Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Descrição

A história da criação do museu remonta a século XIX. Prédio Palácio Mikhailovsky, em que o Museu Russo foi posteriormente fundado, foi construído de acordo com o projeto do arquiteto Carl Rossi em 1819-1825, cuja aparência arquitetônica foi reconhecida como um excelente exemplo conjunto do palácio no estilo alto classicismo. O primeiro proprietário do palácio foi Grão-Duque Mikhail Pavlovich - o quarto filho do imperador Paulo I.

NO Europa XIX séculos, já existem museus públicos de belas artes, a ideia de abrir um museu estatal de arte nacional está sendo discutida entre a elite educada da sociedade russa.

Em 1889, o imperador Alexandre III adquiriu a pintura de I. Repin "Nicholas of Myra salva três inocentemente condenados da morte" - este evento está associado à ideia do soberano, que ele expressou sobre a fundação de um museu nacional nacional.
O plano de Alexandre III foi realizado por seu sucessor, o imperador Nicolau II, em 1895, o Museu Russo do imperador Alexandre III foi estabelecido. No mesmo ano, começou a reconstrução das salas do Palácio Mikhailovsky para as exposições do museu, sob a orientação do arquiteto V.F. Svinin.

A grande inauguração do "Museu Russo do Imperador Alexandre III" ocorreu em 7 de março de 1898.
A coleção do museu era composta por obras de arte doadas do Hermitage, da Academia de Artes, dos palácios Gatchina e Tsarskoye Selo Alexander, além de coleções doadas de colecionadores particulares.

De acordo com o plano, a exposição do museu seria representada por três departamentos:
- departamento memorial dedicado à memória Imperador Alexandre III;
- departamento etnográfico e arte-industrial;
- Departamento de Arte.
A construção das dependências do Memorial foi adiada e nunca foi inaugurada.

A coleção do departamento etnográfico foi exibida no Museu Russo, mas em 1934 foi transferida para o museu aberto Museu do Estado etnografia dos povos da URSS.
A coleção do departamento de arte foi ativamente reabastecida e desenvolvida, como resultado, o Museu Russo tornou-se a maior coleção de belas artes nacionais.

Em 1914, os salões do Palácio Mekhailovsky não continham mais toda a coleção do Museu Russo e, em 1914-1919, um novo prédio de exposições foi erguido de acordo com o projeto dos arquitetos L. Benois e S. Ovsyannikov, em homenagem ao nome do autor - o edifício Benois.
Os salões do Museu Estatal Russo estão amplamente representados arte nacional, começando com Rússia antiga e até o nosso tempo.

Ícones russos antigos da coleção do Museu Russo, cuja exposição começou a se formar mesmo na fundação do museu e foi reabastecida durante o século 20, não são apenas monumentos da arte russa antiga, mas obras-primas de importância mundial.

Ao formar uma coleção pintura de cavalete formou a base os melhores trabalhos artistas dos séculos XVIII e XIX. Isso são telas pintura de retrato I. Vishnyakova, D. Levitsky, V. Borovikovsky, pinturas de temas antigos de F. Bruni, G. Ugryumov, a obra-prima mundialmente famosa de K. Bryullov “O Último Dia de Pompeia” e suas outras grandes telas, pinturas do pintor marinho insuperável I. Aivazovsky e sua famosa "Nona Onda". Lugar especial na coleção do Museu Russo ocupam um denso número de artistas do segundo metade do século XIX início do século XX - A. Ivanov, V. Vasnetsov, K. Makovsky, I. Repin, K. Savitsky, V. Polenov, V. Vereshchagin, V. Surikov, M. Vrubel. Excelentes pintores de paisagens russos estão amplamente representados no museu - o conhecido I. Shishkin, I. Levitan, A. Kuindzhi. De particular interesse são as obras de artistas da associação "Mundo da Arte", que trabalharam não só na direção da arte de cavalete, mas também na arte teatral, criando cenários e figurinos teatrais.

No período pós-revolucionário, a coleção do Museu Russo é reabastecida por coleções particulares nacionalizadas e obras criadas por artistas das "novas tendências".

No primeiro andar Corpo de Benois exibido grande coleção funciona período soviético e exposições temáticas.
Atualmente, o acervo do museu é constantemente reabastecido não apenas por meio de compras governamentais, mas também por meio de doações de coleções particulares ao museu.

Hoje o Museu Estatal Russo é complexo de museus e inclui os palácios Mikhailovsky, Mármore e Stroganov, o castelo Mikhailovsky (Engenharia), a Casa de Pedro I, conjuntos de jardins e parques - Jardim de verão com o Palácio de Verão de Pedro I e o Jardim Mikhailovsky.

O mais alto decreto sobre o estabelecimento do "Museu Russo do Imperador Alexandre III" no Palácio Mikhailovsky em São Petersburgo foi assinado há 120 anos, em 13 de abril de 1895.

Atualmente, o Museu Estatal Russo está maior museu arte russa no mundo. Sua coleção inclui 407,5 unidades de armazenamento. Em antecipação Data memorável o site lembrou 10 obras-primas da pintura que podem ser vistas no Museu Russo.

Arkhip Kuindzhi. "Noite enluarada no Dnieper". 1880

Banco do rio. A linha do horizonte desce. A luz prateada-esverdeada da lua é refletida na água. " Noite de luar no Dnieper" - uma das pinturas mais famosas de Arkhip Kuindzhi.

A magia da paisagem cativou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich, que a comprou por muito dinheiro diretamente do estúdio do artista. O príncipe não queria se separar de sua pintura favorita, mesmo durante sua viagem de volta ao mundo. Como resultado, seu capricho quase arruinou a obra-prima de Kuindzhi - por causa do ar do mar, a composição da tinta mudou, a paisagem começou a escurecer. Mas, apesar disso, a imagem até hoje tem um apelo mágico, obrigando o público a perscrutá-la por muito tempo.

A magia da paisagem cativou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich. Foto: www.russianlook.com

Karl Briullov. "O último dia de Pompéia". 1830-1833

“O último dia de Pompeia tornou-se o primeiro dia do pincel russo!” - então o poeta Yevgeny Baratynsky escreveu sobre essa imagem. MAS escritor britânico Walter Scott chamou a imagem de "incomum, épica".

A tela medindo 465,5 × 651 cm foi exibida em Roma e Paris. Estava à disposição da Academia de Artes graças a Nicolau I. A pintura foi apresentada a ele pelo famoso filantropo Anatoly Demidov, e o imperador decidiu exibi-la na Academia, onde poderia servir de guia para pintores iniciantes.

Vale a pena notar que Karl Bryullov se retratou no cenário de uma cidade em colapso. O autorretrato do artista pode ser visto no canto esquerdo da pintura.

Karl Bryullov retratou a si mesmo tendo como pano de fundo uma cidade em ruínas. O autorretrato do artista pode ser visto no canto esquerdo da pintura. Foto: commons.wikimedia.org

Ilia Repin. "Transportadores de barcaças no Volga". 1870-1873

O verão de 1870, passado pelo artista no Volga, 15 verstas de Samara, grande influência sobre o trabalho de Ilya Repin. Ele começa a trabalhar na tela, na qual muitos mais tarde viram significado filosófico, a personificação da obediência ao destino e a força das pessoas comuns.

Enquanto estava entre os transportadores de barcaças, Ilya Efimovich Repin conheceu o ex-padre Kanin, de quem mais tarde criaria muitos esboços para a pintura.

“Algo nele era oriental, antigo. Mas os olhos, os olhos! Que profundidade de olhar, levantada até as sobrancelhas, também tendendo para a testa... E a testa é uma testa grande, esperta, inteligente; este não é um simplório ”, disse o mestre sobre ele.

"Algo nele era oriental, antigo. Mas os olhos, os olhos!" Foto: commons.wikimedia.org

Ilia Repin. Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco. 1880-1891

"Você é o shaitan turco, irmão e camarada do maldito diabo, e o próprio secretário de Lúciper!" Segundo a lenda, foi assim que a carta começou, que os cossacos Zaporizhzhya escreveram em 1675 em resposta à proposta do sultão Mahmud IV de se tornar subordinado a ele. Trama conhecida formou a base pintura famosa Ilia Repin.

Um enredo bem conhecido formou a base da famosa pintura de Ilya Repin. Foto: commons.wikimedia.org

Victor Vasnetsov. "Cavaleiro na Encruzilhada". 1878

O espírito poético das lendas populares é magistralmente transmitido na obra de Viktor Vasnetsov. Pela primeira vez a tela foi apresentada ao público em 1878 como parte de uma exposição itinerante.

O artista trabalhou na pintura por vários anos. Nas primeiras versões, o herói estava de frente para o espectador, mas depois a composição foi alterada. O Museu Russo tem uma versão posterior da pintura - 1882. A primeira versão de 1878 está no Museu Serpukhov de História e Arte.

Vale a pena notar que o enredo de "The Knight at the Crossroads" é reproduzido na lápide do artista, que está enterrado no cemitério de Vvedensky.

O artista trabalhou na pintura por vários anos. Foto: commons.wikimedia.org

Ivan Aivazovsky. "A Nona Onda". 1850

Criada em 1850, a pintura "A Nona Onda" foi adquirida por Nicolau I.

A nona onda, na visão dos navegadores, é a mais esmagadora. É ele quem deve ser experimentado pelos heróis do quadro, que naufragaram.

Criada em 1850, a pintura "A Nona Onda" foi adquirida por Nicolau I. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. Retrato de Ida Rubinstein. 1910

A famosa dançarina e atriz Ida Rubinstein inspirou muitos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, André Dunoyer de Segonzac, Leon Bakst e Valentin Serov.

O pintor russo, que é considerado o mestre do retrato, a viu pela primeira vez no palco parisiense. Em 1910 ele cria seu retrato.

“Há monumentalidade em cada movimento dela, apenas um baixo-relevo arcaico revivido”, a artista admirava sua graça.

A famosa dançarina e atriz Ida Rubenstein inspirou muitos artistas. Foto: commons.wikimedia.org

Valentin Serov. O rapto da Europa. 1910

A ideia de escrever "O Rapto da Europa" nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Uma visita ao Palácio de Cnossos, na ilha de Creta, o impressionou muito. Em 1910, a pintura, baseada na lenda do rapto por Zeus da Europa, filha do rei fenício Agenor, foi concluída.

De acordo com algumas evidências, Serov criou seis versões da pintura.

A ideia de escrever "O Rapto da Europa" nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Foto: commons.wikimedia.org

Boris Kustodiev. Retrato de F. I. Chaliapin. 1922

“Eu sabia muito na vida de pessoas interessantes, talentosas e pessoas boas. Mas se eu já vi um espírito realmente grande em uma pessoa, é em Kustodiev ”, ele escreveu sobre o artista em seu livro autobiográfico“ Máscara e Alma ” cantor famoso Fiodor Chaliapin.

O trabalho na pintura foi realizado no apartamento do pintor. A sala onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes.

Mais tarde, o filho do artista relembrou o momento engraçado da obra. Segundo ele, para capturar o querido cachorro de Fyodor Ivanovich na tela, ele teve que usar um truque: “Para fazer o pug ficar de cabeça erguida, eles colocaram um gato no armário, e Chaliapin fez o possível para que o cachorro olhou para ela.”

A oficina onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes. Foto: commons.wikimedia.org

Kazimir Malevitch. Círculo preto. 1923

Uma das pinturas mais famosas do fundador do suprematismo - Kazimir Malevich - tem várias opções. O primeiro deles, criado em 1915, encontra-se hoje em coleção particular. A segunda - criada pelos alunos de Malevich sob sua direção - está exposta no Museu Russo de São Petersburgo.

Especialistas observam que o "Círculo Negro" de Kazimir Malevich foi um deles. três principais módulos do novo sistema plástico, o potencial formador de estilo da nova ideia plástica - Suprematismo.

Pintura da segunda metade do século XIX - início do XXI século

Dentre pinturas transferido para o Museu Russo na época de sua fundação, uma parte notável e artisticamente significativa foram as obras dos principais mestres da segunda metade do século XIX. (I.K. Aivazovsky, V.M. Vasnetsov, K.E. Makovsky, I.E. Repin, V.D. Polenov, V.I. Surikov). Apesar de a seleção de pinturas para o museu nas duas primeiras décadas de sua existência ter sido um pouco limitada pelos gostos conservadores do Conselho da Academia de Artes, o leque de pinturas apresentadas na coleção estava em constante expansão. Este é um grande mérito da equipe do museu, como Albert Benois e Alexander Benois, I.E. Grabar, P.I. Neradovsky e outros. Passos importantes foram dados para completar a coleção de pinturas artistas contemporâneos. Telas individuais e grupos inteiros de obras vieram das exposições de I.I. Levitan (em 1901 - póstuma), V.V. Vereshchagin (em 1905 - póstuma), Ya.F. Zionglinsky (em 1914 - póstuma), Associações de Viajantes exibições de arte(S.Yu. Zhukovsky, N.A. Kasatkin, I.I. Levitan, V.E. Makovsky), a Nova Sociedade de Artistas (B.M. Kustodieva, N.M. Fokina), dos autores (A.Ya. Golovin, V.A. Serov, M.V. Nesterov), de proprietários aleatórios (“Refeição” de V.G. Perov, “Retrato de O.K. Orlova” de V.A. Serov, etc.).

Esboços de M.A. Vrubel e pinturas de K.A. Somov da extensa coleção de V.N. Em breve a coleção de N.I. e E.M. Tereshchenko, que consistia principalmente em obras de artistas final do XIX- início do século XX. (incluindo "Bogatyr" e "Serafim de seis asas" de M.A. Vrubel), coleção de A.A. Korovin, onde havia telas de V.A. Serov, F.A. Malyavin, M.V. Nesterov, K. A. Korovin, bem como representantes das associações de arte "Mundo da Arte", "Rosa Azul" e "Valete de Diamantes".

Reabastecimento da coleção de pinturas da segunda metade do século XIX - início do XX. continuou na década de 1930. Naquela época, entre outras obras, a “Grande Reunião do Conselho de Estado” de I.E. Repin foi transferida do Museu da Revolução. Do Estado Galeria Tretyakov o Museu Russo recebeu telas de mestres mal representados na coleção deste último (“Guitarrista-bobyl” e “Retrato de Ivan Sergeevich Turgenev” de V.G. Perov, “Auto-retrato” de N.V. Nevrev, “Cursista” de N.A. Yaroshenko, “ Flying Demon" de M.A. Vrubel e "Women" de F.A. Malyavin).

Nos últimos vinte anos, o museu recebeu cerca de duzentas pinturas da segunda metade do século XIX - início do século XX. A maioria dessas obras foi doada em 1998 pelos irmãos I.A. e Ya. A. Rzhevsky. Uma extensa coleção de pinturas de artistas russos, incluindo pinturas de I.K. Aivazovsky, I.I. Shishkin, N.N. Dubovsky, B.N. Kustodiev, K.Ya. palace. Também é necessário observar vários esboços e pinturas. artistas domésticos final do século 19 - século 20 (S.Yu. Zhukovsky, E.I. Stolitsa, A.B. Lakhovsky e outros), doado em 2009 por N.P. Ivashkevich. Aquisição notável anos recentes tornou-se a imagem de I.E. Repin "Retrato de um militar", anteriormente propriedade de uma das empresas norte-americanas.

Em 1926, além do Departamento de Arte do Museu Russo, o Departamento as últimas tendências. Seus fundos começaram a reabastecer propositalmente as obras de vanguarda direções artísticas e associações criativas o primeiro quartel do século XX, incluindo as obras de N.S. Goncharova, V.V. Kandinsky, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, M.F. Larionov, A.V. Lentulov, K.S. Malevich, L.S. Popova, V.E. Tatlin, R.R. Falk, P.N. Filonov, M.Z. Shagal e muitos outros .

Em 1927, a exposição do Museu Russo apresentou consistentemente inúmeras novas tendências, do pós-impressionismo à não objetividade. O departamento das últimas tendências durou apenas três anos, mas essencialmente lançou as bases para o Departamento de Pintura Soviética do Museu Estatal Russo (1932-1991), que este momento(no âmbito do Departamento de Pintura da 2ª metade dos séculos XIX-XXI) tem reabastecido constantemente os fundos. Esses fundos, superiores a 6.000 itens, cobrem quase todas as áreas, escolas, tendências, principais tipos e gêneros de desenvolvimento da arte russa do século XX - início do século XXI.

O Museu Russo possui uma das maiores coleções de obras da vanguarda russa e de seus principais mestres. A coleção pictórica apresenta as principais tendências inovadoras de meados da década de 1910: o abstracionismo (V.V. Kandinsky) e seu ramo puramente russo - o raionismo (M.F. Larionov, N.S. Goncharova), o neoprimitivismo (M.F. Larionov , N.S. Goncharova, A.V. Shevchenko, K.S. Malevich) , cubofuturismo (D.D. Burlyuk, K.S. Malevich, I.A. Puni, L.S. Popova, N.A. Udaltsova, A.A. Exter e outros), Suprematismo (K.S. Malevich, I.A. Puni, O.V. Rozanova, I.V. Klyun), construtivismo (V.E. Tatlin, A.M. .Rodchenko, A.A. Exter) , L.V. Popova), arte analítica (P.N. Filonov). Únicas em sua completude são as coleções de obras de mestres que criaram sistemas de arte(K.S.Malevich, P.N.Filonov, K.S.Petrov-Vodkin), bem como grandes pintores, incluindo aqueles cujos maneira criativa já começou em hora soviética(S.V. Gerasimov, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, B.M. Kustodiev, V.V. Lebedev, A.A. Rylov, A.V. Shevchenko, N.M. Romadin). Além disso, o acervo do museu apresenta obras de artistas - representantes de importantes escolas que existiram na era soviética (por exemplo, escola de Leningrado pintura de paisagem 1930-1950).

Arte realismo socialista mostrando alto mérito artistico, clareza do enredo, propensão do programa para "grande estilo", refletido nas telas de A.A. Deineka, A.N. Samokhvalov, A.A. Plastov, Yu.I. Pimenov e muitos outros artistas soviéticos que continuou a trabalhar durante os anos da Grande Guerra Patriótica, e na segunda metade do século XX. Para o fundo de ouro arte soviética também estão incluídas as obras de representantes do "estilo severo" e as direções de buscas que estiveram em contato com ele, que estão no acervo do Museu Russo pintura soviética 1960-1970 A coleção do museu contém obras de mestres da arte pós-guerra como N.I. Andronov, V.V. Vatenin, D.D. Zhilinsky, V.I. Ivanov, G.M. Korzhev, E.E. Moiseenko, P.F.Nikonov, P.P.Ossovsky, V.E.Popkov, V.M.Sidorov, V.F.Stozharov, irmãos A.P. e S.P. Tkachev, B.S. Ugarov, P.T. Fomin e outros, criados em uma ampla gama de gêneros - de imagem históricaà natureza morta.

que ocorreu nas décadas de 1970 e 1980. a atualização de experiências artísticas anteriormente rejeitadas deu origem nas profundezas da arte oficial a uma galáxia de mestres que trabalharam em sintonia com a “imagem das ideias” associada a uma compreensão metafórica e multifacetada do mundo ao redor e vida humana(O.V. Bulgakova, T.G. Nazarenko, N.I. Nesterova, I.V. Pravdin, A.A. Sundukov e outros). Durante o período da "perestroika" (1985-1991), a coleção do Museu Russo foi reabastecida com vários nomes de artistas que trabalharam no âmbito do underground. Agora a coleção pintura moderna- uma parte muito móvel e em rápido crescimento dos fundos do século 20 - início do século 21, mas a formação abrangente de toda a coleção pictórica continua.

Yaroshenko N.A. Retrato do artista Nikolai Ge.

1890. Óleo sobre tela.

Roerich N. K. Convidados estrangeiros.

1902. Óleo sobre papelão.

Quem gosta de pintura russa deve ter ido ao Museu Russo de São Petersburgo (inaugurado em 1897). Claro que tem. Mas é no Museu Russo que são mantidas as principais obras-primas de artistas como Repin, Bryullov, Aivazovsky.

Se pensarmos em Bryullov, imediatamente pensamos em sua obra-prima O Último Dia de Pompéia. Se sobre Repin, a imagem “Barcaças no Volga” aparece na minha cabeça. Se nos lembrarmos de Aivazovsky, também nos lembraremos da Nona Onda.

E este não é o limite. "Noite no Dnieper" e "Mercador". Essas pinturas icônicas de Kuindzhi e Kustodiev também estão no Museu Russo.

Qualquer guia mostrará esses trabalhos. Sim, e você mesmo dificilmente passará por eles. Então eu só tenho que falar sobre essas obras-primas.

Adicionando alguns dos meus favoritos, embora não os mais “hypados” (“Akhmatova” de Altman e “The Last Supper” de Ge).

1. Briullov. O último dia de Pompeia. 1833

Karl Briullov. O último dia de Pompéia. 1833 Museu Estatal Russo

4 anos de preparação. Mais 1 ano de trabalho contínuo com tintas e pincéis. Alguns desmaios na oficina. E aqui está o resultado - 30 metros quadrados, que retratam os últimos minutos da vida dos habitantes de Pompéia (no século 19, o nome da cidade era fêmea).

Para Bryullov, tudo não foi em vão. Acho que não havia tal artista no mundo cuja foto, apenas uma foto, teria feito tanto sucesso.

Multidões de pessoas invadiram a exposição para ver a obra-prima. Bryullov foi literalmente carregado em seus braços. Ele foi batizado ressuscitado. E Nicholas I homenageou o artista com uma audiência pessoal.

O que tanto impressionou os contemporâneos de Bryullov? E mesmo agora não deixará o espectador indiferente.

Vemos um momento muito trágico. Em poucos minutos, todas essas pessoas estarão mortas. Mas isso não nos desanima. Porque somos fascinados por... Beleza.

A beleza das pessoas. A beleza da destruição. A beleza do desastre.

Veja como tudo é harmonioso. O céu em brasa combina bem com o traje vermelho das meninas da direita e da esquerda. E com que eficácia duas estátuas caem sob um relâmpago. Não estou falando sobre a figura atlética de um homem em um cavalo empinado.

Por um lado, a imagem é sobre um desastre real. Bryullov copiou as poses das pessoas que morreram em Pompéia. A rua também é real, ainda pode ser vista na cidade limpa de cinzas.

Mas a beleza dos personagens faz parecer mito antigo. Como se os belos deuses estivessem com raiva pessoas bonitas. E não estamos tão tristes.

2. Aivazovsky. Nono eixo. 1850

Ivan Aivazovsky. Nono eixo. 221 x 332 cm 1850 Museu Russo, São Petersburgo. wikipedia.org

Este é o mais foto famosa Aivazovsky. O que até quem está longe da arte sabe. Por que ela é tão famosa?

As pessoas são sempre fascinadas pela luta do homem com os elementos. De preferência com final feliz.

Há mais do que suficiente disso na imagem. Não há lugar mais pungente. Os seis sobreviventes agarram-se desesperadamente ao mastro. Rolos próximos uma grande onda, o nono eixo. Outra a segue. As pessoas estão enfrentando uma longa e terrível luta pela vida.

Mas já amanheceu. O sol rompendo as nuvens esfarrapadas é a esperança da salvação.

O elemento de Aivazovsky, assim como o de Bryullov, é belíssimo. Claro, os marinheiros não são doces. Mas não podemos deixar de admirar as ondas transparentes, brilho do sol e céu lilás.

Portanto, esta imagem produz o mesmo efeito que a obra-prima anterior. Beleza e drama em uma garrafa.

3. Ge. A última Ceia. 1863

Nicolau Ge. A última Ceia. 283 x 382 cm 1863 Museu Estatal Russo. Tanais.info

As duas obras anteriores de Bryullov e Aivazovsky foram recebidas com entusiasmo pelo público. Mas com a obra-prima de Ge, tudo ficou mais complicado. Dostoiévski não gostava dela, por exemplo. Ela parecia muito pé no chão.

Mas acima de tudo, o clero estava insatisfeito. Eles conseguiram até mesmo proibir a produção de reproduções. Ou seja, o público em geral não podia vê-lo. Até 1916!

Por que uma reação tão mista à imagem?

Lembre-se de como a Última Ceia foi retratada antes de Ge. Pelo menos . A mesa ao longo da qual Cristo e os 12 apóstolos se sentam e jantam. Judas entre eles.

Nikolai Ge é diferente. Jesus se deita. O que é exatamente o mesmo que a Bíblia. Era assim que os judeus levavam comida há 2.000 anos, à maneira oriental.

Cristo já fez sua terrível predição de que um dos discípulos o trairia. Ele já sabe que será Judas. E pede-lhe que faça o que planejou, sem demora. Judas sai.

E bem na porta, parece que nos deparamos com ele. Ele coloca um manto para ir para a escuridão. Tanto direto quanto figurativamente. Seu rosto é quase invisível. E sua sombra sinistra cai sobre o resto.

Ao contrário de Bryullov e Aivazovsky, há emoções mais complexas aqui. Jesus experimenta profunda, mas humildemente, a traição do discípulo.

Pedro fica indignado. Ele tem um temperamento quente, ele pulou e olhou perplexo para Judas. John não pode acreditar no que está acontecendo. Ele é como uma criança que enfrenta a injustiça pela primeira vez.

E há menos de doze apóstolos. Aparentemente, para Ge não era tão importante atender a todos. Para a igreja, isso era essencial. Daí a censura.

Teste você mesmo: faça o teste online

4. Repin. Barcaças de transporte no Volga. 1870-1873

Ivan Repin. Barcaças de transporte no Volga. 131,5 x 281 cm. 1870-1873 Museu Estatal Russo. wikipedia.org

Ilya Repin viu pela primeira vez as barcaças no Niva. E ele ficou tão impressionado com sua aparência miserável, especialmente em contraste com os veranistas próximos, que a decisão de pintar o quadro imediatamente amadureceu.

Repin não escrevia residentes de verão bem arrumados. Mas o contraste ainda está presente na imagem. Os trapos sujos das barcaças contrastam com a paisagem idílica.

Talvez para o século 19 não parecesse tão desafiador. Mas pelo homem moderno esse tipo de trabalhador parece deprimente.

Além disso, Repin retratou um navio a vapor ao fundo. Que poderia ser usado como rebocador, para não atormentar as pessoas.

Na realidade, os transportadores de barcaças não eram tão miseráveis. Eles estavam bem alimentados, depois do jantar sempre podiam dormir. E durante a temporada ganhavam tanto que no inverno podiam se alimentar sem trabalhar.

Repin tirou para a foto uma tela fortemente alongada horizontalmente. E ele escolheu o ângulo certo. Os transportadores de barcaças estão vindo em nossa direção, mas ao mesmo tempo não bloqueiam uns aos outros. Podemos facilmente considerar cada um deles.

E o caminhão de barcaças mais importante com cara de sábio. E um jovem que não consegue se acostumar com a teia. E o penúltimo grego, que olha para o desaparecido.

Repin conhecia pessoalmente todos da equipe. Ele teve longas conversas com eles sobre a vida. Portanto, eles se tornaram tão diferentes, cada um com seu próprio caráter.

5. Kuindzhi. Noite enluarada no Dnieper. 1880

Arkhip Kuindzhi. Noite enluarada no Dnieper. 105 x 144 cm 1880 Museu Estatal Russo. Rusmuseum.ru

“Noite enluarada no Dnieper” - o mais trabalho notável Kuindzhi. E não admira. O próprio artista a apresentou de maneira muito eficaz ao público.

Ele organizou uma exposição individual. NO Hall de exibição estava escuro. Apenas uma lâmpada foi apontada para a única pintura da exposição, Moonlit Night on the Dnieper.

As pessoas olhavam para a foto com admiração. A brilhante luz esverdeada da lua e o caminho lunar hipnotizou. Os contornos de uma aldeia ucraniana são visíveis. Apenas parte das paredes, iluminadas pela lua, se projeta da escuridão. A silhueta do moinho de vento contra o pano de fundo do rio iluminado.

O efeito de realismo e fantasia ao mesmo tempo. Como o artista conseguiu tais “efeitos especiais”?

Além da maestria, Mendeleev também teve uma mão nisso. Ele ajudou Kuindzhi a criar uma composição de tinta, especialmente brilhante no crepúsculo.

Parece que o artista tem uma qualidade incrível. Saiba como divulgar seu próprio trabalho. Mas ele fez isso inesperadamente. Quase imediatamente após esta exposição, Kuindzhi passou 20 anos recluso. Ele continuou a pintar, mas não mostrou suas pinturas a ninguém.

Mesmo antes da exposição, a pintura foi comprada pelo Grão-Duque Konstantin Konstantinovich (neto de Nicolau I). Ele estava tão apegado à pintura que a levou em uma viagem ao redor do mundo. O ar úmido e salgado contribuiu para o escurecimento da tela. Infelizmente, esse efeito hipnótico não pode ser retornado.

6. Altman. Retrato de Akhmatova. 1914

Nathan Altman. Retrato de Anna Akhmatova. 123 x 103 cm 1914 Museu Estatal Russo. Rusmuseum.ru

“Akhmatova” de Altman é muito brilhante e memorável. Falando da poetisa, muitos se lembrarão deste retrato particular dela. Surpreendentemente, ela mesma não gostava dele. O retrato parecia estranho e “amargo” para ela, a julgar por seus poemas.

De fato, até a irmã da poetisa admitiu que naqueles anos pré-revolucionários Akhmatova era assim. Um verdadeiro representante da modernidade.

Jovem, magro, alto. Sua figura angular é perfeitamente ecoada por “arbustos” no estilo do cubismo. Um vestido azul brilhante é combinado com sucesso com um joelho afiado e um ombro protuberante.

Ele conseguiu transmitir a aparência de uma mulher elegante e extraordinária. No entanto, ele era assim.

Altman não entendia artistas que podem trabalhar em uma oficina suja e não notar as migalhas em suas barbas. Ele próprio estava sempre vestido com esmero. E ele até costurava roupas íntimas por encomenda, de acordo com seus próprios esboços.

Também era difícil para ele recusar a excentricidade. Uma vez que ele pegou baratas em seu apartamento, ele as pintou em cores diferentes. Ele pintou um deles de ouro, chamou-o de “laureado” e o deixou ir com as palavras “Aqui a barata dele ficará surpresa!”

7. Kustodiev. Comerciante de chá. 1918

Boris Kustodiev. Comerciante de chá. 120 x 120 cm 1918 Museu Estatal Russo. Artchive.ru

"Comerciante" Kustodiev - uma imagem alegre. Nele vemos um mundo sólido e bem alimentado de mercadores. A heroína com a pele mais clara que o céu. Um gato com um focinho semelhante ao rosto da anfitriã. Samovar polido barrigudo. Melancia em um prato rico.

O que podemos pensar do artista que pintou tal quadro? Que o artista sabe muito sobre uma vida bem alimentada. Que ele ama mulheres curvilíneas. E que ele é claramente um amante da vida.

E aqui está como isso realmente aconteceu.

Se você prestar atenção, o quadro foi pintado nos anos revolucionários. O artista e sua família viviam extremamente mal. Pensando apenas no pão. Vida difícil.

Por que tanta abundância quando há devastação e fome ao redor? Então Kustodiev tentou capturar o irremediavelmente partido vida linda.

E o ideal beleza feminina? Sim, o artista disse que mulheres magras ele não está inspirado para criar. No entanto, na vida ele preferia exatamente isso. Sua esposa também era esbelta.

Kustodiev estava alegre. Com o que você está surpreso, porque no momento em que o quadro foi pintado, ele estava acorrentado a cadeira de rodas. Ele foi diagnosticado com tuberculose óssea em 1911.

A atenção de Kustodiev aos detalhes é muito incomum para uma época em que a vanguarda floresceu. Vemos cada secagem na mesa. Andando em Gostiny Dvor. E um jovem tentando manter um cavalo galopando. Tudo isso é como um conto de fadas, uma ficção. O que já foi, mas acabou.

Resumir:

Se você quiser ver as principais obras-primas de Repin, Kuindzhi, Bryullov ou Aivazovsky, visite o Museu Russo.

“The Last Day of Pompeii” de Bryullov é sobre a beleza da catástrofe.

“The Ninth Wave” de Aivazovsky é sobre a escala dos elementos.

"A Última Ceia" Ge - sobre a realização de traição iminente.

"Barge haulers" Repin - sobre um trabalhador contratado do século 19.

“Moonlight Night on the Dnieper” é sobre a alma da luz.

“Portrait of Akhmatova” de Altman é sobre o ideal de uma mulher moderna.

"Merchant" Kustodiev - sobre uma era que não pode ser devolvida.

Para quem não quer perder o que há de mais interessante sobre artistas e pinturas. Deixe seu e-mail (no formulário abaixo do texto), e você será o primeiro a saber dos novos artigos do meu blog.

PS. Teste você mesmo: faça o teste online