A Inglaterra é considerada o país mais “não musical” da Europa. Segundo historiadores da arte, a história da origem música inglesa remonta ao distante século IV, quando tribos celtas viviam no território das Ilhas Britânicas. Nas canções e baladas que sobreviveram daquela época, cantores e bardos descreveram campanhas militares, façanhas, lendas românticas e amor por terra Nativa. Novo palco o desenvolvimento da cultura inglesa ocorreu apenas no século VI com a adoção do cristianismo, a arte da música começou a se desenvolver rapidamente: primeiro sob; início da igreja, e então - sob o estadual.

Hoje, os compositores ingleses não são tão famosos como os seus colegas europeus e é muito difícil lembrar rapidamente os seus nomes ou obras. Mas se olharmos para a história da música mundial, descobriremos que o Reino Unido deu ao mundo grandes compositores como Eduardo Elgar, Gustavo Holst,Ralph Vaughan Williams E Benjamim Britten.

Auge cultura musical ocorreu na Grã-Bretanha durante o reinado da Rainha Vitória. Em 1905, foi escrita na Inglaterra a primeira sinfonia, cujo autor foi Eduardo Elgar. Reconhecimento universal para o jovem compositor Eles trouxeram um oratório chamado “O Sonho de Gerôncio”, escrito em 1900, bem como “Variações sobre um tema misterioso”. Elgar foi reconhecido não só pela Inglaterra, mas também por toda a Europa, e o famoso austríaco Johann Strauss chegou a notar que as criações de Elgar são o auge do romantismo inglês no campo da música.

Gustavo Holst- outro famoso compositor inglês que viveu no século XIX. Ele é considerado o criador mais original e incomum música clássica- recebeu esse reconhecimento pela peça chamada “Planetas”. Este trabalho consiste em sete partes e descreve os planetas do nosso sistema solar.

O próximo na lista dos grandes compositores é o fundador da escola do “Renascimento musical inglês”, sobrinho-neto de Charles Darwin - Ralph Vaughan Williams. Além de compor música, Williams também se envolveu ativamente em atividades sociais e na coleta de folclore inglês. Entre suas obras mais conhecidas estão as três Rapsódias de Norfolk, fantasias sobre o tema Tallis para dupla orquestra de cordas, além de sinfonias, três balés, diversas óperas e arranjos de canções folclóricas.

Entre os compositores contemporâneos da Inglaterra, vale destacar Baron Edward Benjamin Brithenn. Britten escreveu obras para câmara e Orquestra Sinfónica, igreja e Música vocal. Graças a ele, houve um renascimento da ópera na Inglaterra, que naquela época estava em declínio. Um dos principais temas da obra de Britenne foi o protesto contra a violência e a guerra em favor da paz e da harmonia nas relações humanas, que foi mais claramente expresso no "War Requiem", escrito em 1961. Edward Benjamin também visitou frequentemente a Rússia e até escreveu músicas com as palavras de A. S. Pushkin.

Introdução

O destino da música inglesa revelou-se complexo e paradoxal. Do século XV até final do XVII, na época da formação e florescimento da tradição musical clássica inglesa, seu desenvolvimento foi contínuo. Este processo decorreu de forma intensa graças à aposta no folclore, que se determinou mais cedo do que nas outras escolas de composição, bem como à formação e preservação de géneros únicos e nacionalmente distintos (hino, máscara, semiópera). Música inglesa antiga Arte europeia impulsos importantes, incluindo polifonia, princípios de desenvolvimento variacional-figurativos, suíte orquestral. Ao mesmo tempo, ela refrata estímulos vindos de fora de uma forma original.

No século XVII, ocorreram acontecimentos que desferiram golpes poderosos na cultura musical inglesa. Trata-se, em primeiro lugar, do puritanismo, que se estabeleceu durante a revolução de 1640-1660, com o seu desejo fanático de abolir os valores espirituais anteriores e os antigos tipos e formas de cultura secular e, em segundo lugar, a restauração da monarquia (1660), que mudou drasticamente a orientação cultural geral do país, fortalecendo a influência externa (da França).

Surpreendentemente, paralelamente aos sintomas evidentes da crise, surgem fenómenos que indicam uma maior subida arte musical. Num momento difícil para a música inglesa, surge Henry Purcell (1659-1695), cujas obras marcaram o apogeu da escola nacional de compositores, embora não tenham tido impacto direto na obra das gerações seguintes. George Frideric Handel (1685-1759), trabalhando na Inglaterra, com seus oratórios estabeleceu a primazia da tradição coral no espectro de gêneros da música inglesa, o que a influenciou diretamente desenvolvimento adicional. No mesmo período, “A Ópera do Mendigo” de Gay e Pepusch (1728), cuja natureza paródica testemunhou o advento de uma era de viragem cultural, tornou-se o ancestral de muitos exemplos da chamada ópera balada.

Ela foi um dos picos artes teatrais Inglaterra e ao mesmo tempo evidência da derrubada da arte musical - mais precisamente, do movimento de sua “energia criadora de cultura” (A. Schweitzer) - da esfera profissional para a esfera amadora.

Uma tradição musical consiste em muitos fatores – como composição, performance, modo de vida vida musical. Regulados por orientações ideológicas, estéticas e artísticas gerais, estes factores nem sempre actuam numa unidade coordenada, muitas vezes, sob certas condições históricas, a sua interacção é perturbada; Isto pode ser confirmado por um período de um século de aproximadamente meados do século 18 antes meados do século XIX século na Inglaterra.

Música da Inglaterra

Alto nível de desempenho, ampla distribuição e raízes profundas na vida cotidiana várias formas produção musical - instrumental, conjunto vocal e coral - criou então um solo favorável para uma produção brilhante e em grande escala vida de concerto Londres, que atraiu à capital do império músicos continentais: Chopin, Berlioz, Tchaikovsky, Glazunov... O vento fresco da modernidade foi levado consigo por Músicos alemães, o caminho para as Ilhas Britânicas estava aberto desde o reinado da dinastia Hanoveriana (de 1714 a 1901) - recordemos, por exemplo, os concertos semanais de Bach - Abel e os concertos de Haydn - Zalomon. Assim, a Inglaterra participou do intenso processo de formação das sinfonias pré-clássicas e clássicas, mas não deu uma contribuição criativa para isso. Em geral, naquela época o ramo da criatividade nacional nos gêneros ópera e sinfonia, relevantes no continente, era pouco desenvolvido em outros gêneros (por exemplo, oratório), o canal às vezes tornava-se superficial; Foi esta época que deu à Inglaterra o nome, agora pouco convincente, de “o país sem música”.

É paradoxal que a “era do silêncio” tenha ocorrido na chamada era vitoriana - o período do reinado da Rainha Vitória (de 1837 a 1901). O estado estava no auge de sua força e glória. Uma poderosa potência colonial, a “oficina do mundo”, deu à sua nação um sentido confiante de si mesma e a convicção de que “está destinada a ocupar o primeiro lugar no mundo até ao fim dos seus dias” (J. Aldridge). A era vitoriana foi o apogeu de todas as áreas da cultura inglesa: sua prosa e poesia, drama e teatro, pintura e arquitetura e, finalmente, estética - e uma época de declínio notável no campo da composição.

Ao mesmo tempo, foi precisamente a partir de meados do século XIX, quando a crise da escola nacional de compositores já era evidente, que começaram a acumular-se impulsos de ascensão, que se manifestaram em meados do século XIX e se manifestaram claramente em si virada do século 19 e séculos XX.

O movimento coral, amador e profissional, expandiu-se e cresceu. A tradição coral foi percebida como verdadeiramente nacional. Mestres ingleses juraram fidelidade a ela: Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Desenvolveu-se um movimento folclórico paralelo, cuja figura principal foi Cecil J. Sharp (1859-1924). Incluiu uma direção científica (coleta de campo, compreensão teórica) e outra prática (introdução à escola e ao cotidiano). Isto foi acompanhado por uma reavaliação crítica da assimilação dos gêneros folclóricos nos salões de entretenimento e da penetração material folclórico em compor. Todos esses lados do movimento folclórico interagiram - complementando-se e, às vezes, opondo-se de forma conflitante.

Até meados do século XIX, por mais estranho que possa parecer à primeira vista, na verdade Músicas em inglês raramente apareciam em coleções - muito menos frequentemente do que canções da Escócia, País de Gales e, especialmente, Irlanda. Não sem ironia, Ralph Vaughan Williams escreveu no ensaio introdutório ao livro do maior folclorista do país, Cecil Sharp, “Inglês canção popular": "Ainda sabíamos por fontes confiáveis ​​​​que a música folk era "ruim ou irlandesa""

O movimento pelo renascimento da música antiga - Purcell, Bach, madrigalistas e virginalistas ingleses - contribuiu para despertar um profundo interesse entre intérpretes, fabricantes instrumentos musicais e cientistas (como A. Dolmetsch e sua família), bem como compositores

"era de ouro" da escola profissional inglesa. A herança dos séculos XV-XVII, vivificada pela prática performativa, elevada pelo pensamento crítico, surgiu como uma força inspiradora do artesanato original nacional.

As tendências listadas, a princípio quase imperceptíveis, aos poucos ganharam força e, precipitando-se umas em direção às outras, final do século XIX séculos explodiram o solo. A unificação marcou o início de um novo renascimento musical na Inglaterra. Depois de uma longa pausa, este país não está separado personalidades criativas, mas entrou na cultura musical europeia como uma escola nacional. Por esta altura, o continente falava de compositores ingleses; Brahms previu um futuro interessante para a música inglesa, R. Strauss apoiou-o na pessoa de E. Elgar. A intensidade da sua evolução na virada dos séculos XIX e XX foi grande.

A tradição do romantismo austro-alemão há muito encontra solo fértil na Inglaterra. Esta é uma influência historicamente determinada, reforçada pelo sistema Educação musical e a prática de aperfeiçoar jovens compositores nas cidades da Alemanha refletiu-se no estilo (principalmente em Parry, Standford, Elgar). Os músicos ingleses compreenderam que a afirmação da identidade nacional pressupunha a libertação de tão poderosa influência. No entanto, ao contrário das declarações, na criatividade este processo foi lento e difícil, uma vez que os próprios géneros principais - incluindo os conceptuais como sinfonia ou poema sinfônico, - assumiu confiança na experiência fecunda da escola austro-alemã. Assim, a medida da influência alemã e o grau em que ela foi superada serviram de critério identidade nacional e o significado da obra do compositor. Indicativas, por exemplo, são as seguintes avaliações de um dos críticos ingleses: “Enquanto a música de Parry e Stanford falava alemão com sotaque inglês e irlandês... a música de Elgar falava inglês com sotaque alemão”.

Na virada do século, na Grã-Bretanha, como em toda a Europa, havia o desejo de criar linguagem musical, o que corresponderia à estética moderna. A “nova palavra” veio da França. O interesse pelo Oriente que surgiu entre os músicos ingleses levou-os a prestar atenção às conquistas do impressionismo francês. Isto ficou especialmente evidente nas obras de Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) e Gustav Holst. É verdade que em Scott e Bantock o mundo das imagens e estados de espírito orientais não afeta os fundamentos do pensamento do compositor. A sua imagem do Oriente é convencional e na sua concretização não é difícil detectar muitas características tradicionais.

A implementação deste tema na obra de Holst, que gravitou em torno cultura indiana. Ele procurou encontrar um contato espiritual mais profundo entre o Ocidente e o culturas orientais, o que geralmente é característico da arte do século XX. E ele realizou esse desejo à sua maneira, não consistente com o que seu contemporâneo mais velho, Debussy, estava fazendo. Ao mesmo tempo, as descobertas do impressionismo associadas a uma nova ideia de espaço musical, timbre, dinâmica, com uma nova atitude em relação ao som, entraram na paleta de meios de expressão utilizada pelos compositores na Inglaterra - berço da “paisagem e da paisagem marítima” (C. Nodier).

Apesar de todas as diferenças estilísticas individuais, os compositores ingleses daquele período estavam unidos pelo desejo de fortalecer os fundamentos folclóricos nacionais de sua música. A descoberta do folclore camponês e da criatividade dos mestres da antiga escola inglesa como duas fontes inter-relacionadas pertence a G. Holst e R. Vaughan-Williams. Apelo ao legado da “era de ouro” Arte inglesa foi a única coisa maneira possível renascimento tradição nacional. Folclore e antigos mestres, estabelecendo ligações com a cultura musical europeia moderna - a interação destas tendências na arte de Holst e Vaughan Williams trouxe uma tão esperada renovação à música inglesa do século XX. Os temas, enredos e imagens da prosa, poesia e drama ingleses serviram como um importante apoio no estabelecimento dos ideais nacionais. Para músicos som moderno adquirir as baladas rurais de Robert Burns e os poemas ímpios de John Milton, as elegias pastorais de Robert Herrick e os poemas de John Donne, cheios de tensão apaixonada; William Blake foi redescoberto. Visão cada vez mais profunda cultura nacional tornou-se o fator mais importante na formação e florescimento da escola inglesa de composição do século XX, na formação do ideal estético dos compositores.

Primeiro maiores representantes Hubert Parry (1848-1918) e Charles Stanford (1852-1924) apareceram no novo renascimento musical inglês. Compositores, académicos, intérpretes, músicos e professores, eles, tal como os fundadores de muitas escolas nacionais, foram figuras notáveis ​​cujo trabalho multifacetado visava abnegadamente criar uma nova escola nacional de composição, capaz de reavivar a tradição do passado glorioso da música inglesa. . A sua própria actividade social e criativa serviu de grande exemplo para os seus contemporâneos e para os compositores ingleses das gerações seguintes e mais jovens.

A formação de uma nova escola inglesa de composição ocorreu durante o longo reinado (1837-1901) da Rainha Vitória. Durante esta época, várias áreas da cultura inglesa desenvolveram-se plenamente. A grande tradição literária nacional foi especialmente rica e fecunda. Se Parry e Stanford estão intimamente ligados, relativamente falando, ao período proto-renascentista da época em consideração, então o nome de Elgar abre o caminho. período criativo novo renascimento.

Tal como os seus contemporâneos, o inglês escola de compositor enfrentou, em primeiro lugar, os problemas do romantismo musical europeu em toda a sua amplitude. E naturalmente, a arte de Wagner tornou-se o seu foco. A poderosa influência da música de Wagner na Inglaterra só pode ser comparada com a sua influência na França ou com a influência de Handel na Inglaterra no século XVIII.

Já na virada do século, os compositores ingleses fizeram tentativas persistentes de romper com a influência das tradições clássico-românticas alemãs, que haviam criado raízes tão profundas em solo inglês. Lembremos que Parry queria criar - ao contrário de Mendelssohn - variedade nacional oratório filosófico. Uma grande conquista foi a trilogia de pequenas cantatas de Elgar, The Spirit of England (1917).

O primeiro verdadeiro compositor que a Inglaterra produziu desde Purcell chama-se Edward Elgar (1857-1934). Ele estava intimamente associado à cultura musical provincial inglesa. Sobre Estágios iniciais dele vida criativa ele serviu como compositor e arranjador para a orquestra de sua cidade natal, Worcester, também escreveu para músicos de Birmingham e trabalhou para músicos locais. sociedades corais. Suas primeiras canções corais e cantatas estão alinhadas com a grande tradição coral inglesa que surgiu nas décadas de 80 e 90. Século XIX - isto é, exatamente quando Elgar criou o primeiro obras corais, - para a fase de clímax. O oratório de Elgar, O Sonho de Gerontius (1900), que trouxe fama à música inglesa no continente, foi uma conquista tão significativa para o compositor que geralmente suplantou Elias de Mendelssohn e se tornou o segundo oratório favorito do público inglês depois dos Messias de Handel.

A importância de Elgar para a história da música inglesa é determinada principalmente por duas obras: o oratório “The Dream of Gerontius” (1900, baseado no poema de J. Newman) e a sinfônica “Variations on a Mysterious Theme” (“Enigma” - variações (Enigma (lat.) - enigma.), 1899), que se tornou o auge do romantismo musical inglês. O oratório “O Sonho de Gerôncio” resume não apenas o longo desenvolvimento dos gêneros cantata-oratório na obra do próprio Elgar (4 oratórios, 4 cantatas, 2 odes), mas em muitos aspectos tudo o que precedeu o caminho dos ingleses música coral. Outra característica importante também se refletiu no oratório renascimento nacional- interesse pelo folclore. Não é por acaso que, depois de ouvir “O Sonho de Gerontius”, R. Strauss propôs um brinde “à prosperidade e ao sucesso do primeiro progressista inglês Edward Elgar, o mestre da jovem escola progressista de compositores ingleses”. Ao contrário do oratório Enigma, as variações lançaram a primeira pedra na base da sinfonia nacional, que antes de Elgar era a área mais vulnerável da cultura musical inglesa. “Variações do enigma indicam que na pessoa de Elgar o país encontrou compositor orquestral primeira magnitude”, escreveu um dos pesquisadores ingleses. O “mistério” das variações é que nelas os nomes dos amigos do compositor estão criptografados, escondidos da vista e música tema ciclo. (Tudo isso lembra as “Esfinges” do “Carnaval” de R. Schumann.) Elgar também escreveu a primeira sinfonia inglesa (1908).

A obra de Elgar é um dos fenômenos marcantes do romantismo musical. Sintetizando influências nacionais e da Europa Ocidental, principalmente austro-alemãs, apresenta características de tendências lírico-psicológicas e épicas. O compositor utiliza amplamente o sistema de leitmotifs, no qual se sente claramente a influência de R. Wagner e R. Strauss.

O estabelecimento de novas posições na música inglesa ocorreu num momento de viragem na vida espiritual da Grã-Bretanha. Foram anos de grandes provações e mudanças. Primeiro Guerra Mundial obrigou muitos artistas deste país, que se considerava um reduto de inviolabilidade na Europa, a reagir com sensibilidade às contradições da realidade envolvente numa escala sem precedentes. A música inglesa do pós-guerra é dominada por uma necessidade centrífuga de olhar o mundo com uma visão abrangente. A geração mais jovem entrou em contacto decisivo com as pesquisas inovadoras dos mestres europeus - Stravinsky, Schoenberg. Nas origens de "Facade" de William Walton (1902-1983) - ideias composicionais, extraído de Pierrot Lunaire de Schoenberg, mas a base do estilo da obra é o anti-romantismo proclamado por Stravinsky e pelos “Seis” franceses. Constant Lambert (1905-1951) surpreendeu seus compatriotas ao começar a trabalhar no gênero balé desde os primeiros passos de sua trajetória criativa, cujas tradições foram interrompidas na Inglaterra na segunda metade do século XVIII; na verdade, é bastante natural que o compositor se tenha sentido atraído por este género, que na Europa na década de 20 do século XX se tornou um símbolo da busca artística moderna. O balé Romeu e Julieta de Lambert (1925) foi uma espécie de resposta à Pulcinella de Stravinsky. Ao mesmo tempo, com a sua outra composição - Elegiac Blues para pequena orquestra (1927) - Lambert respondeu ao jazz que surpreendeu os europeus. Alan Bush (1900-1995) conectou suas atividades com a posição criativa de Eisler e o movimento trabalhista, ele não apenas aceitou a correspondente situação sócio-política e; ideias filosóficas, mas também desenvolveu sua própria técnica composicional, contando com a experiência da Nova Escola de Viena, refratada fecundamente por Eisler.

Na primeira metade da década de 30, foi finalmente determinada a mudança de gerações de compositores surgida na década anterior. A Inglaterra perdeu três em 1934 maiores mestres- Elgar, Dilius, Holst. Destes, apenas Holst trabalhou ativamente até os últimos dias. Elgar, após uma década de silêncio, só ganhou vida para a criatividade no início dos anos 30. Ao mesmo tempo, atingido por uma grave doença e cegueira, Dilius, que vivia em França, inspirava-se no sucesso inesperado da sua música na sua terra natal, em Londres, onde se realizou o festival do seu autor em 1929, e numa onda de força ele ditou seus últimos trabalhos.

No final da década de 30, a geração de jovens entrava no período maturidade criativa. O tempo da experimentação fica para trás, os interesses principais são determinados, a criatividade corre para o mainstream das tradições estabelecidas, surge o domínio e o rigor em relação às ideias. Assim, William Walton escreve um monumental oratório bíblico (“Belshazzar’s Feast”, 1931) e segue-o com grandes obras orquestrais (Primeira Sinfonia, 1934; Concerto para Violino, 1939). Michael Tippett (n. 1905) rejeita seus trabalhos anteriores; novas obras no gênero câmara (Primeira sonata para piano, 1937) e concerto obras orquestrais(Concerto para orquestra de cordas duplas, 1939; Fantasia sobre tema de Handel para piano e orquestra, 1941) ele declara o início de sua caminho criativo, cujo primeiro culminar foi o oratório “Criança do Nosso Tempo” (1941). Naqueles anos, Lambert (a máscara “A Última Vontade e Testamento do Verão” para solista, coro e orquestra, 1936), Berkeley (Primeira Sinfonia, 1940), Bush (Primeira Sinfonia, 1940) trabalhavam em composições de grande escala em aqueles anos.

Entre os muitos indivíduos artísticos brilhantes e originais com os quais é rica a escola inglesa de compositores do século XX, destaca-se Benjamin Britten. Foi ele quem estava destinado a encontrar na sua obra uma interação harmoniosa de tendências multidirecionais (e para a geração anterior de compositores ingleses, quase mutuamente exclusivas) - a personificação das ideias da modernidade e a concretização da originalidade da arte nacional.

conjunto de música britten vocal

O conceito de “compositor” apareceu pela primeira vez no século XVI na Itália e, desde então, tem sido usado para se referir a uma pessoa que escreve música.

Compositores do século XIX

No século 19, Viena Escola de música representado por um compositor notável como Franz Peter Schubert. Ele deu continuidade às tradições do Romantismo e influenciou toda uma geração de compositores. Schubert criou mais de 600 romances alemães, levando o gênero a um novo nível.

Francisco Pedro Schubert

Outro austríaco, Johann Strauss, tornou-se famoso pelas suas operetas e light formas musicais personagem de dança. Foi ele quem fez da valsa a dança mais popular de Viena, onde ainda acontecem bailes. Além disso, seu patrimônio inclui polcas, quadrilhas, balés e operetas.

Johann Strauss

Um representante proeminente do modernismo na música do final do século 19 foi o alemão Richard Wagner. Suas óperas não perderam relevância e popularidade até hoje.

Giuseppe Verdi

Pode-se contrastar Wagner com uma figura majestosa Compositor italiano Giuseppe Verdi, que permaneceu fiel tradições operísticas e deu um novo fôlego à ópera italiana.

Peter Ilitch Tchaikovsky

Entre os compositores russos do século XIX, destaca-se o nome de Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Ele é caracterizado por um estilo único, combinando as tradições sinfônicas europeias com a herança russa de Glinka.

Compositores do século 20

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilyevich Rachmaninov é considerado um dos compositores mais brilhantes do final do século XIX e início do século XX. Seu estilo musical baseava-se nas tradições do romantismo e existia paralelamente aos movimentos de vanguarda. Foi pela sua individualidade e falta de análogos que o seu trabalho foi muito apreciado pela crítica de todo o mundo.

Igor Fedorovich Stravinsky

O segundo compositor mais famoso do século 20 é Igor Fedorovich Stravinsky. Russo de origem, emigrou para França e depois para os EUA, onde mostrou o seu talento em força total. Stravinsky é um inovador que não tem medo de experimentar ritmos e estilos. Seu trabalho mostra a influência das tradições russas, elementos de vários movimentos de vanguarda e um estilo individual único, pelo qual é chamado de “Picasso na música”.

Os compositores ingleses, como muitos outros, nos deram algo maravilhoso - a música. Claro, muitos compositores além dos ingleses fizeram isso, mas agora falaremos dos ingleses. A música deles tem um certo charme e cada compositor tem sua abordagem especial para suas obras.

O início do desenvolvimento da música na Inglaterra

Até o século IV, a Inglaterra, do ponto de vista dos historiadores da arte, era considerada um dos países “menos musicais”. Com base neste fato, podemos dizer que as obras dos compositores ingleses de música clássica, e aliás de quaisquer outros, não pareciam aos conhecedores da beleza algo vale a pena atenção e respeito. Mas mesmo apesar da opinião dos céticos e críticos de arte, a Inglaterra teve e tem grandes e compositores talentosos, cujos nomes são conhecidos por todos, e cujas melodias e obras são valorizadas não só no próprio país, mas também além das suas fronteiras.

A primeira fama dos compositores daquela época

Famosos compositores ingleses começaram a aparecer e a se tornar famosos em algum lugar do Séculos X-XV. Claro, a música apareceu lá muito antes, mas as obras não eram muito famosas e os nomes dos compositores não sobreviveram até hoje, assim como suas obras. Os compositores ingleses de música clássica apareceram pela primeira vez e tornaram-se famosos no século XI. As primeiras obras surgiram quase na mesma época das europeias. Compositores ingleses de música clássica transmitiram em suas obras histórias sobre campanhas celtas ou simplesmente militares. As obras descreviam a vida de pessoas comuns, ou não exatamente, que viviam ou tinham alguma ligação com as ilhas e tribos celtas.

Após a adoção do cristianismo, no final do século VI, os compositores ingleses de música clássica começaram a desenvolver ativamente as suas competências no campo da música, recorrendo a temas religiosos, e um pouco mais tarde, no início e meados do século VII, temas domésticos e estaduais. Assim, fica claro que a música inglesa era dedicada à religião e aos diversos serviços militares do país.

Popularidade dos compositores clássicos ingleses em nosso tempo

Como você pode ver, os compositores musicais não eram muito populares nos séculos V e VII, mas quão populares são os compositores semelhantes agora? É claro que em nossa época não prestamos a devida atenção a esse tipo de música e muitas vezes as últimas novidades musicais acontecem no lugar das obras de grandes compositores. Mas a música de famosos compositores ingleses pode ser ouvida em nosso tempo - em casas de ópera ou simplesmente por encontrar um fenômeno musical maravilhoso na Internet. Hoje você conhecerá vários dos mais famosos compositores, cujas obras são conhecidas em muitos países e em vários continentes. A música dos compositores ingleses, é claro, é difundida na própria Inglaterra e no exterior, mas não tem tal grande quantidade admiradores, como então.

Quem é Edward Benjamin Britten?

Benjamin Britten é um compositor britânico de música clássica inglesa nascido no século XX. Benjamin nasceu em 1913 em Lowestoft. Benjamin não é apenas um compositor, mas também um excelente músico, nomeadamente maestro e pianista profissional. Ele também tentou muitos estilos musicais Como compositor, seu repertório incluía peças vocais e para piano, além de apresentações de ópera. Aliás, foi o terceiro repertório que se tornou um dos mais básicos. Como qualquer outro compositor famoso, Edward Benjamin Britten tem muitas obras-primas diferentes por trás dele. música de ópera e peças.

As peças de Benjamin Britten e sua popularidade

A maioria peça famosa, que é encenada nos cinemas de nossa época, é “A Arca de Noé”. A julgar pelo título, e também pelo enredo da peça, é fácil compreender que o próprio título confirma o facto de muitas obras escritas antes do século XX e no seu início terem frequentemente temas religiosos. Falando de Benjamin, é impossível não mencionar a sua importância entre os compositores de meados do século XX. Foi o compositor mais famoso do século XX, pode-se até dizer que foi ele quem exaltou o significado e a beleza do inglês. obras-primas musicais"para os céus" Após a morte de Eduardo por muito tempo A Inglaterra “não viu” tais talentos.

Quem é Gustav Holst?

Gustav Holst é um dos mais famosos compositores ingleses dos séculos XIX e XX. Gustav nasceu em 1830 e até hoje mantém sua popularidade, e suas criações ainda são famosas entre os amantes da beleza. As sinfonias e melodias de Gustav Holst já não são raras, são muito fáceis de obter nos nossos tempos: existem muitas obras em formato electrónico na Internet, e comprar um disco com uma colecção de obras do grande mestre é tão fácil como descascar peras.

Peças e obras de Gustav Holst, seu papel nas instituições culturais

Você diz: “Ele era ótimo e talentoso, mas ele é popular e suas criações são populares agora?” É impossível dar uma resposta definitiva à sua pergunta, porque, como qualquer músico, e principalmente o famoso compositor inglês da época, ele não permaneceu um favorito do público, e as pessoas preferiram novidades musicais às suas obras. E por mais famoso e querido pelo público que Gustav fosse, em nossa época poucas pessoas se lembram de seu nome. Mas ele não pode deixar de ser incluído em nossa lista, porque outrora seu exemplo foi o ideal para aspirantes a compositores ingleses que sonhavam com fama e fama mundial.

Concluindo, gostaria de dizer que embora os compositores clássicos ingleses e suas músicas não sejam populares agora e quase ninguém prefira um gênero tão magnífico como clássicos, gêneros, obras e seus autores ainda têm admiradores, cujo número é incrivelmente agradável para iniciantes e não só compositores clássicos. E lembre-se: os clássicos são eternos e imutáveis, porque como permaneceram durante muitos séculos, ainda o são.

Os maiores compositores do mundo de todos os tempos: listas em ordem cronológica e alfabética, livros de referência e obras

100 grandes compositores do mundo

Lista de compositores em ordem cronológica

1. Josquin Despres (1450 –1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 –1594)
3. Cláudio Monteverdi (1567 –1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683 –1764)
10. George Handel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Johann Sebastian Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. José Haydn (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750 –1825)
16. Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791-1864)
22.Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franz Schubert (1797-1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Héctor Berlioz (1803 –1869)
28. Mikhail Ivanovich Glinka (1804 –1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 –1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 –1869)
33. Franz Liszt (1811 –1886)
34. Richard Wagner (1813 –1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 –1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819-1880)
39. Alexander Nikolaevich Serov (1820-1871)
40. César Frank (1822 –1890)
41. Bedřich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigorievich Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. ​​​​Alexander Porfirievich Borodin (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 –1921)
48. Leo Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modesto Petrovich Mussorgsky (1839 –1881)
52. Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leos Janácek (1854 –1928)
59. Anatoly Konstantinovich Lyadov (1855 –1914)
60. Sergei Ivanovich Taneyev (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858 –1924)
63. Hugo Lobo (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860 –1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864 –1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 –1956)
68. Alexander Konstantinovich Glazunov (1865 –1936)
69. Jean Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Alexander Nikolaevich Scriabin (1872 –1915)
72. Sergei Vasilievich Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schoenberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Nikolai Karlovich Medtner (1880 –1951)
76. Bela Bartok (1881 –1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 –1950)
78. Igor Fedorovich Stravinsky (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Sergei Sergeevich Prokofiev (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892 –1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895 –1982)
86. Paul Hindemith (1895 –1963)
87.George Gershwin (1898 –1937)
88. Isaac Osipovich Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilyich Khachaturian (1903 –1978)
90. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (nascido em 1913)
92. Benjamim Britten (1913 –1976)
93. Georgy Vasilievich Sviridov (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (nascido em 1932)
96. Krzysztof Penderecki (nascido em 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Bob Dylan (n. 1941)
99. John Lennon (1940–1980) e Paul McCartney (n. 1942)
100. Picada (nascido em 1951)

OBRAS-PRIMAS DA MÚSICA CLÁSSICA

Os compositores mais famosos do mundo

Lista de compositores em ordem alfabética