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Os três principais palcos da música europeia XIX Romantismo século - inicial, maduro e tardio - correspondem aos estágios de desenvolvimento da música romântica austríaca e alemã. Mas esta periodização deve ser especificada e um tanto esclarecida em relação aos eventos mais importantes arte musical cada país.
Estágio inicial do germano-austríaco romantismo musical remonta aos anos 10-20 do século XIX, o que coincide com o clímax da luta contra o domínio napoleónico e o subsequente início de uma reação política obscura. O início desta etapa foi marcado por fenômenos musicais como as óperas “Ondine” de Hoffmann (1913), “Silvana” (1810), “Abu Hasan” (1811) e a peça programada para piano “Convite para a Dança” (1815). ) de Weber, as primeiras canções verdadeiramente originais de Schubert - “Margarita at the Spinning Wheel” (1814) e “The Forest King” (1815). Na década de 20, começou o apogeu do romantismo inicial, quando a genialidade do extinto Schubert se desenrolou com força total, quando “ Atirador mágico", "Euriate" e "Oberon" são as três últimas e mais perfeitas óperas de Beber, no ano de cuja morte (1820) um novo “luminar” irrompeu no horizonte musical - Mendelssohn-Bartholdy, que realizou um maravilhoso concerto abertura - Sonho de uma noite de verão.
A fase intermediária ocorre principalmente nos anos 30-40, seus limites são determinados pela Revolução de Julho na França, que teve um impacto significativo nos círculos avançados da Áustria e especialmente na Alemanha, e pela revolução de 1848-1949, que varreu poderosamente o terras germano-austríacas. Durante este período, a criatividade de Mendelssohn (falecido em 1147) e Schumann floresceu na Alemanha, cuja atividade composicional só ultrapassou a linha indicada durante alguns anos; As tradições de Weber são dissipadas por Marschner em suas óperas (sua melhor ópera, Taps Geilschg, foi escrita em 1833); Nesse período, Wagner passa de compositor iniciante a criador de tais trabalhos brilhantes
, como Tannhäuser (1815) e Lohengrin (1848); no entanto, as principais realizações criativas de Wagner ainda estavam por vir. Na Áustria, nesta época, houve alguma calmaria no campo dos gêneros sérios, mas os criadores da música de dança cotidiana, Joseph Lainer e Johann Strauss, o Pai, foram ganhando fama.

A complexidade da situação musical e histórica destes anos não se limita à presença de várias direcções com as suas origens; Viena. Na própria Viena, por exemplo, criam coisas tão diferentes umas das outras. amigos artistas
, como Bruckner e Wolf, unidos por uma atitude comum de entusiasmo em relação a Wagner, mas ao mesmo tempo não aceitaram seu princípio de dramaturgia musical.
Em Viena, cria o filho de Johann Strauss, o líder mais musical do século” (Wagner). Suas maravilhosas valsas e posteriormente operetas fazem de Viena o maior centro de entretenimento musical.
As décadas pós-revolucionárias ainda são marcadas por alguns fenómenos marcantes do romantismo musical, mas já se fazem sentir sinais da crise interna deste movimento. Assim, o romântico em Brahms se sintetiza com os princípios do classicismo, e Hugo Wolf aos poucos se percebe como um compositor anti-romântico. Em suma, os princípios românticos perdem o seu significado exclusivo, sendo por vezes combinados com algumas tendências clássicas novas ou revividas.
No entanto, mesmo depois de meados dos anos 80, quando o romantismo estava claramente começando a se tornar obsoleto, surtos individuais brilhantes de criatividade romântica ainda apareciam na Áustria e na Alemanha: as últimas obras para piano de Brahms e as últimas sinfonias de Bruckner estavam cobertas de romantismo; Os maiores compositores da virada dos séculos XIX e XX - o austríaco Mahler e o alemão Richard Strauss - às vezes se manifestam como típicos românticos nas obras dos anos 80-90. Em geral, esses compositores tornam-se uma espécie de elo entre o século XIX “romântico” e o século XX “anti-romântico”.) "Proximidade cultura musical A Áustria e a Alemanha, determinadas pelas tradições culturais e históricas, não excluem, naturalmente, certas diferenças nacionais. não poderia limitar-se apenas a compor música, mas teve que se tornar uma figura musical e social. Na verdade, os compositores românticos alemães realizaram energicamente tarefas culturais e educacionais e contribuíram para a elevação geral do nível de toda a cultura musical em seu país natal: Weber - como maestro de ópera e crítico musical, Mendelssohn - como maestro de concertos e grande professor, fundador do primeiro conservatório da Alemanha; Schumann - como crítico musical inovador e criador de um novo tipo de revista musical. Mais tarde, desdobrou-se um movimento musical raro em sua versatilidade. atividades sociais Wagner como maestro de teatro e sinfônica, crítico, esteticista, reformador de ópera, criador de um novo teatro em Bayreuth.
Na Áustria, com a sua centralização política e cultural (a hegemonia regimental de Viena como centro político e cultural), com as ilusões implantadas do patriarcado, da prosperidade imaginária e com o domínio real da reação mais brutal, a ampla atividade social era impossível1. A este respeito, não podemos deixar de chamar a atenção para a contradição entre o pathos cívico da obra de Beethoven e a passividade social forçada do grande compositor. O que podemos dizer de Schubert, que se formou como artista no período posterior ao Congresso de Viena de 1814-1815! O famoso círculo de Schubert era a única forma possível de unificação dos representantes avançados da intelectualidade artística, mas tal círculo não poderia ter uma ressonância pública genuína na Viena de Metternich. Por outras palavras, na Áustria os maiores compositores eram quase exclusivamente criadores obras musicais
: não conseguiam se expressar no campo das atividades musicais e sociais. Isto se aplica a Schubert, e a Bruckner, e a Johann Strauss, o filho, e a alguns outros. No entanto, na cultura austríaca devem ser notados fatores tão característicos que de uma forma positiva influenciou a arte da música, conferindo-lhe ao mesmo tempo um sabor especificamente austríaco e “vienense”. Concentrados em Viena, numa peculiar combinação heterogénea, elementos de alemão, húngaro, italiano e Culturas eslavas

Específico para a cultura musical da Áustria foi a distribuição extremamente ampla formas diferentes música divertida - serenatas, cassações, divertissements, que ocuparam lugar de destaque na obra de Clássicos vienenses Haydn e Mozart. Na era do romantismo, a importância da música cotidiana e de entretenimento não apenas permaneceu, mas tornou-se ainda mais forte. É difícil imaginar, por exemplo, olhar criativo Schubert sem aquela corrente folclórica do quotidiano que permeia a sua música e que remonta às festas vienenses, aos piqueniques, às férias nos parques e à produção casual de música de rua.
Mas já na época de Schubert começou a ser observada uma estratificação na música profissional vienense. E se o próprio Schubert ainda combinava em sua obra sinfonias e sonatas com valsas e ländlers, que apareceram literalmente em centenas,1 bem como marchas, ecossais, polonaises, então seus contemporâneos Lainer e Strauss, o Pai, fizeram da música dançante a base de sua atividade. Posteriormente, esta “polarização” encontra expressão na correlação das obras de dois pares – o clássico da música de dança e opereta Johann Strauss, o Filho (1825-1899) e o sinfonista Bruckner (1824-1896). Ao comparar a música austríaca e alemã propriamente dita do século XIX, surge inevitavelmente a questão do teatro musical. Na Alemanha da era romântica, a ópera, a começar por Hoffmann, foi de suma importância como gênero capaz de expressar da forma mais completa os problemas atuais da cultura nacional. E não é por acaso que a grandiosa conquista Teatro alemão o drama musical Wagnerad apareceu na Áustria, as repetidas tentativas de Schubert de alcançar o sucesso no campo teatral não foram coroadas de sucesso." Não importa como se avalie o potencial criativo do próprio Schubert no campo. música de teatro, não se pode deixar de admitir que a situação na Viena de Metternphove não criou incentivos para criatividade operística, não contribuiu para a criação de obras teatrais de “grande estilo”. Mas as apresentações folclóricas de natureza cômica floresceram - cantigas de Ferdinand Raimund com música de Wenzel Müller e Joseph Drexler e, mais tarde, cantigas domésticas de teatro de I. N. Nestroy (1801-1862), que incorporaram as tradições do vaudeville francês. Com isso, não foi o drama musical, mas a opereta vienense surgida na década de 70 que determinou as conquistas da austríaca
teatro musical à escala pan-europeia. ambos os países são muito mais visíveis. O que são recursos específicos que distinguiu a obra de Schubert, Weber e dos seus sucessores mais próximos - Mendelssohn e Schumann - da música romântica de outros países europeus?
Letras íntimas e comoventes, repletas de devaneios, são especialmente típicas de Schubert, Weber, Mendelssohn e Schumann. A sua música é dominada por aquela melodia melodiosa, de origem puramente vocal, que costuma ser associada ao conceito do “Lied” alemão. Este estilo é igualmente característico de canções e muitos temas instrumentais melodiosos de Schubert, árias líricas de ópera de Weber, “Canções sem palavras” de Mendelssohn e imagens “Ebsebievsky” de Schumann. A melodia inerente a este estilo difere, no entanto, das cantilenas operísticas especificamente italianas de Bellini, bem como das voltas afetivas e declamatórias características dos românticos franceses (Berlioz, Menerbere).
Comparado ao progressivo Romantismo francês, distinguido pela euforia e eficácia, repleto de pathos civil, heróico-revolucionário, o romantismo austríaco e alemão geralmente parece mais contemplativo, egocêntrico, subjetivamente lírico. Mas a sua principal força está na revelação do mundo interior do homem, naquele psicologismo profundo, que se revelou de forma particularmente plena na música austríaca e alemã, determinando o impacto artístico irresistível de muitas obras musicais. Esse. no entanto, não exclui manifestações individuais brilhantes de heroísmo e patriotismo nas obras de românticos na Áustria e na Alemanha. Assim são a poderosa sinfonia heróico-épica em dó maior de Schubert e algumas de suas canções (“To the driver Kronos”, “Group from Hell” e outras), o ciclo coral “Lyre and Sword” de Weber (baseado em poemas de o poeta patriótico T. Kerner “ Estudos sinfônicos» Schumann, sua canção “Dois Granadeiros”; finalmente, páginas heróicas individuais em obras como a “Sinfonia Escocesa” de Mendelssohn (apoteose no final), o “Carnaval” de Schumann (final), sua terceira sinfonia (primeiro movimento). Mas o heroísmo do plano de Beethoven, o titanismo da luta são). revivido em nova base mais tarde - nos dramas musicais épicos heróicos de Wagner. Nos primeiros estágios do romantismo germano-austríaco, o princípio ativo e eficaz é muito mais frequentemente expresso em imagens de patético, excitado, rebelde, mas não refletindo, como em Beethoven, um processo de luta proposital e vitorioso. Assim são as canções “Shelter” e “Atlant” de Schubert, as imagens Florestan de Schumann, a sua abertura “Manfred”, a abertura “Run Blaz” de Mendelssohn.

As imagens da natureza ocupam um lugar extremamente importante nas obras de compositores românticos austríacos e alemães. O papel “empático” das imagens da natureza na ciclos vocais Schubert e no ciclo “O Amor de um Poeta” de Schumann. A paisagem musical é amplamente desenvolvida nas obras sinfônicas de Mendelssohn; ele está associado principalmente aos elementos do mar ("Scottish Symphony", aberturas "Hebrides-", "Sea Silence and Happy Voyage"). Mas uma característica alemã característica das imagens de paisagem era aquele “romance da floresta”, que é tão poeticamente incorporado nas introduções das aberturas de Weber para “O Atirador Mágico” e “Oberon”, no “Noturno” da música de Mendelssohn à comédia de Shakespeare “Um Sonho de uma noite de verão”. A partir daqui os fios se estendem para tal
Sinfonias de Bruckner
, como o quarto (“Romântico”) e o sétimo, à paisagem sinfônica “O farfalhar da floresta” na tetralogia de Wagner, à imagem da floresta na primeira sinfonia de Mahler. O anseio romântico por um ideal na música germano-austríaca encontra expressão específica, em particular, no tema da peregrinação, a busca pela felicidade em outra terra desconhecida. Isso apareceu mais claramente nas obras de Schubert (“O Andarilho”, “A Bela Esposa do Moleiro”, “Reise de Inverno”) e, mais tarde, em Wagner, nas imagens do Holandês Voador, de Wotan, o Viajante, e do errante Siegfried. Essa tradição nos anos 80 dá origem ao ciclo de Mahler “Canções do Aprendiz Errante”.
O amplo lugar dado às imagens fantásticas é também uma característica tipicamente nacional do romantismo germano-austríaco (teve impacto direto no romântico francês Berlioz). Esta é, em primeiro lugar, a ficção do mal, o Demonismo, que encontrou o mais personificação vívida em “Siena no Vale do Lobo” da ópera “The Magic Shooter” de Weber, em “O Vampiro” de Marschner, a cantata “Noite de Walpurgis” de Mendelssohn e uma série de outras obras. Em segundo lugar, a fantasia é leve, sutilmente poética, fundindo-se com belas imagens da natureza cheias de entusiasmo: cenas da ópera “Oberon” de Weber, a abertura “Sonho de uma noite de verão” de Mendelssohn, e depois a imagem de Lohengrin de Wagner - o mensageiro do Graal. O lugar intermediário aqui pertence a muitas imagens de Schumann, onde a fantasia incorpora um começo maravilhoso e caprichoso, sem muita ênfase no problema do mal e do bem.

O princípio amplamente implementado de “cantabilidade” – uma tendência geral típica no trabalho de compositores românticos – estende-se aos seus música instrumental.
Consegue maior individualização da melodia por meio de uma combinação característica de canto real e voltas de declamação, canto de fundamentos, cromatização, etc. A linguagem harmônica é enriquecida: as fórmulas harmônicas típicas dos clássicos são substituídas por uma harmonia mais flexível e variada, o papel de plagalidade e etapas laterais do modo aumentam. Seu lado colorido torna-se importante na harmonia. A interpenetração gradualmente crescente de maior e menor também é característica. Assim, de Schubert, essencialmente, vem a tradição de comparações maiores-menores do mesmo nome (geralmente maior após menor), uma vez que esta se tornou uma técnica preferida em sua obra. O escopo de aplicação do harmônico maior está se expandindo (subdominantes menores em cadências de obras maiores são especialmente característicos). Em conexão com a ênfase no indivíduo e a identificação de detalhes sutis da imagem, há também conquistas no campo da orquestração (a importância da coloração específica do timbre, o papel crescente dos instrumentos solo, a atenção aos novos toques performáticos das cordas, etc.). Mas a própria orquestra basicamente não muda sua composição clássica. Os românticos alemães e austríacos foram, em maior medida, os fundadores do programa romântico (Berlioz também pôde contar com as suas realizações na sua Sinfonia Fantástica). E embora o software como tal, ao que parece, não seja típico de Romântico austríaco Schubert, mas a saturação da parte pianística de suas canções com momentos figurativos, a presença de elementos de programação oculta presentes na dramaturgia de suas principais obras instrumentais, determinaram a significativa contribuição do compositor para o desenvolvimento de princípios programáticos na música. Os românticos alemães já têm um desejo enfatizado de programação tanto na música para piano (Convite para a Dança, Concertstück de Weber, ciclos de suítes de Schumann, Canções sem Palavras de Mendelssohn) quanto na música sinfônica ( aberturas de ópera Weber, concerto, As aberturas de Mendelssohn
O papel dos românticos austríacos e alemães na criação de novos princípios composicionais foi grande. Os ciclos sonata-sinfônicos dos clássicos estão sendo substituídos por miniaturas instrumentais; a ciclização das miniaturas, claramente desenvolvida no âmbito das letras vocais por Schubert, é transferida para a música instrumental (Schumann). Também surgiram grandes composições de um movimento, combinando os princípios da sonata e da ciclicidade (a fantasia para piano em dó maior de Schubert, o Concertstück de Weber, o primeiro movimento da fantasia de Schumann em dó maior). Os ciclos sonata-sinfônicos, por sua vez, sofreram mudanças significativas entre os românticos, surgindo vários tipos de “sonata romântica” e “sinfonia romântica”. Mas ainda assim a principal conquista foi a nova qualidade pensamento musical, que determinou a criação de miniaturas repletas de conteúdo e poder de expressividade, foi aquela concentração especial de expressão musical que fez de uma canção separada ou de uma peça para piano de uma parte um foco de ideias e experiências profundas.

À frente do romantismo austríaco e alemão em rápido desenvolvimento na primeira metade do século XIX estavam indivíduos que não eram apenas brilhantemente dotados, mas também avançados nas suas opiniões e aspirações. Isso determinou seu significado duradouro criatividade musical, seu significado como “novo clássico”, que ficou claro no final do século, quando os clássicos musicais dos países Língua alemã representado, em essência, não apenas pelos grandes compositores do século XVIII e Beethoven, mas também pelos grandes românticos - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Estes notáveis ​​representantes do romantismo musical, reverenciando profundamente os seus antecessores e desenvolvendo muitas das suas realizações, conseguiram ao mesmo tempo abrir completamente novo mundo imagens musicais e formas composicionais correspondentes. O tom pessoal predominante no seu trabalho acabou por estar em sintonia com os estados de espírito e pensamentos das massas democráticas. Eles estabeleceram que na música caráter de expressividade, que é apropriadamente caracterizado por B.V. Asafiev como “discurso vivo e sociável, de coração a coração” e que torna Schubert e Schumann semelhantes a Chopin, Grieg, Tchaikovsky e Verdi. Asafiev escreveu sobre o valor humanístico da direção musical romântica: “A consciência pessoal se manifesta não em seu isolamento isolado e orgulhoso, mas em uma espécie de reflexão artística tudo o que as pessoas vivem e que as entusiasma sempre e inevitavelmente. Nessa simplicidade, soam invariavelmente belos pensamentos e reflexões sobre a vida - a concentração do que há de melhor em uma pessoa.”

Zweig estava certo: a Europa não viu uma geração tão maravilhosa como a dos românticos desde a Renascença. Imagens maravilhosas do mundo dos sonhos, sentimentos nus e o desejo de uma espiritualidade sublime - essas são as cores que pintam a cultura musical do romantismo.

O surgimento do romantismo e sua estética

Enquanto a revolução industrial ocorria na Europa, as esperanças depositadas na Grande Revolução foram esmagadas nos corações dos europeus. Revolução Francesa. O culto da razão, proclamado pela Era do Iluminismo, foi derrubado. O culto aos sentimentos e ao princípio natural no homem ascendeu ao pedestal.

Foi assim que surgiu o romantismo. Na cultura musical existiu por pouco tempo mais de um século(1800-1910), enquanto nas áreas afins (pintura e literatura) o seu mandato expirou meio século antes. Talvez a música seja “culpada” por isso - era a música que estava no topo das artes entre os românticos como a mais espiritual e mais livre das artes.

Porém, os românticos, ao contrário dos representantes das épocas da antiguidade e do classicismo, não construíram uma hierarquia das artes com sua clara divisão em tipos e. O sistema romântico era universal; as artes podiam transformar-se livremente umas nas outras. A ideia de uma síntese das artes foi uma das chaves da cultura musical do romantismo.

Essa relação dizia respeito também às categorias da estética: o belo combinava-se com o feio, o alto com o vil, o trágico com o cômico. Essas transições estavam conectadas ironia romântica, também refletia uma imagem universal do mundo.

Tudo o que tinha a ver com beleza encontrado novo significado entre os românticos. A natureza tornou-se objeto de adoração, o artista foi idolatrado como o mais elevado dos mortais e os sentimentos foram exaltados acima da razão.

A realidade sem espírito foi contrastada com um sonho, lindo, mas inatingível. O romântico, com a ajuda da imaginação, construiu seu novo mundo, diferente de outras realidades.

Que temas os artistas românticos escolheram?

Os interesses dos românticos manifestaram-se claramente na escolha dos temas que escolheram na arte.

• Tema da solidão. Um gênio subestimado ou uma pessoa solitária na sociedade - estes foram os principais temas entre os compositores desta época (“O Amor de um Poeta” de Schumann, “Sem o Sol” de Mussorgsky).
• Tema de "confissão lírica". Em muitas obras de compositores românticos há um toque de autobiografia (“Carnival” de Schumann, “Symphony Fantastique” de Berlioz).
• Tema do amor. Basicamente, este é o tema do amor não correspondido ou trágico, mas não necessariamente (“Amor e Vida de uma Mulher” de Schumann, “Romeu e Julieta” de Tchaikovsky).
• Tema do caminho. Ela também é chamada tema de andanças. A alma romântica, dilacerada por contradições, procurava o seu caminho (“Harold in Italy” de Berlioz, “The Years of Wandering” de Liszt).
• Tema da morte. Basicamente foi a morte espiritual (Sexta Sinfonia de Tchaikovsky, Winterreise de Schubert).
• Tema da natureza. A natureza aos olhos do romance e de uma mãe protetora, de uma amiga empática e de um destino punitivo (“As Hébridas” de Mendelssohn, “Na Ásia Central” de Borodin). O culto também está associado a este tema. terra natal(polonaises e baladas de Chopin).
• Tema fantasia. O mundo imaginário dos românticos era muito mais rico que o real (“The Magic Shooter” de Weber, “Sadko” de Rimsky-Korsakov).

Gêneros musicais da era romântica

A cultura musical do romantismo deu impulso ao desenvolvimento dos gêneros de letras vocais de câmara: balada("O Rei da Floresta" de Schubert), poema("Donzela do Lago" de Schubert) e músicas, muitas vezes combinado em ciclos("Murtas" de Schumann).

Ópera romântica distinguiu-se não só pelo carácter fantástico do enredo, mas também pela forte ligação entre a palavra, a música e a acção cénica. A ópera está sendo sinfonizada. Basta recordar o “Anel dos Nibelungos” de Wagner com a sua desenvolvida rede de leitmotifs.

Entre os gêneros instrumentais do romance estão miniatura de piano. Para transmitir uma imagem ou o estado de espírito de um momento, basta uma pequena peça. Apesar de sua escala, a peça transborda expressão. Ela poderia ser "música sem palavras" (como Mendelssohn) mazurca, valsa, noturno ou peças com títulos programáticos (“The Rush” de Schumann).

Assim como as canções, as peças às vezes são combinadas em ciclos (“Butterflies” de Schumann). Ao mesmo tempo, as partes do ciclo, fortemente contrastantes, sempre formaram uma única composição devido às ligações musicais.

Os românticos adoravam a música programática, que a combinava com a literatura, a pintura ou outras artes. Portanto, o enredo em suas obras era frequentemente controlado. Apareceram sonatas de um movimento (sonata em si menor de Liszt), concertos de um movimento (Primeiro Concerto para Piano de Liszt) e poemas sinfônicos (Prelúdios de Liszt) e uma sinfonia de cinco movimentos (Sinfonia Fantástica de Berlioz).

A linguagem musical dos compositores românticos

A síntese das artes, glorificada pelos românticos, influenciou os meios expressividade musical. A melodia tornou-se mais individual, sensível à poética da palavra, e o acompanhamento deixou de ser neutro e de textura típica.

A harmonia foi enriquecida com cores inéditas para contar as experiências do herói romântico. Assim, as entonações românticas do langor transmitiam perfeitamente harmonias alteradas que aumentavam a tensão. Os românticos adoraram o efeito do claro-escuro, quando o maior foi substituído pelo menor de mesmo nome, e os acordes dos passos laterais, e as belas comparações de tonalidades. Novos efeitos também foram descobertos na música, principalmente quando era necessário transmitir o espírito folclórico ou imagens fantásticas na música.

Em geral, a melodia dos românticos primava pela continuidade do desenvolvimento, rejeitava qualquer repetição automática, evitava a regularidade dos acentos e respirava expressividade em cada um dos seus motivos. E a textura tornou-se um elo tão importante que seu papel é comparável ao papel da melodia.

Ouça que mazurca maravilhosa Chopin tem!

Em vez de uma conclusão

Cultura musical do romantismo virada do século 19 e XX experimentaram os primeiros sinais de crise. "Livre" forma musical começou a se desintegrar, a harmonia prevaleceu sobre a melodia, sentimentos sublimes as almas românticas deram lugar a medos dolorosos e paixões vis.

Essas tendências destrutivas puseram fim ao Romantismo e abriram caminho para o Modernismo. Mas, tendo terminado como movimento, o romantismo continuou a viver tanto na música do século XX como na música do século atual nas suas diversas componentes. Blok estava certo quando disse que o romantismo surge “em todas as épocas da vida humana”.

Romantismo em forma puraé um fenômeno da arte da Europa Ocidental. Em russo música do século XIX V. de Glinka a Tchaikovsky, as características do classicismo foram combinadas com as características do romantismo, sendo o elemento principal um princípio nacional brilhante e original.

O tempo (1812, o levante dezembrista, a reação subsequente) deixou sua marca na música. Qualquer que seja o gênero que escolhermos - romance, ópera, balé, música de câmara- Compositores russos em todos os lugares proferiram sua nova palavra.

Início do século 19 - estes são os anos do primeiro e brilhante florescimento do gênero romance. As letras modestas e sinceras ainda ressoam e encantam os ouvintes. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Ele escreveu romances baseados em poemas de muitos poetas, mas os imortais são "Rouxinol" aos poemas de Delvig, “Estrada de inverno”, “Eu te amo” baseado nos poemas de Pushkin.

Alexander Yegorovich Varlamov (1801-1848) escreveu música para performances dramáticas, mas o conhecemos mais por romances famosos “Vestido de verão vermelho”, “Não me acorde de madrugada”, “A vela solitária é branca”.

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- compositor, pianista, violinista e professor, escreveu romances como “O sino toca monotonamente”, “No alvorecer da juventude nebulosa” etc.

O lugar de maior destaque aqui é ocupado pelos romances de Glinka. Ninguém mais havia conseguido uma fusão tão natural da música com a poesia de Pushkin e Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- contemporâneo de Pushkin, clássico da literatura russa, tornou-se o fundador dos clássicos musicais. Seu trabalho é um dos pináculos da cultura musical russa e mundial. Combina harmoniosamente riqueza música folclórica E maiores conquistas habilidade do compositor. Profundamente popular criatividade realista Glinka refletiu o poderoso florescimento da cultura russa do primeiro metade do século XIX século, associado à Guerra Patriótica de 1812 e ao movimento dezembrista. O caráter brilhante e afirmativo da vida, a harmonia das formas, a beleza das melodias expressivamente melodiosas, a variedade, o colorido e a sutileza das harmonias são as qualidades mais valiosas da música de Glinka. Na ópera mais famosa “Ivan Susanina”(1836) a ideia foi brilhantemente expressa patriotismo popular; a grandeza moral do povo russo é glorificada na ópera de conto de fadas “ Ruslan e Lyudmila". Obras orquestrais de Glinka: “Valsa Fantasia”, “Noite em Madrid” e especialmente “Kamarinskaia”, formam a base do sinfonismo clássico russo. A música da tragédia se destaca pelo poder de expressão dramática e brilho de características. “Príncipe Kholmsky”. Letras vocais de Glinka (romances “Lembro-me de um momento maravilhoso”, “Dúvida”) - uma personificação insuperável da poesia russa na música.

Na primeira metade do século XIX. nasce uma escola nacional de música. Nas primeiras décadas do século XIX. Prevaleceram as tendências românticas, manifestadas na obra de A.N. Verstovsky, que utilizou temas históricos em sua obra. Fundador da Rússia escola de música tornou-se M.I. Glinka, criadora do principal gêneros musicais: óperas ("Ivan Susanin", "Ruslan e Lyudmila"), sinfonias, romances, utilizando ativamente motivos folclóricos em sua obra. Um inovador no campo da música foi A.S. Dargomyzhsky, autor da ópera-ballet "O Triunfo de Baco" e criador do recitativo da ópera. Sua música estava intimamente ligada ao trabalho de compositores " Bando poderoso" - M.P. Mussorgsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, que se esforçaram para incorporar em suas obras “a vida, onde quer que ela seja expressa”, voltando-se ativamente para temas históricos e motivos folclóricos. Seu trabalho estabeleceu o gênero do drama musical "Boris Godunov" e "Khovanshchina" de Mussorgsky, "Príncipe Igor" de Borodin, "The Snow Maiden" e " A noiva do czar“Rimsky-Korsakov é o orgulho da arte russa e mundial.

Um lugar especial na música russa é ocupada por P.I. Tchaikovsky, que incorporou nas suas obras o drama interior e a atenção ao mundo interior do homem, característico da literatura russa do século XIX, à qual o compositor recorreu frequentemente (as óperas “Eugene Onegin”, “A Dama de Espadas”, “ Mazeppa”).

Apresentação “Arte musical da era do romantismo” continua o tópico Esta postagem do blog apresentou os principais recursos do estilo. A apresentação dedicada à música do romantismo não é apenas rica em material ilustrativo, mas também contém áudio e exemplos de vídeo. Infelizmente, você só pode ouvir a música seguindo os links em Programa PowerPoint.

Arte musical da era romântica

Nenhuma época antes do século XIX deu tanto ao mundo compositores talentosos e artistas e tantos excelentes obras-primas musicais como a era do romantismo. Ao contrário do classicismo, cuja visão de mundo se baseia no culto da razão, o principal na arte do romantismo é o sentimento.

“No seu sentido mais próximo e essencial, o romantismo nada mais é do que mundo interior almas humanas, vida escondida seu coração. A sua esfera, como dissemos, é toda a vida interior da alma de uma pessoa, aquela misteriosa vida da alma e do coração, de onde surgem todas as vagas aspirações pelo melhor e pelo sublime, tentando encontrar satisfação nos ideais criados pela fantasia. V.G. Belinsky

Na música, como em nenhuma outra forma de arte, é possível expressar uma grande variedade de sentimentos e emoções. Portanto, foi a música que se tornou a principal arte da era do romantismo. Aliás, o termo "romantismo" usado pela primeira vez em relação à música por um notável escritor, artista, compositor Ernest Theodore Amadeus Hoffmann, cuja vida e destino podem servir como o exemplo mais claro do destino de um herói romântico.

Instrumentos musicais da era romântica

Graças à riqueza da paleta sonora e à variedade de cores dos timbres, o piano tornou-se um dos instrumentos musicais preferidos dos românticos. Na era do romantismo, o piano foi enriquecido com novas possibilidades. Entre os músicos românticos há muitos como Liszt e Chopin, que surpreendem os amantes da música com a execução virtuosa de suas (e não apenas) obras para piano.

A orquestra da era romântica foi enriquecida com novos instrumentos. A composição da orquestra aumentou várias vezes em comparação com a orquestra da era clássica. Para criar uma atmosfera fantástica e mágica, os compositores usaram as capacidades de instrumentos como a harpa, a gaita de vidro, a celesta e o glockenspiel.

A captura de tela do slide da minha apresentação mostra que para cada imagem instrumento musical Eu adicionei um exemplo de seu som. Baixando a apresentação para o seu computador e abrindo-a no PowerPoint, meu leitor curioso, você poderá apreciar o som desses incríveis instrumentos.

“Os instrumentos atualizados ampliaram incrivelmente o escopo da expressividade orquestral, possibilitando enriquecer a paleta de cores da orquestra e do conjunto com timbres até então desconhecidos, brilho técnico e poderoso luxo de sonoridade. E em peças solo, concertos e fantasias, eles podiam surpreender os ouvintes com um virtuosismo sem precedentes, às vezes acrobático, e uma sensualidade exagerada, dando aos concertistas características demoníacas e dominadoras.” V.V. Berezin

Gêneros da música romântica

Junto com os gêneros populares que existiam na época anterior, novos aparecem na música romântica, como noturno, prelúdio(que se tornou bastante um trabalho independente(lembre-se das deliciosas preliminares Frederico Chopin), balada, improvisada, miniatura musical, canção (Francisco Schubert compôs cerca de seiscentos deles), poema sinfônico . Nessas obras, o compositor romântico conseguiu expressar os matizes mais sutis de experiências emocionais. São os românticos que buscam a especificidade ideias musicais, chegou à criação de ensaios de programas. Essas criações foram frequentemente inspiradas em obras de literatura, pintura e escultura. O exemplo mais claro de tais criações são os ensaios Francisco Liszt, inspirado em imagens de Dante, Michelangelo, Petrarca, Goethe.

Compositores românticos

A abrangência do “gênero” não permite incluir neste verbete uma história sobre a obra de compositores românticos. Minha tarefa era dar uma ideia geral da música do romantismo e, com sorte, despertar o interesse pelo tema e a vontade de continuar auto-estudo arte musical da era do romantismo.

Entre os materiais da Academia Arzamas, descobri algo que pode ser do interesse do meu leitor curioso sobre música do romantismo. Recomendo fortemente ler, ouvir, pensar!

Como sempre, sugiro bibliografia. Gostaria de esclarecer que estou compilando a lista usando minha própria biblioteca. Se achar que está incompleto, complete você mesmo.

• Enciclopédia para crianças. T.7. Arte. Parte três. Música, teatro, cinema – M.: Avanta+, 2001.
• Dicionário Enciclopédico jovem músico. ‒ M.: “Pedagogia”, 1985.
• Dicionário enciclopédico musical. ‒ M.: “Enciclopédia Soviética”, 1990.
• Velikovich E.I. Viagens musicais em histórias e fotos. – São Petersburgo: Agência de Informação e Publicação “LIK”, 2009.
• Emokhonova L.G. Mundo cultura artística: Livro didático. Um manual para estudantes. média. ped. livro didático estabelecimentos. – M.: Centro Editorial “Academia”, 1998.
• Zalesskaya M.K. Ricardo Wagner. Compositor banido. - M.: Veche, 2014.
• Collins St. Música clássica por completo. ‒ M.: FAIR_PRESS, 2000.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Cultura artística mundial. Século XIX. Artes plásticas, música, teatro. – São Petersburgo: Peter, 2007.
• Rolland R. Vidas de grandes pessoas. - M.: Izvestia, 1992.
• Cem Grandes Compositores / Compilado por D.K. Samin. - M.: Veche, 1999.
• Tibaldi-Chiesa M. Paganini. - M.: Mol. Guarda, 1981

Boa sorte!

I Música (do grego musike, literalmente a arte das musas) é um tipo de arte que reflete a realidade e influencia uma pessoa através de sequências sonoras significativas e especialmente organizadas, consistindo principalmente de tons... ... Grande Enciclopédia Soviética

- (Grego moysikn, de mousa musa) um tipo de arte que reflete a realidade e afeta uma pessoa por meio de sequências sonoras significativas e especialmente organizadas em altura e tempo, consistindo principalmente de tons... ... Enciclopédia Musical

Conteúdo 1 Aspectos históricos 2 Literatura 2.1 Origens 2.2 Realismo ... Wikipedia

Este termo é baseado no grego. ή μουσική (implicando arte τέχνη), ou seja, a arte das musas (principalmente deusas do canto e da dança). Mais tarde, recebeu um significado mais amplo entre os gregos, no sentido do desenvolvimento harmonioso do espírito em geral, e novamente entre nós... ... Dicionário Enciclopédico F.A. Brockhaus e I.A. Efron

MÚSICA SAGRADA- música obras de Cristo. conteúdos não destinados à apresentação durante o culto. D. a música é muitas vezes contrastada com a música secular, e neste entendimento, uma gama extremamente ampla de fenômenos da música litúrgica é por vezes incluída nesta área... ... Enciclopédia Ortodoxa

As raízes de N. m. remontam aos tempos antigos. Dados arqueológicos pesquisas indicam a existência de outros alemães. tribos de vários tipos de espírito. instrumentos (lurs), cuja fabricação remonta à Idade do Bronze. Aceso. e histórico... ... Enciclopédia Musical

Características da formação da música. A cultura dos EUA, que começou no final Século XVII, foram em grande parte determinados pelo tipo colonial de desenvolvimento do país. Transferido para Amer. o solo da música as tradições da Europa, da África e mais tarde da Ásia foram assimiladas e, interagindo,... ... Enciclopédia Musical

As origens de R. m. remontam à criatividade do Oriente. glória tribos que habitam o território do Dr. Rus' antes do seu surgimento no século IX. primeiro russo estado va. Sobre as espécies mais antigas do Oriente. glória a música pode ser julgada hipoteticamente pelo departamento. histórico evidência... ... Enciclopédia Musical

As origens da fábula remontam ao folclore das tribos celtas, gaulesas e francas que viveram nos tempos antigos no território do que hoje é a França. Nar. a cultura musical, assim como a cultura galo-romana, tornou-se a base para o desenvolvimento da literatura antiga. E… … Enciclopédia Musical