, com algumas reservas, um gênero vivo. A sinfonia como gênero foi formada em meados do século 18 século, também atingiu o seu pico de desenvolvimento nos clássicos vienenses e continua a ser um género vivo de música académica. ( Forma sinfônica não deve ser confundido com sinfonismo, que também pode ser característico de obras não relacionadas a esta forma). O quarteto assumiu a forma de um ciclo sonata na obra de J. Haydn e desenvolveu-se na obra dos clássicos vienenses. Na segunda metade do século XX, o leitmotiv e os princípios monotemáticos tornaram-se característicos de muitas obras do gênero. O concerto como espécie de obra cíclica sonata-sinfónica, que se caracteriza pela oposição do som da composição completa do conjunto e grupos separados ou solistas, tomou forma na sua forma hoje conhecida no final do século XVIII.

Uma obra musical pode consistir em partes unidas de acordo com um princípio diferente daqueles dos gêneros listados, e ainda assim ter um caráter cíclico em um grau ou outro. São muitos gêneros de música sacra aplicada (missa, concerto espiritual, vigília noturna), cantatas, ciclos vocais e vocal-corais (enredo e lírico).

Obras inteiras também podem ser combinadas em um ciclo (cada um dos quais, por sua vez, pode ou não ter caráter cíclico). Estes incluem os ciclos de prelúdios e fugas acima mencionados, a tetralogia “O Anel do Nibelungo” de R. Wagner, álbuns conceituais de música não acadêmica, bem como grandes obras individuais de jazz e rock. 42. Linguagem musical.

A linguagem musical é, como outras sistemas de linguagem, uma organização desse tipo, cuja representação como um sistema hierárquico tem maior poder explicativo do que uma simples descrição taxonômica. Como resultado, aceita-se que os textos musicais que observamos constituem “discurso musical”, que é uma realização, um produto de algum sistema ideal (não diretamente observável) – uma “linguagem” musical. ... Em primeiro lugar, o próprio conceito de “linguagem musical” (e, consequentemente, de “discurso musical”) requer esclarecimento. A primeira refere-se a um sistema que não se implementa apenas em textos literários que reduzem determinados padrões de construção. Falando. por exemplo, “a linguagem das obras de Beethoven”, queremos dizer um sistema que gera não apenas essas obras, mas também todos os tipos de textos que preservam os padrões característicos das obras de Beethoven. . . . Com essa compreensão, o discurso musical acaba sendo aberto, ou seja, é composto por uma infinidade de textos. .

A seguir, o conceito de estilo acaba sendo importante para nós. Este conceito pode ser definido como um conjunto de textos postulados para representar a implementação de um sistema. Do outro lado. Em relação aos diferentes estilos, aceita-se que implementem sistemas diferentes. .

A estrutura do sistema musical é apresentada na forma de uma hierarquia de níveis. Assim, aparentemente, é possível distinguir o nível dos sons individuais, o nível das combinações sonoras, o nível harmônico (nível do acorde), o nível (ou uma série de níveis) de divisão formal. Dentro de um nível existem unidades da mesma ordem - sons, combinações de sons, acordes, várias seções de forma. O modelo de cada nível, aparentemente, deverá gerar textos corretos do ponto de vista desse nível.” 43. Estruturas musical-lexicais

Juntamente com o vocabulário puramente terminológico, o dicionário inclui uma extensa camada de vocabulário literário geral usado na literatura musical para avaliar e descrever obras musicais, bem como para descrever seu impacto no mundo interior de uma pessoa, na percepção estética do ouvinte. . Na elaboração do dicionário foram utilizados os idiomas inglês e americano dicionários explicativos sobre música, uma enciclopédia musical, bem como textos originais de livros sobre temas musicais. É impossível imaginar a vida humana sem as imagens sonoras artísticas que surgem no espaço mental ao perceber a música. Esta monografia examina a estrutura do conteúdo de fragmentos “musicais” da imagem do mundo, representados por meio da língua inglesa moderna. São analisadas as estruturas cognitivas subjacentes à percepção do vocabulário musical tanto por profissionais como por amadores. Modelos metafóricos são apresentados como base cognitiva para a formação de termos musicais e vocabulário musical comumente utilizado na língua inglesa. É considerado o funcionamento da linguagem musical em textos com diferentes proporções de partes verbais e visuais. Este livro é mais um passo na exploração da relação entre os dois mundos – linguístico e musical. O livro destina-se a todos os interessados nas questões de estruturação mental da percepção linguística da realidade envolvente. 44. Meios musicais simples e sua semântica

A obra consiste em frases musicais individuais - pequenos fragmentos musicais integrais. As frases musicais são combinadas em períodos. Períodos que parecem semelhantes são combinados em partes. Fragmentos (frases, períodos, partes) de uma obra musical são designados por letras latinas: A, B, C, etc. Diferentes combinações de fragmentos formam diferentes formas musicais. Assim, uma forma comum na música clássica é ABA (forma de canção), o que significa que a parte A original desaparece quando é substituída por uma parte B e é repetida no final da peça.

Há também uma estruturação mais complexa: motivo ( menor elemento forma musical; 1-2 compassos), frase (pensamento musical completo; 2-4 compassos), sentença (a menor parte da melodia completada por alguma cadência; 4-8 compassos), ponto final (elemento da forma musical; 8-16 compassos; 2 sentenças)

Diferentes formas de desenvolver e comparar elementos melódicos levaram à formação de diferentes tipos formas musicais:

Forma de peça única (A)

Também é chamada de forma de balada ou aérea. A forma mais primitiva. A melodia pode ser repetida com pequenas alterações (forma AA1A2...). Exemplos: cantigas.

Formulário de duas partes (AB)

Consiste em dois fragmentos contrastantes - um argumento e um contra-argumento (por exemplo, a peça “The Organ Grinder Sings” do “Álbum Infantil” de P. I. Tchaikovsky). Porém, se os fragmentos não são contrastantes, ou seja, o segundo fragmento é construído sobre o material do primeiro, então a forma de duas partes se transforma em uma variação da de uma parte. No entanto, tais obras (por exemplo, a peça “Remembrance” do “Álbum para a Juventude” de R. Schumann) são por vezes classificadas como duas partes.

Formulário de três partes (ABA)

Também é chamado de música ou ternário. Existem 2 tipos de formulários de três partes - simples e complexos; no simples, cada seção é um período, a do meio também pode ser uma transição curta; em complexo - cada seção é, via de regra, um formulário de duas partes ou simples de três partes.

Forma concêntrica

Uma forma concêntrica consiste em três ou mais partes, repetidas após a central na ordem inversa, por exemplo: A B C B A 45. Semântica das formas composicionais musicais

O sistema musical-composicional possui um conjunto de conceitos tão detalhado que lhe permite “ver” as obras musicais nos mínimos detalhes. Nenhuma outra ciência da música tem tal agudeza e precisão de “visão” – história da música, teoria da performance, etnografia musical, estética musical, etc. Ao mesmo tempo, os conceitos de composição musical tendem a “crescer” com a semântica, que se desenvolve na experiência de longo prazo dos músicos que se comunicam com o sistema conceitual que explica a música. As próprias composições musicais também são semânticas - seus tipos, variedades, casos individuais. As formas musicais capturam a natureza do pensamento musical e do pensamento multifacetado, refletindo as ideias da época, a escola de arte nacional, o estilo do compositor, etc. Assim, tanto o objeto de consideração – as formas, composições das obras musicais – quanto os métodos de análise devem estar associados à esfera expressiva e semântica da música.

A musicologia teórica trata de dois tipos de linguagens - a linguagem artística da música e a linguagem científica dos conceitos teóricos sobre música. Existe uma diferença categórica entre essas línguas, mas também existe uma semelhança - a presença de significados semânticos estabelecidos. Numa linguagem musical, a semântica é de natureza associativo-expressiva, com uma mistura de associativo-conceitual, numa linguagem científica, pelo contrário, é associativo-conceitual com uma mistura de associativo-expressivo; Na música, a unidade da linguagem é a entonação; na teoria musical, é a palavra-termo. Em termos de metodologia de análise musical, é importante que sejam constantemente formadas conexões entre entonações musicais e conceitos musicológicos (palavras), imbuindo a linguagem da música com maior significado e conceitualidade e imagens e expressividade - a linguagem da ciência da música . Tomemos o “desenvolvimento da sonata” como exemplo. Por um lado, do ponto de vista musical e artístico, o intérprete é obrigado a tocar esta secção da forma sonata tão instável e fantasiosa que um sinal conceptual deveria estar no ar “no ar” da sala de concertos: “ isso é um desenvolvimento.” Por outro lado, do ponto de vista da ciência teórica, o signo, o conceito de “desenvolvimento da sonata” deveria evocar a ideia de algum tipo de instabilidade musical, fantasia, e estar rodeado por alguns sons entoacionais imaginários do desenvolvimento da sonata. O funcionamento do “mecanismo” de tal ligação entre os elementos das linguagens artístico-musicais e teórico-musicais é uma garantia de que as operações de análise musical (com a devida habilidade e arte) podem servir para revelar o expressivo e semântico lógica de uma obra musical.

“A doutrina da forma musical” (musikalische Formenlehre) surgiu historicamente na Alemanha no final do século XVIII. e teve como objetivo determinar as normas de estrutura composicional para obras de diversos gêneros - moteto, ária de ópera, sonata, etc. A obra capital fundamental sobre a forma musical, “A Doutrina da Composição Musical” de A.B. Marx (1837-1847), considerou as “formas” em unidade sistêmica com os gêneros e todos os aspectos da composição musical – intervalar, harmonia, polifonia, instrumentação, etc. Seu título incluía não a palavra “forma”, mas “composição”. A palavra “forma” tinha uma longa tradição filosófica e, entre outras coisas, correspondia à categoria de beleza - a partir de Plotino, a sua “Metafísica da Beleza” (século III), revivida nos séculos XVIII-XIX. Shaftesbury e Winckelmann. E Glinka disse: “Forma significa a relação entre as partes e o todo, forma significa beleza”.

Além disso, o conceito de “forma musical” não é idêntico ao conceito de “forma” em filosofia e estética. “Forma musical” é uma monocategoria, não ligada numa díade ou tríade com quaisquer outras categorias. Não se opõe ao “conteúdo”, mas tem conteúdo, ou seja, a essência expressiva, semântica, entoacional de uma obra musical. Na tradição filosófica, “forma” não é independente e é entendida apenas em conexão com categorias complementares: matéria e “eidos” (isto é, “forma” - em Platão), matéria, forma, conteúdo (em Hegel), forma e conteúdo (em Schiller, na filosofia e estética marxista-leninista). Devido à não identidade da “forma” filosófica e musical, bem como, segundo o autor, à obsolescência da díade filosófica “conteúdo-forma”, na musicologia é aconselhável utilizar uma oposição semiótica mais recente: “o plano de conteúdo – o plano de expressão”.

I. forma musical como fenômeno;

II. forma musical como composição historicamente tipificada;

III. forma musical como composição individual de uma obra.

O conteúdo da forma musical como fenômeno (I) corresponde ao conceito significativo de música e arte em geral. Na arte como um todo, fundem-se camadas que podem ser chamadas de “especiais” e “não especiais”. A camada “não especial” reflete o mundo real, incluindo os seus lados negativos. "Especial" é mundo ideal beleza, carregando em si a ideia ética de bondade para com o homem, a ideia estética da harmonia do universo e psicologicamente - a emoção da alegria. A forma musical está principalmente associada ao conteúdo “especial” da arte. E todo o sistema de teorias composicionais musicais ensina a alcançar a eufonia, e não a cacofonia, a coerência das vozes, e não a sua separação, a organização rítmica, e não a desorganização, no final - a formação da forma, a construção da forma, e não sem forma. E ela se esforça para desenvolver regras universais de composição que não mudam dependendo do conceito específico de uma determinada obra. Conseqüentemente, a ciência da forma musical é a ciência do musicalmente belo, da camada ideal e “especial” do conteúdo musical.

O conteúdo, a semântica da forma musical como composição historicamente tipificada (II) é formada com base no mesmo mecanismo linguístico da semântica gênero musical. Os gêneros de forma são a massa gregoriana, o rondo medieval-renascentista, virele, ballata, le e outros, a coloração do gênero são as clássicas “formas de canção” de duas e três partes, “forma de adágio” e outras. A semântica das formas musicais é em grande parte influenciada pelas ideias estéticas e artísticas da época que influenciaram o surgimento ou levaram ao florescimento de uma forma particular. Por exemplo, as formas mistas do século XIX, que surgiram na era da influência figurativa e construtiva na música dos gêneros poéticos de baladas e poemas, contêm a semântica de uma narração sobre acontecimentos inusitados, com transformações (transformações) milagrosas, com um final tempestuoso e climático. Estabelecer a semântica de formas musicais típicas e historicamente selecionadas é uma característica metodológica deste livro.

A forma musical como composição individual de uma obra (III) apresenta-se sob a forma de dois casos principais: 1) concretização de uma forma historicamente tipificada, 2) forma individual, não tipificada. Em ambos os casos, o significado substantivo da forma é ditado pela ideia claramente original da composição. Assim, o Noturno em dó menor de Chopin, escrito em uma forma complexa tipificada de três partes, tem uma característica rara - uma reprise transformada, que refletia o pensamento romântico do enredo-poema do século XIX. E a forma não digitada, por exemplo, do Terceiro Quarteto de Gubaidulina vem da ideia única da interação de tipos de expressão sonora ao tocar pizzicato e com arco.

Dos três níveis significativos da forma musical, o primeiro, metanível, é universal e está presente em todas as obras musicais. A segunda, próxima da categoria de gênero no sentido semiótico, a mais clara semanticamente, é historicamente local. O terceiro nível é indispensável, mas suas gradações vão desde um desvio mínimo do padrão da forma padrão até uma composição musical única e inimitável. 46. A textura como elemento da linguagem musical.

Textura (lat. factura - dispositivo, estrutura) é uma forma típica de arranjar uma composição musical polifônica em um dos armazéns musicais (polifônicos). Na musicologia russa, o termo (metafórico) “tecido musical” é frequentemente usado como sinônimo de textura. Por exemplo, a frase “textura coral” descreve a composição típica do tecido musical nos arranjos monorrítmicos de canções religiosas (“corais”) de I.S. Bach e outros compositores barrocos, “textura arpejada” - nas sonatas para teclado de D. Scarlatti, pontilhismo - uma textura que consiste em tons “isolados” distribuídos entre vozes ou instrumentos individuais na música de A. Webern, etc.

O conceito de textura está intimamente relacionado ao conceito de estrutura musical, que se expressa em frases típicas, por exemplo, “velha textura homofônica”, “textura polifônica”, “textura heterofônica”, etc. 47. A melodia como elemento da linguagem musical.

Para compreender a música são necessárias três coisas, duas delas são óbvias, a terceira não.

O primeiro é assim coisa necessária- é a capacidade de distinguir de ouvido os elementos de uma linguagem musical - dinâmico, timbre, rítmico, melódico, harmônico, polifônico, estrutural. Não tenha medo dessas palavras especiais – não é tão complicado.

Os elementos dinâmicos são os mais óbvios. A música pode soar suave ou alta, o som pode aumentar ou diminuir gradualmente.

Os elementos do timbre são como, por exemplo, os sons de diferentes instrumentos musicais diferem uns dos outros. Com um mínimo de experiência musical, podemos distinguir com precisão o som de um violino do som de um piano. Concordemos, numa primeira aproximação, que o timbre é o que nos permite reconhecer diferentes fontes sonoras - a voz de uma flauta e a voz de uma harpa, a voz da mãe e a voz do pai.

Os elementos rítmicos são, em termos mais simples, relações entre as durações dos sons. A música existe no tempo e alguns sons duram mais que outros. Na verdade tudo é muito mais complicado, mas primeiro nos limitaremos a esta definição.

Elementos melódicos são a relação dos sons em altura. Neste caso, os sons não devem ser reproduzidos simultaneamente, mas sim alternadamente. Na realidade, novamente, tudo é mais complicado, mas por enquanto esta definição é suficiente. Se não está totalmente claro para você o que é “altura do som”, então aqui está uma definição acessível: para que o som ocorra, deve haver um corpo sonoro - um sino, uma corda, uma coluna de ar em um tubo (flauta, tubo de órgão, etc.). O corpo sonoro vibra em uma velocidade ou outra (por exemplo, 100 ou 500 vibrações por segundo). Quanto mais vibrações ocorrerem por segundo, mais alto será o som resultante, como dizem. Mesmo as chamadas pessoas “não musicais” (embora tais pessoas praticamente não existam na natureza, mas assim o dizem) distinguem entre sons “grossos” e “finos”, “escuros” e “claros” - este é o fundamental diferença entre os sons no tom.

Os elementos harmônicos também são a proporção dos sons em altura, mas agora os sons não devem ser tocados por vez, mas simultaneamente. Nesse caso, geralmente há mais de dois sons reproduzidos simultaneamente. E, novamente, na realidade tudo é mais complicado, mas por enquanto isso é suficiente para pelo menos entender de alguma forma a palavra “harmonia”.

Os elementos polifônicos também são a reprodução simultânea, mas não de sons individuais, mas de duas ou mais melodias diferentes.

Os elementos estruturais mostram como a música lembra particularmente a linguagem e a literatura. Em uma peça musical você pode ouvir “palavras”, “frases”, “parágrafos”, “capítulos” musicais individuais. Mas isto não significa que as “palavras” musicais sejam traduzidas para uma língua normal da mesma forma que traduzimos, digamos, do espanhol para o russo. E, no entanto, o fluxo musical não é contínuo, mas está dividido em partes - pequenas e grandes - e essa divisão pode ser percebida pelo ouvido.

Agora, quando de repente eu começar a falar de dinâmica, timbre, ritmo, melodia, harmonia, polifonia e estrutura, já saberemos grosso modo do que estamos falando.

Lembremos que, como dito acima, compreender a música requer três coisas, e até agora falamos apenas da primeira delas – a capacidade de distinguir de ouvido elementos da linguagem musical.

A musicologia moderna utiliza os princípios básicos da abordagem semiótica da música e de sua linguagem. A linguagem da música pode ser considerada como um conjunto de meios (elementos) musicais que se desenvolveram no processo de desenvolvimento histórico, possuindo uma estrutura complexa, considerada um patrimônio comum da cultura, cujos elementos estão interligados.

O mundo que nos rodeia está repleto de sons de vários tipos: aqui estão sons pronunciados pelo próprio homem e com a ajuda de instrumentos musicais para expressar seus pensamentos, experiências, bem como sons que existem diretamente na natureza. Qualquer objeto pode produzir som (animado e inanimado) de qualidade variável. Os sons são ouvidos de todos os lugares, podem ser ouvidos em qualquer lugar: em casa, no trabalho, na praia, na floresta, etc. Às vezes sons normais transferidos pelo compositor para uma obra musical, adquirem então o status de musicais, o que leva à ideia de que gritos e sons de afetos podem ser chamados de musicais se estiverem incluídos no fluxo da mensagem musical e receberem um significado musical .

Tradicionalmente, os elementos da linguagem musical como sistema de signos especial incluem sons caracterizados por altura, volume, duração e timbre, que constituem melodia e harmonia (consonâncias individuais, acordes). Os sons musicais, interagindo entre si, formam padrões metrorrítmicos e formam uma obra que contém uma determinada imagem musical.

Um traço característico da linguagem da música é a presença nela de diferentes níveis de signos que interagem entre si. Existem os seguintes níveis de meios de expressão musical (linguagem musical), que formam um sistema de níveis: altura (modo, harmonia, timbres, registros, tonalidade, melodia); rítmico (padrões rítmicos); o lado composicional (o processo musical como um todo): todos os meios que criam a composição; interpretação performática (agogia, articulação, traços e entonação performática). A linguagem da música é um sistema heterogêneo contendo elementos altamente organizados (lado harmônico modal) e menos organizados (dinâmica).

Assim, a linguagem da música é um sistema hierárquico complexo e multinível, que se caracteriza pela tendência ao desenvolvimento, à consistência e à capacidade de atualização das partes que a compõem. 48. Harmonia como elemento da linguagem musical.

Harmonia (grego antigo ἁρμονία - conexão, ordem; estrutura, harmonia; coerência, proporcionalidade, harmonia) é um complexo de conceitos em teoria musical. Harmonioso é chamado (inclusive na fala cotidiana) de uma coerência de sons agradável ao ouvido e compreendida pela mente (um conceito estético-musical). Do ponto de vista científico, esta ideia conduz ao conceito composicional e técnico de harmonia como a unificação dos sons em consonâncias e na sua sequência natural. A harmonia como disciplina científica e prático-pedagógica estuda a organização tonal da música.

O conceito de harmonia é usado para caracterizar um sistema de altura organizado logicamente: tipo de modo (harmonia modal, harmonia tonal), estilo musical (por exemplo, “harmonia barroca”), uma personificação individualmente específica da altura (“harmonia de Prokofiev”), acordes característicos (harmonia como sinônimo das palavras “ acorde", "consonância").

O conceito de harmonia, porém, não deve ser confundido com os conceitos de “acompanhamento”, homofonia (por exemplo, na expressão “melodia e harmonia” em vez de “melodia e acompanhamento” ou em vez de “melodia e acordes”; “polifonia e harmonia” em vez de “polifonia e homofonia”).

Ciclo "prelúdio-fuga"

O ciclo de duas partes “prelúdio-fuga” é conhecido desde os tempos barrocos. Envolve a funcionalização do prelúdio como uma introdução improvisada a uma fuga.

Os ciclos de prelúdio-fuga podem ser combinados em ciclos maiores com base em algum princípio formal ou temático. O exemplo mais famoso é “O Cravo Bem Temperado”, de J. S. Bach, construído com base no princípio de uma certa alternância de correspondências modo-tom. Um exemplo da música do século 20 é “24 Prelúdios e Fugas” de D. D. Shostakovich.

Ciclo de suíte

No século XX, o gênero da suíte foi significativamente repensado, novas técnicas foram aplicadas a ela (como as suítes orquestrais dodecafônicas de A. Schoenberg e A. Berg), novo material foi coberto (por exemplo, a suíte de P. Hindemith “ 1922” usado dança na moda tempo correspondente: shimmy, boston, ragtime).

Algumas obras de música não acadêmica (principalmente rock progressivo) também gravitam em torno da forma suíte. Os exemplos incluem "Lizard" do álbum homônimo da banda de rock King Crimson e "Atom Heart Mother" do álbum homônimo do Pink Floyd. No entanto, “suítes de rock” também são frequentemente chamadas de composições que gravitam mais em torno de formas livres e mistas (na terminologia teórica musical tradicional).

Ciclo sonata-sinfônico

O ciclo sonata-sinfônico inclui os gêneros mais abstratos da música acadêmica, como sinfonia, sonata, quarteto, concerto. É caracterizado por:

abstração da natureza aplicada da música (mesmo que o material aplicado seja usado como material para qualquer parte);
a possibilidade de contrastes figurativos e semânticos entre partes individuais (até sua oposição direta);
desenvolvimento tonal complexo;
funções e formas estabelecidas de partes individuais (características de certos gêneros de música sonata-sinfônica).

A sonata clássica foi formada durante o século XVIII, atingiu o auge do desenvolvimento nos clássicos vienenses e permanece, com algumas reservas, um gênero vivo. A sinfonia como gênero se formou em meados do século XVIII, também atingiu seu auge de desenvolvimento nos clássicos vienenses e continua sendo um gênero vivo de música acadêmica. (A forma sinfônica não deve ser confundida com o sinfonismo, que também pode ser característico de obras não relacionadas a esta forma). O quarteto assumiu a forma de um ciclo sonata na obra de J. Haydn e desenvolveu-se na obra dos clássicos vienenses. Na segunda metade do século XX, o leitmotiv e os princípios monotemáticos tornaram-se característicos de muitas obras do gênero. Concerto como uma espécie de obra cíclica sonata-sinfônica, caracterizada por sons contrastantes composição completa conjunto e grupos individuais ou solistas, tomou forma em sua forma agora conhecida no final do século XVIII.)))))))

Formulários livres e mistos

Grandes ciclos

Fontes

G. V. Zhdanova. “Sinfonia” // Dicionário enciclopédico musical. M.: " Enciclopédia Soviética", 1990, pp. 499.
Yu.I.Neklyudov. “Suíte” // Musical dicionário enciclopédico. M.: “Enciclopédia Soviética”, 1990, pp. 529-530.
V. P. Fraenov. “Formas cíclicas” // Dicionário enciclopédico musical. M.: “Enciclopédia Soviética”, 1990, p. 615.
V. P. Chinaev. “Sonata” // Dicionário enciclopédico musical. M.: “Enciclopédia Soviética”, 1990, pp. 513-514.

Veja também

Quarteto (gênero)

Fundação Wikimedia.

2010.

Na música, as formas musicais de uma obra pressupõem a presença de partes separadas, independentes em estrutura, mas conectadas pela unidade de conceito. Na história da música acadêmica, são conhecidos os ciclos de “prelúdio de fuga”, ciclos de suítes, sonatas sinfônicas... ... Wikipedia

Formas musicais de uma obra que pressupõem a presença de partes separadas, independentes na estrutura, mas ligadas pela unidade de conceito. Na história da música acadêmica, são conhecidos os ciclos de “prelúdio de fuga”, ciclos de suítes e ciclos sonata-sinfônicos.... ... Wikipedia

I Música (do grego musike, literalmente a arte das musas) é um tipo de arte que reflete a realidade e influencia uma pessoa através de sequências sonoras significativas e especialmente organizadas, consistindo principalmente de tons... ... Grande Enciclopédia Soviética

Forma de variação, ou variações, tema com variações, ciclo de variação, forma musical constituída por um tema e suas diversas (pelo menos duas) reproduções modificadas (variações). Esta é uma das formas musicais mais antigas (conhecida desde o século XIII).... ... Wikipedia

Este termo tem outros significados, veja Período. Um período na música é a menor estrutura composicional completa que expressa um pensamento musical mais ou menos completo. E na maioria das vezes consiste em 2 frases. Conteúdo 1 Papel em ... ... Wikipedia

Um período na música é a menor estrutura composicional completa que expressa um pensamento musical mais ou menos completo. Também pode funcionar como um formulário trabalho independente. Em alemão existe algo semelhante termo musical... ... Wikipédia

Obras musicais relacionadas com textos de carácter religioso, destinadas à execução durante os serviços religiosos ou na vida quotidiana. Sob música espiritual em no sentido estrito implica música sacra cristã; espiritual em um sentido amplo... ... Wikipedia

- (lat. forma visão, aparência, imagem, aparência, beleza) de uma composição, é determinada considerando seu desenho (esquema, modelo ou estrutura) e seu desenvolvimento ao longo do tempo. A forma musical (especialmente na música antiga e religiosa) é praticamente inseparável... Wikipedia

7ª série
Tópico: Formas cíclicas

As formas cíclicas na música são obras que pressupõem a presença de partes separadas, independentes na estrutura, mas ligadas por uma unidade de conceito.

Na história da música acadêmica, são conhecidos os ciclos de “prelúdio-fuga”, ciclos de suítes e ciclos sonata-sinfônicos.

Um ciclo também pode ser chamado de uma série de obras interligadas (cada uma das quais pode ou não ter uma forma cíclica) ou programas de concertos.

Na música não acadêmica (jazz, rock), álbuns conceituais e grandes obras individuais podem gravitar em torno de formas cíclicas.

^ Ciclo "Prelúdio-Fuga"

O ciclo de duas partes “prelúdio-fuga” é conhecido desde os tempos barrocos

O prelúdio atua como uma introdução improvisada à fuga.

Os ciclos de prelúdio-fuga podem ser combinados em ciclos maiores com base em algum princípio formal ou temático. O exemplo mais famoso é “O Cravo Bem Temperado”, de J. S. Bach.

Suite (da suíte francesa - “linha”, “sequência”) é uma forma musical cíclica que consiste em várias partes independentes e contrastantes, unidas por um conceito comum.

A suite, conhecida desde o século XVI, caracteriza-se por:

a ligação de partes individuais da obra com gêneros tradicionais aplicados (música, dança), a simplicidade da estrutura das partes;

comparação contrastante de peças;

uma tendência à unidade ou grande semelhança na tonalidade das partes.

Ciclo sonata-sinfônico

O ciclo sonata-sinfônico inclui os gêneros mais abstratos da música acadêmica, como sinfonia, sonata, quarteto e concerto.

É caracterizado por:

abstração da natureza aplicada da música (mesmo que o material aplicado seja usado como material para qualquer parte);

a possibilidade de contrastes figurativos e semânticos entre partes individuais (até sua oposição direta);

desenvolvimento tonal complexo;

funções e formas estabelecidas de partes individuais (características de certos gêneros de música sonata-sinfônica).

A sonata clássica foi formada durante o século XVIII e atingiu seu auge de desenvolvimento nos clássicos vienenses (Haydn, Mozart, Beethoven).

A sinfonia como gênero se formou em meados do século XVIII e também atingiu seu auge de desenvolvimento nos clássicos vienenses.

Sinfonia (do grego συμφονία - “consonância”) - um gênero de música sinfônica música instrumental forma canonizada em várias partes de conteúdo ideológico fundamental.

Formulários livres e mistos

Grandes ciclos

Obras inteiras também podem ser combinadas em um ciclo (cada um dos quais, por sua vez, pode ou não ter caráter cíclico).

Estes incluem os ciclos de prelúdios e fugas acima mencionados, a tetralogia “O Anel do Nibelungo” de R. Wagner, álbuns conceituais de música não acadêmica, bem como grandes obras individuais de jazz e rock.

A forma Sonata é uma forma musical que consiste em três seções principais:

Exposição – contraste entre temas principais e secundários

Desenvolvimento - desenvolvimento desses tópicos

Reprise – repetição destes temas com algumas alterações

Vamos ouvir:

J.S.Bach, Prelúdio e Fuga No. 6, Ré menor, 1º volume de KhTK

L. van Beethoven, Sonata nº 1, Fá menor

Os compositores clássicos são conhecidos em todo o mundo. Cada nome gênio musical- uma individualidade única na história da cultura.

O que é música clássica

A música clássica são melodias encantadoras criadas por autores talentosos que são justamente chamados de compositores clássicos. Suas obras são únicas e sempre serão procuradas por intérpretes e ouvintes. A música clássica, por um lado, costuma ser chamada de música estrita e profundamente significativa, que não está relacionada aos seguintes gêneros: rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. período do final do século XIII - início do século XX, denominado classicismo.

Os temas clássicos distinguem-se pela entonação sublime, sofisticação, variedade de tons e harmonia. Eles têm um efeito positivo na visão emocional de adultos e crianças.

Estágios de desenvolvimento da música clássica. Sua breve descrição e principais representantes

Na história do desenvolvimento da música clássica, podem ser distinguidas as seguintes etapas:

Renascença ou Renascença - início do século XIV - último trimestre Século XVI. Na Espanha e na Inglaterra, o período renascentista durou até o início do século XVII.
Barroco - substituiu o Renascimento e durou até o início do século XVIII. O centro do estilo era a Espanha.
Classicismo - um período de desenvolvimento Cultura europeia do início do século XVIII ao início do século XIX.
O romantismo é uma direção oposta ao classicismo. Durou até meados do século XIX.
Clássicos do século XX - era moderna.

Breve descrição e principais representantes dos períodos culturais

1. Renascimento - um longo período de desenvolvimento de todas as áreas da cultura. - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria compuseram e deixaram criações imortais para a posteridade.

2. Barroco - nesta época surgiram novas formas musicais: polifonia, ópera. Foi nesse período que Bach, Handel e Vivaldi criaram suas famosas obras. As fugas de Bach são construídas de acordo com as exigências do classicismo: adesão obrigatória aos cânones.

3. Classicismo. Compositores clássicos vienenses que criaram suas criações imortais na era do classicismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Surge a forma sonata e a composição da orquestra aumenta. e Haydn diferem das pesadas obras de Bach na construção simples e na elegância das melodias. Ainda era um clássico, uma busca pela perfeição. As obras de Beethoven são o limite do contato entre o romântico e o estilos clássicos. Na música de L. van Beethoven há mais sensualidade e ardor do que cânone racional. Surgiram gêneros importantes como sinfonia, sonata, suíte e ópera. Beethoven deu origem ao período romântico.

4. Romantismo. As obras musicais são caracterizadas pela cor e pelo drama. Vários gêneros musicais estão sendo formados, por exemplo, baladas. Obras para piano de Liszt e Chopin receberam reconhecimento. As tradições do romantismo foram herdadas por Tchaikovsky, Wagner e Schubert.

5. Clássicos do século XX - caracterizados pelo desejo dos autores de inovação nas melodias; surgiram os termos aleatórios, o atonalismo; As obras de Stravinsky, Rachmaninov, Glass são classificadas no formato clássico.

Compositores clássicos russos

Tchaikovsky P.I. - compositor russo, crítico musical, figura pública, professor, maestro. Suas composições são as mais executadas. São sinceros, facilmente percebidos, refletem a originalidade poética da alma russa, pinturas cênicas Natureza russa. O compositor criou 6 balés, 10 óperas, mais de cem romances, 6 sinfonias. O mundialmente famoso balé “Lago dos Cisnes”, a ópera “Eugene Onegin”, “Álbum Infantil”.

Rachmaninov S.V. - as obras do notável compositor são emocionantes e alegres, e algumas têm conteúdo dramático. Seus gêneros são variados: desde pequenas peças até concertos e óperas. As obras geralmente reconhecidas do autor: óperas " Cavaleiro mesquinho", "Aleko" por Poema de Pushkin"Ciganos", "Francesca da Rimini" baseado em enredo emprestado de " Divina Comédia» Dante, poema “Os Sinos”; suíte “Danças Sinfônicas”; concertos de piano; vocalizar para voz com acompanhamento de piano.

Borodin A.P. foi compositor, professor, químico e médico. A criação mais significativa é a ópera “Príncipe Igor” de trabalho histórico“O Conto da Campanha de Igor”, que o autor escreveu durante quase 18 anos. Durante sua vida, Borodin não teve tempo de terminá-la; após sua morte, a ópera foi completada por A. Glazunov e N. Rimsky-Korsakov. O grande compositor é o fundador dos quartetos e sinfonias clássicos na Rússia. A Sinfonia “Bogatyr” é considerada a coroa da sinfonia heróica nacional mundial e russa. Os quartetos instrumentais de câmara, o Primeiro e o Segundo Quartetos, foram reconhecidos como excelentes. Um dos primeiros a introduzir figuras heróicas da literatura russa antiga nos romances.

Grandes músicos

Mussorgsky M.P., de quem se pode falar, é um grande compositor realista, um corajoso inovador que aborda problemas sociais agudos, um magnífico pianista e um excelente vocalista. O mais significativo obras musicais são as óperas “Boris Godunov” baseadas na obra dramática de A.S. Pushkin e “Khovanshchina” - drama musical folclórico, principal personagem atuante estas óperas são um povo rebelde de diferentes estratos sociais; ciclo criativo “Quadros de uma Exposição”, inspirado nas obras de Hartmann.

Glinka M.I. - famoso compositor russo, fundador do movimento clássico na cultura musical russa. Ele completou o processo de criação de uma escola de compositores russos, baseada no valor da música folclórica e profissional. As obras do mestre estão imbuídas de amor à Pátria e refletem a orientação ideológica do povo daquela época. era histórica. O mundialmente famoso drama folclórico “Ivan Susanin” e a ópera-conto de fadas “Ruslan e Lyudmila” tornaram-se novas tendências na ópera russa. As obras sinfônicas “Kamarinskaya” e “Spanish Overture” de Glinka são os alicerces do sinfonismo russo.

Rimsky-Korsakov N.A. é um talentoso compositor, oficial da marinha, professor e publicitário russo. Duas correntes podem ser traçadas em sua obra: histórica (“ A noiva do czar", "Pskovite") e contos de fadas ("Sadko", "Snow Maiden", suíte "Scheherazade"). Característica distintiva as obras do compositor: originalidade baseada em valores clássicos, homofonia na construção harmônica primeiros trabalhos. Suas composições têm a assinatura do autor: soluções orquestrais originais com partituras vocais construídas de forma inusitada, que são as principais.

Os compositores clássicos russos tentaram refletir em suas obras o pensamento cognitivo e o folclore característicos da nação.

Cultura europeia

Famosos compositores clássicos Mozart, Haydn, Beethoven viveram na capital cultura musical naquela época - Viena. Os gênios estão unidos pela atuação magistral, excelentes soluções composicionais e pelo uso de diferentes estilos musicais: desde melodias folclóricas até desenvolvimentos polifônicos de temas musicais. Os grandes clássicos são caracterizados por uma atividade mental criativa abrangente, competência e clareza na construção de formas musicais. Em suas obras, intelecto e emoções, componentes trágicos e cômicos, facilidade e prudência estão organicamente ligados.

Beethoven e Haydn gravitaram em torno de composições instrumentais, Mozart teve sucesso tanto na ópera quanto na obras orquestrais. Beethoven foi um criador insuperável de obras heróicas, Haydn apreciou e usou com sucesso o humor e os gêneros folclóricos em sua obra, Mozart foi um compositor universal.

Mozart - criador da sonata forma instrumental. Beethoven melhorou-o e elevou-o a alturas insuperáveis. O período se tornou um período de apogeu do quarteto. Haydn, seguido por Beethoven e Mozart, deram uma contribuição significativa para o desenvolvimento deste gênero.

Mestres italianos

Giuseppe Verdi - um destacado músico do século XIX, desenvolveu o tradicional Ópera italiana. Ele tinha uma habilidade impecável. O ponto culminante da sua atividade de composição foram as obras operísticas “Il Trovatore”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida”.

Niccolo Paganini - nascido em Nice, uma das personalidades mais talentosas musicalmente dos séculos XVIII e XIX. Ele era um mestre do violino. Compôs caprichos, sonatas, quartetos para violino, violão, viola e violoncelo. Escreveu concertos para violino e orquestra.

Gioachino Rossini - trabalhou no século XIX. Autor de música sacra e de câmara, compôs 39 óperas. Trabalhos pendentes - " Barbeiro de Sevilha", "Otelo", "Cinderela", "A pega ladrão", "Semiramis".

Antonio Vivaldi é um dos maiores representantes da arte do violino do século XVIII. Ele ganhou fama graças à sua obra mais famosa - 4 concertos para violino "As Estações". Viveu uma vida incrivelmente frutífera vida criativa, compôs 90 óperas.

Famosos compositores clássicos italianos deixaram um legado musical eterno. Suas cantatas, sonatas, serenatas, sinfonias, óperas darão prazer a mais de uma geração.

Peculiaridades da percepção musical de uma criança

Ouvir boa música tem um efeito positivo no desenvolvimento psicoemocional de uma criança, segundo psicólogos infantis. Boa música apresenta a arte e molda o gosto estético, dizem os professores.

Muitas criações famosas foram criadas por compositores clássicos para crianças, tendo em conta a sua psicologia, percepção e especificidades de idade, ou seja, para ouvir, enquanto outros compuseram diversas peças para pequenos intérpretes, facilmente percebidas de ouvido e tecnicamente acessíveis a eles.

“Álbum Infantil” de P.I. para pequenos pianistas. Este álbum é uma dedicatória ao meu sobrinho que adorava música e era uma criança muito talentosa. A coleção contém mais de 20 peças, algumas delas baseadas em material folclórico: motivos napolitanos, dança russa, melodias tirolesas e francesas. Coleção “Canções Infantis” de P.I. projetado para percepção auditiva por crianças. Canções de clima otimista sobre a primavera, pássaros, jardim florescendo(“Meu pequeno jardim”), sobre compaixão por Cristo e Deus (“O menino Cristo tinha um jardim”).

Clássicos infantis

Muitos compositores clássicos trabalharam para crianças, cuja lista de obras é muito diversificada.

Prokofiev S.S. "Pedro e o Lobo" - conto sinfônico para crianças. Graças a este conto de fadas, as crianças conhecem instrumentos musicais orquestra sinfônica. O texto do conto de fadas foi escrito pelo próprio Prokofiev.

Schumann R. “Cenas Infantis” são contos musicais de enredo simples, escritos para intérpretes adultos, memórias de infância.

Ciclo de piano de Debussy "Children's Corner".

Ravel M. “Mother Goose” baseado nos contos de fadas de C. Perrault.

Bartok B. “Primeiros passos ao piano.”

Ciclos para crianças Gavrilova S. “Para os mais pequenos”; “Heróis dos Contos de Fadas”; "Caras sobre animais."

Shostakovich D. “Álbum de peças para piano para crianças.”

Bakh I.S. “O livro de música de Anna Magdalena Bach.” Ao ensinar música aos filhos, ele criou peças e exercícios especiais para que eles desenvolvessem habilidades técnicas.

Haydn J. é o progenitor da sinfonia clássica. Ele criou uma sinfonia especial chamada “Children’s”. Os instrumentos utilizados: um rouxinol de barro, um chocalho, um cuco - conferem-lhe um som inusitado, infantil e lúdico.

Saint-Saëns K. surgiu com uma fantasia para orquestra e 2 pianos chamada “Carnaval dos Animais”, na qual transmitia com maestria o cacarejar das galinhas, o rugido de um leão, a complacência de um elefante e seu modo de movimento, e o cisne comoventemente gracioso através de meios musicais.

Ao compor composições infantis e juvenis, os grandes compositores clássicos cuidaram do interessante enredo da obra, da acessibilidade do material proposto, levando em consideração a idade do intérprete ou ouvinte.

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