Romantismo musical. Resumo “Obras para piano de compositores românticos

Os três principais palcos da música europeia XIX Romantismo século - inicial, maduro e tardio - correspondem aos estágios de desenvolvimento da música romântica austríaca e alemã. Mas esta periodização deve ser especificada e um tanto esclarecida em relação aos acontecimentos mais importantes da arte musical de cada país.
Estágio inicial do germano-austríaco romantismo musical remonta aos anos 10-20 do século XIX, que coincide com o clímax da luta contra o domínio napoleónico e o subsequente início de uma reação política obscura. O início desta etapa foi marcado por fenômenos musicais como as óperas “Ondine” de Hoffmann (1913), “Silvana” (1810), “Abu Hasan” (1811) e a peça programada para piano “Convite para a Dança” (1815). ) de Weber, as primeiras canções verdadeiramente originais de Schubert - “Margarita at the Spinning Wheel” (1814) e “The Forest King” (1815). Na década de 20, começou o apogeu do romantismo inicial, quando a genialidade do extinto Schubert se desenrolou com força total, quando “ Atirador mágico", "Euriate" e "Oberon" são as três últimas e mais perfeitas óperas de Beber, no ano de cuja morte (1820) um novo "luminar" irrompeu no horizonte musical - Mendelssohn-Bartholdy, que realizou um maravilhoso concerto abertura - Sonhe em noite de Verão.
A fase intermediária ocorre principalmente nos anos 30-40, seus limites são determinados pela Revolução de Julho na França, que teve um impacto significativo nos círculos avançados da Áustria e especialmente na Alemanha, e pela revolução de 1848-1949, que varreu poderosamente o terras germano-austríacas. Durante este período, a criatividade de Mendelssohn (falecido em 1147) e Schumann floresceu na Alemanha, cuja atividade composicional só ultrapassou a linha indicada durante alguns anos; As tradições de Weber são dissipadas em suas óperas de Marschner (seu melhor ópera- “Taps Geilsh:g” - foi escrito em 1833); nesse período, Wagner passa de compositor novato a criador de obras marcantes como Tannhäuser (1815) e Lohengrin (1848); no entanto, as principais realizações criativas de Wagner ainda estavam por vir. Na Áustria, nesta época, houve alguma calmaria no campo dos gêneros sérios, mas os criadores da música de dança cotidiana, Joseph Lainer e Johann Strauss, o Pai, foram ganhando fama.
O período tardio e pós-revolucionário do romantismo, que se estende por várias décadas (do início dos anos 50 até aproximadamente meados dos anos 90), esteve associado a uma situação sócio-política tensa (rivalidade entre a Áustria e a Prússia na unificação das terras alemãs, o surgimento de uma Alemanha unida sob o domínio da Prússia militarista e do isolamento político final da Áustria). Neste momento, o problema de uma arte musical unificada e totalmente alemã é agudo, as contradições entre vários grupos criativos e compositores individuais são reveladas mais claramente e surge uma luta de direções, às vezes refletida em polêmicas acaloradas nas páginas da imprensa. As tentativas de unir as forças musicais progressistas do país estão sendo feitas por Liszt, que se mudou para a Alemanha, mas seus princípios criativos associados às ideias de inovação radical baseada em software não são compartilhados por todos Músicos alemães. Uma posição especial é ocupada por Wagner, que absolutizou o papel do drama musical como “a arte do futuro”. Ao mesmo tempo, Brahms, que conseguiu em seu trabalho provar o significado duradouro de muitos clássicos tradições musicais em combinação com uma visão de mundo nova e romântica, ele se torna o chefe dos movimentos anti-Liszt e anti-Wagner em Viena. O ano de 1876 é significativo neste aspecto: a estreia de “Anel do Nibelungo” de Wagner acontece em Bayreuth, e Viena conhece a primeira sinfonia de Brahms, que abriu o período de maior florescimento de sua obra.

A complexidade da situação musical e histórica destes anos não se limita à presença de várias direcções com as suas origens; Viena. Na própria Viena, por exemplo, criam coisas tão diferentes umas das outras. amigos artistas, como Bruckner e Wolf, unidos por uma atitude comum de entusiasmo em relação a Wagner, mas ao mesmo tempo não aceitaram seu princípio de dramaturgia musical.
Em Viena, cria o filho de Johann Strauss, o líder mais musical do século” (Wagner). Suas maravilhosas valsas e posteriormente operetas fazem de Viena o maior centro de entretenimento musical.
As décadas pós-revolucionárias ainda são marcadas por alguns fenómenos marcantes do romantismo musical, mas já se fazem sentir sinais da crise interna deste movimento. Assim, o romântico em Brahms se sintetiza com os princípios do classicismo, e Hugo Wolf aos poucos se percebe como um compositor anti-romântico. Em suma, os princípios românticos perdem o seu significado exclusivo, sendo por vezes combinados com algumas tendências clássicas novas ou revividas.
No entanto, mesmo depois de meados dos anos 80, quando o romantismo estava claramente começando a se tornar obsoleto, surtos individuais de brilho ainda apareciam na Áustria e na Alemanha. criatividade romântica: as últimas obras para piano de Brahms e as últimas sinfonias de Bruckner são inspiradas no romantismo; Os maiores compositores da virada dos séculos XIX e XX - o austríaco Mahler e o alemão Richard Strauss - às vezes se manifestam como típicos românticos nas obras dos anos 80-90. Em geral, esses compositores tornam-se uma espécie de elo entre o século XIX “romântico” e o século XX “anti-romântico”.)
“A proximidade da cultura musical da Áustria e da Alemanha, devido às tradições culturais e históricas, não exclui, naturalmente, certas diferenças nacionais. composição nacional Na Alemanha e no Império Austríaco politicamente unido mas multinacional (“monarquia de retalhos”), as fontes que alimentaram a criatividade musical e as tarefas enfrentadas pelos músicos eram por vezes diferentes. Assim, na Alemanha atrasada, a superação da estagnação pequeno-burguesa e do provincianismo estreito era uma tarefa particularmente urgente, que, por sua vez, exigia diferentes formas de atividades educacionais dos principais representantes da arte. Nessas condições, o destacado compositor alemão não poderia limitar-se apenas a compor música, mas também deveria tornar-se uma figura musical e social. Com efeito, os compositores românticos alemães realizaram energicamente tarefas culturais e educativas e contribuíram para a elevação geral do nível de toda a cultura musical no seu país natal: Weber - como maestro de ópera e crítico musical, Mendelssohn - como maestro e professor titular, fundador do primeiro conservatório da Alemanha; Schumann - como crítico musical inovador e criador de um novo tipo de revista musical. Mais tarde, a atividade musical e social de Wagner, rara na sua versatilidade, desdobrou-se como maestro de teatro e sinfónica, crítico, esteticista, reformador de ópera e criador de um novo teatro em Bayreuth.
Na Áustria, com a sua centralização política e cultural (a hegemonia regimental de Viena como Centro Cultural), com as ilusões implantadas do patriarcado, da prosperidade imaginária e com o domínio real da reação mais brutal - a ampla atividade social era impossível1. A este respeito, não podemos deixar de chamar a atenção para a contradição entre o pathos cívico da obra de Beethoven e a passividade social forçada do grande compositor. O que podemos dizer de Schubert, que se formou como artista no período posterior ao Congresso de Viena de 1814-1815! O famoso círculo de Schubert era a única forma possível de unificação dos representantes avançados da intelectualidade artística, mas tal círculo não poderia ter uma ressonância pública genuína na Viena de Metternich. Por outras palavras, na Áustria, os maiores compositores eram quase exclusivamente criadores de obras musicais: não conseguiam expressar-se no domínio das atividades musicais e sociais. Isto se aplica a Schubert, e a Bruckner, e a Johann Strauss, o filho, e a alguns outros.
No entanto, na cultura austríaca devem ser notados fatores tão característicos que numa direção positiva influenciou a arte da música, conferindo-lhe ao mesmo tempo um sabor especificamente austríaco e “vienense”. Concentrados em Viena, numa peculiar combinação heterogénea, elementos de alemão, húngaro, italiano e Culturas eslavas criou aquele rico solo musical sobre o qual cresceu a criatividade democrática em sua orientação de Schubert, Johann Strauss e muitos outros compositores. A combinação dos traços nacionais alemães com os húngaros e os eslavos tornou-se mais tarde característica de Brahms, que se mudou para Viena.

Específico para a cultura musical da Áustria foi a distribuição extremamente ampla formas diferentes música divertida - serenatas, cassações, divertissements, que ocuparam lugar de destaque na obra dos clássicos vienenses Haydn e Mozart. Na era do romantismo, a importância da música cotidiana e de entretenimento não apenas permaneceu, mas tornou-se ainda mais forte. É difícil imaginar, por exemplo, olhar criativo Schubert sem aquela corrente folclórica do quotidiano que permeia a sua música e que remonta às festas vienenses, aos piqueniques, às férias nos parques e à produção casual de música de rua. Mas já na época de Schubert começou a ser observada uma estratificação na música profissional vienense. E se o próprio Schubert ainda combinava em sua obra sinfonias e sonatas com valsas e ländlers, que apareceram literalmente em centenas,1 bem como marchas, ecossais, polonaises, então seus contemporâneos Lainer e Strauss, o Pai, fizeram da música dançante a base de sua atividade. Posteriormente, esta “polarização” encontra expressão na correlação das obras de dois pares – o clássico da música de dança e opereta Johann Strauss, o Filho (1825-1899) e o sinfonista Bruckner (1824-1896).
Ao comparar o próprio austríaco e o alemão música do século XIX século, surge inevitavelmente a questão do teatro musical. Na Alemanha da era romântica, a ópera, a partir de Hoffmann, foi de suma importância como gênero capaz de expressar com a maior completude problemas reais cultura nacional. E não é por acaso que a grandiosa conquista Teatro alemão o drama musical Wagnerad apareceu na Áustria, as repetidas tentativas de Schubert de alcançar o sucesso no campo teatral não foram coroadas de sucesso." Não importa como se avalie o potencial criativo do próprio Schubert no campo da música teatral, não se pode deixar de admitir que isso a situação na Viena de Metternich não criou incentivos para a criatividade operística séria, não contribuiu para a criação de obras teatrais do “grande estilo”. Mas as performances folclóricas de natureza cômica floresceram – cantores de Ferdinand Raimund com música de Wenzel Müller e Joseph. Drexler, e mais tarde, cantores domésticos do teatro de I. N. Nestroy, que incorporou as tradições dos vaudevilles franceses (1801 - 1862). Como resultado, não foi o drama musical, mas a opereta vienense que surgiu na década de 70 que determinou o. conquistas do austríaco Teatro musical
à escala pan-europeia. Apesar de todas estas e outras diferenças no desenvolvimento da música austríaca e alemã, características comuns na arte romântica ambos os países são muito mais visíveis. O que são que distinguiu a obra de Schubert, Weber e dos seus sucessores mais próximos - Mendelssohn e Schumann - da música romântica de outros países europeus?
Letras íntimas e comoventes, repletas de devaneios, são especialmente típicas de Schubert, Weber, Mendelssohn e Schumann. A sua música é dominada por aquela melodia melodiosa, de origem puramente vocal, que costuma ser associada ao conceito do “Lied” alemão. Este estilo é igualmente característico de canções e muitos temas instrumentais melodiosos de Schubert, árias líricas de ópera de Weber, “Canções sem palavras” de Mendelssohn e imagens “Ebsebievsky” de Schumann. A melodia inerente a este estilo difere, no entanto, das cantilenas operísticas especificamente italianas de Bellini, bem como das voltas afetivas e declamatórias características dos românticos franceses (Berlioz, Menerbere).
Comparado ao progressivo Romantismo francês, distinguido pela euforia e eficácia, repleto de pathos civil, heróico-revolucionário, o romantismo austríaco e alemão parece geralmente mais contemplativo, egocêntrico, subjetivamente lírico. Mas a sua principal força está na revelação do mundo interior do homem, naquele psicologismo profundo, que se revelou de forma particularmente plena na música austríaca e alemã, determinando o impacto artístico irresistível de muitas obras musicais. Esse. no entanto, não exclui manifestações individuais brilhantes de heroísmo e patriotismo nas obras de românticos na Áustria e na Alemanha. Assim são a poderosa sinfonia heróico-épica em dó maior de Schubert e algumas de suas canções (“To the driver Kronos”, “Group from Hell” e outras), o ciclo coral “Lyre and Sword” de Weber (baseado em poemas de o poeta patriótico T. Kerner “ Estudos sinfônicos» Schumann, sua canção “Dois Granadeiros”; finalmente, páginas heróicas individuais em obras como a “Sinfonia Escocesa” de Mendelssohn (apoteose no final), o “Carnaval” de Schumann (final), sua terceira sinfonia (primeiro movimento). Mas o heroísmo do plano de Beethoven, o titanismo da luta são). revivido em nova base mais tarde - nos dramas musicais épicos heróicos de Wagner. Nos primeiros estágios do romantismo germano-austríaco, o princípio ativo e eficaz é muito mais frequentemente expresso em imagens de patético, excitado, rebelde, mas não refletindo, como em Beethoven, um processo de luta proposital e vitorioso. Assim são as canções “Shelter” e “Atlant” de Schubert, as imagens Florestan de Schumann, a sua abertura “Manfred”, a abertura “Run Blaz” de Mendelssohn.

As imagens da natureza ocupam um lugar extremamente importante nas obras de compositores românticos austríacos e alemães. O papel “empático” das imagens da natureza é especialmente grande nos ciclos vocais de Schubert e no ciclo “O Amor de um Poeta” de Schumann. A paisagem musical é amplamente desenvolvida em obras sinfônicas Mendelssohn; ele está associado principalmente aos elementos do mar ("Scottish Symphony", aberturas "Hebrides-", "Sea Silence and Happy Voyage"). Mas uma característica alemã característica das imagens de paisagem era aquele “romance da floresta”, que é tão poeticamente incorporado nas introduções das aberturas de Weber para “O Atirador Mágico” e “Oberon”, no “Noturno” da música de Mendelssohn à comédia de Shakespeare “Um Sonho de uma Noite de Verão". A partir daqui os fios se estendem para tal Sinfonias de Bruckner, como o quarto (“Romântico”) e o sétimo, à paisagem sinfônica “O farfalhar da floresta” na tetralogia de Wagner, à imagem da floresta na primeira sinfonia de Mahler.
O anseio romântico pelo ideal na música germano-austríaca encontra expressão específica, em particular, no tema da peregrinação, a busca da felicidade em outra terra desconhecida. Isso apareceu mais claramente nas obras de Schubert (“O Andarilho”, “A Bela Esposa do Moleiro”, “Winter Reise”) e, mais tarde, em Wagner, nas imagens do Holandês Voador, de Wotan, o Viajante, e do errante Siegfried. Essa tradição nos anos 80 dá origem ao ciclo de Mahler “Canções do Aprendiz Errante”.
Ótimo lugar, dada a imagens fantásticas, é também um traço tipicamente nacional do romantismo germano-austríaco (teve impacto direto no romântico francês Berlioz). Esta é, em primeiro lugar, a ficção do mal, o Demonismo, que encontrou o mais personificação vívida em “Siena no Vale do Lobo” da ópera “The Magic Shooter” de Weber, em “O Vampiro” de Marschner, a cantata “Noite de Walpurgis” de Mendelssohn e uma série de outras obras. Em segundo lugar, a fantasia é leve, sutilmente poética, fundindo-se com belas imagens da natureza cheias de entusiasmo: cenas da ópera “Oberon” de Weber, a abertura “Sonho de uma noite de verão” de Mendelssohn, e depois a imagem de Lohengrin de Wagner - o mensageiro do Graal. O lugar intermediário aqui pertence a muitas imagens de Schumann, onde a fantasia incorpora um começo maravilhoso e caprichoso, sem muita ênfase no problema do mal e do bem.
No domínio da linguagem musical, o romantismo austríaco e alemão constituiu toda uma época, extremamente importante do ponto de vista da evolução geral dos meios expressivos da arte. Sem nos determos no estilo único de cada grande compositor individualmente, observaremos as características e tendências mais gerais.

O princípio amplamente implementado de “cantabilidade” – uma tendência geral típica no trabalho de compositores românticos – também se estende à sua música instrumental. Consegue maior individualização da melodia por meio de uma combinação característica de canto real e voltas de declamação, canto de fundamentos, cromatização, etc. A linguagem harmônica é enriquecida: as fórmulas harmônicas típicas dos clássicos são substituídas por uma harmonia mais flexível e variada, o papel de plagalidade e etapas laterais do modo aumentam. Seu lado colorido torna-se importante na harmonia. A interpenetração gradualmente crescente de maior e menor também é característica. Assim, de Schubert, essencialmente, vem a tradição de comparações maiores-menores do mesmo nome (geralmente maior após menor), uma vez que esta se tornou uma técnica preferida em sua obra. O escopo de aplicação do harmônico maior está se expandindo (subdominantes menores em cadências de obras maiores são especialmente característicos). Em conexão com a ênfase no indivíduo e a identificação de detalhes sutis da imagem, há também conquistas no campo da orquestração (a importância da coloração específica do timbre, o papel crescente dos instrumentos solo, a atenção aos novos toques performáticos das cordas, etc.). Mas a própria orquestra basicamente não muda sua composição clássica.
Os românticos alemães e austríacos foram, em maior medida, os fundadores do programa romântico (Berlioz também pôde contar com as suas realizações na sua Sinfonia Fantástica). E embora o software como tal, ao que parece, não seja típico de Romântico austríaco Schubert, mas a saturação da parte pianística de suas canções com momentos figurativos, a presença de elementos de programação oculta presentes na dramaturgia de suas principais obras instrumentais, determinaram a significativa contribuição do compositor para o desenvolvimento de princípios programáticos na música. Entre os românticos alemães já existe um desejo acentuado de programação, tanto em música de piano(“Convite para Dançar”, “Konzertstück” de Weber, ciclos de suítes de Schumann, “Canções sem Palavras” de Mendelssohn), e em sinfônico ( aberturas de ópera Weber, aberturas de concerto, aberturas de Mendelssohn, aberturas "Manfred" de Schumann).
O papel dos românticos austríacos e alemães na criação de novos princípios composicionais foi grande. Os ciclos sonata-sinfônicos dos clássicos estão sendo substituídos por miniaturas instrumentais; ciclização de miniaturas, claramente desenvolvida no campo letras vocais em Schubert, transferido para a música instrumental (Schumann). Também surgiram grandes composições de um movimento, combinando os princípios da sonata e da ciclicidade (a fantasia para piano em dó maior de Schubert, o Concertstück de Weber, o primeiro movimento da fantasia de Schumann em dó maior). Os ciclos sonata-sinfônicos, por sua vez, sofreram mudanças significativas entre os românticos, surgindo vários tipos de “sonata romântica” e “sinfonia romântica”. Mas ainda assim, a principal conquista foi uma nova qualidade de pensamento musical, que levou à criação de miniaturas cheias de conteúdo e poder de expressividade - aquela concentração especial de expressão musical que fez de uma canção separada ou de uma peça de piano de uma parte o foco. de ideias e experiências profundas.

À frente dos países austríacos e Romantismo alemão havia indivíduos que não eram apenas brilhantemente dotados, mas também avançados em seus pontos de vista e aspirações. Isso determinou seu significado duradouro criatividade musical, seu significado como “novo clássico”, que ficou claro no final do século, quando clássicos musicais Os países de língua alemã foram representados, em essência, não só pelos grandes compositores do século XVIII e Beethoven, mas também pelos grandes românticos - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Estes notáveis representantes do romantismo musical, reverenciando profundamente os seus antecessores e desenvolvendo muitas das suas realizações, conseguiram ao mesmo tempo abrir completamente novo Mundo imagens musicais e suas formas composicionais correspondentes. O tom pessoal predominante no seu trabalho acabou por estar em sintonia com os estados de espírito e pensamentos das massas democráticas. Eles estabeleceram que na música caráter de expressividade, que é apropriadamente caracterizado por B.V. Asafiev como “discurso vivo e sociável, de coração a coração” e que torna Schubert e Schumann semelhantes a Chopin, Grieg, Tchaikovsky e Verdi. SOBRE valor humanístico direção musical romântica Asafiev escreveu: “A consciência pessoal se manifesta não em seu isolamento isolado e orgulhoso, mas em uma forma peculiar reflexão artística tudo o que as pessoas vivem e que as entusiasma sempre e inevitavelmente. Nessa simplicidade, soam invariavelmente belos pensamentos e reflexões sobre a vida - a concentração do que há de melhor em uma pessoa.”

Com seu culto à razão. Sua ocorrência deveu-se a vários motivos. O mais importante deles é decepção com os resultados da Revolução Francesa, que não correspondeu às expectativas nele depositadas.

Para romântico cosmovisão caracterizado por um conflito agudo entre realidade e sonhos. A realidade é baixa e não espiritual, está permeada pelo espírito do filistinismo, do filistinismo e só vale a pena ser negada. Um sonho é algo lindo, perfeito, mas inatingível e incompreensível à razão.

Se na literatura e na pintura direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento para meados do século XIX século, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como movimento desenvolvido em início do século XIX século e desenvolveu-se em estreita ligação com diversos movimentos da literatura, pintura e teatro. A fase inicial do romantismo musical é representada pelas obras de E. T. A. Hoffmann, N. Paganini; a fase subsequente (1830-50) - criatividade, . A fase tardia do romantismo se estende até final do século XIX século.

O principal problema da música romântica é apresentado problema de personalidade, e sob uma nova luz - no seu conflito com o mundo exterior. Herói romântico para sempre sozinho. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Muitas vezes associado a isso está o pensamento de personalidade criativa: uma pessoa fica solitária quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os heróis favoritos nas obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”, o poema sinfônico de Liszt “Tasso”).

Inerente música romântica profundo interesse em personalidade humana expresso na predominância nele tom pessoal. A divulgação de dramas pessoais frequentemente adquiridos entre os românticos uma sugestão de autobiografia, que trouxe uma sinceridade especial à música. Por exemplo, muitos estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. Personagem autobiográfico Wagner enfatizou suas óperas de todas as maneiras possíveis.

A atenção aos sentimentos leva a uma mudança de gênero - dominante Letras ganham posição, em que predominam imagens de amor.

Muitas vezes entrelaçado com o tema da “confissão lírica” tema natureza. Ressoando com Estado de espirito pessoa, geralmente é colorido por um sentimento de desarmonia. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a “grande” sinfonia em dó maior de Schubert).

Uma verdadeira descoberta de compositores românticos foi tema de fantasia. A música aprendeu pela primeira vez a incorporar imagens fabulosas e fantásticas puramente meios musicais. Nas óperas dos séculos XVII e XVIII, personagens “sobrenaturais” (como a Rainha da Noite) falavam em uma linguagem musical “geralmente aceita”, pouco se destacando do cenário de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a “Cena Wolf Gorge” em The Magic Shooter.

Altamente característico do romantismo musical é o interesse em Arte folclórica. Como os poetas românticos, que através do folclore enriqueceram e atualizaram linguagem literária, os músicos recorreram amplamente ao folclore nacional - músicas folk, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, etc.). Incorporando imagens literatura nacional, histórias, natureza nativa, eles confiaram nas entonações e ritmos do folclore nacional e reviveram antigos modos diatônicos. Sob a influência do folclore, o conteúdo da música europeia mudou dramaticamente.

Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento do romântico novos meios de linguagem musical e princípios de construção de forma, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música ( trastes naturais, comparações coloridas de maior e menor, etc.).

Como o foco dos românticos não está mais na humanidade como um todo, mas pessoa especial com seu sentimento único, respectivamente e nos meios de expressão, o geral dá cada vez mais lugar ao individual, ao individualmente único. A participação de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas em harmonia, padrões típicos em diminuições de textura - todos esses meios são individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.

O ponto mais importante estética o romantismo musical foi ideia de síntese artística, que encontrou sua expressão mais vívida em e em música do programa Berlioz, Schumann, Liszt.

Durante a era do romantismo, a música ocupou um lugar de destaque no sistema artístico. Isso se explica pela sua especificidade, que permite refletir da forma mais completa sentimentos da alma utilizando todo o arsenal de meios expressivos.

O romantismo na música aparece no século XIX nas obras de F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Um pouco mais tarde, esse estilo se refletiu nas obras de F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi e outros compositores.

O romantismo originou-se na Europa no início do século XIX. Tornou-se uma espécie de oposição ao classicismo. O romantismo permitiu ao ouvinte penetrar mundo mágico lendas, canções e contos. Princípio orientador esta direção- oposição (sonhos e vida cotidiana, mundo perfeito e vida cotidiana), criada pela imaginação criativa do compositor. Este estilo era popular entre pessoas criativas até a década de quarenta do século XIX.

O romantismo na música reflete problemas homem moderno, seu conflito com mundo exterior e sua solidão. Esses temas tornam-se centrais no trabalho dos compositores. Sendo talentoso e diferente dos outros, uma pessoa constantemente sente incompreensão por parte dos outros. Seu talento se torna a razão de sua solidão. É por isso que os heróis favoritos dos compositores românticos são poetas, músicos e artistas (R. Schumann “O Amor de um Poeta”; Berlioz - o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista” para a “Sinfonia Fantástica”, etc. ).

Transmitindo o mundo das experiências interiores de uma pessoa, o romantismo na música muitas vezes tem um toque de autobiografia, sinceridade e lirismo. Temas de amor e paixão são amplamente utilizados. Por exemplo, o famoso compositor R. Schumann dedicou muitas peças para piano à sua amada Clara Wieck.

O tema da natureza também é bastante comum nas obras dos românticos. Freqüentemente, os compositores contrastam isso com o estado de espírito de uma pessoa, colorindo-o com tons de desarmonia.

O tema da fantasia tornou-se uma verdadeira descoberta para os românticos. Eles estão trabalhando ativamente na criação de personagens de contos de fadas e fantasia e na transmissão de suas imagens por meio de vários elementos da linguagem musical (“A Flauta Mágica” de Mozart - Rainha da Noite).

Freqüentemente, o romantismo na música também se volta para a arte popular. Os compositores em suas obras usam uma variedade de elementos folclóricos (ritmos, entonações, modos antigos) retirados de canções e baladas. Isso permite enriquecer significativamente o conteúdo das peças musicais.

A utilização de novas imagens e temas tornou necessária a busca de formas adequadas e assim em obras românticas aparecem entonações de fala, modos naturais, contrastes de diferentes tonalidades e partes de solo (vozes).

O romantismo na música incorporou a ideia de uma síntese das artes. Exemplo disso são as obras programáticas de Schumann, Berlioz, Liszt e outros compositores (a sinfonia “Harold in Italy”, o poema “Preludes”, o ciclo “Years of Wandering”, etc.).

O romantismo russo refletiu-se vividamente nas obras de M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, Ts.

Em suas obras, A. Dargomyzhsky transmite imagens psicológicas multifacetadas (“Sereia”, romances). Na ópera “Ivan Susanin”, M. Glinka pinta quadros da vida do povo russo comum. As obras de compositores famosos são legitimamente consideradas o auge. Bando poderoso" Eles usam meios expressivos e entonações características inerentes às canções folclóricas russas, à música cotidiana, discurso coloquial.

Posteriormente, A. Scriabin (prelúdio “Dreams”, poema “To the Flame”) e S. Rachmaninov (estudos-fotos, ópera “Aleko”, cantata “Spring”) também se voltaram para este estilo.

A visão de mundo romântica é caracterizada por um forte conflito entre a realidade e os sonhos. A realidade é baixa e não espiritual, está permeada pelo espírito do filistinismo, do filistinismo e só vale a pena ser negada. Um sonho é algo lindo, perfeito, mas inatingível e incompreensível à razão.

O Romantismo contrastou a prosa da vida com o belo reino do espírito, a “vida do coração”. Os românticos acreditavam que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a razão. Segundo Wagner, “o artista apela ao sentimento, não à razão”. E Schumann disse: “a mente se perde, os sentimentos nunca”. Não é por acaso que a forma de arte ideal foi declarada a música, que, pela sua especificidade, expressa da forma mais plena os movimentos da alma. Foi a música da era do romantismo que ocupou um lugar de destaque no sistema artístico.
Se na literatura e na pintura o movimento romântico completa basicamente o seu desenvolvimento em direção ao meio Século XIX, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como movimento surgiu no início do século XIX e desenvolveu-se em estreita ligação com vários movimentos da literatura, pintura e teatro. A fase inicial do romantismo musical é representada pelas obras de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; a fase subsequente (1830-50) - a obra de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi.

A fase tardia do romantismo estende-se até ao final do século XIX.

O principal problema da música romântica é o problema da personalidade, e sob uma nova luz - no seu conflito com o mundo exterior. O herói romântico está sempre solitário. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Muitas vezes, o pensamento de uma personalidade criativa está associado a isso: uma pessoa se sente solitária quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os heróis favoritos nas obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, “Symphony Fantastique” de Berlioz com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”, o poema sinfônico de Liszt “ Tasso”).
O profundo interesse pela personalidade humana inerente à música romântica foi expresso na predominância de um tom pessoal nela. A revelação do drama pessoal muitas vezes adquiriu um toque de autobiografia entre os românticos, o que trouxe especial sinceridade à música. Por exemplo, muitas das obras para piano de Schumann estão relacionadas com a história de seu amor por Clara Wieck. Wagner enfatizou de todas as maneiras possíveis a natureza autobiográfica de suas óperas.

A atenção aos sentimentos leva a uma mudança de gêneros - as letras, nas quais predominam as imagens do amor, adquirem posição dominante.
O tema da natureza está muitas vezes entrelaçado com o tema da “confissão lírica”. Ressoando com o estado de espírito de uma pessoa, geralmente é colorido por um sentimento de desarmonia. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a “grande” sinfonia em dó maior de Schubert).
O tema da fantasia tornou-se uma verdadeira descoberta dos compositores românticos. Pela primeira vez, a música aprendeu a incorporar imagens fabulosas e fantásticas através de meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos XVII e XVIII, personagens “sobrenaturais” (como a Rainha da Noite de “ A Flauta Mágica") falava em uma linguagem musical “geralmente aceita”, pouco se destacando da formação de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns).
O interesse pela arte popular é altamente característico do romantismo musical. Tal como os poetas românticos, que enriqueceram e actualizaram a linguagem literária através do folclore, os músicos recorreram amplamente ao folclore nacional - canções folclóricas, baladas, épicos. Sob a influência do folclore, o conteúdo da música europeia foi dramaticamente transformado.
O ponto mais importante na estética do romantismo musical foi a ideia de uma síntese das artes, que encontrou sua expressão mais viva em criatividade operística Wagner e na música do programa de Berlioz, Schumann, Liszt.

Heitor Berlioz. "Sinfonia Fantástica" - 1. Sonhos, paixões...

Robert Schumann - “No esplendor...”, “Eu encontro o olhar..”

De ciclo vocal"Amor de Poeta"
Robert Schumann Heinrich Heine "No brilho dos dias quentes de maio"
Robert Schumann - Heinrich "Eu encontro o olhar dos seus olhos"

Roberto Schumann. "Jogadas fantásticas".

Schumann Fantasiestucke, op. 12 parte 1: não. 1 Des Abend e não. 2 Aufschwung

Folha. Poema sinfônico "Orfeu"

Frederic Chopin - Prelúdio nº 4 em Mi menor

Frederic Chopin - Noturno nº 20 em dó sustenido menor

Schubert abriu caminho para muitas novas gêneros musicais- improvisado, momentos musicais, ciclos de músicas, sinfonia lírico-dramática. Mas não importa que gênero Schubert escreveu - tradicional ou criado por ele - em todos os lugares ele atua como compositor nova era, a era do romantismo.

Muitas características do novo estilo romântico foram então desenvolvidas nas obras de Schumann, Chopin, Liszt e compositores russos da segunda metade do século XIX.

Francisco Schubert. Sinfonia Dó maior

Francisco Liszt. "Sonhos de Amor"

Weber. Coro de caçadores da ópera "Free Shooter"

Francisco Schubert. Improvisado nº 3

O texto é compilado de vários sites. Compilado por:Ninel Nick

Zweig estava certo: a Europa não viu uma geração tão maravilhosa como a dos românticos desde o Renascimento. Imagens maravilhosas do mundo dos sonhos, sentimentos nus e o desejo de uma espiritualidade sublime - essas são as cores que pintam a cultura musical do romantismo.

O surgimento do romantismo e sua estética

Enquanto a revolução industrial ocorria na Europa, as esperanças depositadas na Grande Revolução foram esmagadas nos corações dos europeus. Revolução Francesa. O culto da razão, proclamado pela Era do Iluminismo, foi derrubado. O culto aos sentimentos e ao princípio natural no homem ascendeu ao pedestal.

Foi assim que surgiu o romantismo. Na cultura musical existiu por pouco tempo mais de um século(1800-1910), enquanto nas áreas afins (pintura e literatura) o seu mandato expirou meio século antes. Talvez a música seja “culpada” por isso - era a música que estava no topo das artes entre os românticos como a mais espiritual e mais livre das artes.

Porém, os românticos, ao contrário dos representantes das épocas da antiguidade e do classicismo, não construíram uma hierarquia das artes com sua clara divisão em tipos e. O sistema romântico era universal; as artes podiam transformar-se livremente umas nas outras. A ideia de uma síntese das artes foi uma das chaves da cultura musical do romantismo.

Essa relação dizia respeito também às categorias da estética: o belo combinava-se com o feio, o alto com o vil, o trágico com o cômico. Essas transições foram interligadas pela ironia romântica, que também refletia uma imagem universal do mundo.

Tudo o que tinha a ver com beleza encontrado novo significado entre os românticos. A natureza tornou-se objeto de adoração, o artista foi idolatrado como o mais elevado dos mortais e os sentimentos foram exaltados acima da razão.

A realidade sem espírito foi contrastada com um sonho, lindo, mas inatingível. O romântico, com a ajuda da imaginação, construiu seu novo mundo, diferente de outras realidades.

Que temas os artistas românticos escolheram?

Os interesses dos românticos manifestaram-se claramente na escolha dos temas que escolheram na arte.

Tema da solidão. Um gênio subestimado ou uma pessoa solitária na sociedade - esses foram os principais temas entre os compositores desta época ("O Amor de um Poeta" de Schumann, "Sem o Sol" de Mussorgsky).
Tema de "confissão lírica". Em muitas obras de compositores românticos há um toque de autobiografia (“Carnival” de Schumann, “Symphony Fantastique” de Berlioz).
Tema do amor. Basicamente, este é o tema do amor não correspondido ou trágico, mas não necessariamente (“Amor e Vida de uma Mulher” de Schumann, “Romeu e Julieta” de Tchaikovsky).
Tema do caminho. Ela também é chamada tema de andanças. A alma romântica, dilacerada por contradições, procurava o seu caminho (“Harold in Italy” de Berlioz, “The Years of Wandering” de Liszt).
Tema da morte. Basicamente foi a morte espiritual (Sexta Sinfonia de Tchaikovsky, Winterreise de Schubert).
Tema da natureza. A natureza aos olhos do romance e de uma mãe protetora, de uma amiga empática e de um destino punitivo (“Hébridas” de Mendelssohn, “In Ásia Central" Borodin). O culto à terra natal (polonaises e baladas de Chopin) também está ligado a este tema.
Tema fantasia. O mundo imaginário dos românticos era muito mais rico que o real (“The Magic Shooter” de Weber, “Sadko” de Rimsky-Korsakov).

Gêneros musicais da era romântica

A cultura musical do romantismo deu impulso ao desenvolvimento dos gêneros de letras vocais de câmara: balada("O Rei da Floresta" de Schubert), poema("Donzela do Lago" de Schubert) e músicas, muitas vezes combinado em ciclos("Murtas" de Schumann).

Ópera romântica distinguiu-se não só pelo carácter fantástico do enredo, mas também pela forte ligação entre a palavra, a música e a acção cénica. A ópera está sendo sinfonizada. Basta recordar o “Anel dos Nibelungos” de Wagner com a sua desenvolvida rede de leitmotifs.

Entre os gêneros instrumentais do romance estão miniatura de piano. Para transmitir uma imagem ou o estado de espírito de um momento, basta uma pequena peça. Apesar de sua escala, a peça transborda expressão. Ela poderia ser "música sem palavras" (como Mendelssohn) mazurca, valsa, noturno ou peças com títulos programáticos (“The Rush” de Schumann).

Assim como as canções, as peças às vezes são combinadas em ciclos (“Butterflies” de Schumann). Ao mesmo tempo, as partes do ciclo, fortemente contrastantes, sempre formaram uma única composição devido às ligações musicais.

Os românticos adoravam a música programática, que a combinava com a literatura, a pintura ou outras artes. Portanto, o enredo em suas obras era frequentemente controlado. Surgiram sonatas de um movimento (sonata em si menor de Liszt), concertos de um movimento (Primeira concerto de piano Liszt) e poemas sinfônicos(“Preludes” de Liszt), sinfonia em cinco movimentos (“Symphony Fantastique” de Berlioz).

A linguagem musical dos compositores românticos

A síntese das artes, glorificada pelos românticos, influenciou os meios de expressão musical. A melodia tornou-se mais individual, sensível à poética da palavra, e o acompanhamento deixou de ser neutro e de textura típica.

A harmonia foi enriquecida com cores inéditas para contar as experiências do herói romântico. Assim, as entonações românticas do langor transmitiam perfeitamente harmonias alteradas que aumentavam a tensão. Os românticos adoraram o efeito do claro-escuro, quando o maior foi substituído pelo menor de mesmo nome, e os acordes dos passos laterais, e as belas comparações de tonalidades. Novos efeitos também foram descobertos na música, principalmente quando era necessário transmitir o espírito folclórico ou imagens fantásticas na música.

Em geral, a melodia dos românticos primava pela continuidade do desenvolvimento, rejeitava qualquer repetição automática, evitava a regularidade dos acentos e respirava expressividade em cada um dos seus motivos. E a textura tornou-se um elo tão importante que seu papel é comparável ao papel da melodia.

Ouça que mazurca maravilhosa Chopin tem!

Em vez de uma conclusão

A cultura musical do romantismo da virada dos séculos XIX e XX experimentou os primeiros sinais de crise. A forma musical “livre” começou a se desintegrar, a harmonia passou a prevalecer sobre a melodia, sentimentos sublimes as almas românticas deram lugar a medos dolorosos e paixões vis.

Essas tendências destrutivas puseram fim ao Romantismo e abriram caminho para o Modernismo. Mas, tendo terminado como movimento, o romantismo continuou a viver tanto na música do século XX como na música do século atual nas suas diversas componentes. Blok estava certo quando disse que o romantismo surge “em todas as épocas da vida humana”.