Artistas românticos e suas pinturas. Romantismo na pintura russa do século XIX

Detalhes Categoria: Variedade de estilos e movimentos na arte e suas características Publicado 02/08/2015 17:33 Visualizações: 4575

O Romantismo, tendo substituído o Iluminismo e passando pelo sentimentalismo, estabeleceu-se em Cultura europeia final do XVIII-primeiro metade do século XIX séculos

Isso é ideológico direção artística era o oposto do classicismo e do Iluminismo. E o prenúncio do romantismo foi o sentimentalismo. O berço do romantismo é a Alemanha.

Filosofia do Romantismo

O Romantismo afirmou o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. Mas, você pode objetar, isso é também o que o sentimentalismo afirmava. Então, qual é a diferença entre eles?
Sim, o protesto contra a falta de espiritualidade e o egoísmo já se reflete no sentimentalismo. O Romantismo expressa esta rejeição de forma mais aguda. O romantismo em geral é um fenômeno mais complexo e contraditório que o sentimentalismo. Se no sentimentalismo o ideal é a alma homem comum, que os sentimentalistas vêem não apenas como igual à alma de um aristocrata, mas às vezes ainda mais elevada e nobre, então o romantismo está interessado não apenas na virtude, mas também no mal, que até tenta enobrecer; ele também está interessado na dialética do bem e do mal no homem (lembre-se do personagem principal do romance de M.Yu. Lermontov, “Um Herói do Nosso Tempo”).

M. Vrubel. Ilustração para o romance “Um Herói do Nosso Tempo” de Lermontov. Duelo entre Pechorin e Grushnitsky

Os poetas românticos começaram a usar imagens de anjos, especialmente os caídos, em suas obras. Por exemplo, interesse pela imagem de um demônio: vários poemas e o poema “Demônio” de Lermontov; um ciclo de pinturas dedicadas ao demônio de M. Vrubel.

M. Vrubel “O Demônio Sentado”
Os românticos procuraram desvendar o mistério da existência humana, voltando-se para a natureza, confiando nos seus sentimentos religiosos e poéticos. Mas, ao mesmo tempo, o romantismo tenta até repensar a religião.
O herói romântico é uma personalidade complexa e apaixonada, com um mundo interior profundo, mas contraditório - este é um universo inteiro. M.Yu. Lermontov disse isso em seu romance: “A história da alma humana, mesmo da menor alma, é quase mais curiosa e não mais útil que a história um povo inteiro." Características O romantismo estava interessado em sentimentos fortes e vívidos, em paixões que tudo consumiam e nos movimentos secretos da alma.
Outra característica do romantismo é o interesse pelo folclore, mitos e contos de fadas. No romantismo russo, os gêneros especialmente populares são as baladas, drama romântico. Graças às traduções de Zhukovsky, os leitores russos conheceram as baladas, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott e depois disso muitos poetas recorreram ao gênero balada: A.S. Pushkin (“Canção de Oleg Profético", "Afogado"), M.Yu. Lermontov (“Dirigível”, “Sereia”), A.K. Tolstoi e outros E outro gênero de literatura se estabeleceu na Rússia, graças a V. Zhukovsky - a elegia.
Os românticos estavam interessados em vários eras históricas, sua originalidade, bem como países e circunstâncias exóticas e misteriosas. Criando um gênero novela histórica- também um mérito do romantismo. O fundador do romance histórico é W. Scott, mas este gênero é desenvolvido nas obras de F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo e outros.
E outra característica do romantismo (de forma alguma a única) é a criação de um mundo próprio e especial, mais belo e real que a realidade. O herói romântico vive neste mundo, defendendo apaixonadamente sua liberdade e acreditando que não obedece às regras mundo exterior, mas apenas de acordo com suas próprias regras.
Durante a era do romantismo, a literatura floresceu. Mas, ao contrário da literatura do sentimentalismo, esta literatura não se isolou dos problemas sociais e políticos.

Eu.K. Aivazovsky, I.E. Repin “Adeus ao Mar de Pushkin” (1877)
Um lugar significativo na obra dos românticos (em todos os tipos de arte) é ocupado pela paisagem - antes de mais nada, o mar, as montanhas, o céu, elementos tempestuosos com os quais o herói mantém relações complexas. A natureza pode ser semelhante a uma natureza apaixonada herói romântico, mas também pode resistir-lhe, revela-se uma força hostil com a qual é forçado a lutar.

I. Aivazovsky “A Nona Onda” (1850). Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
EM países diferentes Ah, o destino do romantismo teve características próprias.

Romantismo na pintura

T. Géricault

Muitos artistas de diferentes países europeus pintaram no estilo do romantismo. Mas por muito tempo O romantismo estava em luta com o classicismo. E somente após o aparecimento da pintura “A Jangada da Medusa” de Theodore Gericault, considerada inovadora, os adeptos do estilo acadêmico reconheceram o romantismo como uma nova direção artística na arte, embora a pintura tenha sido inicialmente recebida com desaprovação. Mas foi essa foto que marcou o início Romantismo francês. Na França, as tradições do classicismo eram fortes e a nova direção teve que superar a oposição.

T. Gericault “A Jangada da Medusa” (1819). Lona, óleo. Louvre (Paris) 491 x 716 cm.
O enredo do filme é a história da fragata "Medusa", que, por incompetência do capitão, caiu na costa do Senegal em 1816. 140 passageiros e tripulantes tentaram escapar pousando na jangada. Somente no 12º dia foram recolhidos pelo brigue Argus, mas apenas 15 pessoas sobreviveram. Em 1817, dois deles, o engenheiro Correard e o cirurgião Henri Savigny, escreveriam um livro sobre esta tragédia.
Theodore Gericault, como muitos outros, ficou chocado com o que aconteceu com a Medusa. Ele conversa com testemunhas oculares do evento, faz esboços dos executados e moribundos e escreve centenas de esboços do mar revolto. E embora a pintura se diferencie pela cor monocromática, sua principal vantagem é o profundo psicologismo da situação retratada na tela.
Outro líder direção romântica V Pintura europeia foi um pintor e artista gráfico francês Eugene Delacroix.

Eugène Delacroix "Autorretrato" (1837)
A sua pintura “A Liberdade Guiando o Povo” (1830) foi criada com base na Revolução de Julho de 1830, que pôs fim ao regime da Restauração da monarquia Bourbon.
A mulher retratada no centro da imagem simboliza a liberdade. Na cabeça ela usa um boné frígio (símbolo de liberdade ou revolução), em mão direita bandeira da França Republicana, à esquerda - uma arma. O peito nu simboliza a dedicação dos franceses da época, que com “ peito nu“Estávamos indo em direção ao inimigo. Em torno da Liberdade está um trabalhador, um burguês, um adolescente, que simboliza a unidade do povo francês durante a Revolução de Julho. Alguns historiadores e críticos de arte sugerem que na forma de um homem de cartola à esquerda de personagem principal o artista se retratou.

O. Kiprensky “Auto-retrato” (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - famoso artista russo, artista gráfico e pintor, mestre do retrato.

O. Kiprensky “Retrato de A.S. Pushkin" (1827). Lona, óleo. 63 x 54 cm Estado. Galeria Tretyakov(Moscou)
Este é talvez o mais retrato famoso Pushkin, encomendado ao artista pelo amigo de Pushkin, Delvig. Na tela, Pushkin é retratado até a cintura, com os braços cruzados sobre o peito. Uma manta escocesa xadrez está pendurada no ombro direito do poeta – é com esse detalhe que o artista denota a ligação de Pushkin com Byron, o ídolo da era romântica.

K. Bryullov “Auto-retrato” (1848)
A obra do artista russo K. Bryullov é classificada como acadêmica, mas algumas de suas pinturas são o auge do romantismo russo tardio, com seu senso de tragédia e conflito na vida, interesse por paixões fortes, temas e situações extraordinárias, e no destinos de enormes massas humanas.

K. Bryullov “O Último Dia de Pompéia” (1830-1833). Lona, óleo. 465,5 x 651 cm. Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
Bryullov combinou na imagem ação dramática, efeitos de iluminação românticos e plasticidade de figuras esculturais e classicamente perfeitas.
A pintura retrata a famosa erupção do Monte Vesúvio em 79 DC. e. e a destruição da cidade de Pompéia, perto de Nápoles. “O Último Dia de Pompéia” ilustra o romantismo da pintura russa, misturado com idealismo, aumento do interesse pelo plein air e gravitando em torno de temas históricos semelhantes. O profundo psicologismo característico do romantismo ajuda a ver uma personalidade em cada personagem: respeitável e altruísta (um grupo de pessoas no canto inferior direito da imagem carregando um homem idoso), ganancioso (uma figura vestida de branco carregando bens de alguém roubados às escondidas). ), amoroso (o jovem do lado direito pintando, tentando salvar sua amada), devoto (mãe abraçando as filhas no canto inferior esquerdo da pintura), etc.
A imagem do artista no canto esquerdo da pintura é um autorretrato do autor.
E aqui está o irmão do artista, Bryullov Alexander Pavlovich, foi um representante do romantismo na arquitetura (embora também fosse artista).

A. Bryullov “Auto-retrato” (1830)
Ele criou projetos para edifícios em São Petersburgo e arredores.

Prédio Teatro Mikhailovsky também construído de acordo com o projeto de A. Bryullov.

Igreja Ortodoxa dos Santos Apóstolos Pedro e Paulo na aldeia de Pargolovo (hoje território de São Petersburgo)

Romantismo na música

M. Wodzinskaya “Retrato de F. Chopin” (1835)

Tendo se desenvolvido na década de 1820, o romantismo na música capturou todo o século XIX. e é representado por uma galáxia inteira os compositores mais talentosos, dos quais é até difícil destacar um ou mais, para não ofender os outros. Portanto, tentaremos citar o maior número possível de nomes. Os representantes mais proeminentes do romantismo na música são Franz Schubert, Franz Liszt e românticos tardios Anton Bruckner e Gustav Mahler (Áustria-Hungria); Ludwig van Beethoven (parcialmente) Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Alemanha); Frederic Chopin (Polônia); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, antigo Giuseppe Verdi (Itália); A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, PI Tchaikovsky (Rússia).

J. Kriehuber “Retrato de R. Schumann” (1849)
Compositores românticos tentaram usar meios musicais expressar a profundidade e a riqueza do mundo interior de uma pessoa. A música se torna mais proeminente e individual. Gêneros musicais estão sendo desenvolvidos, incluindo baladas.

O problema principal música românticaé o problema do indivíduo em seu conflito com o mundo exterior. O herói romântico está sempre solitário. O tema da solidão é o mais popular em toda a arte romântica. Muitas vezes associado a isso está o pensamento de personalidade criativa: uma pessoa fica solitária quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os heróis preferidos das obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, “Sinfonia Fantástica” de Berlioz com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”, poema sinfônico Liszt Tasso).

PI Chaikovsky
Música romântica, como outros tipos arte romântica, tem um profundo interesse em personalidade humana, a predominância do tom pessoal na música. Muitas vezes obras musicais estavam com um toque de autobiografia, que trouxe uma sinceridade especial à música. Por exemplo, muitos obras de piano As obras de Schumann estão ligadas à história de seu amor por Clara Wieck. Personagem autobiográfico Wagner enfatizou suas óperas. A música de Chopin, que expressou sua saudade de sua terra natal (Polônia) em suas mazurcas, polonaises e baladas, também pode ser chamada de autobiográfica. P.I., que amava profundamente a Rússia e a natureza russa. Tchaikovsky pinta quadros da natureza em muitas de suas obras, e o ciclo de peças para piano “As Estações” é inteiramente dedicado a ela.

Romantismo na literatura

Irmãos Grimm: Wilhelm e Jacob

O romantismo surgiu pela primeira vez na Alemanha, entre os escritores e filósofos da escola de Jena. Trata-se de um grupo de figuras do movimento romântico que se reuniram em 1796 na cidade universitária de Jena (irmãos August Wilhelm e Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Começam a publicar a revista Athenaeum, onde formulam suas próprias programa estético romantismo. Avançar Romantismo alemão distingue-se pelo seu interesse por contos de fadas e motivos mitológicos (as obras dos irmãos Wilhelm e Jacob Grimm, Hoffmann).

R. Westall "Retrato de Byron"
Um representante proeminente do romantismo inglês é D.G. Byron, que, nas palavras de A.S. Pushkin estava “revestido de um romantismo monótono e de um egoísmo desesperado”. A sua obra está imbuída do pathos da luta e do protesto contra mundo moderno, elogiando a liberdade e o individualismo.
O romantismo inglês inclui as obras de Shelley, John Keats e William Blake.

Próspero Merimee
O romantismo se difundiu em outros países europeus. Na França, seus representantes são Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. Na Itália - N.U. Foscolo, A. Manzoni. Na Polónia - Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki e outros, nos EUA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow e outros.

Adam Mickiewicz

Romantismo na literatura russa

K. Bryullov “Retrato de V. Zhukovsky”

Os poetas românticos incluem K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. A poesia inicial de A. S. Pushkin enquadra-se no quadro do romantismo. A poesia de M. Yu Lermontov, chamado de “Byron russo”, é considerada o auge do romantismo russo.

P. Zabolotsky. “Retrato de M.Yu. Lermontov na mentique do Regimento de Hussardos da Guarda Vida" (1837)
Personalidade e alma são as principais realidades da existência de Lermontov, o estudo da personalidade e da alma humana é o tema principal de suas obras. Explorando as origens do bem e do mal, Lermontov chega à conclusão de que tanto o bem quanto o mal existem não fora da pessoa, mas dentro dela. Portanto, é impossível esperar que uma pessoa mude para melhor como resultado da mudança do mundo. Daí a quase completa ausência do poeta de apelos à luta por Justiça social. A principal atenção de Lermontov está voltada para a alma humana e seu caminho espiritual.
As letras filosóficas de F. I. Tyutchev completam o romantismo na Rússia.

F. I. Tyutchev (1860-1861). Foto de S. Levitsky
F.I. Tyutchev não se considerava um poeta (atuou como diplomata), mas toda a sua poesia é autobiográfica e repleta de reflexões filosóficas sobre o mundo e o homem nele, sobre as contradições que atormentam a alma humana, sobre o sentido da vida e da morte. .

Fique em silêncio, esconda-se e esconda-se
E seus sentimentos e sonhos -
Deixe estar nas profundezas da sua alma
Eles se levantam e entram
Silenciosamente, como estrelas na noite, -
Admire-os - e fique em silêncio.

Como o coração pode se expressar?
Como alguém pode entender você?
Ele entenderá para que você vive?
Um pensamento falado é uma mentira.
Explodindo, você perturbará as chaves, -
Alimente-se deles - e fique em silêncio.

Apenas saiba como viver dentro de você -
Existe um mundo inteiro em sua alma
Pensamentos misteriosamente mágicos;
Eles ficarão ensurdecidos com o barulho externo,
Os raios da luz do dia se dispersarão, -
Ouça o canto deles - e fique em silêncio!..
_______________
*Silêncio! (lat.)

Já dissemos mais de uma vez que nem sempre um artista, poeta ou compositor trabalha em um determinado estilo artístico. Além disso, o estilo artístico nem sempre se enquadra em uma determinada época. Assim, as características de qualquer estilo artístico pode ser encontrado a qualquer momento. Às vezes é a moda (por exemplo, recentemente o estilo Império tornou-se subitamente popular novamente), às vezes é a necessidade do artista apenas desta forma de auto-expressão.

CARACTERÍSTICAS GERAIS DA ERA DO ROMANTISMO.

Romantismo - (francês)romantismo), direção ideológica e artística na cultura espiritual europeia e americana do final do século XVIII e primeira metade do século XIX. Francês romantismotraça sua ascendência ao espanholromance(assim eram chamados os romances espanhóis na Idade Média, e depois romance), via inglêsromântico(romântico), traduzido em francêsromânico, e entãoromântico e significado no século XVIII. estranho, fantástico, pitoresco. No início do século XIX. a palavra romantismo passa a ser um termo para designar um novo movimento literário, oposto ao classicismo.

O romantismo no sentido tradicional e especificamente histórico da palavra foi o ponto mais alto do movimento anti-Iluminismo que varreu todos os países europeus. A sua principal premissa sócio-ideológica é a decepção com a civilização burguesa, com o progresso social, industrial, político e científico, que trouxe novos contrastes e antagonismos, bem como a devastação espiritual do indivíduo.

Herdando as tradições artísticas da Idade Média, do Barroco Espanhol e do Renascimento Inglês, os românticos revelaram a extraordinária complexidade e profundidade da natureza interior do homem. Para eles, uma pessoa é um pequeno universo, um microcosmo. Intenso interesse pelos sentimentos fortes e vívidos, pelas paixões que tudo consomem, pelos movimentos secretos da alma, pelo seu novo lado, pelo desejo do indivíduo, do inconsciente - as características essenciais da arte romântica.

Consideremos como as tendências românticas se manifestaram em vários campos da arte.

MÚSICA.

Na música, o romantismo como movimento surgiu na década de 1820. O período final do seu desenvolvimento, denominado neo-romantismo, abrange as últimas décadas do século XIX. O romantismo musical apareceu pela primeira vez na Áustria (F. Schubert), Alemanha (C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) e Itália (N. Paganini, V. Bellini, antigo G. Verdi); um pouco mais tarde na França (G. Berlioz, D. Aubert), Polônia (F. Chopin), Hungria (F. Liszt). Em cada país que ele encontrou uniforme nacional; às vezes, em um país, diferentes movimentos românticos tomaram forma (a escola de Leipzig e Escola de Weimar Na Alemanha). Se a estética do classicismo se centrava nas artes plásticas com a sua inerente estabilidade e completude da imagem artística, então para os românticos a música tornou-se a expressão da essência da arte como a personificação da dinâmica infinita das experiências internas.

O romantismo musical adotou tendências gerais importantes do romantismo como o anti-racionalismo, a primazia do espiritual e seu universalismo, foco em mundo interior homem, a infinidade de seus sentimentos e humores. Daí o papel especial do princípio lírico, da espontaneidade emocional, da liberdade de expressão. Como escritores românticos, então os românticos musicais são caracterizados pelo interesse pelo passado, por países exóticos distantes, amor pela natureza, admiração por Arte folclórica. Numerosos contos populares, lendas e crenças foram traduzidos em suas obras. Eles consideravam a canção folclórica a base da arte musical profissional. O folclore para eles era um meio genuíno cor nacional, fora do qual não pensavam na arte.

A música romântica difere significativamente da música da escola clássica vienense que a precedeu. É menos generalizado em conteúdo e reflete a realidade não de forma objetivo-contemplativa, mas através das experiências pessoais de uma pessoa (o artista) em toda a sua riqueza de matizes. Tende a gravitar em torno da esfera do característico e ao mesmo tempo do retrato-individual, fixando-se em duas variedades principais: psicológica e gênero-cotidiano. A ironia, o humor e até o grotesco são representados de forma muito mais ampla. Ao mesmo tempo, aumenta o interesse pelos temas nacional-patrióticos e de libertação heróica (Chopin, Liszt, Berlioz). A visualização musical e a gravação sonora adquirem grande importância. Os meios expressivos estão sendo significativamente atualizados. A melodia torna-se mais individualizada e proeminente, mutável internamente, respondendo às mudanças mais sutis nos estados mentais; a harmonia e a instrumentação tornam-se mais ricas, mais brilhantes e mais coloridas. Em contraste com as estruturas equilibradas e logicamente ordenadas dos clássicos, aumenta o papel das comparações e combinações livres de diferentes episódios característicos.

O foco de muitos compositores foi o gênero de ópera mais sintético, baseado entre os românticos principalmente em enredos de contos de fadas fantásticos, mágicos, de aventura e exóticos. Primeiro ópera romântica foi a Ondina de Hoffmann.

Na música instrumental, sinfonias e sonatas continuam sendo os gêneros definidores. No entanto, eles também foram transformados por dentro. Em composições instrumentais de diversas formas, as tendências para a pintura musical são refletidas mais claramente. Surgem novas variedades de gênero, por exemplo, o poema sinfônico, que combina as características da sonata allegro e do ciclo sonata-sinfônico. O seu surgimento se deve ao fato de a programação musical aparecer no romantismo como uma das formas de síntese das artes, enriquecida na música instrumental pela unidade com a literatura. A balada instrumental também foi um novo gênero. A tendência dos românticos de perceber a vida como uma série heterogênea de estados individuais, pinturas, cenas levou ao desenvolvimento de vários tipos de miniaturas e ciclos (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms)

Nas artes musicais e performáticas, o romantismo se manifestou na intensidade emocional da performance, na riqueza de cores, nos contrastes brilhantes e no virtuosismo (Paganini, Chopin, Liszt). Na performance musical, como na obra de compositores menores, características românticas são frequentemente combinadas com eficiência externa e salonidade. A música romântica continua a ser um valor artístico duradouro e um legado vivo e eficaz para as épocas subsequentes.

TEATRO.

Na arte teatral, o romantismo se formou nas décadas de 1810-1840. A base da estética teatral era a imaginação e os sentimentos. Rebelando-se contra o princípio clássico de enobrecer a natureza, os atores concentraram-se em retratar os contrastes e contradições da vida humana. O pathos público, a paixão pela denúncia e a lealdade ao ideal determinaram a intensa emotividade, a expressão brilhante + dramática da arte dos atores e o gesto impetuoso. Contudo, a visão de mundo romântica também carregava consigo o perigo do subjetivismo criativo (ênfase no excepcional, no caprichoso); a emotividade às vezes era substituída por efeitos retóricos e melodrama. O teatro romântico foi o primeiro a estabelecer a experiência cênica, a espontaneidade, a veracidade e a sinceridade da atuação como o conteúdo principal da atuação. O romantismo também enriqueceu os meios expressivos do teatro (recriação da cor local, autenticidade histórica dos cenários e figurinos, veracidade do gênero nas cenas de multidão e detalhes da produção). Suas realizações artísticas prepararam e determinaram em grande parte os princípios básicos do teatro realista.

ARTE.

EM belas-Artes O romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e na gráfica, e menos claramente na escultura. Na arquitetura, o romantismo foi pouco refletido, influenciando principalmente a arte paisagística e a arquitetura de pequenas formas, onde afetou a paixão pelos motivos exóticos, bem como a direção do falso gótico. No final do século XVIII - início do século XIX. as características do romantismo já são inerentes em vários graus: na Inglaterra - nas pinturas e obras gráficas de Fusli, em que um grotesco sombrio e sofisticado muitas vezes rompe a clareza classicista das imagens; na pintura, nos gráficos e na poesia de W. Blake - o romantismo está imbuído de visionário místico; na Espanha - criatividade posterior A obra de Goya está repleta de fantasia desenfreada e pathos trágico, um protesto apaixonado contra a opressão e a violência feudal.

Rejeitando tudo o que é comum e inerte no presente, voltando-se apenas para os momentos culminantes e dramaticamente agudos da história moderna, os românticos encontraram temas e tramas no passado histórico, nas lendas, no folclore, na vida exótica do Oriente, nas obras de Dante , Shakespeare, Byron, Goethe - os criadores de imagens monumentais e personagens fortes.

O Romantismo coloca o homem no centro do universo. O homem, na visão dos românticos, é a coroa do processo de ascensão global. Num retrato, o principal para os românticos era revelar a individualidade brilhante de uma pessoa, a intensa vida espiritual e o movimento de seus sentimentos fugazes. Um eco das paixões humanas torna-se paisagem romântica, que enfatiza o poder dos elementos naturais. Os românticos procuraram transmitir às suas imagens paixão rebelde e exaltação heróica, recriar a natureza em todas as suas manifestações inesperadas e únicas, numa forma artística tensa, expressiva e excitada.

Ao contrário do classicismo, os românticos conferiram maior dinâmica à composição, combinando formas com movimentos violentos e recorrendo a nítidos efeitos volumétrico-espaciais; eles usaram cores vivas e ricas baseadas em contrastes de luz e sombra, tons quentes e frios, um estilo de escrita brilhante e leve, muitas vezes generalizado.

Assim, com toda a complexidade do conteúdo ideológico do romantismo, a sua estética como um todo se opôs à estética do classicismo dos séculos XVII e XVIII. Os românticos quebraram os cânones seculares do classicismo com seu espírito de disciplina e grandeza congelada. Na luta pela libertação da arte da regulamentação mesquinha, os românticos defenderam a liberdade ilimitada da imaginação criativa do artista. Rejeitando as regras restritivas do classicismo, insistiram na mistura de géneros, justificando a sua exigência pelo facto de corresponder à verdadeira vida da natureza, onde se misturam o belo e o feio, o trágico e o cómico. Glorificando os movimentos naturais do coração humano, os românticos, em contraste com as exigências racionalistas do classicismo, propuseram um culto ao sentimento, os personagens logicamente generalizados do classicismo foram combatidos por sua extrema individualização;

PRINCÍPIOS GERAIS DE ENcenação DE UMA ÓPERA NA ERA DO ROMANTISMO.

Na ópera do século XIX. Dois fenômenos característicos são observados:

- a tendência de “reconstrução histórica” no campo da cenografia;

- a ascensão do “bel canto”;

Também na década de 20. século 19 começa a luta para estabelecer um drama romântico. Há uma mudança de estilo nas artes decorativas. Os românticos atribuíam grande importância à cor do lugar e da época. O palco deveria reproduzir o cenário da época retratada na peça. A localização da ação não é mais generalizada. Ora, este não é um palácio e a praça à sua frente, mas um palácio romano, francês, espanhol com sinais exatos do estilo nacional.

A paisagem no teatro romântico procura apresentar a natureza sem enfeites artificiais em toda a sua grandeza imaculada.

Os românticos introduziram imagens de cavernas, masmorras e masmorras misteriosas em suas peças. O cenário muitas vezes retrata uma tempestade no mar, uma tempestade, uma erupção vulcânica e outros fenômenos naturais.

Nas condições de uma sociedade burguesa desenvolvida, está ocorrendo alguma democratização do teatro. Surgem casas de ópera públicas auditório o que reflete a estratificação de classe do público. Um enorme salão com 5 a 6 níveis tem assentos para públicos de diferentes categorias e posições na sociedade.

As mudanças mais importantes ao longo do século ocorreram na iluminação do auditório e do palco. Já no final do século XVIII. Em vez das velas que anteriormente iluminavam o espaço do teatro, surgiram candeeiros a gás, que permaneceram durante grande parte do século XIX. até que foram substituídos tipos diferentes iluminação elétrica. O primeiro holofote de arco apareceu em meados do século XIX. Desde a invenção do dínamo no último quartel do século, o número e a força dessas fontes de luz aumentaram, permitindo a criação de vários efeitos de iluminação (raios brilhantes de luz solar irrompendo em uma sala escura, Luar, nuvens se movendo no céu noturno, etc.)

No final do século, os teatros passaram a ser iluminados com lâmpadas elétricas, mantendo também os holofotes.

Já na primeira metade do século, foram criados espetáculos no teatro que reproduziam de forma plausível os movimentos de tripulações, cavaleiros e embarcações marítimas. As pantomimas aquáticas eram de grande interesse, quando enormes piscinas de água eram montadas no palco, nas quais se desenrolava uma espécie de aventura marítima. Nesse sentido, os teatros, utilizando efeitos teatrais antigos, criaram muitos novos.

No teatro clássico da antiguidade, o cenário de ação era o mesmo durante toda a peça. Durante o Renascimento na Itália, o mesmo princípio foi preservado. No século XVII Na teoria do drama na França, estavam firmemente estabelecidas as regras da unidade de lugar, segundo as quais toda a ação da peça acontecia no mesmo cenário. Esta regra não foi levada em consideração no teatro de praça pública, bem como no teatro folclórico humanístico do Renascimento na Espanha e na Inglaterra. Mas mesmo aí a regra da unidade de lugar triunfou. Às vezes eram permitidos desvios desta regra na ópera, o que tornava possível efetuar uma mudança espetacular de cenário com a ajuda de telariums (prismas giratórios). Foi assim até as primeiras décadas do século XIX. Os românticos rejeitaram a unidade de lugar no drama. As mudanças de cenário a partir de então começaram a ocorrer diversas vezes ao longo da apresentação. As mudanças ocorreram durante os intervalos. Mas para reduzir as pausas entre as ações, era necessária uma técnica mais avançada do que a que existia. Muitos dos meios anteriores desenvolvidos ao longo de séculos de desenvolvimento do teatro foram complementados por uma série de dispositivos importantes. O primeiro em importância é um dispositivo para alterar o quadro de cena. Por meio de máquinas hidráulicas e elétricas, o piso do palco era parcial ou totalmente elevado e colocado em ângulo, permitindo a criação de diversas condições para as mais diversas ações cênicas. A segunda melhoria é a introdução de um novo círculo no palco. E por fim, a terceira melhoria foi a criação dos chamados bolsões - grandes locais nas laterais do palco, onde partes do cenário foram preparadas em placas móveis, rolaram rapidamente para frente e se moveram com a mesma rapidez para trás do palco.

Se nos voltarmos para a história das produções de ópera do século XIX, devemos prestar atenção à existência de roteiros de produção precisos escritos por diretores (esta posição aparece pela primeira vez nesta época). Primeiramente registraram entradas e saídas, diagramas de posições de palco, efeitos de iluminação, mas nada foi dito sobre o ator. Tudo o que diz respeito ao conceito de imagem do ator, aos gestos, à sonoridade, à expressividade dramática, a ausência desta informação explica-se não tanto pelo desamparo do realizador, mas pelo facto de o ator ter sido deixado à sua própria sorte. Coube ao diretor planejar exclusivamente o cenário, os adereços e a mise-en-scène, feitos de forma a liberar o centro do palco para os intérpretes dos papéis principais e para que na realização de duetos e conjuntos os cantores ficariam próximos uns dos outros, para que, finalmente, os coros fossem agrupados por vozes, e todos juntos nos encontrássemos o mais próximos possível do palco e do maestro.

Fora destas exceções, triunfa uma espécie de “realismo” operístico, ou seja, corrida convulsiva pelo palco ou, inversamente, imobilidade semelhante a uma estátua com uma perna avançando e a notória mão no coração.

Como a época estava repleta de talentos do balé, compositores e maestros buscavam todas as oportunidades para demonstrar a arte dos bailarinos em cada apresentação.

Assim, a apresentação da ópera foi um espetáculo vibrante, com um grande número de elementos arquitetônicos e paisagísticos que serviram de pano de fundo para a cantora em primeiro plano.

PRODUÇÃO DA ÓPERA DE WAGNER “O ANEL DO NIBELUNG”.

Wagner, que superou sua época e estava muito à frente dela como criador e teórico do drama musical, está inextricavelmente ligado a ela como diretor de suas próprias obras.

“O Anel do Nibelungo” apresenta inúmeros problemas ao diretor em relação ao maquinário e ao cenário.

O fundo do Reno e o fluxo incessante das águas, donzelas nadadoras e Alberich transformando-se em cobra; Wotan, caindo no subsolo e desaparecendo na névoa de Mime; o fogo queimado pela pedra após o golpe da lança de Wotan e o arco-íris ao longo do qual os deuses entram em Valhalla; o aparecimento de Erda e, por fim, uma imagem grandiosa de Valquírias correndo pelas nuvens com guerreiros mortos amarrados às selas.

Para concretizar tudo isto, Wagner contenta-se com um palco de ópera tradicional com cenário pitoresco, cortinas, alçapões e primitivas “lanternas mágicas”.

Em seu trabalhos teóricos Wagner em nenhum lugar se rebela contra os meios artísticos do seu teatro contemporâneo, mas, pelo contrário, expressa a sua admiração por eles: “As ciências naturais modernas e a pintura de paisagem são as conquistas da nossa época, trazendo-nos, do ponto de vista científico e artístico, satisfação e salvação da loucura e da mediocridade... Obrigado pintura de paisagem a cena torna-se a personificação da verdade artística, e o desenho, a cor e o uso vivificante da luz forçam a natureza a servir as mais elevadas aspirações artísticas... O uso artístico de todos os meios ópticos à sua disposição (do paisagista) e a própria luz permite que ele crie uma ilusão completa.”

No entanto, na prática, todos os “usos vivificantes da luz” e “meios ópticos” não levaram a nada.

Nas produções de Bayreuth encontramos os mesmos padrões que abundavam na maioria das produções daquela época. Assim, o fundo do Reno na primeira parte da tetralogia lembra um aquário gigante; A floresta mística de Siegfried continua a ser uma floresta operística, com telas ondulantes e adereços sinistros, repleta de detalhes descritivos, um “mingau” naturalista de folhas, galhos e troncos. Na mesma categoria de efeitos está o levantamento de cenários representando rochas para mostrar a descida de Wotan nas cavernas de Nibelheim.

O apagamento dos contornos naturalistas do desenho, que enfatizam de forma demasiado intrusiva o estreito parentesco da vegetação proto-germânica com os relvados e “bairros” de óperas como “A Dama Branca”, é conseguido com a ajuda do vapor de água, que é utilizado não só para criar a ilusão de neblina e neblina, mas também para esconder dos olhos dos espectadores são manobras técnicas causadas pela necessidade de mudar o cenário com a cortina aberta.

No entanto, nenhum casal consegue esconder o sorriso que as instruções de Wagner sobre a dupla aparição de Erda evocam. Esta mais antiga das deusas, senhora da terra, mãe dos deuses, deveria sobressair da escotilha do teatro até a cintura.

Esta solução ingênua e cômica, pode-se dizer, grotesca para a situação do palco, contrastando claramente com o magnífico chamado de Wotan e os sons poderosos e vibrantes da orquestra, não atraiu a atenção e os ataques cáusticos dos críticos da época, que notaram o o primitivismo do efeito do uso da “lanterna mágica” na imagem da fuga das Valquírias e a agitação infantil de Sieckfried com um dragão falando em um megafone, revirando os olhos, batendo no chão com a cauda e batendo os dentes para a batida da música.

O papel da luz resume-se, antes de mais, a uma designação naturalista do dia e da noite, bem como às diversas alterações da atmosfera, embora Wagner também a utilize como símbolo, em alguns casos associando-a ao aparecimento de determinadas personagens. Erda aparece em um halo de luz azul; um feixe de raios vermelhos ilumina “Walkyrie” e “Siegfried” de Wotan. Um dos críticos fala com hostilidade sobre esse jogo de luz: “os raios elétricos, desiguais em brilho e força, “consomem” as cores do cenário, e os espectadores veem telas em vez de árvores”.

A desordem romântica e a falta de expressividade que caracteriza o cenário ficam igualmente claras nos figurinos, que lembram as “reconstruções históricas” de Lormier em Ópera de Paris desde a época de Robert, o Diabo. Os figurinistas gravitaram em torno de detalhes e detalhes descritivos, então talvez nem a armadura de Brünnhilde, que enfatiza sua cintura de uma forma nada mitológica, nem seu vestido (também em dobras da moda), nem a camisa listrada que, junto com a pele do animal , compõe o traje de Sigmund, nem a metade grega, metade sem túnica desenhada por Loge é capaz de mostrar o mundo dos deuses míticos descendo ao abismo de Nibelheim, caminhando sobre o arco-íris e empinando nas nuvens.

“No teatro só reina a arte teatral”, escreve Wagner, e portanto, em contraste com o espírito geral que reina no palco de ópera, o lado atuante da performance é objeto de sua preocupação especial.

Um cantor que não consegue desempenhar o seu papel como se fosse um papel num drama falado, com profunda compreensão da intenção do autor, não consegue dar-lhe a expressividade vocal exigida pelo compositor. Portanto, Wagner exige leituras especiais do libreto, dando oportunidade não só aos solistas, mas também ao coro, de penetrar no sentido artístico da obra e encontrar a expressividade adequada da interpretação, para que seja sempre ditada por a situação específica.

Wagner descreveu claramente o estilo vocal de seus dramas musicais em uma carta a Liszt: “Na minha ópera não há diferença entre as frases da chamada “declamação” e “canto”. Minha recitação é ao mesmo tempo canto, meu canto é recitação. Não tenho um final claro do “canto” e uma aparência clara do “recitativo”, o que geralmente significa duas estilos diferentes desempenho vocal. Na verdade, o recitativo italiano, quando o compositor quase não dá atenção ao ritmo da recitação, dando total liberdade ao cantor, você não encontrará nada no meu trabalho. Naqueles lugares onde texto poético depois de voos líricos excitados declinarem para manifestações mais simples de fala emocional, nunca renunciei ao direito de indicar o caráter da recitação com a mesma precisão que nas cenas vocais líricas. Portanto, quem toma essas passagens por recitativos comuns e, por isso, muda arbitrariamente o ritmo que indiquei, desfigura minha música na mesma medida como se inventasse outras notas e harmonias para minhas melodias líricas. Procurando nestas passagens reminiscentes de recitativos caracterizar com precisão o ritmo da recitação, que corresponde aos objetivos expressivos que prossigo, peço aos maestros e cantores que executem estas passagens, antes de mais, de acordo com a notação musical do original, o batida indicada na partitura e em andamento correspondente à natureza da fala..."

Wagner está preocupado com a questão da inteligibilidade das palavras. A orquestra oculta do teatro de Bayreuth não é apenas um “abismo místico”, mas também uma tentativa de suavizar o comentário orquestral, para que o texto falado pelo ator fique em primeiro plano.

Assim, Wagner faz duas exigências principais ao cantor:

- siga rigorosamente a notação musical

- apresentar o texto de forma que seja audível e compreensível.

O ator wagneriano também enfrentou outras tarefas. A principal delas é a necessidade de coordenar a atuação com a música. Wagner exige que a ação cênica corresponda precisamente aos motivos orquestrais que a acompanham.

Seguindo o desejo de sincronizar gestos e expressões faciais com a música, surge o desejo do compositor de torná-los nobres e contidos. “Onde a maneira operística universal nos acostumou a agitar os dois braços bem afastados, como se denotasse pedidos de ajuda, notamos que um braço ligeiramente levantado ou um movimento característico do ombro ou da cabeça é suficiente para expressar até o sentimento mais forte. ” ... encontrou expressão no executivo arte(violinista Paganini, cantor...

Romantismo (14)

Resumo >> Cultura e arte

Crenças populares, contos de fadas. Romantismo foi parcialmente associado à democracia... menos à pintura. Nas artes visuais arte Romantismo manifestado mais claramente na pintura... considerada como uma manifestação Romantismo. Artistas Romantismo: Turner, Delacroix, ...

Esta imagem é construída em tons, não em azul, nem em rosa - em tons de cinza. Tudo está coberto de escuridão – não, não é verdade. É uma noite clara porque o ar está limpo, não há ninguém, não há fumaça nem luzes da cidade. Noite - há vida, não há som. A civilização está em algum lugar lá fora, além do horizonte. Kuindzhi soube mostrar a amplitude dos espaços abertos terra Nativa, e as cores brilhantes da pequena cena.

Leonardo tem muitos desenhos dedicados ao desenvolvimento da trama da Madona com o Menino, principalmente o chamado Mamífero, ou seja, amamentação. Mas imagine-o como um artista sentimental, refletindo profunda e reverentemente sobre amor de mãe(como é frequentemente escrito em resenhas dedicadas ao Hermitage “Madonna Litta”), é completamente impossível. Por favor, deixe-me ir! Ternura, sentimentalismo, etc. mimimi- isso é algo que Leonardo definitivamente não tem, e nunca teve.

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Cinza, esfumaçado, lânguido, pastel, arejado... Roxo, azul claro, delicado, transparente... Cinza rosa. No romance best-seller insanamente talentoso de K. McCullough, “The Thorn Birds”, a cor do vestido da personagem principal, condenada à separação eterna de seu amante, era chamada de “cinzas de uma rosa”. No retrato de Maria Lopukhina, que morreu de tuberculose um ano após a sua conclusão, tudo está permeado pela sutil tristeza da juventude, sem futuro, desaparecendo como fumaça - tudo está permeado pela “cinza de uma rosa”.