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A música clássica mundial é impensável sem as obras de compositores russos. Rússia, grande país com pessoas talentosas e herança cultural, sempre esteve entre as principais locomotivas do progresso mundial e da arte, incluindo a música. A escola russa de compositores, cujas tradições foram continuadas pelas escolas soviéticas e russas de hoje, começou no século 19 com compositores que combinavam a arte musical européia com melodias folclóricas russas, ligando a forma européia e o espírito russo.

Muito pode ser dito sobre cada uma dessas pessoas famosas, todas elas não têm destinos simples e às vezes trágicos, mas nesta resenha tentamos dar apenas uma breve descrição da vida e obra dos compositores.

1.Mikhail Ivanovich GLINKA (1804—1857)

Mikhail Ivanovich Glinka é o fundador da empresa russa música clássica e o primeiro compositor clássico nacional que alcançou fama mundial. Suas obras, baseadas nas tradições centenárias da música folclórica russa, foram uma palavra nova na arte musical de nosso país.
Nascido na província de Smolensk, educado em São Petersburgo. A formação da visão de mundo e a ideia principal do trabalho de Mikhail Glinka foi facilitada pela comunicação direta com personalidades como A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. O ímpeto criativo de seu trabalho foi adicionado por uma longa viagem à Europa no início da década de 1830 e encontros com os principais compositores da época - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn e mais tarde com G. Berlioz, J. Meyerbeer. O sucesso veio para M.I. Glinka após a produção da ópera "Ivan Susanin" ("Vida para o czar") (1836), que foi recebida com entusiasmo por todos, pela primeira vez na música do mundo, na arte coral russa e na música sinfônica e operística europeia práticas foram organicamente combinadas, assim como apareceu um herói, semelhante a Susanin, cuja imagem generaliza Melhores características figura nacional. V.F. Odoevsky caracterizou a ópera " novo elemento em Arte, e um novo período começa em sua história - o período da música russa.
A segunda ópera - o épico "Ruslan e Lyudmila" (1842), cujo trabalho foi realizado no contexto da morte de Pushkin e nas difíceis condições de vida do compositor, devido à natureza profundamente inovadora do trabalho, foi ambiguamente recebido pelo público e pelas autoridades e trouxe ressentimentos para M.I. Glinka. Depois disso, viajou muito, morando alternadamente na Rússia e no exterior, sem parar de compor. Romances, obras sinfônicas e de câmara permaneceram em seu legado. Na década de 1990, a "Canção Patriótica" de Mikhail Glinka era o hino oficial da Federação Russa.

Citação de M.I. Glinka: "Para criar beleza, é preciso ser puro de alma."

Citação sobre M.I. Glinka: "Toda a escola sinfônica russa, como todo o carvalho em uma bolota, está contida na fantasia sinfônica "Kamarinskaya". P.I. Tchaikovsky

Fato interessante: Mikhail Ivanovich Glinka não diferia em boa saúde, apesar disso ele era muito tranquilo e conhecia muito bem a geografia, talvez se ele não tivesse se tornado um compositor, ele teria se tornado um viajante. Ele conhecia seis línguas estrangeiras, incluindo persa.

2. Alexander Porfiryevich BORODIN (1833—1887)

Alexander Porfirievich Borodin, um dos principais compositores russos da segunda metade do século XIX, além de seu talento como compositor, era químico, médico, professor, crítico e tinha talento literário.
Nascido em São Petersburgo, desde a infância, todos ao seu redor notaram sua atividade incomum, entusiasmo e habilidades em várias direções, principalmente na música e na química. A.P. Borodin é um compositor russo de pepitas, ele não teve professores músicos profissionais, todas as suas conquistas na música se devem a trabalho independente dominar a técnica de composição. A formação de A.P. Borodin foi influenciada pelo trabalho de M.I. Glinka (assim como todos os compositores russos do século XIX), e dois eventos deram um impulso à estreita ocupação da composição no início da década de 1860 - primeiro, o conhecimento e casamento com o talentoso pianista E.S. Protopopova e, segundo, o encontro com M.A. Balakirev e juntando-se à comunidade criativa de compositores russos, conhecidos como "Mighty Handful". No final dos anos 1870 e 1880, A.P. Borodin viajou e excursionou extensivamente pela Europa e América, conheceu os principais compositores de seu tempo, sua fama cresceu, ele se tornou um dos compositores russos mais famosos e populares na Europa no final do século XIX. século.
O lugar central na obra de A.P. Borodin é ocupado pela ópera "Príncipe Igor" (1869-1890), que é um exemplo da epopeia heróica nacional na música e que ele mesmo não teve tempo de terminar (foi completada por seus amigos A.A. Glazunov e N.A. Rimsky-Korsakov). Em "Príncipe Igor", tendo como pano de fundo majestosas imagens de eventos históricos, se reflete a ideia principal de toda a obra do compositor - coragem, grandeza calma, nobreza espiritual do melhor povo russo e a força poderosa de todo o povo russo, manifestada na defesa da pátria. Apesar de A.P. Borodin ter deixado um número relativamente pequeno de obras, seu trabalho é muito diversificado e ele é considerado um dos pais da música sinfônica russa, que influenciou muitas gerações de compositores russos e estrangeiros.

Citação sobre AP Borodin: "O talento de Borodin é igualmente poderoso e surpreendente tanto na sinfonia quanto na ópera e no romance. Suas principais qualidades são força e amplitude gigantes, escopo colossal, rapidez e impetuosidade, combinados com incrível paixão, ternura e beleza." V.V. Stasov

Um fato interessante: a reação química de sais de prata de ácidos carboxílicos com halogênios, resultando em hidrocarbonetos substituídos por halogênio, que ele investigou pela primeira vez em 1861, recebeu o nome de Borodin.

3. Modesto Petrovich MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovich Mussorgsky - um dos mais brilhantes compositores russos do século 19, membro do "Mighty Handful". O trabalho inovador de Mussorgsky estava muito à frente de seu tempo.
Nascido na província de Pskov. Como muitas pessoas talentosas, desde a infância mostrou sua habilidade na música, estudou em St. tradição familiar, militar. O evento decisivo que determinou que Mussorgsky nasceu não para o serviço militar, mas para a música, foi seu encontro com M.A. Balakirev e se juntar ao "Mighty Handful". Mussorgsky é ótimo porque em suas obras grandiosas - as óperas Boris Godunov e Khovanshchina - ele capturou na música os marcos dramáticos da história russa com uma novidade radical que a música russa não conhecia antes, mostrando nelas uma combinação de cenas folclóricas de massa e riqueza variada tipos, o caráter único do povo russo. Essas óperas, em inúmeras edições do autor e de outros compositores, estão entre as óperas russas mais populares do mundo. Outra obra de destaque de Mussorgsky é o ciclo de peças para piano "Pictures at an Exhibition", miniaturas coloridas e inventivas são permeadas pelo tema do refrão russo e pela fé ortodoxa.

Havia tudo na vida de Mussorgsky - grandeza e tragédia, mas ele sempre se distinguiu pela genuína pureza espiritual e desinteresse. Seus últimos anos foram difíceis - desordem de vida, não reconhecimento da criatividade, solidão, vício em álcool, tudo isso o determinou morte precoce aos 42, deixou relativamente poucas composições, algumas das quais foram completadas por outros compositores. A melodia específica e a harmonia inovadora de Mussorgsky antecipou algumas características do desenvolvimento musical do século XX e desempenhou um papel importante no desenvolvimento dos estilos de muitos compositores mundiais.

Citação de M.P. Mussorgsky: "Os sons da fala humana, como manifestações externas de pensamento e sentimento, devem, sem exagero e estupro, tornar-se música verdadeira, precisa, mas artística, altamente artística."

Citação sobre M.P. Mussorgsky: "Som originalmente russo em tudo o que Mussorgsky fez" N. K. Roerich

Um fato interessante: no final de sua vida, Mussorgsky, sob pressão de seus “amigos” Stasov e Rimsky-Korsakov, renunciou aos direitos autorais de suas obras e as apresentou a Tertiy Filippov

4. Peter Ilitch Tchaikovsky (1840—1893)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky, talvez o maior compositor russo do século 19, elevou a arte musical russa a alturas sem precedentes. É um dos compositores mais importantes da música clássica mundial.
nativo província de Vyatka, embora as raízes paternas na Ucrânia, Tchaikovsky desde a infância mostrou habilidade musical No entanto, a primeira formação e trabalho foi no campo da jurisprudência. Tchaikovsky é um dos primeiros compositores "profissionais" russos - ele estudou teoria musical e composição no novo Conservatório de São Petersburgo. Tchaikovsky foi considerado um compositor "ocidental", em contraste com as figuras folclóricas do "Poderoso Punhado", com quem teve boas relações criativas e amigáveis, no entanto, seu trabalho não é menos permeado pelo espírito russo, ele conseguiu combinar de maneira única a herança sinfônica ocidental de Mozart, Beethoven e Schumann com tradições russas herdadas de Mikhail Glinka.
O compositor conduziu vida ativa- foi professor, maestro, crítico, figura pública, trabalhou em duas capitais, excursionou pela Europa e América. Tchaikovsky era uma pessoa emocionalmente instável, entusiasmo, desânimo, apatia, irascibilidade, raiva violenta - todos esses humores mudavam nele com bastante frequência, sendo uma pessoa muito sociável, ele sempre se esforçou para a solidão.
Selecione algo melhor do trabalho de Tchaikovsky - tarefa difícil, possui diversos produtos de igual área em quase todas gêneros musicais- ópera, balé, sinfonia, música de câmara. O conteúdo da música de Tchaikovsky é universal: com melodismo inimitável, abraça as imagens de vida e morte, amor, natureza, infância, revela obras da literatura russa e mundial de uma nova maneira e reflete os processos profundos da vida espiritual.

Citação do compositor:
"Sou um artista que pode e deve honrar sua terra natal. Sinto um grande poder artístico, ainda não fiz um décimo do que posso fazer. E quero fazê-lo com toda a força da minha alma."
"A vida só tem encanto quando consiste na alternância de alegrias e tristezas, na luta entre o bem e o mal, a luz e a sombra, numa palavra, a diversidade na unidade."
"Grandes talentos exigem muito trabalho duro."

Citação sobre o compositor: "Estou pronto dia e noite para ficar de guarda de honra na varanda da casa onde vive Pyotr Ilyich - tanto quanto eu o respeito" A. P. Tchekhov

Um fato interessante: a Universidade de Cambridge à revelia e sem defender uma dissertação concedeu a Tchaikovsky o título de Doutor em Música, e a Academia de Belas Artes de Paris o elegeu membro correspondente.

5. Nikolai Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov é um talentoso compositor russo, uma das figuras mais importantes na criação de uma inestimável herança musical nacional. Seu mundo peculiar e adoração da eterna beleza abrangente do universo, admiração pelo milagre do ser, unidade com a natureza não têm análogos na história da música.
Nascido na província de Novgorod, segundo a tradição familiar, tornou-se oficial da marinha, num navio de guerra percorreu vários países da Europa e duas Américas. Ele recebeu sua educação musical primeiro de sua mãe, depois tendo aulas particulares com o pianista F. Canille. E novamente, graças a M.A. Balakirev, o organizador do "Mighty Handful", que introduziu Rimsky-Korsakov na comunidade musical e influenciou seu trabalho, o mundo não perdeu um compositor talentoso.
O lugar central na herança de Rimsky-Korsakov é ocupado por óperas - 15 obras demonstrando uma variedade de gênero, estilística, dramática, decisões composicionais do compositor, mas tendo um estilo especial - com toda a riqueza do componente orquestral, linhas vocais melódicas são os principais. Duas direções principais distinguem o trabalho do compositor: a primeira é a história da Rússia, a segunda é o mundo dos contos de fadas e épicos, pelo qual recebeu o apelido de "contador de histórias".
Além da atividade criativa independente direta, N.A. Rimsky-Korsakov é conhecido como publicitário, compilador de coleções de canções folclóricas, às quais mostrou grande interesse, e também como finalista das obras de seus amigos - Dargomyzhsky, Mussorgsky e Borodin. Rimsky-Korsakov foi o fundador da escola de compositores, como professor e chefe do Conservatório de São Petersburgo, produziu cerca de duzentos compositores, maestros, musicólogos, entre eles Prokofiev e Stravinsky.

Citação sobre o compositor: "Rimsky-Korsakov era uma pessoa muito russa e um compositor muito russo. Acredito que essa essência primordialmente russa dele, sua profunda base folclórica russa, deve ser especialmente apreciada hoje." Mstislav Rostropovich

O trabalho de compositores russos do final do século 19 - primeira metade do século 20 é uma continuação holística das tradições da escola russa. Ao mesmo tempo, o conceito de uma abordagem à afiliação "nacional" desta ou daquela música foi nomeado, praticamente não há citação direta de melodias folclóricas, mas a base de entonação russa, a alma russa, permaneceu.

6. Alexander Nikolaevich SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Scriabin - compositor e pianista russo, um dos as personalidades mais brilhantes Cultura musical russa e mundial. A obra original e profundamente poética de Scriabin destacou-se por sua inovação mesmo tendo como pano de fundo o nascimento de muitas novas tendências na arte associadas a mudanças na vida pública na virada do século 20.
Nascido em Moscou, sua mãe morreu cedo, seu pai não pôde prestar atenção ao filho, pois serviu como embaixador na Pérsia. Scriabin foi criado por sua tia e avô, desde a infância mostrou habilidades musicais. No início, ele estudou no corpo de cadetes, teve aulas particulares de piano, depois de se formar no corpo, ele entrou no Conservatório de Moscou, seu colega de classe era S.V. Rakhmaninov. Depois de se formar no conservatório, Scriabin dedicou-se inteiramente à música - como pianista-compositor de concertos, viajou pela Europa e Rússia, passando a maior parte do tempo no exterior.
O auge do trabalho de composição de Scriabin foram os anos de 1903-1908, quando a Terceira Sinfonia ("Poema Divino"), os poemas sinfônicos "Poema do Êxtase", "Trágico" e "Satânico" para piano, 4ª e 5ª sonatas e outras obras foram lançado. "O Poema do Êxtase", composto por vários temas-imagens, concentrados ideias criativas Sryabin é sua brilhante obra-prima. Combinou harmoniosamente o amor do compositor pelo poder grande orquestra e som lírico e arejado de instrumentos solo. A colossal energia vital, paixão ardente, força de vontade incorporada no "Poema do Êxtase" causa uma impressão irresistível no ouvinte e até hoje mantém a força de sua influência.
Outra obra-prima de Scriabin é "Prometheus" ("O Poema do Fogo"), em que o autor atualizou completamente sua linguagem harmônica, partindo do tradicional sistema tonal, e também pela primeira vez na história este trabalho deveria ser acompanhado por música colorida, mas a estreia, por razões técnicas, foi realizada sem efeitos de luz.
O último “Mistério” inacabado foi a ideia de Scriabin, um sonhador, romântico, filósofo, para apelar a toda a humanidade e inspirá-lo a criar uma nova ordem mundial fantástica, a união do Espírito Universal com a Matéria.

Citação de A.N. Scriabin: “Vou dizer a eles (as pessoas) que eles... não esperam nada da vida, exceto o que eles podem criar para si mesmos... sobre, que não há perda "Para que não tenham medo do desespero, que por si só pode dar origem ao verdadeiro triunfo. Forte e poderoso é aquele que experimentou o desespero e o venceu."

Citação sobre A.N. Scriabin: "A criatividade de Scriabin era seu tempo, expressa em sons. Mas quando o temporário, o transitório encontra sua expressão na criatividade grande artista, adquire um significado permanente e se torna duradouro. G.V. Plekhanov

7. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov é o maior compositor mundial do início do século 20, um talentoso pianista e maestro. A imagem criativa de Rachmaninov como compositor é muitas vezes definida pelo epíteto "o compositor mais russo", enfatizando nesta breve formulação seus méritos em unir tradições musicais escolas de compositores de Moscou e São Petersburgo e na criação de seu próprio estilo único, que se destaca isoladamente na cultura musical mundial.
Nascido na província de Novgorod, a partir dos quatro anos começou a estudar música sob a orientação de sua mãe. Ele estudou no Conservatório de São Petersburgo, após 3 anos de estudo ele se transferiu para o Conservatório de Moscou e se formou com uma grande medalha de ouro. Rapidamente se tornou conhecido como maestro e pianista, compondo música. A estreia desastrosa da inovadora Primeira Sinfonia (1897) em São Petersburgo causou uma crise de compositores criativos, da qual Rachmaninoff emergiu no início de 1900 com um estilo que combinava composição de igreja russa, romantismo europeu extrovertido, impressionismo moderno e neoclassicismo - e tudo isso está saturado de simbolismo complexo. Durante este período criativo, nascem seus melhores trabalhos, incluindo 2 e 3 concertos de piano, Segunda Sinfonia e sua obra favorita - o poema "Os Sinos" para coro, solistas e orquestra.
Em 1917, Rachmaninov e sua família foram forçados a deixar nosso país e se estabelecer nos Estados Unidos. Por quase dez anos após sua partida, ele não compôs nada, mas excursionou extensivamente na América e na Europa e foi reconhecido como um dos maiores pianistas da época e o maior maestro. Apesar de toda a atividade tempestuosa, Rachmaninoff permaneceu uma pessoa vulnerável e insegura, buscando a solidão e até a solidão, evitando a atenção intrusiva do público. Ele sinceramente amava e ansiava por sua terra natal, perguntando-se se havia cometido um erro ao deixá-la. Ele estava constantemente interessado em todos os eventos que aconteciam na Rússia, lia livros, jornais e revistas, ajudava financeiramente. Suas últimas composições - Sinfonia nº 3 (1937) e "Danças Sinfônicas" (1940) tornaram-se o resultado de seu caminho criativo, absorvendo o melhor de seu estilo único e o sentimento lúgubre de perda e saudade irreparáveis.

Citação de S.V. Rachmaninov:
"Eu me sinto como um fantasma vagando sozinho em um mundo que é estranho para ele."
"A mais alta qualidade de qualquer arte é sua sinceridade."
"Grandes compositores sempre e acima de tudo prestaram atenção à melodia como início líder Na música. Melodia é música base principal de todas as músicas... A inventividade melódica, no sentido mais elevado da palavra, é o principal objetivo de vida compositor... Por esta razão, os grandes compositores do passado mostraram tanto interesse pelas melodias folclóricas de seus países."

Citação sobre S.V. Rachmaninov:
"Rakhmaninov foi criado a partir de aço e ouro: Aço em suas mãos, ouro em seu coração. Não consigo pensar nele sem lágrimas. Não apenas me curvei ao grande artista, mas amei o homem nele." I. Hoffman
"A música de Rakhmaninov é o Oceano. Suas ondas - musicais - começam tão longe além do horizonte, e elevam-no tão alto e abaixam-no tão lentamente... que você sente esse Poder e Respiração." A. Konchalovsky

Fato interessante: durante a Grande Guerra Patriótica Rachmaninov deu vários concertos de caridade, o dinheiro arrecadado que ele enviou para o fundo do Exército Vermelho para combater os invasores nazistas.

8. Igor Fiodorovich STRAVINSKY (1882-1971)

Igor Fyodorovich Stravinsky é um dos compositores mundiais mais influentes do século 20, o líder do neoclassicismo. Stravinsky tornou-se um "espelho" era musical, sua obra reflete uma pluralidade de estilos, constantemente interseccionados e difíceis de classificar. Ele combina livremente gêneros, formas, estilos, escolhendo-os entre séculos de história musical e subordinando-os às suas próprias regras.
Nascido perto de São Petersburgo, estudou na Faculdade de Direito da Universidade de São Petersburgo, estudou independentemente disciplinas musicais, teve aulas particulares de N. A. Rimsky-Korsakov, esta foi a única escola de composição de Stravinsky, graças à qual ele dominou a técnica de composição com perfeição. Ele começou a compor profissionalmente relativamente tarde, mas a ascensão foi rápida - uma série de três balés: The Firebird (1910), Petrushka (1911) e The Rite of Spring (1913) imediatamente o trouxe ao número de compositores de primeira magnitude .
Em 1914, ele deixou a Rússia, como aconteceu quase para sempre (em 1962, houve turnês na URSS). Stravinsky é um cosmopolita, tendo tido que mudar de vários países - Rússia, Suíça, França, e acabou morando nos EUA. Sua obra é dividida em três períodos - "russo", "neoclássico", americano "produção em série", os períodos são divididos não pelo tempo de vida em diferentes países, mas pela "caligrafia" do autor.
Stravinsky era uma pessoa altamente educada e sociável, com um maravilhoso senso de humor. O círculo de seus conhecidos e correspondentes incluía músicos, poetas, artistas, cientistas, empresários, estadistas.
A última grande realização de Stravinsky - "Requiem" (1966) absorveu e combinou a experiência artística anterior do compositor, tornando-se uma verdadeira apoteose da obra do mestre.
Na obra de Stavinsky, uma característica única se destaca - "singularidade", não foi à toa que ele foi chamado de "compositor de mil e um estilos", a constante mudança de gênero, estilo, direção do enredo - cada uma de suas obras é único, mas ele constantemente retornou a desenhos em que se pode ver origem russa, as raízes russas são ouvidas.

Citação de I.F. Stravinsky: "Eu tenho falado russo toda a minha vida, eu tenho um estilo russo. Talvez na minha música isso não seja imediatamente visível, mas é inerente a ela, está em sua natureza oculta"

Citação sobre I.F. Stravinsky: "Stravinsky é um compositor verdadeiramente russo ... O espírito russo é indestrutível no coração deste talento verdadeiramente grande e multifacetado, nascido da terra russa e vitalmente conectado a ela ... " D. Shostakovich

Fato interessante (bicicleta):
Uma vez em Nova York, Stravinsky pegou um táxi e ficou surpreso ao ler seu nome na placa.
- Você não é parente do compositor? ele perguntou ao motorista.
- Existe algum compositor com tal sobrenome? - o motorista ficou surpreso. - Ouça pela primeira vez. No entanto, Stravinsky é o nome do proprietário do táxi. Não tenho nada a ver com música - meu nome é Rossini...

9. Sergei Sergeevich PROKOFIEV (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev - um dos maiores compositores russos do século 20, pianista, maestro.
Nascido na região de Donetsk, desde a infância juntou-se à música. Prokofiev pode ser considerado um dos poucos (se não o único) "prodígios" musicais russos, desde os 5 anos ele estava envolvido em compor, aos 9 anos ele escreveu duas óperas (é claro, essas obras ainda são imaturas, mas eles mostram um desejo de criação), aos 13 anos ele passou nos exames no Conservatório de São Petersburgo, entre seus professores estava N.A. Rimsky-Korsakov. O início de sua carreira profissional causou uma tempestade de críticas e uma incompreensão de seu estilo individual fundamentalmente anti-romântico e extremamente modernista, o paradoxo é que, apesar de destruir os cânones acadêmicos, a estrutura de suas composições permaneceu fiel aos princípios clássicos e, posteriormente, tornou-se um força restritiva do ceticismo modernista que nega tudo. Desde o início de sua carreira, Prokofiev se apresentou e excursionou muito. Em 1918, ele fez uma turnê internacional, inclusive visitando a URSS, e finalmente retornou à sua terra natal em 1936.
O país mudou e a criatividade "livre" de Prokofiev foi forçada a dar lugar às realidades das novas demandas. O talento de Prokofiev floresceu com nova força- ele escreve óperas, balés, música para filmes - música afiada, forte e extremamente precisa com novas imagens e idéias, lançou as bases para a música clássica e a ópera soviéticas. Em 1948, três eventos trágicos ocorreram quase simultaneamente: por suspeita de espionagem, sua primeira esposa espanhola foi presa e exilada em campos; o Decreto do Poliburo do Comitê Central do Partido Comunista Bolchevique de Toda a União foi publicado no qual Prokofiev, Shostakovich e outros foram atacados e acusados ​​de "formalismo" e os perigos de sua música; houve uma acentuada deterioração da saúde do compositor, ele se retirou para o país e praticamente não o deixou, mas continuou a compor.
Uma das obras mais brilhantes período soviético tornaram-se as óperas "Guerra e Paz", "O Conto de um Homem Real"; os balés "Romeu e Julieta", "Cinderela", que se tornaram um novo padrão da música balé mundial; oratório "Em guarda do mundo"; música para os filmes "Alexander Nevsky" e "Ivan, o Terrível"; sinfonias nº 5,6,7; trabalho de piano.
A obra de Prokofiev impressiona por sua versatilidade e amplitude de assunto, sua originalidade pensamento musical, frescor e originalidade constituíram toda uma era na cultura musical mundial do século XX e tiveram um forte impacto em muitos compositores soviéticos e estrangeiros.

Citação de S.S. Prokofiev:
"Pode um artista ficar alheio à vida?.. Tenho a convicção de que um compositor, como um poeta, um escultor, um pintor, é chamado a servir o homem e o povo... Antes de tudo, ele deve ser um cidadão da sua arte, cantam a vida humana e levam o homem a um futuro melhor...
"Sou uma manifestação da vida, que me dá força para resistir a tudo o que não é espiritual"

Citação sobre S.S. Prokofiev: "... todas as facetas de sua música são lindas. Mas há uma completamente coisa incomum. Aparentemente, todos nós temos algumas falhas, dúvidas, apenas Mau humor. E nesses momentos, mesmo que eu não toque e não ouça Prokofiev, mas apenas pense nele, recebo um incrível impulso de energia, sinto um grande desejo de viver, de atuar” E. Kissin

Um fato interessante: Prokofiev gostava muito de xadrez e enriqueceu o jogo com suas ideias e realizações, incluindo o xadrez "nove" que ele inventou - um tabuleiro 24x24 com nove conjuntos de peças colocados nele.

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrievich Shostakovich é um dos compositores mais significativos e performados do mundo, sua influência na música clássica moderna é imensurável. Suas criações são verdadeiras expressões do drama humano interior e crônica dos acontecimentos difíceis do século 20, onde o profundamente pessoal se entrelaça com a tragédia do homem e da humanidade, com o destino de seu país natal.
Nascido em São Petersburgo, o primeiro lições de música recebido de sua mãe, formado no Conservatório de São Petersburgo, ao ser admitido ao qual seu reitor Alexander Glazunov o comparou a Mozart - ele impressionou a todos com sua excelente memória musical, ouvido aguçado e talento de compositor. Já no início da década de 1920, ao final do conservatório, Shostakovich tinha uma bagagem de obras próprias e se tornou um dos melhores compositores do país. A fama mundial veio para Shostakovich depois de vencer o 1º Competição internacional Chopin em 1927.
Até certo período, antes da produção da ópera "Lady Macbeth do distrito de Mtsensk", Shostakovich trabalhou como artista freelance - "avant-garde", experimentando estilos e gêneros. A dura denúncia dessa ópera em 1936 e as repressões de 1937 lançaram as bases para a subsequente luta interna constante de Shostakovich pelo desejo de expressar seus pontos de vista por seus próprios meios diante da imposição estatal de tendências na arte. Em sua vida, política e criatividade estão intimamente interligadas, ele foi elogiado pelas autoridades e perseguido por elas, ocupou altos cargos e foi afastado deles, foi premiado e esteve à beira da prisão ele e seus familiares.
Pessoa suave, inteligente e delicada, encontrou sua forma de expressão de princípios criativos nas sinfonias, onde podia dizer a verdade sobre o tempo da maneira mais aberta possível. De toda a extensa obra de Shostakovich em todos os gêneros, são as sinfonias (15 obras) que ocupam um lugar central, as mais dramáticas são as sinfonias 5,7,8,10,15, que se tornaram o auge da música sinfônica soviética. Um Shostakovich completamente diferente se abre na música de câmara.
Apesar do fato de que o próprio Shostakovich era um compositor "casa" e praticamente não viajou para o exterior, sua música, de essência humanista e verdadeiramente artística na forma, rapidamente e amplamente difundida por todo o mundo, executada pelos melhores maestros. A magnitude do talento de Shostakovich é tão imensa que a plena compreensão desse fenômeno único da arte mundial ainda está por vir.

Citação de D.D. Shostakovich: "A música real é capaz de expressar apenas sentimentos humanos, apenas ideias humanas avançadas."

Os compositores clássicos são conhecidos em todo o mundo. Cada nome de um gênio musical é uma individualidade única na história da cultura.

O que é música clássica

Música clássica - melodias encantadoras criadas por autores talentosos, que são justamente chamados de compositores clássicos. As suas obras são únicas e serão sempre procuradas por intérpretes e ouvintes. Clássica, por um lado, costuma-se chamar música estrita, profundamente significativa, que não está relacionada às direções: rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. desenvolvimento histórico música é o período do final do XIII - início do século XX, chamado classicismo.

Os temas clássicos distinguem-se pela entonação sublime, sofisticação, variedade de tons e harmonia. Eles têm um efeito positivo na visão de mundo emocional de adultos e crianças.

Estágios de desenvolvimento da música clássica. Sua breve descrição e principais representantes

Na história do desenvolvimento da música clássica, os estágios podem ser distinguidos:

• Renascimento ou Renascimento - início do século XIV - último quartel do século XVI. Na Espanha e na Inglaterra, o Renascimento durou até o início do século XVII.
• Barroco - veio para substituir o Renascimento e perdurou até o início do século XVIII. A Espanha era o centro do estilo.
• O classicismo é um período de desenvolvimento da cultura europeia do início do século XVIII ao início do século XIX.
• O romantismo é uma direção oposta ao classicismo. Durou até meados do século XIX.
• Clássicos do século 20 - a era moderna.

Breve descrição e principais representantes de períodos culturais

1. Renascimento - um longo período de desenvolvimento de todas as áreas da cultura. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria compôs e deixou criações imortais para a posteridade.

2. Barroco - nesta época surgem novas formas musicais: polifonia, ópera. Foi durante este período que Bach, Handel, Vivaldi criaram suas famosas criações. As fugas de Bach são construídas de acordo com as exigências do classicismo: observância obrigatória dos cânones.

3. Classicismo. Compositores clássicos vienenses que criaram suas criações imortais na era do classicismo: Haydn, Mozart, Beethoven. A forma sonata aparece, a composição da orquestra aumenta. e Haydn diferem das pesadas obras de Bach por sua construção descomplicada e pela elegância de suas melodias. Ainda era um clássico, buscando a perfeição. As composições de Beethoven são o ponto de contato entre o romântico e o estilos clássicos. Na música de L. van Beethoven, há mais sensualidade e ardor do que canonicidade racional. Gêneros importantes como sinfonia, sonata, suíte, ópera se destacaram. Beethoven deu origem ao período romântico.

4. Romantismo. As obras musicais são caracterizadas pela cor e pelo drama. Vários gêneros de música são formados, por exemplo, baladas. As composições para piano de Liszt e Chopin receberam reconhecimento. As tradições do romantismo foram herdadas por Tchaikovsky, Wagner, Schubert.

5. Clássicos do século XX - caracterizados pelo desejo dos autores de inovação nas melodias, surgiram os termos aleatório, atonalismo. As obras de Stravinsky, Rachmaninov, Glass são referidas ao formato clássico.

compositores clássicos russos

Tchaikovsky P.I. - compositor russo, crítico musical, figura pública, professor, maestro. Suas composições são as mais executadas. Eles são sinceros, facilmente percebidos, refletem a originalidade poética da alma russa, imagens pitorescas da natureza russa. O compositor criou 6 balés, 10 óperas, mais de cem romances, 6 sinfonias. O balé mundialmente famoso "O Lago dos Cisnes", a ópera "Eugene Onegin", "Álbum Infantil".

Rachmaninov S.V. - as obras do notável compositor são emocionais e alegres, e algumas delas são dramáticas em conteúdo. Seus gêneros são diversos: de pequenas peças a concertos e óperas. As obras geralmente reconhecidas do autor: as óperas "The Miserly Knight", "Aleko" de acordo com Poema de Pushkin"Ciganos", "Francesca da Rimini" segundo um enredo emprestado da "Divina Comédia" de Dante, o poema "Os Sinos"; suíte "danças sinfônicas"; concertos para piano; vocalize para voz com acompanhamento de piano.

Borodin A. P. foi compositor, professor, químico, médico. A criação mais significativa é a ópera "Príncipe Igor" de trabalho histórico"O Conto da Campanha do Igor", que foi escrito pelo autor por quase 18 anos. Durante sua vida, Borodin não teve tempo de terminá-la; após sua morte, A. Glazunov e N. Rimsky-Korsakov completaram a ópera. O grande compositor é o fundador de quartetos clássicos e sinfonias na Rússia. A sinfonia "Bogatyr" é considerada a coroação da sinfonia nacional-heróica mundial e russa. Os quartetos instrumentais de câmara, o Primeiro e o Segundo Quartetos foram reconhecidos como destaques. Um dos primeiros a introduzir figuras heróicas da literatura russa antiga em romances.

Grandes músicos

M. P. Mussorgsky, que pode ser considerado um grande compositor realista, um inovador ousado, tocando em problemas sociais agudos, um excelente pianista e um excelente vocalista. As obras musicais mais significativas são as óperas "Boris Godunov" baseadas na obra dramática de A.S. Pushkin e "Khovanshchina" - um drama musical folclórico, o personagem principal dessas óperas são as pessoas rebeldes de diferentes estratos sociais; ciclo criativo "Pictures at an Exhibition", inspirado nas obras de Hartmann.

Glinka M.I. - um famoso compositor russo, o fundador da direção clássica na cultura musical russa. Ele completou o processo de criação de uma escola de compositores russos, com base no valor da música popular e profissional. As obras do mestre estão impregnadas de amor à Pátria, refletindo a orientação ideológica do povo daquela época histórica. O drama folclórico mundialmente famoso "Ivan Susanin" e a ópera de conto de fadas "Ruslan e Lyudmila" tornaram-se novas tendências na ópera russa. Obras sinfônicas"Kamarinskaya" e "Abertura Espanhola" de Glinka são as bases do sinfonismo russo.

Rimsky-Korsakov N.A. é um talentoso compositor russo, oficial naval, professor e publicitário. Duas correntes podem ser traçadas em sua obra: histórica (“A Noiva do Czar”, “Pskovite”) e fabulosa (“Sadko”, “Snow Maiden”, Suite “Scheherazade”). Recurso distintivo obras do compositor: originalidade baseada em valores clássicos, homofonia na construção harmônica das primeiras composições. Suas composições têm um estilo autoral: soluções orquestrais originais com partituras vocais construídas de forma inusitada, que são as principais.

Os compositores clássicos russos tentaram refletir em suas obras o pensamento cognitivo e o folclore característicos da nação.

cultura europeia

Famosos compositores clássicos Mozart, Haydn, Beethoven viviam na capital da cultura musical da época - Viena. Os gênios combinam performance magistral, excelentes soluções composicionais, o uso de diferentes estilos musicais: de melodias folclóricas a desenvolvimentos polifônicos de temas musicais. Os grandes clássicos são caracterizados por uma atividade mental criativa abrangente, competência, clareza na construção formas musicais. Em suas obras, intelecto e emoções, componentes trágicos e cômicos, facilidade e prudência estão organicamente ligados.

Beethoven e Haydn gravitaram em torno de composições instrumentais, Mozart geriu magistralmente composições operísticas e orquestrais. Beethoven foi um criador insuperável de obras heróicas, Haydn apreciou e usou com sucesso o humor, tipos de gênero folclórico em seu trabalho, Mozart foi um compositor universal.

Mozart - criador da sonata forma instrumental. Beethoven o aperfeiçoou, elevou-o a alturas insuperáveis. O período tornou-se um período de apogeu do quarteto. Haydn, seguido por Beethoven e Mozart, dão uma contribuição significativa para o desenvolvimento deste gênero.

mestres italianos

Giuseppe Verdi - um músico notável do século 19, desenvolveu a ópera tradicional italiana. Ele tinha um artesanato impecável. As obras operísticas Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida tornaram-se o culminar da sua actividade de compositor.

Niccolo Paganini - nascido em Nice, uma das personalidades mais talentosas musicalmente dos séculos XVIII e XIX. Ele era um virtuoso no violino. Compôs caprichos, sonatas, quartetos para violino, violão, viola e violoncelo. Escreveu concertos para violino e orquestra.

Gioacchino Rossini - trabalhou no século 19. Autor de música sacra e de câmara, compôs 39 óperas. Trabalhos Excepcionais - " barbeiro de sevilha", "Otelo", "Cinderela", "A pega ladra", "Semiramide".

Antonio Vivaldi é um dos maiores representantes da arte violonística do século XVIII. Ganhou fama graças ao seu trabalho notável- 4 concertos para violino "Estações". Viveu uma vida incrivelmente produtiva vida criativa, compôs 90 óperas.

Compositores clássicos italianos famosos deixaram um legado musical eterno. Suas cantatas, sonatas, serenatas, sinfonias, óperas darão prazer a mais de uma geração.

Peculiaridades da percepção da música por uma criança

Ouvir boa música tem um efeito positivo no desenvolvimento psicoemocional da criança, segundo psicólogos infantis. A boa música introduz a arte e forma um gosto estético, como acreditam os professores.

Muitas criações conhecidas foram criadas por compositores clássicos para crianças, levando em conta sua psicologia, percepção e as especificidades da idade, ou seja, para ouvir, enquanto outras compuseram várias peças para pequenos intérpretes que eram facilmente percebidas de ouvido e tecnicamente acessíveis ao eles.

"Álbum Infantil" de Tchaikovsky P.I. para pequenos pianistas. Este álbum é uma dedicação a um sobrinho que amava música e era muito Criança superdotada. A coleção contém mais de 20 peças, algumas delas baseadas em material folclórico: motivos napolitanos, dança russa, melodias tirolesas e francesas. Coleção "Canções para crianças" de Tchaikovsky P.I. projetado para a percepção auditiva de um público infantil. Canções de clima otimista sobre a primavera, pássaros, um jardim florido (“Meu jardim”), sobre compaixão por Cristo e Deus (“Cristo, o bebê, tinha um jardim”).

clássico infantil

Muitos compositores clássicos trabalharam para crianças, cuja lista de obras é muito diversificada.

Prokofiev S.S. "Pedro e o Lobo" - conto sinfônico para crianças. Através desta história, as crianças são apresentadas a instrumentos musicais Orquestra Sinfónica. O texto do conto foi escrito pelo próprio Prokofiev.

Schuman R. "Cenas infantis" são histórias musicais curtas com um enredo simples, escritas para atores adultos, memórias da infância.

Ciclo de Piano de Debussy "Cantinho das Crianças".

Ravel M. "Mother Goose" baseado nos contos de fadas de Ch. Perrault.

Bartok B. "Primeiros Passos no Piano".

Ciclos para crianças Gavrilova S. "Para os mais pequenos"; "Heróis dos contos de fadas"; "Crianças sobre animais."

Shostakovich D. "Álbum de peças de piano para crianças".

Bach I. S. Caderno para Anna Magdalena Bach. Ensinando música aos seus filhos, ele criou peças e exercícios especiais para que eles desenvolvessem habilidades técnicas.

Haydn J. - progenitor da sinfonia clássica. Criou uma sinfonia especial chamada "Children's". Os instrumentos utilizados: rouxinol de barro, chocalho, cuco - dão um som inusitado, infantil e provocativo.

Saint-Saens K. concebeu uma fantasia para orquestra e 2 pianos chamada “Carnaval dos Animais”, na qual transmitiu com maestria o cacarejar das galinhas, o rugido de um leão, a complacência de um elefante e sua maneira de se movimentar, um cisne tocantemente gracioso por meios musicais.

Compondo composições para crianças e jovens, os grandes compositores clássicos cuidaram dos interessantes enredos da obra, da disponibilidade do material proposto, levando em consideração a idade do intérprete ou ouvinte.

Entre essas melodias, há um motivo para qualquer humor: romântico, positivo ou sombrio, para relaxar e não pensar em nada ou, inversamente, para organizar seus pensamentos.

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O compositor e pianista italiano trabalha na direção do minimalismo, muitas vezes se volta para o ambiente e combina habilmente a música clássica com outros estilos musicais. Para um amplo círculo ele é conhecido por composições atmosféricas que se tornaram trilhas sonoras de filmes. Por exemplo, você certamente reconhecerá a música da fita francesa "1 + 1" escrita por Einaudi.

themagger.net

Glass é uma das personalidades mais controversas do mundo dos clássicos modernos, que é elogiado até os céus ou criticado com esmero. Ele está com seu próprio Philip Glass Ensemble há meio século e escreveu música para mais de 50 filmes, incluindo The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life e The Fantastic Four. Melodias compositor americano-minimalistas borram a linha entre a música clássica e popular.

latimes. com

Autor de várias bandas sonoras, o melhor compositor de cinema de 2008 segundo a European Film Academy e um pós-minimalista. Os críticos cativaram do primeiro álbum Memoryhouse, no qual a música de Richter foi sobreposta a leituras de poesia, e os álbuns subsequentes também usaram prosa ficcional. Além de escrever suas próprias composições de ambiente, ele organiza obras clássicas: The Four Seasons, de Vivaldi, liderou as paradas de música clássica do iTunes em seu arranjo.

Este criador da música instrumental da Itália não está associado ao cinema sensacionalista, mas já é conhecido como compositor, virtuoso e experiente professor de piano. Se para descrever a música de Marradi em duas palavras, serão as palavras "sensual" e "mágica". Suas criações e capas vão agradar a quem gosta de clássicos retrô: notas do século passado são vistas através dos motivos.

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O famoso compositor de filmes criou acompanhamento musical para muitos filmes e desenhos animados de alta bilheteria, incluindo Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interestelar, Madagascar, The Lion King. Sua estrela ostenta na Calçada da Fama de Hollywood, e em sua estante estão Oscar, Grammy e Globo de Ouro. A música de Zimmer é tão variada quanto esses filmes, mas não importa o tom, ela toca um acorde.

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Hisaishi é um dos compositores japoneses mais famosos, tendo recebido quatro prêmios da Academia Japonesa de Cinema por Melhor música ao filme. Ele ficou famoso por escrever a trilha sonora do anime de Hayao Miyazaki, Nausicaä of the Valley of the Wind. Se você é fã das fitas do Studio Ghibli ou de Takeshi Kitano, com certeza vai admirar a música de Hisaishi. É principalmente leve e leve.

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Este multi-instrumentista islandês é apenas um menino comparado aos mestres listados, mas aos 30 anos ele conseguiu se tornar um neoclássico reconhecido. Gravou acompanhamento de balé, ganhou um prêmio BAFTA pela trilha sonora da série de TV britânica "Murder on the Beach" e lançou 10 álbuns de estúdio. A música de Arnalds lembra um vento forte em uma praia deserta.

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As obras mais famosas de Lee Ru Ma são Kiss the Rain e River Flows in You. O compositor e pianista coreano da Nova Era escreve clássicos populares que podem ser compreendidos por ouvintes de qualquer continente, com qualquer Gosto musical e educação. Suas melodias leves e sensuais para muitos se tornaram o começo do amor pela música de piano.

Dustin O'Halloran

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O compositor americano é interessante por não ter educação musical, mas ao mesmo tempo escreve a música mais agradável e bastante popular. As músicas de O'Halloran foram usadas em Top Gear e em vários filmes. Talvez a trilha sonora de maior sucesso tenha sido para o melodrama Like Crazy, compositor e pianista que sabe muito sobre a arte de reger e como criar música eletrônica. Mas seu campo principal são os clássicos modernos. Cacchapalla gravou muitos álbuns, três deles com o Royal Orquestra Filarmônica. Sua música flui como água, é ótimo relaxar sob ela.

Que outros compositores modernos valem a pena ouvir

Se você gosta de épico, adicione Klaus Badelt, que trabalhou com Zimmer em Piratas do Caribe, à sua playlist. Além disso, Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore e John Williams não devem ser esquecidos - você precisa escrever um artigo separado para listar todos os seus trabalhos, méritos e prêmios.

Se você quer mais neoclassicismo delicioso, preste atenção em Niels Fram e Sylvain Chauveau.

Se você não se cansar, lembre-se do criador da trilha sonora de "Amelie" Jan Tiersen ou descubra o compositor japonês Tammon: ele escreve melodias arejadas e oníricas.

De quais compositores você gosta e quais não gosta? Quem mais você adicionaria a essa lista?

Na virada dos séculos XIX-XX em cultura europeia diferentes direções artísticas coexistiam. Alguns desenvolveram as tradições do século XIX, outros surgiram como resultado de buscas criativas. mestres contemporâneos. O fenômeno mais significativo da arte musical foi o romantismo tardio. Seus representantes foram distinguidos por um crescente interesse em música sinfônica e grandiosa escala de obras. Os compositores criaram programas filosóficos complexos para suas obras. Muitos compositores procuraram em seu trabalho continuar as tradições românticas do passado, por exemplo, S.V. Rachmaninov (1873-1943), Richard Strauss (1864-1949). Gostaria de me deter nesses dois representantes do estilo do romantismo tardio.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilyevich Rachmaninov é um compositor, pianista e maestro russo.

4 concertos, "Rhapsody on a Theme of Paganini" (1934) para piano e orquestra, prelúdios, études-imagens para piano, 3 sinfonias (1895-1936), fantasia "Cliff" (1893), poema "Isle of the Dead" (1909), Danças Sinfônicas (1940) para orquestra, cantata Primavera (1902), poema Sinos (1913) para coro e orquestra, óperas Aleko (1892), The Miserly Knight, Francesca da Rimini (ambos 1904), romances.

O trabalho de Sergei Vasilyevich Rachmaninov, compositor e pianista virtuoso, combinou harmoniosamente as tradições da arte russa e europeia. Para a maioria dos músicos e ouvintes, as composições de Rachmaninoff são um símbolo artístico da Rússia. O tema da pátria é incorporado com particular força na obra de Sergei Rachmaninoff. O pathos romântico é combinado em sua música com humores lírico-contemplativos, riqueza melódica inesgotável, amplitude e liberdade de respiração - com energia rítmica. A música de Rachmaninov é uma parte importante do romantismo tardio da Europa. Depois de 1917, Rachmaninoff foi forçado a viver no exterior - na Suíça e nos EUA. Suas atividades de composição e principalmente performática tornaram-se um fenômeno sem o qual é impossível imaginar vida cultural Oeste 20-40. Século XX.

O legado de Rachmaninoff inclui óperas e sinfonias, música de câmara e coral, mas acima de tudo o compositor escreveu para o piano. Ele gravitou em direção a um virtuosismo poderoso e monumental, procurou comparar o piano à riqueza de cores de uma orquestra sinfônica.

O trabalho de Rachmaninov conecta diferentes épocas e culturas. Ele permite que os músicos russos sintam sua profunda conexão com as tradições europeias e, para os músicos do Ocidente, Rachmaninoff abre a Rússia - mostra suas verdadeiras riquezas espirituais.

Richard Strauss

Richard Strauss é um compositor alemão do final da era romântica, especialmente famoso por seus poemas sinfônicos e óperas. Ele também foi um excelente maestro.

O estilo de Richard Strauss foi seriamente influenciado pelas obras de Chopin, Schumann, Mendelssohn. Influenciado pela música de Richard Wagner, Strauss voltou-se para a ópera. A primeira obra deste tipo é Guntram (1893). isto trabalho romântico; sua linguagem musical é simples, as melodias são lindas e melodiosas.

Desde 1900, a ópera tornou-se o gênero principal na obra de Richard Strauss. As obras do compositor se distinguem pela simplicidade e clareza da linguagem musical, em que o autor utilizou gêneros de dança do cotidiano.

A atividade criativa de Strauss durou mais de setenta anos. O compositor começou como romântico tardio, depois veio para o expressionismo e, finalmente, voltou-se para o neoclassicismo.

Alexander Nikolaevich Skryabin

Desde a infância, ele foi atraído pelos sons do piano. E aos três anos já ficava horas sentado no instrumento, tratando-o como um ser vivo. Depois de se formar no Conservatório de Moscou, Alexander começou a dar concertos e ensinar, mas o desejo de compor era mais forte. Ele começa a compor e suas obras imediatamente entram no repertório de outros pianistas.

"A arte deve ser festiva", disse ele, "deve elevar, encantar". Mas, na verdade, sua música acabou sendo tão ousada, nova e incomum que a apresentação de sua "Segunda Sinfonia" em 21 de março de 1903 em Moscou se transformou em um escândalo natural. Alguém admirava, alguém pisava e assobiava... Mas Scriabin não se envergonhava: sentia-se um messias, um arauto de uma nova religião - a arte. Ele acreditava em seu poder transformador. Ele pensou na moda então em escala planetária. A filosofia mística de Scriabin se refletiu em sua linguagem musical, especialmente na harmonia inovadora, muito além dos limites da tonalidade tradicional.

Scriabin sonhava com um novo gênero sintético, onde não apenas sons e cores se fundissem, mas também os cheiros e a plasticidade da dança. Mas a ideia permaneceu inacabada. Scriabin morreu em Moscou em 14 (27) de abril de 1915. Sua vida, a vida de um gênio, foi curta e brilhante.

Sergei Prokofiev

Sergei Prokofiev é um compositor russo e soviético, um dos compositores mais famosos do século XX.

A definição de "compositor" era para Prokofiev tão natural quanto "homem".

Na música de Prokofiev, pode-se ouvir a harmonia agudamente dissonante de Prokofiev, o ritmo elástico, a motoridade deliberadamente seca, impudente. A crítica reagiu instantaneamente: "O jovem autor, que ainda não completou sua educação artística, pertencente à direção extrema dos modernistas, vai muito mais longe em sua coragem do que o francês moderno".

Muitos contemporâneos do jovem Prokofiev e até pesquisadores de sua obra viram em sua música uma "corrente lírica" ​​que percorria imagens agudamente satíricas, grotescas, sarcásticas, através de ritmos deliberadamente ásperos e pesados. E há muitos deles, essas entonações líricas e tímidas nos ciclos de piano "Fleeting" e "Sarcasm", no tema lateral da primeira parte da Segunda Sonata, em romances baseados em poemas de Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Pode-se dizer sobre Prokofiev: grande músico encontrou seu lugar entre os grandes transformadores da vida.

Mily Balakirev

Mily Balakirev - compositor russo, pianista, maestro (1836/37-1910)

Um "Mighty Handful" foi formado - uma comunidade de pessoas com ideias semelhantes que deram muito à música russa.

A liderança de Balakirev no círculo foi facilitada por seu gosto impecável, mente analítica clara e conhecimento de uma enorme quantidade de material musical. O clima reinava no círculo, que foi expresso por um dos críticos da época: "A música pode mover montanhas". A natureza de Balakirev era muito enérgica e encantadora. No círculo, ele rapidamente assumiu o papel de organizador.

Ele tratou o círculo como uma espécie de criatividade: ele criou, "influenciando" jovens compositores. A partir deles, ele compôs a futura paleta musical da Rússia.

Gradualmente, Balakirev surgiu com a ideia de uma escola de música gratuita.

Em 1862 Livre Escola de Música abriu e deu o primeiro concerto. Balakirev atuou como maestro de uma orquestra sinfônica.

Ele mesmo escreveu muito, mas não experimentou satisfação criativa com o que criou. Como escreveu César Cui, "até sua morte, ele disse que só o que escrevíamos sob sua asa era bom".

Glazunov Alexander Konstantinovich

Alexander Glazunov - compositor russo e soviético (1865-1936)

Glazunov é um dos maiores compositores russos do final do século XIX e início do século XX. Sucessor das tradições de Mighty Handful e Tchaikovsky, ele combinou os ramos lírico-épico e lírico-dramático da música russa em seu trabalho. Na herança criativa de Glazunov, um dos principais lugares pertence à música sinfônica de vários gêneros. Reflete as imagens heróicas do épico russo, imagens da natureza nativa, realidade russa, a canção dos povos eslavos e orientais. As obras de Glazunov se distinguem pelo relevo de temas musicais, o som completo e claro da orquestra, o uso extensivo de tecnologia polifônica (ele usou a sonoridade simultânea de vários temas, uma combinação de imitação e desenvolvimento variacional). Entre as melhores obras de Glazunov está também um concerto para violino e orquestra (1904).

Glazunov deu uma contribuição significativa para a música instrumental de câmara, bem como para o gênero balé (Raymonda, 1897, etc.). Seguindo as tradições de Tchaikovsky, Glazunov aprofundou o papel da música no balé, enriquecendo seu conteúdo. Glazunov possui arranjos de hinos e canções russas, tchecas e gregas. Junto com Rimsky-Korsakov completou a ópera "Príncipe Igor", de memória gravou a 1ª parte da 3ª sinfonia de Borodin. Participou da preparação para publicação das obras de M. I. Glinka. Orquestrou a Marselhesa (1917), uma série de obras de compositores russos e estrangeiros.

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - compositor russo e soviético (1881-1950).

Juntamente com Prokofiev e Stravinsky, Nikolai Yakovlevich Myaskovsky estava entre os compositores que refletiram o humor da intelectualidade criativa da Rússia no período pré-revolucionário. Eles entraram na Rússia pós-outubro como velhos especialistas e, vendo ao redor deles o terror dirigido contra sua espécie, não conseguiram se livrar da sensação de complexos. No entanto, eles honestamente (ou quase honestamente) criaram, refletindo a realidade ao seu redor.

A imprensa da época escreveu: “A vigésima sétima sinfonia é obra de um artista soviético. Não se esqueça disso por um minuto." Ele é considerado o chefe da escola de sinfonia soviética. As obras musicais de Myaskovsky refletem seu tempo; no total, ele escreveu 27 sinfonias, 13 quartetos, 9 sonatas para piano e outras obras, muitas das quais se tornaram marcos na música soviética. O compositor foi caracterizado por uma fusão de princípios intelectuais e emocionais. A música de Myaskovsky é única, marcada por uma concentração de pensamento e ao mesmo tempo por uma intensidade de paixão. Em nosso tempo, pode-se relacionar de maneira diferente a obra de N. Myaskovsky, mas, sem dúvida, vinte e sete de suas sinfonias refletiam completamente a vida da era soviética.

Nikolai Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov - compositor russo (1844-1908)

A obra do grande compositor N. Rimsky-Korsakov, quase inteiramente pertencente ao século 19, gruda como uma agulha no século 20: ele viveu e trabalhou neste século por oito anos. O compositor, como uma ponte, conecta dois séculos de world music. A figura de Rimsky-Korsakov também é interessante porque ele foi essencialmente autodidata.

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilievich Sviridov - compositor soviético, pianista (1915-1998).

A música de Georgy Sviridov, devido à sua simplicidade, é fácil de distinguir das obras de outros compositores. Mas essa simplicidade é bastante semelhante ao laconismo. A música de Sviridov tem uma expressividade despretensiosa, mas é expressiva em essência, e não em forma, colorida tipo diferente babados. Ela tem um mundo interior rico, suas emoções genuínas são contidas ... A música de Sviridov é fácil de entender, o que significa que é internacional, mas ao mesmo tempo profundamente patriótica, pois o tema da Pátria a atravessa como um fio vermelho. G. Sviridov, segundo seu professor D. Shostakovich, “não se cansou de inventar uma nova linguagem musical”, procurando “novos meios figurativos". Por isso, é considerado um dos mais autores interessantes Século XX.

Muitas vezes G. Sviridov era conhecido como um compositor cuja trabalhos vocais difícil de executar. Em seus cofres criativos, a música vem se acumulando há décadas, à espera de seus intérpretes. O estilo tradicional de execução da música de Sviridov muitas vezes não era adequado; o próprio compositor disse que a novidade e complexidade de sua música vocal se deve ao fato de que a própria fala está em constante aprimoramento. A este respeito, ele lembrou os antigos, uma vez famosos e elegantes, ao mesmo tempo, atores e poetas. “Hoje”, argumentou Sviridov, “eles não nos causarão uma impressão tão forte. Seu discurso nos parecerá às vezes educado, às vezes fofo, às vezes simples demais. O poeta Igor Severyanin estava atualizado tanto em termos de imagens quanto de vocabulário, e agora ele é percebido como uma espécie de museu.” Novas características da fala muitas vezes interferiam nos cantores, mas era nessa direção, segundo Sviridov, que se deveria trabalhar.

Talvez ninguém antes de Sviridov tenha feito tanto pelo desenvolvimento e enriquecimento de gêneros vocais - oratório, cantata, coro, romance ... Isso coloca G. Sviridov entre os principais compositores não apenas na Rússia, mas também em escala global.

Stravinsky Igor Fyodorovich

Stravinsky Igor Fedorovich - compositor russo, maestro (1882-1971).

Stravinsky passou a maior parte de sua vida fora da Rússia, mas nunca deixou de ser um compositor russo. Ele se inspirou na cultura russa e na língua russa. E ele ganhou uma fama verdadeiramente mundial. O nome de Stravinsky era e continua sendo bem conhecido mesmo para aqueles que têm pouco interesse pela música. Ele entrou na história mundial da cultura musical do século 20 como um grande mestre de combinar as tradições musicais da modernidade e da antiguidade.

As obras de Stravinsky quebraram a estrutura estabelecida, mudaram a atitude em relação ao folclore. Eles ajudaram a entender como uma canção folclórica, percebida pelo prisma da modernidade, ganha vida nas mãos do compositor. Graças a compositores como Stravinsky, no final do século XX, o prestígio do folclore aumentou e a etno-música se desenvolveu.

No total, o compositor escreveu oito partituras orquestrais para o teatro de balé: "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring", "Apollo Musaget", "Kiss of the Fairy", "Playing Cards", "Orpheus" , "Agon". Ele também criou três obras de balé com canto: "Bayka", "Pulcinella", "Casamento".

Taneev Sergey Ivanovich

romantismo musical impressionismo

Taneev Sergey Ivanovich - compositor russo, pianista, professor (1856-1915).

O nome deste grande músico e professor agora raramente é mencionado, mas em um exame mais atento causa respeito genuíno. Ele não se tornou famoso como compositor, mas dedicou toda a sua vida ao Conservatório de Moscou, educou músicos inegavelmente notáveis ​​como S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Glier, K. Igumnov e outros. Aluno de P. Tchaikovsky, S. Taneyev criou toda uma escola que distinguia compositores russos e soviéticos de compositores de todo o mundo. Todos os seus alunos continuaram as tradições da sinfonia de Taneyev. Muitos pessoas famosas Na virada dos séculos 19 e 20, como, por exemplo, Leo Tolstoy, eles o chamavam de amigo e consideravam uma honra se comunicar com ele.

Taneyev pode ser comparado a Sócrates, que, sem escrever obras filosóficas sérias, deixou para trás numerosos alunos.

Taneyev desenvolveu muitas teorias musicais, criou um trabalho único "Mobile counterpoint of strict writing" (1889-1906) e sua continuação "Teaching about the Canon" (final dos anos 90-1915). Todo artista, tendo dado sua vida à arte, sonha que seu nome não será esquecido pela posteridade. Nos últimos anos de sua vida, Taneyev estava muito preocupado por ter escrito poucas obras que nascessem como inspiração, embora escrevesse muito e intensamente. De 1905 a 1915 escreveu vários ciclos corais e vocais, obras de câmara e instrumentais.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - compositor soviético, pianista (1906-1975).

Shostakovich, sem dúvida, foi e continua sendo maior compositor Século XX. Contemporâneos que o conheceram de perto afirmaram que ele raciocinou algo assim: por que ir à loucura se os descendentes ainda o conhecerão por obras musicais? Shostakovich não agravou as relações com as autoridades. Mas na música, ele protestou contra a violência contra o indivíduo.

Ele escreveu a Sinfonia nº 7 (dedicada ao cerco de Leningrado).

Shostakovich viu com seus próprios olhos: como as pessoas morrem, como os aviões, as bombas voam, tentou em sua obra "Sinfonia No. 7" refletir todos os eventos que as pessoas experimentaram.

A Sinfonia foi executada pela Grande Orquestra Sinfônica do Comitê de Rádio de Leningrado. Durante os dias do bloqueio, muitos músicos morreram de fome. Os ensaios foram cancelados em dezembro. Quando retomaram em março, apenas 15 músicos enfraquecidos podiam tocar. Apesar disso, os concertos começaram já em abril. Em maio, o avião entregou a partitura da sinfonia à cidade sitiada. Para reabastecer o tamanho da orquestra, os músicos desaparecidos foram enviados da frente.

Shostakovich respondeu à invasão fascista com a Sinfonia nº 7 (1941), dedicada à cidade de Leningrado e reconhecida mundialmente como símbolo da luta contra o fascismo.

Impressionismo

No mais recente terços do século XIX século, uma nova direção apareceu - impressionismo (fr. impressionisme, de impressão - "impressão"), apareceu originalmente na pintura francesa. Os músicos impressionistas buscavam transmitir sensações sutis e complexas, buscavam refinamento e sofisticação do som. É por isso que eles estavam perto simbolismo literário(anos 70 do século 19 - 10 do século 20), que também se originou na França.

Os simbolistas exploraram as esferas desconhecidas e misteriosas, tentaram conhecer o "mundo ideal", escondido sob a capa da realidade. Compositores impressionistas muitas vezes se voltaram para a poesia e dramaturgia do simbolismo.

Fundador do impressionismo musical - compositor francês, pianista e maestro Claude Debussy (1862-1918). Em seu trabalho, a harmonia (e não a melodia) veio à tona, um papel importante foi atribuído ao som colorido da orquestra. As nuances do som tornaram-se as principais, que, como na pintura, refletiam tons de humor, sentimentos e impressões.

Os compositores buscaram retornar à clareza das harmonias, à simplicidade das melodias e formas, à beleza e acessibilidade da linguagem musical. Eles se voltaram para a polifonia, reviveram a música de cravo.

Max Reger

Características do romantismo tardio e do neoclassicismo foram combinadas na obra do compositor e maestro alemão Max Reger. Ele escreveu para órgão, orquestra, piano, violino, viola, conjuntos de câmara. Reger procurou compreender a herança do século XVIII, especialmente a experiência de Johann Sebastian Bach, e em suas obras se voltou para as imagens musicais de uma época passada. No entanto, sendo um homem na virada dos séculos XIX-XX, Reger satura a música com harmonias originais e timbres inusitados.

Neoclassicismo

O neoclassicismo tornou-se uma das oposições à tradição romântica do século XIX, bem como às correntes a ela associadas (impressionismo, expressionismo, verismo etc.). Além disso, o interesse pelo folclore aumentou, o que levou à criação de toda uma disciplina - a etnomusicologia, que estuda o desenvolvimento do folclore musical e compara processos musicais e culturais entre vários povos do mundo. Alguns se voltam para as origens de culturas antigas (Carl Orff) ou confiam inteiramente em Arte folclórica(Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Ao mesmo tempo, os compositores continuam ativamente experimentando em suas composições e descobrindo novas facetas e possibilidades de linguagem, imagens e estruturas harmônicas.

A queda dos princípios estéticos do século XIX, a crise política e econômica do início do novo século, curiosamente, contribuíram para a formação de uma nova síntese, que levou à penetração de outros tipos de arte na música: a pintura , gráficos, arquitetura, literatura e até cinematografia. No entanto leis gerais, que dominou a prática do compositor desde a época de I.S. Bach, foram quebrados e transformados.

Na virada dos séculos 19 para 20, terminou um longo e complexo processo de domínio das tradições, estilos e gêneros da cultura européia por músicos russos. Até o final do século XIX. Os Conservatórios de São Petersburgo e Moscou tornaram-se sólidos instituições educacionais. Todos os compositores de destaque daquela época e muitos artistas excelentes saíram de suas paredes. Havia escolas de instrumentistas, cantores e dançarinos. A ópera russa e a arte do balé conquistaram o público europeu. O Teatro Imperial desempenhou um papel importante no desenvolvimento do teatro musical. Ópera Mariinskii em São Petersburgo e a Ópera Privada Russa de Moscou, criada pelo industrial e filantropo russo Savva Ivanovich Mamontov (1841 - 1918).

A música russa da virada do século entrelaçou características do romantismo tardio e do impressionismo. Grande foi a influência das tendências literárias e artísticas e, sobretudo, do simbolismo. No entanto, os grandes mestres desenvolveram seus próprios estilos. Seu trabalho é difícil de atribuir a qualquer tendência em particular, e isso é uma prova da maturidade da cultura musical russa.

A primeira impressão que se tem quando se conhece a música do século XX, como se estivesse entre arte musical novo tempo e todos os séculos anteriores há um abismo - as diferenças na aparência sonora das obras são tão significativas.

Mesmo funciona de 10-30 anos. O século 20 parece ser excessivamente tenso e áspero no som. De fato, a música do século XX, assim como nos séculos anteriores, refletiu o mundo espiritual e emocional das pessoas, pois o ritmo da vida humana se acelerou, tornou-se mais rígido e intenso.

Acontecimentos trágicos e contradições - guerras, revoluções, progresso científico e tecnológico, totalitarismo e democracia, não apenas exacerbados sentimentos da alma, humano mas também levou a humanidade à beira da destruição. É por isso que o tema do confronto entre a vida e a morte se tornou uma chave na música do século XX. Não menos importante para a arte foi o tema do autoconhecimento do indivíduo.

O século XX foi marcado por muitas inovações na arte e na literatura associadas a mudanças catastróficas na consciência pública durante as revoluções e guerras mundiais. No final do século XIX e início do século XX, e especialmente na década pré-outubro, em todas as arte russa, e em particular a música, há um tema de expectativa de grandes mudanças que devem varrer a velha e injusta ordem social. Nem todos os compositores estavam cientes da inevitabilidade, da necessidade de revolução e simpatizaram com isso, mas todos ou quase todos sentiram a tensão pré-tempestade.

Novos conteúdos, como sempre, exigiram novas formas, e muitos compositores tiveram a ideia de uma renovação radical da linguagem musical. Em primeiro lugar, eles abandonaram o sistema tradicional europeu de modos e chaves. Surgiu o conceito de música atonal. Esta é a música em que um sistema claro de teclas não é determinado pelo ouvido, e as harmonias de acordes (harmonias) são associadas umas às outras livremente, sem observar regras estritas. Outra característica importante da linguagem musical do século 20 foram os sons incomuns. Para transmitir as imagens da vida moderna, eles usaram efeitos sonoros incomuns (o retinir e o triturar do metal, o rugido das máquinas-ferramentas e outros sons "industriais"), inventaram novas ferramentas. No entanto, outra forma deu resultados mais interessantes. Os compositores experimentaram instrumentos tradicionais: timbres mistos, tocados em registros inusitados, técnicas alteradas. E descobriu-se que uma orquestra sinfônica clássica ou formas operísticas podem mostrar perfeitamente a vida de uma cidade com seu complexo sistema de sons e ruídos e, o mais importante, mudanças imprevisíveis de pensamento e "interrupções" na psique humana no final do período. 2º milênio.

No entanto, pesquisas inovadoras não levaram à rejeição das tradições. Foi o século 20 que reviveu herança musicalépocas passadas. Após duzentos e trezentos anos de esquecimento, as obras de Monteverdi, Corelli e Vivaldi, mestres alemães e franceses do século XVII, começaram a soar novamente.

A atitude em relação ao folclore mudou radicalmente. No século 20, uma nova tendência apareceu - neo-folclorismo (do grego "neos" - "novo" e "folclore"). Seus adeptos apelaram ao uso de músicas folclóricas gravadas em áreas rurais profundas, não "suavizadas" de forma urbana. Tendo entrado no complexo tecido de uma sinfonia, sonata ou ópera, tal canção trouxe à música uma paixão sem precedentes, riqueza de cores e entonações.

Na virada dos séculos XIX-XX na cultura européia uma nova direção artística- Expressionismo (do latim expressio - "expressividade"). Seus representantes refletiram em suas obras a visão de mundo trágica de uma pessoa da época da Primeira Guerra Mundial - desespero, dor, medo da solidão. “A arte é um grito de socorro daqueles que vivenciam em si mesmos o destino da humanidade”, escreveu Arnold Schoenberg (1874-1951), fundador do expressionismo na música.

Arnold Schoenberg

O expressionismo musical se desenvolveu na Áustria, mais precisamente, em sua capital, Viena. Seus criadores são Arnold Schoenberg, Alban Berg e Anton Webern. A comunidade criativa de compositores entrou na história da música com o nome de nova escola vienense. Cada um dos mestres seguiu seu próprio caminho na arte, mas suas obras têm muito em comum. Primeiro de tudo - o espírito trágico da música, o desejo de experiências agudas e choques profundos. Atrás disso - uma intensa busca espiritual, o desejo de adquirir conhecimentos religiosos e ideais morais perdido pela maioria pessoas modernas. Finalmente, os três compositores desenvolveram um método unificado de composição musical - o sistema dodecafônico, que mudou drasticamente as ideias tradicionais sobre a estrutura modal e harmônica de uma obra.

A obra de Schoenberg resolve um problema principal - expressa o sofrimento humano por meio da música. Pressentimentos pesados ​​e lânguidos, uma sensação de horror lúgubre já são perfeitamente transmitidos em um trabalho inicial - Five Pieces for Orchestra (1909). Em termos de humor e forma, são prelúdios de câmara, mas foram escritos para uma grande orquestra sinfônica, e uma gravação de som fina e transparente se alterna com poderosos “gritos” de batidas de metais e tímpanos.

O resultado das reflexões de Schoenberg sobre os acontecimentos da Segunda Guerra Mundial foi a cantana "Sobrevivente de Varsóvia" (1947) para leitor, coro e orquestra. O texto é baseado em relatos autênticos de testemunhas oculares do massacre nazista dos habitantes do gueto judeu em Varsóvia. A música desta composição de grande escala, construída em uma série, é sustentada nas melhores tradições do expressionismo - é complexa, trágica e emocionalmente agravada. O compositor parece estar tentando apresentar seus heróis diante de Deus e da Eternidade e, assim, mostrar que seu sofrimento não foi em vão. A cantata termina com o canto de uma oração, e sua música, baseada nos sons da mesma série, cresce organicamente na trágica escuridão das partes anteriores.

vanguarda

As novas condições da realidade social tiveram impacto em toda a cultura artística como um todo, por um lado, dando um novo fôlego à tradição clássica, e por outro lado, dando origem a uma nova arte - a vanguarda (de o francês "avant-garde" - indo em frente), ou modernismo (do latim "modernus" - novo, moderno), refletindo mais plenamente a face do tempo. Em essência, o termo "modernismo" denota tendências artísticas, correntes, escolas e atividades de mestres individuais do século XX, que proclamaram a liberdade de expressão como base de seu método criativo.

O movimento musical de vanguarda abrange os anos 50-90. Século XX. Surgiu após a Segunda Guerra Mundial não por acaso: as convulsões do tempo de guerra e, em seguida, uma mudança acentuada no modo de vida, causaram decepção nos valores morais e culturais de épocas anteriores. Representantes da geração dos anos 50-60. Queria me sentir livre das tradições, criar minha própria linguagem artística.

O vanguardismo musical geralmente se refere à chamada música concreta, baseada na liberdade das consonâncias tonais, e não na série harmônica: o sonorismo é um dos tipos de técnica de composição moderna que utiliza principalmente sons coloridos (do latim “sonorus” - sonoro, barulhento) e praticamente ignora comunicações de tom preciso, música eletrônica. As primeiras pesquisas na direção da vanguarda foram realizadas no início do século 20 pelo compositor russo A.N. Scriabina. Alguns ouvintes ficaram cativados por seu poder inspirado, enquanto outros ficaram indignados com sua singularidade.

UM. Scriabin

A busca por novos métodos de criatividade deu vida a muitas estilos incomuns. Compositores como instrumentos "clássicos" usam equipamentos eletrônicos de gravação e reprodução de som - um gravador, um sintetizador e, nos últimos anos, um computador. O surgimento da música eletrônica foi causado pelo desejo de chamar a atenção para os "clássicos" de milhões de amantes do pop e do rock (onde instrumentos eletrônicos assume a liderança). No entanto, os compositores que trabalham neste campo também perseguem outro objetivo. Eles estão tentando explorar a complexa relação do homem com o mundo da tecnologia, que cada vez mais subordina a consciência das pessoas. Diálogo "ao vivo" do músico com seu "duplo" eletrônico na mais obras talentosas assume um profundo significado simbólico.

Acontecendo

A partir dos anos 50. na música, como em outros tipos de arte (por exemplo, no teatro), existe uma direção como acontecendo (do inglês, happening - "happening", "happening"). Sua fonte pode ser considerada a obra "4" 33 "(1954) do compositor norte-americano John Cage (nascido em 1912). Um pianista entra no palco, que se senta silenciosamente ao piano por quatro minutos e trinta e três segundos, depois fica levanta e vai embora A estreia aconteceu com um escândalo: o público esclarecido decidiu que estava simplesmente zombando, e o leigo teve a oportunidade de comentar condescendentemente: “Eu também posso”. dos planos do autor, mas não era um fim em si mesmo. Segundo os pesquisadores , Cage transformou os fenômenos da realidade circundante em uma obra musical: silêncio em antecipação ao início do jogo, sons produzidos pelos ouvintes (tossir, sussurrar O público e o músico agiam, assim, como intérpretes e como autores espontâneos. na verdade, uma pantomima silenciosa. John Cage

A arte musical do século XX está repleta de ideias inovadoras. Marca uma mudança fundamental em todos os aspectos da linguagem musical. No século XX, a música serviu muitas vezes como fonte de reflexão de terríveis acontecimentos históricos de época, testemunhados e contemporâneos dos quais foram a maioria dos grandes compositores desta época, que se tornaram inovadores e reformadores.

CONCLUSÃO

Assim, o século 20 foi um século de diversidade na música. A música do século XX, assim como nos séculos anteriores, refletiu o mundo espiritual e emocional das pessoas, pois o ritmo da vida humana se acelerou, tornou-se mais rígido e intenso.

Acontecimentos e contradições trágicos - guerras, revoluções, progresso científico e tecnológico, totalitarismo e democracia, não apenas exacerbaram as experiências emocionais inerentes às pessoas, mas também colocaram a humanidade à beira da destruição. É por isso que o tema do confronto entre a vida e a morte se tornou uma chave na música do século XX.

Não menos importante para a arte foi o tema do autoconhecimento do indivíduo. Representantes das novas gerações queriam se sentir livres das tradições, criar sua própria linguagem artística.

A arte musical do século 20 é extraordinariamente volumosa. Talvez não haja um único estilo musical histórico que não se reflita de uma forma ou de outra no colorido caleidoscópio musical do século XX. Nesse sentido, o século se tornou um marco. Tudo o que foi acumulado pelos séculos anteriores ao desenvolvimento da música e toda a originalidade das culturas musicais nacionais de repente se tornaram propriedade pública.

Cada época nos deu seus gênios. Sejam compositores do século 19 ou 20, suas obras já conquistaram seu marco na história da humanidade e se tornaram modelo para todas as gerações, não apenas na música, e, apesar da idade da criação, são chamadas a servir para o deleite das pessoas.

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Entre essas melodias, há um motivo para qualquer humor: romântico, positivo ou sombrio, para relaxar e não pensar em nada ou, inversamente, para organizar seus pensamentos.

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O compositor e pianista italiano trabalha na direção do minimalismo, muitas vezes se volta para o ambiente e combina habilmente a música clássica com outros estilos musicais. Ele é conhecido por um amplo círculo de composições atmosféricas que se tornaram trilhas sonoras de filmes. Por exemplo, você certamente reconhecerá a música da fita francesa "1 + 1" escrita por Einaudi.

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Glass é uma das personalidades mais controversas do mundo dos clássicos modernos, que é elogiado até os céus ou criticado com esmero. Ele está com seu próprio Philip Glass Ensemble há meio século e escreveu música para mais de 50 filmes, incluindo The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life e The Fantastic Four. As melodias do compositor minimalista americano borram a linha entre a música clássica e a popular.

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Autor de várias bandas sonoras, o melhor compositor de cinema de 2008 segundo a European Film Academy e um pós-minimalista. Os críticos cativaram do primeiro álbum Memoryhouse, no qual a música de Richter foi sobreposta a leituras de poesia, e os álbuns subsequentes também usaram prosa ficcional. Além de escrever suas próprias composições de ambiente, ele organiza obras clássicas: The Four Seasons, de Vivaldi, liderou as paradas de música clássica do iTunes em seu arranjo.

Este criador da música instrumental da Itália não está associado ao cinema sensacionalista, mas já é conhecido como compositor, virtuoso e experiente professor de piano. Se para descrever a música de Marradi em duas palavras, serão as palavras "sensual" e "mágica". Suas criações e capas vão agradar a quem gosta de clássicos retrô: notas do século passado são vistas através dos motivos.

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O famoso compositor de filmes criou acompanhamento musical para muitos filmes e desenhos animados de alta bilheteria, incluindo Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interestelar, Madagascar, The Lion King. Sua estrela ostenta na Calçada da Fama de Hollywood, e em sua estante estão Oscar, Grammy e Globo de Ouro. A música de Zimmer é tão variada quanto esses filmes, mas não importa o tom, ela toca um acorde.

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Hisaishi é um dos compositores japoneses mais famosos, tendo ganho quatro prêmios da Academia Japonesa de melhor trilha sonora. Ele ficou famoso por escrever a trilha sonora do anime de Hayao Miyazaki, Nausicaä of the Valley of the Wind. Se você é fã das fitas do Studio Ghibli ou de Takeshi Kitano, com certeza vai admirar a música de Hisaishi. É principalmente leve e leve.

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Este multi-instrumentista islandês é apenas um menino comparado aos mestres listados, mas aos 30 anos ele conseguiu se tornar um neoclássico reconhecido. Gravou acompanhamento de balé, ganhou um prêmio BAFTA pela trilha sonora da série de TV britânica "Murder on the Beach" e lançou 10 álbuns de estúdio. A música de Arnalds lembra um vento forte em uma praia deserta.

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As obras mais famosas de Lee Ru Ma são Kiss the Rain e River Flows in You. O compositor e pianista coreano da Nova Era escreve clássicos populares que são compreensíveis para ouvintes em qualquer continente, com qualquer gosto musical e educação. Suas melodias leves e sensuais para muitos se tornaram o começo do amor pela música de piano.

Dustin O'Halloran

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O compositor americano é interessante por não ter educação musical, mas ao mesmo tempo escreve a música mais agradável e bastante popular. As músicas de O'Halloran foram usadas em Top Gear e em vários filmes. Talvez a trilha sonora de maior sucesso tenha sido para o melodrama Like Crazy, compositor e pianista que sabe muito sobre a arte de reger e como criar música eletrônica. Mas seu campo principal são os clássicos modernos. Cacchapalla gravou muitos álbuns, três deles com a Royal Philharmonic Orchestra. Sua música flui como água, é ótimo relaxar sob ela.

Que outros compositores modernos valem a pena ouvir

Se você gosta de épico, adicione Klaus Badelt, que trabalhou com Zimmer em Piratas do Caribe, à sua playlist. Além disso, Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore e John Williams não devem ser esquecidos - você precisa escrever um artigo separado para listar todos os seus trabalhos, méritos e prêmios.

Se você quer mais neoclassicismo delicioso, preste atenção em Niels Fram e Sylvain Chauveau.

Se você não se cansar, lembre-se do criador da trilha sonora de "Amelie" Jan Tiersen ou descubra o compositor japonês Tammon: ele escreve melodias arejadas e oníricas.

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